Cuente a Olivia Rodrigo como una de los muchos cinéfilos perturbados por “Beau Is Afraid” de Ari Aster, que A24 estrenó en los cines a principios de este año. Hablando con su colega músico Phoebe Bridgers para la revista Interview antes del lanzamiento de su segundo álbum, “Guts”, Rodrigo admitió que tuvo que abandonar “Beau Is Afraid” porque era muy aterrador.

“Soy una gran chica de suspenso, pero veo algunas películas de terror aquí y allá”, dijo Rodrigo. “Me convenzo de que veo mierda después de llegar a casa después de ver ‘Insidious’ o algo así. Además, vi la nueva película de Ari Aster, ‘Beau Is Afraid’, y me asusté mucho. Literalmente tuve que salir del teatro. Nunca en mi vida había tenido una reacción tan visceral ante una película. Se sintió como un mal viaje con ácido”.

«Esa es la película más aterradora que he visto en mi vida, pero me reí todo el tiempo», respondió Bridgers.

“Esa es la única reacción razonable”, dijo Rodrigo. “Tu cuerpo simplemente no puede procesarlo. Tienes que reírte”.

“Beau Is Afraid” dividió a la crítica y al público y sólo recaudó 11 millones de dólares en todo el mundo, muy por debajo de las ganancias mundiales de las películas anteriores de Aster, “Hereditary” (82 millones de dólares) y “Midsommar” (48 millones de dólares). La película está protagonizada por Joaquin Phoenix como un solitario angustiado que emprende una odisea en su hogar para reconectarse con su madre.

“Espero que la gente vuelva a verla”, dijo recientemente Aster a la revista Empire sobre la respuesta divisiva de la película. “Definitivamente es una película que creo que se beneficiaría si regresara. No creo que sepas muy bien qué es hasta que lo hayas leído por completo. Me imagino que, con suerte, la segunda visualización sería rica de una manera que la primera no puede. Está diseñado para luchar con él. Considero que la película es picaresca y creo que parte de esa tradición es una cierta irreverencia hacia la integridad de cualquier tipo de estructura narrativa. La película está diseñada para cambiar mucho de forma”.

Aster añadió: “Yo diría que es la película de la que estoy más orgulloso. Creo que es la mejor película que he hecho. Me encanta la película y realmente espero que la gente la siga encontrando”.

En otra parte de su discusión en la revista Interview, Rodrigo elogió más “Crepúsculo”, calificándola de “una obra cinematográfica impecable”.

«He estado obsesionada con esto desde que era muy joven», dijo. “Mi mamá encontró todos estos dibujos de vampiros que hice cuando tenía literalmente 4 años. Pensé: ‘Dios, estaba manifestando esto desde una edad tan temprana’”.

El nuevo álbum de Rodrigo, “Guts”, se lanza el 8 de septiembre.

«After Hours» llegó en un momento extraño para Martin Scorsese. Lo creas o no, el aclamado cineasta estaba esencialmente en la cárcel del director en ese momento, luego del fracaso de ‘El rey de la comedia’. Después de eso, Scorsese intentó hacer ‘La última tentación de Cristo’, pero el proyecto fracasó. Luego Luego vino el guión de «After Hours». Scorsese estaba intrigado, principalmente porque la naturaleza autónoma del guión convenció al cineasta de que podía rodar la película de manera sucia y rápida. Y eso es exactamente lo que hizo.

El resultado final es una de las películas más subestimadas de Scorsese, que ahora forma parte de Criterion Collection. Una noche, el neoyorquino Paul Hackett (Griffin Dunne) conoce a Marcy (Rosanna Arquette), una joven que le llama la atención. Se dirige a su casa en SoHo para lo que claramente espera que sea una noche de sexo, pero nada sale bien para el pobre Paul. Al igual que Job, se ve empujado a través de un tormento tras otro, efectivamente castigado por el universo por querer tener sexo. En el camino, se encuentra con un personaje extraño tras otro, todos los cuales parecen volverse en contra de Paul eventualmente (el elenco de apoyo es increíble, con Verna Bloom, Linda Fiorentino, Teri Garr, John Heard, Catherine O’Hara e incluso Cheech & Chong). Sudoroso, divertido y extraño, «After Hours» se siente como Scorsese en modo punk rock, filmando rápido con el maestro de fotografía Michael Ballhaus para crear la noche perfecta del infierno.

En cuanto a la carrera de Scorsese, se recuperó, pero no con «After Hours». Fue su siguiente película, la foto de Paul Newman/Tom Cruise «El color del dinero», lo que finalmente hizo que el cineasta volviera al negocio a lo grande. Pero «After Hours» es superior a «Money» y se siente más como una verdadera película de Scorsese.

Características especiales:

• Nueva restauración digital 4K, aprobada por la editora Thelma Schoonmaker, con banda sonora monoaural sin comprimir
• En la edición 4K UHD: Un disco 4K UHD de la película presentado en Dolby Vision HDR y un Blu-ray con la película y características especiales
• Nueva conversación entre el director Martin Scorsese y la escritora Fran Lebowitz
• Comentario de audio con Scorsese, Schoonmaker, el director de fotografía Michael Ballhaus, el actor y productor Griffin Dunne y la productora Amy Robinson
• Documental sobre la realización de la película con Dunne, Robinson, Schoonmaker y Scorsese
• Nuevo programa sobre el aspecto de la película con la diseñadora de vestuario Rita Ryack y el diseñador de producción Jeffrey Townsend
• Escenas eliminadas
• Remolque
• Subtítulos en inglés para personas sordas y con problemas de audición.
• ADEMÁS: Un ensayo de la crítica Sheila O’Malley

El drama surrealista de tres horas de Ari Aster «Beau Is Afraid» marcó un cambio de tono con respecto a sus películas que inducen pesadillas «Midsommar» y «Hereditary».

En el largometraje, que aborda el trauma heredado y los problemas de mamá, Joaquin Phoenix interpreta a Beau, quien se encuentra en un viaje odisea para regresar a casa después de la prematura muerte de su madre. Para la música de la película, Aster reclutó al compositor de «Midsommar» Bobby Krlic, pero, a diferencia de su última colaboración, crear la música de «Beau Is Afraid» fue un «proceso largo y arduo» mientras trabajaban para descifrar el sonido del viaje de Beau.

Aquí, los dos hablan sobre su colaboración y cómo una pista, «Suburban Dream», ayudó a desbloquear el paisaje sonoro de la película.

¿Cómo describiría su relación y cómo ha evolucionado desde que se conocieron?

Aster: Me acerqué a él porque había escrito «Midsommar» mientras escuchaba su música, específicamente su primer álbum homónimo como Haxan Cloak. Me puso en un espacio que se sentía inextricable. Sabía que quería que lo anotara si estaba dispuesto a hacerlo. Nos llevábamos bien y teníamos los mismos gustos musicales y cinematográficos. Con «Midsommar», simplemente comenzamos intercambiando correos electrónicos y él me envió música y pensamientos, pero eso no obtuvo los resultados más rápidos en lo que respecta a la alineación de los dos.

Krilic: La mayor parte se tiró.

Aster: Recuerdo sentirme alarmado, y la idea era volar a Los Ángeles para ver si podíamos encarrilar las cosas. Empezamos a trabajar juntos ese primer día y marcamos un tercio de la película ese primer día. Descubrimos que necesitábamos estar juntos en la misma habitación y teníamos una forma muy fructífera de comunicarnos en persona.

Krilic: Recuerdo que Ari dijo ese primer día: “No tengamos miedo de hacer el ridículo, avergonzarnos o sentir algo. Solo sé completamente abierto y todo vale”. Creo que entrar en eso sin expectativas fue la mejor manera de comenzar.

Aster: Para ser claros, la música que envió Bobby era hermosa, simplemente no encajaba. De alguna manera, solo comunicarse a través del correo electrónico no funcionaba. Pero cuando empezamos a trabajar juntos en persona, lo encontramos útil. Tiende a no ser a través de palabras que comunicamos. Es mucho gesticular.

Krilic: Es algo palpable. Puedo sentir cuando estás sentado allí, y estoy tocando algo, si está funcionando.

¿Qué pasó al componer “Beau Is Afraid”, particularmente en ese último acto con la épica banda sonora en torno a su madre, interpretada por Patti LuPone?

Krilic: Es algo difícil de desempacar. Este me lanzó donde estaba como, «Joder, esto no es lo mismo», y fue mucho trabajo duro.

Aster: La película sigue cambiando, y saltas de mundo en mundo, y ese tono cambia en cada mundo. Los ritmos cambian mucho, y eso aún necesitaba ser cohesivo. Fue difícil para nosotros encontrar esos temas. Hubo muchos momentos en los que sentimos que lo habíamos encontrado y luego nos dimos cuenta de que no. Fue un proceso muy largo y arduo en este caso. También era solo una cuestión de que nos hubieran echado a perder en el primero. [“Midsommar”]porque eso se unió rápidamente.

Krilic: Probablemente fue lo más difícil que he tenido que hacer… Me hizo ir a lugares a los que no pensé que podría ir, y me hizo hacer un esfuerzo adicional.

Aster: Nuestras ideas originales eran más pequeñas que donde estábamos cuando llegamos. También fue la primera vez que tuve una editora musical, Katherine Miller, y hay que decir que ella nos ayudó mucho a ambos. Cuando ambos estábamos golpeando nuestras cabezas contra la pared, ella entró y pudo conectar muchos hilos que se nos escapaban.

Krilic: Cuando estás tan metido en algo y pasas horas al día en una habitación, fue increíble tener a alguien como Katherine mirando ese material con los ojos muy abiertos.

Aster: Hubo un par de temas que guardó colocándolos en otro lugar porque no funcionaban del todo donde estaban. El tema de la madre es muy fuerte y claro. Pero “Suburban Dream” es revelador. Y hubo una epifanía al final de la película de que al menos se debería experimentar con la señal para que esa pieza musical final traiga esa sensación de un sueño suburbano melancólico.

Krilic: Lo mezclamos con un motivo vocal que aparece en cada acto. Se sentía como una sirena que es un hilo, sin que Beau lo supiera y lo guiaba al acto final de la película.

Aster: La sirena era lo que sabíamos traer al final. Me encantó que hay una sensación de anhelo que sientes con esa pieza.

¿Cuál fue la instrumentación detrás de eso?

Krilic: Son violonchelos bajos y violas. Cuando Beau se encuentra en esa casa, hay una sensación de desapego y desplazamiento. La idea era no decir demasiado, pero también lo suficiente. Empezó mucho más melódico con un violín. Fue un proceso de reducción. El principal desafío fue tener cosas que pueden ser definitivas, pero que también pueden, al igual que la película, girar en un centavo y tomarte por sorpresa y poder moverte con fluidez entre diferentes lugares.

El frenesí edípico de Aster es claro desde el principio. Beau le tiene miedo a su madre. En el transcurso de las tres horas de la película, la madre de Beau, una y otra vez, dicta su ansiedad, a veces directamente. Mona es una presencia malvada, que hace todo lo posible para hacer culpable a Beau, para lastimarlo, para dañarlo psicológicamente deliberadamente. Vemos en flashbacks, donde Zoe Lister-Jones interpreta a Mona y Armen Nahapetian interpreta a Beau, lo poco saludable que es su relación. Mona le dice a Beau que su padre murió en el instante en que Beau fue concebido. Desde entonces, Beau ha tenido un miedo paralizante al sexo, pensando que él también morirá si alguna vez tiene un orgasmo.

La sección central de «Beau Is Afraid» es una pesadilla clásica. Gracias a la caída de un candelabro, Mona ha muerto. Beau tiene la tarea de regresar a casa para el funeral por un abogado enojado interpretado por Richard Kind. Si Beau no llega en las próximas 48 horas, se perderá el funeral y en lo sucesivo será considerado el peor hijo de la historia. Sin embargo, no puede salir de la ciudad porque el paisaje horrible y podrido lo ha dejado herido y al cuidado de habitantes de los suburbios extrañamente plácidos interpretados por Amy Ryan y Nathan Lane. Nadie puede darle dinero para un boleto de avión y nadie puede llevarlo. Los habitantes de los suburbios se vuelven contra él y Beau huye al bosque. Con cada segundo que pasa, la culpa aumenta.

El único respiro de Beau es esencialmente fantasía. Hay una secuencia onírica en el bosque donde Beau ve una representación teatral improvisada de su propia vida. Incluso en la fantasía, Beau desearía ser simplemente un anciano perdido y un padre… pero uno que nunca tuvo sexo.

Armen Nahapetian quiere que el mundo sepa: «No soy IA». El actor de 16 años está ganando notoriedad, pero no solo por interpretar una versión adolescente del inquieto titular de Joaquin Phoenix en la épica comedia negra de Ari Aster «Beau Is Afraid». Agregó el descargo de responsabilidad a su biografía de Instagram porque la gente sigue pensando que no es una persona real, sino un Phoenix envejecido digitalmente.

“Fui al cine hace unas semanas y uno de los empleados estaba señalando el cartel que decía: ‘¡Oh, Dios mío, eres real!’”, recuerda Nahapetian, hablando con Variedad.

El póster principal presenta cuatro versiones de Beau, todas posando con un pijama de satén gris brillante. Hay un fénix con un sombrero de granjero, un fénix con calvicie de patrón masculino, un fénix enterrado bajo las arrugas y un nahapetiano de rostro terso. La confusión del empleado del teatro puede parecer absurda, pero el razonamiento tiene sentido: aquí hay tres Joaquin Phoenixes; por inferencia, el cuarto debe ser uno también, ¿verdad?

La confusión de “Beau” va más allá del arte clave. Las fotografías de Nahapetian en el estreno de la película dejaron estupefactos a un buen número de usuarios de las redes sociales, quienes también habían confundido al actor con un Fénix envejecido después de ver el tráiler.

La confusión puede interpretarse como un síntoma de que el público ahora espera que los actores se transformen digitalmente en los medios que ven. Alguna vez tecnología de vanguardia, estos efectos se han convertido en un ingrediente habitual en la dieta mediática del público, apareciendo en prácticamente todos los proyectos de Marvel e incluso en películas de presupuesto modesto como “The Unbearable Weight of Massive Talent” y “Scream VI”.

Los avances en la IA generativa han automatizado muchos pasos en el trabajo de efectos visuales y estos programas son cada vez más accesibles. Cristóbal Valenzuela, CEO de la empresa de investigación de IA Runway, dijo Variedad en febrero que las herramientas de IA se están empleando en producciones que no las hubieran parecido hace unos años, como la ganadora del Oscar independiente «Everything Everywhere All at Once» e incluso «The Late Show» de Stephen Colbert.

“Todos podrán hacer las películas y los éxitos de taquilla que solo un puñado de personas pudieron hacer”, dijo Valenzuela.

Los tráilers del próximo «Indiana Jones and the Dial of Destiny» promocionan una pieza de locomotora con un Harrison Ford envejecido digitalmente. Para lograr el efecto, Lucasfilm introdujo imágenes de referencia en un programa de inteligencia artificial, haciendo que el actor de 80 años se pareciera a su yo de 38 años en “Raiders of the Lost Ark”.

Hace ocho años, otra película aprovechó los recuerdos colectivos de Ford de los cinéfilos. “The Age of Adaline”, protagonizada por Blake Lively como una mujer que no envejece, eligió a Anthony Ingruber para las secuencias retrospectivas del personaje de Ford. Ingruber fue contratado después de volverse viral por su extraña impresión de Han Solo. Si la película se concibiera hoy, ¿considerarían los productores emplear efectos de envejecimiento en su lugar?

Estas alteraciones digitales tienen un impacto latente en la relación del público con las estrellas. Desde los dinosaurios de «Jurassic Park» hasta el inframundo de neón de «Tron», CGI ha producido espectáculos fuera de la realidad desde su primera integración en el cine. Ahora, los efectos visuales también pueden alterar a los artistas, tanto en grados sutiles como dramáticos. Agregue a eso la invasión de videos profundamente falsos cada vez más indetectables y clones de voz que proliferan en las redes sociales. Tales desarrollos pronostican un dilema: ¿Cuál es el valor de un actor cuando un espectador no puede discernir con precisión si ese es uno en pantalla?

Por extraña que parezca la situación de Nahapetian, sin duda podría volver a suceder. De hecho, ya ha sucedido antes. Durante la segunda temporada de «Ted Lasso», se estaba gestando una teoría de los fanáticos de que el personaje de Brett Goldstein, el veterano de fútbol malhablado Roy Kent, era una creación CGI. Quizás fue la iluminación tenue de la serie Apple TV+ o el vello facial asombrosamente simétrico de Goldstein lo que despertó sospechas.

“Es bastante desconcertante, porque he visto muchas películas de ciencia ficción. Y comencé a decir, ‘Tal vez lo soy [CGI],’”, bromeó Goldstein en “Jimmy Kimmel Live!” En el momento. “Me implantarían recuerdos para hacerme creer que no lo era”.

Nahapetian tampoco podría haber previsto su difícil situación, pero la ha aceptado con sentido del humor.

«Es medio en broma, pero medio en serio», dice Nahapetian sobre su biografía actualizada de Instagram. “Pensé que la gente eventualmente se daría cuenta de que, ya sabes, soy un chico de verdad”.

ALERTA DE SPOILER: Esta historia analiza los principales puntos de la trama de «Beau Is Afraid», que actualmente se proyecta en los cines.

En el acto final del viaje de ansiedad de tres horas de Ari Aster «Beau Is Afraid», Beau, interpretado por Joaquin Phoenix, llega muy tarde al funeral de su madre y se encuentra reunido con su amor de la infancia Elaine, interpretada por Parker Posey. Es una reunión incómoda para los dos, pero terminan juntos en la cama. Justo cuando están a punto de tener relaciones sexuales, Elaine saca su teléfono y comienza a sonar la introducción del éxito de 1995 de Mariah Carey, «Always Be My Baby».

Hablando por Zoom, la supervisora ​​musical de la película, Jemma Burns, dijo que Aster le dijo durante su primera reunión: «‘Si hay algo que haces por mí en esta película, tengo que tener esta canción de Mariah Carey'».

Burns, cuyos créditos incluyen «Okja» y «Top of the Lake», sabía que tenía que asegurar la canción. La mejor manera de hacerlo era que Aster escribiera una carta.

“Cuando me acerco a alguien, pienso en el mejor ángulo. ¿Estamos apelando al hecho de que Ari es un director muy respetado de locas películas de terror?”. dice Burns. «Carey no solo es un músico de primera, sino que es una escena escandalosa».

Mientras suena la canción, Beau experimenta un orgasmo por primera vez en su vida. Toda su vida, Beau ha estado convencido de que un orgasmo lo mataría. Elaine sigue sonando la melodía mientras continúa moviéndose encima de él.

“Esta es su improvisación lenta que pone para que él se anime, y la ayudará a superar este momento”, dice Burns.

Pero no es Beau quien muere. El destino de Elaine es sombrío. Su clímax le provoca la muerte.

“Decir que es escandaloso es quedarse corto”, dice el supervisor musical. “Le sugerí a Ari que escribiera [Mariah Carey] una carta. Es un poco como una puñalada en la oscuridad no saber cuál es la mejor manera de acercarse a ella”.

Burns esperaba que el enfoque de artista a artista fuera la forma más convincente de atraer a Carey, en lugar de pasar por la gente de negocios y todos los demás.

Estás hablando directamente. Ari le explicó cómo escuchaba la canción mientras escribía la película y que la canción es en gran medida el ADN de la película. Es la canción pop más perfecta jamás escrita”, comparte Burns.

En el caso de que Carey no aprobara los derechos, Burns tenía algunas canciones como respaldo.

“Traté de convencerlo de que mirara otras canciones”, dice Burns. Además, estaba preocupada por el presupuesto: la película costó 35 millones de dólares «solo por el tamaño de esa canción».

Sin embargo, Aster le mostró a Carey la escena en la que sonaría la canción y «A24 fue un gran apoyo todo el tiempo», dice Burns.

Si bien Burns está orgullosa de que el equipo haya conseguido la sincronización, también está orgullosa de otra sincronización de John Zorn, el músico de vanguardia con sede en Nueva York.

“Por lo general, no está interesado en otorgar licencias para películas. Inicialmente, me dijo: ‘Simplemente no tengo licencia para mi música’”. Una vez que Burns le dijo que era para Aster, Zorn cambió de tono. “Él dijo: ‘Amo a Ari y estoy muy feliz por su éxito. Dile que lo respaldaré en cualquier cosa’”.

El título de «Corrina, Corrina» es en sí mismo una referencia a una vieja canción de country blues. La historia involucra al personaje de Ray Liotta, un viudo, que contrata a Corrina Washington de Whoopi Goldberg para que sea la niñera de su hija.

Estrenada en 1994, «Corrina, Corrina» se anunció a sí misma como «una comedia-comedia romántica», lo que podría parecer una elección extraña y completamente aleatoria para un huevo de Pascua de «Beau Is Afraid». Sin embargo, parte de la razón por la que el personaje de Liotta recurre a Corrina en busca de ayuda es que su hija se ha vuelto muda y retraída ante la ausencia de su madre. Con frases como «Cuando tu madre se ha ido, crecer puede ser difícil», tiene cierto sentido que «Corrina, Corrina» encuentre su camino en el trasfondo de «Beau Is Afraid» (que se defiende a sí mismo , de todos modos, como un tipo de película extraña y absolutamente aleatoria).

En su entrevista con Vox, Ari Aster también habló sobre la alegría de trabajar con la diseñadora de producción Fiona Crombie y «asegurarse de que el mundo esté lleno de detalles» en «Beau Is Afraid». Una cosa es segura: «Corrina, Corrina» no es la única grasa de pollo que se encuentra en la película y, a juzgar por algunas de las otras críticas mixtas de «Beau Is Afraid», Aster tal vez podría haber soportado usar menos huevos y recortar algo de esa grasa de su película de tres horas. Hagas lo que hagas, simplemente no mires la película sobre hongos, si Joaquin Phoenix tiene algo que decir al respecto.

«Beau Is Afraid» ya está en los cines.

Después de que las personas sin hogar abandonan el apartamento de Beau como si hubiera sido devastado por un huracán de categoría 5, él llama a su madre. Sin embargo, un hombre no identificado contesta su teléfono, para su sorpresa. Después de un intercambio confuso, el hombre dice que es un empleado de correos que estuvo en la casa de Mona para entregar un paquete. Su puerta estaba ligeramente entreabierta, por lo que entró, solo para descubrir el cadáver de una mujer. El cartero le pide a Beau que describa a Mona, pero cuando comienza con sus rasgos faciales, el cartero le pide que describa cómo es su cuerpo. Verás, la mamá de Beau fue asesinada por un candelabro que cayó sobre su cabeza.

Aster es un maestro en generar terror, lo que funciona maravillosamente bien en esta escena de comedia oscura. Desde el momento en que un hombre contesta el teléfono de Mona, inmediatamente sabemos que algo anda mal. Las bromas incómodas aumentan el suspenso mientras anhelamos saber qué le sucedió a la madre de Beau. Esperamos que su muerte sea algo más común, como un ataque al corazón o un accidente automovilístico, no el accidente de payasadas que se nos presenta. Si bien la muerte de Mona está fuera de la pantalla, no hace nada para socavar el estilo casi «Looney Tunes» de su fallecimiento. Su naturaleza invisible solo lo exagera, ya que nos vemos obligados a usar nuestra imaginación para conjurar el escenario ridículo.

Lo que hace que la nueva versión de Aster de este símbolo recurrente sea tan interesante es que ha renunciado por completo a la ruta de la discapacidad al representarlo. Más bien, el trágico sacrificio de la película se le otorga a un hombre anónimo adornado con tatuajes (Karl Roy), uno de los muchos que ingresan al edificio de apartamentos de mala muerte del antihéroe titular (Joaquin Phoenix) aparentemente sin razón alguna. Está fuertemente implícito que el conglomerado de fabricación de drogas que la madre de Beau, Mona (Patti LuPone y Zoe Lister-Jones) ha hecho que todo el país pierda la cabeza, y este distinguido hombre no es una excepción.

Después de tener que dormir en los andamios fuera de su complejo de apartamentos, Beau regresa a su apartamento saqueado y encuentra muerto al hombre tatuado, aparentemente mordido por un recluso pardo que ha estado aterrorizando al edificio. Lo que hace que esta revelación sea aún peor es que se había apoderado del teléfono del desafortunado protagonista e intentó llamar al 911, muriendo antes de que pudiera escribir el último «1» en el teclado del teléfono.

Esto no solo enfatiza la humanidad del personaje en un mundo donde a la mayoría de las personas les han quitado la suya, sino que también muestra cuán depravada es realmente la sociedad de la película. Puedes ser asesinado por algo tan prevenible, pero en un mundo enloquecido, nadie intentará siquiera recoger tu cuerpo. Cómo esto eventualmente termina reflejando la relación de Beau con su madre, específicamente cómo se acusan mutuamente de obligarlos a morir solos, es sorprendentemente conmovedor incluso dos horas después.