Una cosa que recuerdo sobre el encierro es algo extraño que sucedió cuando terminó el encierro. Después de días, semanas y meses de estar en el interior (educación en casa, charlas enmascaradas con los repartidores de Tesco y un sinfín de atracones de Netflix de Under Deck), solo salir fue una especie de sobrecarga sensorial salvaje.

Y me refiero a cualquier tipo de salida al exterior. Sacar los contenedores sin calzarse: tantos guijarros y pedazos de arena bajo los pies en el camino de entrada. Dando un paseo por los Downs cerca de nuestra casa: los colores, las ramas parpadeantes y las espinas, las superficies cambiantes de la brisa que pasa. Al principio siempre sería Demasiado, y luego algo cambiaría. La sensación no disminuiría exactamente. Todavía sería demasiado. Lo que cambió fue que entendería que Too Much era precisamente lo que me estaba perdiendo.

Los videojuegos son increíblemente buenos en Too Much, un punto que se subrayó, y se resaltó en amarillo neón, y se señaló con lluvia de estrellas garabateadas y llamas Biro, esta semana con la llegada de Turbo Overkill. Turbo Overkill es un juego de disparos de la vieja escuela entregado con el estilo de la generación actual, y a Rick le encantó hasta el punto de darle cinco estrellas en su reseña.

¡Hola! Eurogamer celebra una vez más el Mes del Orgullo con otra semana de funciones que celebran la intersección de la cultura queer y los juegos. Hoy, Eli Cugini celebra el lado más torpe de la representación LGBTQ+ y la belleza extraña y cruda que a veces se encuentra dentro.

Mi juego de ritmo favorito, que no nombraré porque lo pago £ 10 todos los meses y quiero que tomes mejores decisiones de vida que yo, recientemente tuiteó que presentaban Muse’s Plug In Baby en su pase de temporada del Mes del Orgullo. ¿Su razonamiento? «Muse se ha esforzado continuamente en escribir letras positivas LGBTQIA+. Originalmente, se suponía que su éxito de 2001, Plug In Baby, hablaría sobre el transhumanismo, antes de volverse más abstracto. ¡Toca el riff pegadizo ahora a través de nuestro Tour Pass: RAINBOW RHYTHMS!»

Para aquellos que no están versados ​​en lo que significa ‘transhumanismo’ (significa mejora humana tecnológica y no tiene mucho que ver con las personas transgénero), esto es muy estúpido. Hilarantemente estúpido. Es lo más divertido que he leído en toda la semana. Venid, humanos trans, tocad mi riff pegadizo. Pero hay una calidez en ello: algún representante de las redes sociales, en algún lugar, se está acercando torpemente a personas como yo. Realmente no hablan mi idioma, y ​​no tienen las herramientas más efectivas para llegar a mí, pero el resultado no es dañino ni aplastante. Es gracioso. Incluso podría ser involuntariamente profundo.

Este es mi tercer escrito de la Semana del Orgullo para Eurogamer. He escrito sobre el uso de Twine por parte de las personas trans y sobre la representación queer puntiaguda en una variedad de juegos explícitamente queer. Todos los días de mi vida hablo sobre el arte de las personas queer y cómo nos hacemos visibles en el mundo. Pero he estado pensando mucho, últimamente, en la riqueza de la confusa rareza (a veces tan confusa que apenas se puede llamar «representación») en algunos juegos que he jugado de desarrolladores directos, y la sorprendente alegría que he encontrado en ellos. ; los placeres extraños y mixtos de un juego cuya curiosidad por lo queer no está restringida por una clara intención, conocimiento o propiedad.

Específicamente, he estado pensando en Danganronpa. He pasado 80 horas de mi vida jugando la serie Danganronpa, sin incluir las 20 horas que pasé viendo un juego completo de Danganronpa Another Episode: Ultra Despair Girls en YouTube. (En realidad, no quería jugarlo. La jugabilidad es muy mala). Si no está familiarizado con la serie Danganronpa, es una serie de novelas visuales Battle-Royale-meets-Ace-Attorney que es, francamente, una locura, en formas que se desvían hacia lo incomprensible y lo genial. Los estudiantes de secundaria se ven obligados a matarse unos a otros por un oso de peluche con una inclinación por los monólogos beckettianos. Las secciones de juego combinan el club de debate con la puntería. Uno de los personajes más importantes de la franquicia es un asesino en serie de fama mundial que ocasionalmente tiene arrebatos al azar sobre las tetas de otros estudiantes. No puedo hablar de esta serie con gente normal.

Una de las razones por las que la serie atrae tanto a sus jugadores es su continua subversión de las expectativas del jugador, incluidas las expectativas del arquetipo de chico heterosexual nerd al que supuestamente apuntan los juegos y en el que caen la mayoría de sus protagonistas. Ahora, a pesar de mi amor por la serie (especialmente las entregas 1 y 2), Dangaronpa no debería ser la primera opción de nadie para una buena representación queer. En un juego, una estudiante sale del armario como un chico cuando es asesinada y alguien ve sus genitales (es complicado, el estudiante se identifica como un chico, pero el estilo del caso sigue siendo malo), y en otro juego hay un horrible personaje afeminado manejado cuya presentación de género se supone que se deriva de que es un psicópata incestuoso.

Pero también hay una intimidad queer sorprendentemente tierna y discreta en los juegos, así como otras dinámicas divertidas y poderosas codificadas entre personajes. Una chica musculosa con una voz profunda cuida y protege a una chica más pequeña con un comportamiento alegre, eventualmente sacrificándose por ella. Una niña ve morir a su mejor amiga codificada como lesbiana y se da cuenta de cuánto la ha querido. Los niños se obsesionan de manera asesina y coqueta con otros niños, o con amigos tan cercanos que uno al morir deja al otro inconsolable. Mientras tanto, varios de los casos de los juegos dependen de explotar el hecho de que el jugador puede confiar demasiado en los personajes femeninos bonitos y dulces, o puede estar tan concentrado en los atuendos de esas chicas bonitas que se pierde la pista clave del asesinato que está justo en frente de su cara. .

Estamos en una era extraña en lo que respecta a la representación queer y los derechos queer: una en la que se considera apropiado hablar de boquilla sobre formas anodinas de inclusión queer: el amor es amor, contra el odio, aquí hay un paño de cocina arcoíris, etc. pero donde esa propiedad tiene bases inestables y, por lo tanto, a menudo se pliega frente a las campañas de odio de la derecha. En ese contexto, pienso mucho en las formas en que lo queer siempre ha sido visto como fascinante y poderoso por algunas personas que no son queer, incluso cuando también se lo ha visto como aterrador y amenazante. Los desarrolladores de Danganronpa no tienen las palabras correctas o no las usarán, no están muy conectados con posibles jugadores queer y, en consecuencia, a veces cometen errores y recurren a estereotipos dañinos. Pero también tienen un gran interés en el poder y la belleza de las dinámicas queer y las formas en que enriquecen las historias que cuentan. ¡Siguen inventando personajes gay por accidente porque ser gay es interesante!

Lo queer no debería estar en los juegos para adaptarse a una categoría de marketing, al igual que tampoco debería dejarse de lado para adaptarse a una categoría de marketing: debería estar en los juegos porque los homosexuales intercambian púas, provocan rivalidades asesinas y se miran fijamente. a través de habitaciones llenas de gente es la base de la narración humana básica, ya sea que llamemos a los personajes explícitamente homosexuales o no.

Esta Semana del Orgullo, voy a reproducir mi caso favorito de Danganronpa (2-4, si sabes que lo sabes), y me consolaré un poco con esto: las culturas queer son tan vibrantes y creativamente fructíferas que incluso si se creyera que no existen , la gente seguiría intentando inventarlos.

Halle Berry es una actriz ganadora de un Oscar que ha tenido una larga y exitosa carrera en el cine (incluyendo una victoria Razzie). También es conocida por su deslumbrante belleza y audaces elecciones de moda que acompañan sus apariciones públicas. Y mientras el X Men icon es sinónimo de glamour, en realidad armarlo puede ser un desafío. Caso en cuestión: Berry muestra hilarantemente las «alegrías» de lo que se necesita para lograr un look de alfombra roja en las redes sociales, diciendo «no necesitamos tanto lubricante».

Aparte de su talento como actriz, Berry también es conocida por su presencia A+ en las redes sociales, a menudo respondiendo a publicaciones sobre ella. o aplaudir a los que odian. Recientemente abrió el telón sobre lo que es meterse en el glamour Instagram, incluida la lucha de entrar en prendas personalizadas. En el clip se puede ver a su estilista lubrificando su pie en un intento de usar una bota que no le quedaba del todo bien. Compruébalo a continuación:

Temprano en carril de centeno, queda muy claro que el público se encuentra con algo especial. Después de conocerse en una exposición de arte, los dos protagonistas se presentan formalmente en una concurrida esquina de la calle principal homónima de Peckham. “Dom, ¿verdad? Soy Yas”, dice Vivian Oparah, luciendo una bufanda con estampado de leopardo, una chaqueta amarilla y un impactante bolso rosa de piel sintética. “Encantado de conocerte”, dice Dom de David Jonsson, ofreciendo un cortés apretón de manos. Yas mira fijamente la palma extendida, sonríe y devuelve una reverencia fingida, luego, juguetonamente, agrega un golpe de puño callejero en su pecho. Es dulce y divertida, con una química fácil, y captura a la perfección el choque cultural que el debut como directora de Raine Allen-Miller desmantela tan singularmente.

Porque para David Jonsson y Vivian Oparah, ser las estrellas de una gran comedia romántica no es algo que estuviera destinado a suceder. “Sobre el papel, no estamos destinados a ser protagonistas románticos”, explica Jonsson con naturalidad.

Jonsson, por supuesto, ya es bien conocido como una de las estrellas del drama vanguardista Sex in the City de HBO. Industriamientras Oparah estaba en el Médico que escindir Clase y está listo para protagonizar el thriller de Sky que pronto se estrenará entonces tu corres. Dadas esas credenciales, es difícil escuchar a Jonsson poner ese pensamiento en palabras, casi un cuarto de siglo después del clásico de Richard Curtis. colina de notting (1999). Pero ahí está, simplemente no estamos acostumbrados a ver a los actores británicos negros como las estrellas de las comedias románticas.

Es genial, entonces, que sean las caras de carril de centeno, una de las películas británicas más frescas que ha llegado a los cines en años. Escrito por Tom Melia y Nathan Bryon, carril de centeno cuenta la historia de Dom y Yas, veinteañeros, extraños desconsolados que se conocen por casualidad y pasan un día vagando por el sur de Londres, contándose sobre sus sueños y decepciones. Las chispas vuelan, se besan, chocan… pero seguramente no es un spoiler señalar que las cosas eventualmente se resolverán solas al final.

Es una hermosa película que captura hábilmente el encanto y el color de Peckham y Brixton (tiendas de comida caribeña, tías en las peluquerías, extrovertidos locales) y los protagonistas se sienten identificables y familiares. Desde su ambientación en los lugares reales del sur de Londres hasta su elenco, carril de centeno se siente divertido y único, y no es algo que haya pasado desapercibido para sus estrellas.

La historia continúa

“Me encanta que Dom se esfuerce o se vaya a casa”, dice Jonsson sobre su personaje. “Es un ser emocional legítimo y no se disculpa por ello. Lo muerde, obviamente, ya que lo lleva a romper con su señora. Pero eso me encanta; no puedes vivir [by] la mitad y creo que a veces, como jóvenes negros, lo hacemos”.

Cuando conocemos a Dom, él está llorando en un cubículo de baño, aplastado por una ruptura. A pesar de que la relación terminó de manera extraordinaria hace seis meses, Dom está atormentado por pensamientos de que su exnovia seguirá adelante sin él. Es esta presentación vulnerable de un joven negro lo que realmente hizo que Jonsson sintiera que su personaje y esta película eran especiales. “Eso es lo que no hemos visto mucho en la pantalla, o en una película basada en Peckham”, señala. “¿Podrías atrapar a mí llorando en un baño? Probablemente no, pero he aprendido mucho de Dom. Si lo sientes, hazlo de vez en cuando”.

Del mismo modo, Oparah está completamente encantada con su personaje. Impulsivo y de espíritu libre, Yas dirige gran parte de la acción en la película, señalando el lado positivo de cada nube y sacando al mojigato Dom de su caparazón. Eventualmente, nos enteramos de que parte de su exuberancia confiada es un mecanismo de defensa: por dentro, está luchando contra la ansiedad profesional y sus propios problemas de relación. Para Oparah, interpretar a un personaje con un arco romántico también es algo, lamentablemente, que se siente fuera de lo común.

“Como mujeres jóvenes de piel oscura, a menudo somos hipersexualizadas o desrománticas”, dice. “No puedes ser visto en un contexto romántico; solo puedes ser visto como un objeto sexual. Ser una representación de solo una mujer negra en todas sus complejidades, y visualmente con mis rasgos de África occidental… sí, se siente fabuloso.

“No puedo creerlo”, agrega con una sonrisa. “Creo que eso también fue lo que me atrajo de la película. Yo estaba como, ‘Alguien quiere a mí, como uno de los protagonistas de una comedia romántica? OK, genial, claramente estas personas están intervenidas, lo entienden.’ Me hizo dar todo en el proceso de audición, incluso más. Porque estoy en la audición y todos claramente se parecen a nosotros”.

Esto no fue una coincidencia: Allen-Miller y el director de reparto Kharmel Cochrane estaban decididos a que la película contara específicamente con actores principales de piel oscura. Como mujer negra de tez más clara, Allen-Miller es consciente de los prejuicios que a menudo hacen que las personas con tonos de piel más oscuros sean menospreciadas en favor de las de piel más clara, y se aseguró de que su película no cayera en las trampas. de otros que le precedieron.

“Hay un mundo en el que incluso alguien que se parece a mí es elegido primero para un papel como Yas o Dom”, dice Allen-Miller. “Sentí que era importante que tuviéramos dos protagonistas de piel oscura porque quiero ver más. Es tan simple como eso. También es que eran las mejores personas para el trabajo, pero quería que los protagonistas fueran negros de piel oscura. Tenemos que verlo.

Como la emoción por carril de centenoEl lanzamiento de creció en línea, al igual que el discurso disidente, y algunos cuestionaron si la exposición en la pantalla grande de estos vecindarios de Londres contribuiría a la gentrificación en esas áreas. No importa el hecho de que Peckham ha atravesado un rápido proceso de gentrificación en los últimos años y vio un aumento del 45,7 por ciento en los precios de las propiedades entre 2014 y 2018. Es tan probable que encuentre un salón de uñas a precio reducido como uno artesanal. panadería por estos lares, pero aún así, un guardián artículo preguntaba si la película haría por Peckham lo que colina de notting hizo por la zona en la que se basa, hace 24 años. Este es un punto para el que Allen-Miller está preparada: pone los ojos en blanco y exhala con exagerada molestia cuando surge el tema.

“Todo lo que quería hacer en esta película era capturar las cosas que son tan especiales e importantes sobre el sur de Londres”, explica. “Está cambiando, y por eso es importante tener esta película. Si cambia, al menos tenemos esto para mirar hacia atrás”.

Allen-Miller se mudó de Manchester a una propiedad de protección oficial en Brixton a los 12 años, antes de mudarse a Peckham mientras estudiaba ilustración en Camberwell College of Arts. A pesar de que todavía tiene rastros de un acento mancuniano, se considera profundamente una habitante del sur de Londres, y al poner su casa en cámara, Allen-Miller considera carril de centeno un homenaje a los lugares que ama. “Así es como veo a Peckham y Brixton, y así es como lo ven muchas personas que conozco que crecieron en esas áreas”, dice. “Creo que la gentrificación es triste y está sucediendo en todo Londres. Pero todo lo que estoy tratando de hacer es capturar este lugar por lo que es y lo que tiene de bueno. Y yo también soy culpable: me encanta un flat white, me encanta una masa madre. Pero también me encanta una hamburguesa. Es importante capturar esas cosas especiales como comida para llevar jamaicana y Nour Cash and Carry en Brixton, ahora mismo”.

Gran parte de la discusión en torno carril de centeno toca el hecho de que, a pesar de ser 2023, es difícil pensar en otras comedias románticas británicas con actores negros como protagonistas. Donde el instinto de muchas personas sería pensar en amor en realidado las películas de Bridget Jones primero, también son producciones que tienen pocos ejemplos de la diversidad de Londres.

Con esto en mente, el cameo de Colin Firth es más que una sorpresa divertida. Por una vez, un veterano del género no es a quien el público ha venido a ver; Firth, quien protagonizó ambas amor en realidad y El diario de Bridget JonesTiene una breve escena que representa un paso del testigo a una nueva hornada de talento. «Tenía muchas ganas de hacer un guiño descarado a todos estos tipos de películas en las que aparece», dice Allen-Miller. «No había duda de que la gente iba a hacer comparaciones con otras comedias románticas británicas cuando saliera la nuestra, así que realmente quería tener una referencia clara».

Para ambas estrellas, carril de centeno es un ejemplo del trabajo que esperan hacer en el futuro; trabajo que rompe el techo de los roles que tradicionalmente se les pide a los actores negros que asuman. “A veces no logramos interpretar a esos personajes excéntricos y un poco más extraños”, dice Oparah. “Se trata de tener confianza para contar las historias menos convencionales y no tener que tener ninguna característica redimible; solo para ser humano y complejo. Existimos en todas las formas y tamaños, buenos y malos, feos, malvados y fantásticos. No hay límite.

Aunque hay mucho que decir sobre la importancia de una película como esta, el objetivo tanto de las estrellas como del director es simple: carril de centenoEl propósito es entretener.

“Quiero que la gente sea feliz y que la haya pasado bien”, se encoge de hombros Allen-Miller. “Hay tantas cosas por ahí que pueden hacerte sentir triste, y esas cosas son realmente importantes. Pero esta película no es eso. Es a la que vas, solo para sonreír”.

Rye Lane ya está en los cines

¿También filmaste en túneles reales del metro de Londres?

Payne: Lo hicimos. Creo que una de las cosas de las que la gente no se da cuenta es que la red de túneles que existe debajo de nuestros pies en Londres es bastante extensa y extraordinaria. La cantidad de túneles fantasmas que cuando estamos en el Metro, y por supuesto no están iluminados, no podemos verlos. Que cuando recorramos nuestro viaje diario normal y ordinario en metro, pasaremos por una serie de túneles fantasma. Y de nuevo, TfL [Transport for London], todos tenemos suerte de que sean fans de «Luther». Han ayudado a «Luther» a lo largo del camino en lugares difíciles a lo largo de la serie. Así que estaban dispuestos a abrir los túneles y dejarnos filmar allí.

Y déjame decirte, hubo un momento en el que estaba hablando de la secuencia y Neil y yo caímos. Estábamos solo Neil y yo en estos túneles fantasmales, esos sonidos y esas sombras. Ahora había estado allí varias veces antes, pero ver a Neil reaccionar ante este espacio de nuevo realmente me recordó [of] la cosa de la que Neil habla mucho. Escribe este increíble miedo primitivo en estas historias porque es lo que siente. No es lo que él quiere que la gente sienta. Es como se siente. Y tuve la oportunidad de estar en esos espacios con Neil, que es algo que no olvidaré, déjame decirte.

Cross: Jamie, mi amigo, me está llamando gallina ante la cámara.

Payne: ¡No, no lo soy!

Cross: Justo en público, llamándome cobarde. Pero, por supuesto, tiene toda la razón.

Esa es otra cosa que tiene en común con «American Werewolf». Porque esa película tiene la gran secuencia en el metro de Londres.

Payne: Ah, sí.

Cruz: Por supuesto.

Payne: Ahora, ¿puedo decirte algo sobre eso? «American Werewolf in London», hay una toma que robé o en la que me inspiré. Creo que nunca se lo he admitido a Neil, pero Neil dirá que lo noté.

Cruz: En la temporada 5.

Payne: En la temporada 5, en el autobús en esa terrorífica secuencia donde atacan a la señora sola en un autobús nocturno. Hay una toma en la que puedes ver a nuestro asesino entrar en la parte inferior del cuadro y arrastrarse. Y eso fue absolutamente robado de «American Werewolf in London».

Creo que mientras se vea bien, no hay nada de malo en robar. Ahí está ese disparo [season 3] eso es muy «Suspiria», donde la cabeza del tipo es empujada por el techo.

Payne: Sí.

Cross: Oh bueno, siempre y cuando estas cosas se hagan con amor, esa es la clave. Y una de las cosas que nos anima tanto a Jamie como a mí es que somos fanáticos de las cosas. Y está el robo cínico, está el robo que surge de la quiebra creativa. Y hay como los Beatles interpretando a Chuck Berry. Es una función del amor.

Sí, como un homenaje.

Cruz: Si. Ni siquiera es eso. Es tan genial, es algo divertido de hacer.

Hablando de ser fanáticos de las cosas, ¿cómo equilibraste traer cosas que los fanáticos pudieran disfrutar y luego también hacer que esta película fuera accesible para los recién llegados que nunca habían visto un episodio de «Luther»?

Cross: Ojalá pudiera mirarte a los ojos y decirte que sabía cómo hacer eso. Pero la verdad, fue extraordinariamente difícil.

Payne: Sí, era una obsesión diaria, en serio, sobre cómo hacer ambas cosas. Creo que fue el titular de la pancarta de todos los días que tuvimos en producción y publicación. Literalmente, solo terminamos la película hace X semanas y creo que esa conversación continuó. Porque era fundamental hacer ambas cosas. Era esencial tener una película independiente que pudiera atraer a una nueva audiencia, pero también era esencial que la audiencia que había sido tan leal durante tanto tiempo sintiera que esto era una continuación de la historia. Teníamos que lograr ambas cosas o habríamos fracasado.

La tecnología de captura de movimiento es algo que imagino que está en constante evolución a un ritmo bastante rápido. ¿Has notado un cambio en la forma en que los cineastas lo han abordado a lo largo de los años?

Sí. Siempre, siempre está evolucionando. Creo que en los últimos diez años, los sistemas Vicon, muchos de los sistemas de cámara que funcionan en muchos estudios, los equipos de cabeza, los HMC que los actores están usando ahora. Recuerdo «El señor de los anillos», hicimos el juego «Dos torres» y «El retorno del rey» en la época en que se estrenaba la película, lo cual fue realmente genial porque vimos la boca de Sauron antes que nadie. Dijimos: «Oh, Dios mío, mira eso». Entonces, nuevamente, Kimani y un par de actores más, interpretaríamos muchos personajes diferentes. Como hice Gollum y Legolas y Gandalf, y Kimani haría Aragorn y un poco diferentes personajes humanizados y trolls, orcos, muchos orcos.

Pasamos a uno diferente llamado «El Señor de los Anillos: La Tercera Edad». Esa fue la primera vez que usamos la captura facial. Eso fue en EA. En ese entonces, solían poner marcadores. Ahora solo hacen puntos, solo usan un maquillaje, por lo que son solo puntos negros en toda la cara. En aquel entonces, amigo, solían pegar rotuladores diminutos, y me refiero a todas partes, porque en ese entonces, no evolucionaron como lo son hoy, las cámaras y demás. Entonces necesitabas muchos marcadores. Estaría alrededor de tus cejas y sobresaldrían. Estaban en tus pestañas y tus labios y tu nariz. Si tan solo te limpiases un poco la cara, los marcadores saldrían volando y luego tendrías que parar y tendrían que volver a pegarlos.

Entonces, pasando de ese tipo de marcadores específicamente para captura facial a donde está ahora, acabamos de trabajar en un proyecto del que no puedo hablar. Pueden hacer mis marcadores en mi cara en cinco minutos y luego tú haces tu cara rom y luego terminas y estás listo para ir, obviamente con tu traje y todo puesto. Entonces ha cambiado mucho. Es más fácil para nosotros los actores, creo que es mucho menos intrusivo, por así decirlo.

La tecnología de marcadores ha cambiado. Cuando comenzamos de nuevo a hacer «Heavy Gear» y todos esos dibujos animados y esas cosas e incluso en EA, los marcadores eran como pelotas de ping pong. «SNL» siempre se burla de la captura de movimiento o de lo que muestra y es un tipo con un traje verde con pelotas de ping pong. Pero eran bastante grandes así. Y eran duros como rocas, y estábamos haciendo acrobacias locas en ese entonces. Estábamos haciendo escenas de lucha, a veces ocho horas al día coreografiando una escena de lucha, resolviendo cosas, haciendo acrobacias, lanzando cosas, aterrizando en ellas. Parecía que tenía lunares por todas partes a veces, solo tenía ventosas de la cabeza a los pies. Y luego, finalmente, la tecnología cambió, los marcadores cambiaron, los trajes cambiaron.

Solíamos usar cascos de rugby en ese entonces para nuestros equipos para la cabeza y otras cosas, o solo para los marcadores de la cabeza, por lo que son súper sudorosos y calientes, muy incómodos, especialmente si estás haciendo muchos días de acrobacias. Y ahora, si estamos haciendo cosas de captura que no son de rendimiento, son solo un par de anteojos. En ese entonces, estaban impulsando la tecnología. Tener tres o cuatro personas en el espacio, en el volumen, estaba fuera de lugar y a veces colapsaba. Y ahora, trabajo para Beyond Studios, que es un estudio local de captura de movimiento aquí, y [they] ahora puede conseguir hasta 10 tipos, muchos de ellos pueden. Creo que la mayoría puede llegar hasta 10. EA puede hacer lo mismo y Ubisoft y así sucesivamente.

Así que ha cambiado mucho. Las cámaras, obviamente, no puedes usar nada reflectante en el volumen como tus Nikes o lo que sea. Pero recuerdo la primera vez que vimos en tiempo real, creo que fue «El Señor de los Anillos», donde tenían una cámara en el espacio y luego nos estábamos mirando en los monitores reales. Y en ese entonces, no era tan detallado. Ahora hicimos un juego que acaba de ser lanzado que había terminado el juego, y luego tu modelo se coloca allí. Es tan rápido ahora. Es tan aerodinámico, es tan fácil decir: «Está bien, este tipo es un troll. Es un troll gigante y enorme. Boom, pon el modelo en el esqueleto, estás listo para empezar. Está justo ahí».

Eso es increíble, especialmente para que los actores puedan ver a quién estás interpretando. Porque muchas veces, cuando entrabas, tenías la biografía de tu personaje que normalmente veías dibujada en la preproducción o lo que sea, y tenías la descripción de lo que es el personaje y luego fotos de lo que es. , y luego eso es todo. Pero ahora, con la posibilidad de ver el modelo en tu esqueleto en tiempo real, entonces puedo hablar con el director y decirle: «Está bien. Tiene una gran barriga, es un poco grande y luego tiene un cinturón en él o lo que sea. Así que realmente no puedo inclinarme y hacer esto. No puedo encorvarme». Entonces puedes ver dónde están tus limitaciones como actor y qué puedes hacer. Ha cambiado dramáticamente.

Todo actor quiere hacer captura de movimiento ahora. Ahora se considera que es otra forma de actuación, mientras que antes era como, yo era como Gollum. «Mi precioso.» Nadie sabe que estoy haciendo esto, y puedo tomar todos los trabajos.

En un giro inesperado de los acontecimientos, April estaba más entusiasmada con el trabajo del gobierno que Leslie durante su aparición en el escritorio de Weekend Update. La Sra. Ludgate ofreció consejos prácticos como «sé un cazador de perros y simplemente di que no pudiste encontrar ninguno» y «conduce un autobús, no tienes que llegar a tiempo». (Como usuario habitual del autobús, la precisión de ese duele).

Resulta que Leslie es una superfanática de «Saturday Night Live», tanto que los esfuerzos de Colin Jost para que ella hablara sobre su trabajo en el Servicio de Parques no tuvieron mucho éxito (aunque su lujuria por Joe Biden hizo que una reaparición). Poehler no es ajena al escritorio de Weekend Update, ya que fue copresentadora durante varios años junto a Tina Fey y Seth Meyers, pero afortunadamente mantiene la integridad del Universo Cinematográfico de Parques y Recreación al enfatizar: «Solía ​​ver esto cuando Seth Meyers lo hizo solo y sin nadie más».

«Parks and Recreation» concluyó su carrera de siete temporadas en 2015, pero el elenco y los escritores regresaron para «A Parks and Recreation Special» en 2020 como una recaudación de fondos de caridad durante los primeros días de la pandemia de COVID-19. Si bien esto puede haber sido solo un breve regreso, siempre es bueno volver a ver a Leslie y April.

IndieWire continuó con su tradición de usar Sundance como una oportunidad para destacar a los jóvenes cineastas cuando organizó el Panel de Cineastas por Primera Vez anual, presentado por Canada Goose.

El evento, que tuvo lugar el sábado 20 a la 1:00 p. el director AV Rockwell y el director de “Mutt” Vuk Lungulov-Klotz. Los tres cineastas tomaron caminos dramáticamente diferentes para hacer sus primeros largometrajes, pero todos hablaron sobre la pasión y la perseverancia necesarias para superar los muchos desafíos que implica el cine independiente.

“Alguien me dijo una vez: ‘¿Venderías todo para hacer algo? ¿Para hacer esto que estás haciendo?’”, dijo Lee. “Y no es una pregunta literal, es solo ¿cuánto crees en eso? Usted mismo, su idea y sus aspiraciones. Si no puede responder a esa pregunta, tal vez necesite más tiempo para pensarlo. Creo que se necesita esa creencia, esa creencia implacable. Porque si no es este momento, será otro momento”.

Pero la pasión solo puede llevarte hasta cierto punto. Incluso después de contar con el financiamiento, lograr que una película independiente llegue a la meta siempre requiere una actitud positiva y un poco de astucia. Rockwell habló sobre la dificultad de realizar una pieza de época con un presupuesto bajo y explicó que filmar una película en la ciudad de Nueva York tiene un conjunto único de pros y contras.

“En todo caso, fue un desafío logístico hacer que eso funcionara”, dijo Rockwell. “Puede haber una tienda de mamá y papá que ha estado allí durante 40 años, pero podría estar al lado de Whole Foods. Si solo recortamos eso, ¡es genial! Pero el desafío era más, ‘¿cómo consigues todos estos lugares maravillosos para trabajar para una fecha de rodaje?’”

Tan difícil como puede ser hacer tu primer largometraje, la vida después del gran estreno puede ser aún más difícil en algunos casos. No existe un plan simple para construir una carrera cinematográfica después de una gran presentación en el circuito de festivales, y puede ser difícil encontrar oportunidades para crecer como artista en una industria cinematográfica dominada por los éxitos de taquilla. Pero todos los cineastas hablaron sobre la importancia de mantenerse fiel a uno mismo mientras se trata de navegar el proceso de desarrollar nuevos proyectos y presentar ofertas para mayores oportunidades.

“Es importante para mí seguir hablando desde mi verdad”, dijo Lungulov-Klotz. “Estoy muy sintonizado con eso y siento que tengo una intuición muy fuerte. Entonces, si surge algo con lo que resueno, lo haré, por supuesto”.

“Hay tantos cineastas que están luchando para terminar sus guiones, luchando para entrar en la producción y conseguir que alguien la apoye. Así que creo que estoy agradecido de estar aquí con mi primer largometraje”, dijo Rockwell. “En cuanto a lo que haré a continuación, solo voy con la corriente. Lo que siempre me ha dado energía como cineasta es lo que estoy haciendo por la gente, lo que estoy haciendo por el público… lo que me fortalece es cómo puedo marcar una diferencia en la vida de otras personas como narrador».

“Hablamos de cosas que no se te ofrecen de inmediato, pero esa es quizás la puerta que se cierra porque la correcta se abrirá”, dijo Lee. «Solo tienes que aguantar».

Mire el video completo del panel de cineastas primerizos de IndieWire, presentado por Canada Goose, arriba.

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