Aquaman parece estar llevando bien el divorcio. El lunes, solo cinco meses después de terminar oficialmente su matrimonio con Lisa Bonet, Jason Momoa acabó con los rumores persistentes de citas de Eiza González lanzando con fuerza su abucheo en Instagram. En una presentación de diapositivas del viaje del actor a Japón, donde estaba filmando una serie sobre motos Harley-Davidson llamada En el vagabundeo — Momoa hizo referencia a una “aventura increíble con mi amor” mientras estaba en la foto abrazada a alguien nuevo. «Japón, eres un sueño hecho realidad, me dejaste boquiabierto», escribió en la leyenda. “Estamos muy agradecidos por todos los que abrieron sus hogares, creando recuerdos con nuevos y viejos amigos, compartiendo otra increíble aventura con mi amor”.

“Mi amor”, si te lo estás preguntando, es la actriz Adria Arjona, de 32 años, quien recientemente protagonizó la película de Richard Linklater. sicario con Glen Powell. Desde todas las apariencias, la nueva pareja parecía bastante cómoda cuando fueron fotografiados abrazados en las mesas del comedor, en la playa y en o alrededor de una variedad de motocicletas. Arjona, que es puertorriqueño, es la primera pareja con la que Momoa se ha acercado públicamente desde que terminó su matrimonio de seis años con Bonet (oficialmente, al menos). Momoa estuvo vinculada con González a principios de este año, pero ninguno de los dos rumoreados confirmó ni comentó sobre el asunto.

Si bien es posible que la tinta en los papeles de divorcio de Momoa aún se esté secando, toda la evidencia apunta a que su ex esposa probablemente se muestre bastante tranquila cuando se trata de que el hombre de 44 años siga adelante. Hace más de dos años, cuando la ex pareja anunció por primera vez sus planes de divorciarse, Momoa dejó en claro que él y Bonet “todavía eran una familia” con o sin licencia de matrimonio y planeaban criar amigablemente a sus hijos, de 16 años. Lola y Nakoa-Wolf, de 15 años. Muy pronto, estoy seguro de que Arjona se familiarizará con la forma en que esta familia moderna acepta “las presiones y los cambios de estos tiempos de transformación”. Afortunadamente para Arjona, de todos los complicados dramas familiares de Hollywood, este equipo parece ser el mejor adaptado del grupo. Saludos a la aparentemente feliz pareja y a tranquilizar a las ex esposas.

[Warning: The below contains MAJOR spoilers for the CSI: Vegas series finale “Tunnel Vision.”]

CSI: Las Vegas concluye su carrera de tres temporadas cerrando un caso e introduciendo uno nuevo.

El caso de la robótica se cierra después de que Max (Paula Newsome) es secuestrado (para fabricar ADN sintético para inteligencia extranjera) y Chris (Jay Lee) termina en el hospital debido a su exposición a un agente nervioso. La buena noticia: Max es rescatado (por obra suya y con la ayuda de los demás). Pero luego, los momentos finales provocan a un nuevo asesino en serie en Las Vegas, uno que ha estado matando en las sombras.

A continuación, Newsome nos lleva al interior del final.

Hable sobre su reacción a la cancelación y cómo ha estado pensando en jugar a Max desde entonces.

Paula Newsome: Primero que nada, fue una sorpresa. No voy a mentir. Tuvimos índices de audiencia increíbles y la gente estaba realmente enamorada del programa. A veces los negocios son lo que son los negocios y, a veces, la pelota no rebota en tu dirección. Mirando retrospectivamente a Max, les diré que amo a Max. Estoy enamorado de Max. Ella realmente me gusta. Me gusta lo inteligente que es. Me gusta lo fuerte que es. Me gusta su calidez, ¿sabes a qué me refiero? Y me gusta que sea la jefa de un laboratorio, pero también me gusta que sea una especialista en ADN. Y también me encanta que viaje con una piel que no estábamos acostumbrados a ver al frente de un laboratorio en los programas de televisión. Y estoy muy agradecido por esa oportunidad. Estoy muy agradecido de interpretarla.

A Max le suceden muchas cosas en este final, pero me encanta cómo usa todo lo que sabe como CSI en el camino.

Estamos acostumbrados a verla un poco más abotonada, con el pelo todo peinado y con un aspecto precioso. Tuve que estar en la parte más vulnerable de algunas cosas en las entrañas. ¿Sabías que Las Vegas tenía entrañas así, como túneles y cosas así?

No hasta este punto.

Había oído hablar de ello, vagamente como un susurro, pero existe. Y al poder estar allí con Faran Tahir, que es un actor increíble, somos socios en todo esto. Y poder ir a la parte más vulnerable de Las Vegas y hacer cosas realmente aterradoras fue muy divertido.

¿Qué crees que fue más difícil para ella: lidiar con todo lo que hizo o lidiar con todo eso sin saber qué le había pasado a Chris? Porque la última vez que lo vio, tiró ese bote.

Ella hizo que su gente la cuidara. Lo hizo sin saber lo que le iba a pasar. Estaba muy cerca de ese bote. Y creo que Max estaba en una situación en la que simplemente podía sobrevivir. Llegamos a ese lugar de lucha, huida y congelación donde es como hacer lo que tengas que hacer para sobrevivir. Y es un episodio increíble ver a Max luchando por sobrevivir.

Una de mis relaciones favoritas a lo largo de esta serie ha sido la de Max y Josh (Matt Lauria). Y decir que fue complicado esta temporada es quedarse corto. Pensó que ella no lo llevó al laboratorio porque todavía no confiaba en él. ¿Pero era eso completamente cierto?

Confianza es una palabra extraña. Le hizo algunas cosas al hombre responsable de la muerte de su madre, ¿verdad? Eso es mucho. Estamos acostumbrados a investigar a esas personas. Así que sí, la confianza fue una gran parte de ello. Sin saber si volverá a dispararse. Es como ese miembro de la familia que amas, pero que tienes cosas que surgen con él.

Hable sobre los cambios y la tensión en esa relación esta temporada.

Sí, es maravilloso poder interpretar una relación donde hay amor pero hay desafíos. Y Josh y Max definitivamente tenían eso cuando él estaba con el mono naranja cuando estaba al otro lado de la mesa de interrogatorios. ¿Cómo concilias eso? Es como una pesadilla viviente. Y Jason Tracey, nuestro showrunner, articuló algunas cosas hermosas que suceden entre miembros de una familia que se aman pero que también se enfrentan a desafíos mutuos.

Josh y Allie (Mandeep Dhillon) parecían estar construyendo algo poco a poco. ¿Cómo se sentiría Max al respecto, como amigo y como jefe?

A ella no le gustaría. [Laughs] Quiero decir, de verdad, ¿cómo se hace eso? ¿Sabes de que estoy hablando? Siempre hablan de que un abogado que se representa a sí mismo tiene un muñeco por cliente. Entonces, ¿cómo separas tu corazón y tu cabeza? Pero eso es sólo más grasa para el molino en la tierra de CSI: Las Vegas.

Hablando de romance, en este episodio nos llevamos la sorpresa de que Max tiene uno nuevo. ¿Sabes algo más sobre este Dean y su relación?

Nada de lo que quiero decir. [Laughs] Es encantador. Estoy muy feliz por ella y al mismo tiempo, asustada por ella porque cuando está en ese laboratorio polvoriento que Traje Gris le proporciona, la única razón por la que sigue adelante para conseguirle lo que él quiere es porque no quiere. perder su tiempo con Dean.

¿Qué crees que tiene acerca de quién es Max ahora y dónde se encuentra en su vida que parece estar en un buen lugar para una relación?

Su hijo está haciendo lo suyo. Allie se ha ocupado un poco más del laboratorio. Y creo que es una de esas relaciones que te pillan por detrás. No eres consciente de ello y de repente estás en ello. Pero creo que ha tenido un poco menos de estrés, un poco menos de responsabilidad, y ahora podemos ver en qué se convierte eso.

Mencionaste que Allie asumía la responsabilidad. Tengo que decir que realmente me gustó la forma en que se desarrolló esta temporada con Max y Max acostumbrándose a ese hecho y Allie emparejando personas.

Sí, pero también me gusta mucho esa escena en la que Allie está metida en un fideo. Ella no sabía cómo hacerlo, y ella y Max se arrinconan y hablan sobre ello, y ella le hace saber que lo que la gente piense de mí no es de mi incumbencia. No tienes que ser tan querido todo el tiempo.

La serie termina en suspenso con el nuevo asesino en serie. ¿Sabes algo de lo que habría pasado allí?

No, ni un poquito. Y eso es lo que amamos. Jason Tracey es un escritor increíble. Es un tipo amable. Es un tipo que siempre quiero que sea mi showrunner. Y es un maestro en los cliffhangers, un auténtico maestro.

¿Crees que Max se habría involucrado tanto en otro caso como lo hizo con el de robótica? ¿O necesita un descanso para volver al laboratorio?

Max es un científico. Max es un CSI. A Max le encanta estar en el laboratorio, por lo que siempre querrá estar ahí. Entonces, dando un paso atrás, creo que tenemos la oportunidad de ver un poco de todo lo que ella hace.

Sé que no parece haber esperanza de salvarlo en este momento, pero como mostró la serie en el pasado CSI Los personajes siempre pueden volver. Entonces, ¿te gustaría volver con Max en el futuro?

Demonios si. Amo a esta mujer y aún no se ha ido. Tengo que mantener la esperanza. Pero volvería con Max en cualquier momento.

¿Qué es lo que más vas a extrañar de Max y del programa en sí?

Voy a extrañar a nuestro showrunner, Jason Tracey. Es un hombre amable. Voy a extrañar al grupo de personas con las que trabajamos. Simplemente un muy buen grupo de personas. Buen y talentoso grupo de actores. Y creo que eso viene de Jason. Es un grupo de personas realmente sorprendente que puedes aparecer y resolverlo 14 horas al día.

CSI: Las VegasTransmitiendo ahora, Paramount+

RÍO VIRGEN

9 de mayo de 2024 a las 10:00 horas

Aún faltan muchos meses para la sexta temporada de “Virgin River”. Para que podamos pasar el tiempo hasta que comiencen los nuevos episodios, Netflix nos regala su propio videojuego “Virgin River”. Aquí vivirás tu propia historia de amor.

• “Virgin River” ha emocionado a los espectadores de Netflix durante 5 temporadas hasta el momento.
• Ahora la serie romántica tendrá su propio videojuego.
• Un primer tráiler muestra cómo puedes encontrar el amor de tu vida en Virgin River.

“Virgin River” ha estado haciendo latir más rápido el corazón de todos los románticos desde 2019. La emocionante vida en una pequeña ciudad de la serie de Netflix hace que muchas personas también quieran escapar al campo. Netflix ahora lo hace posible.

Desde hace algún tiempo, el servicio de streaming ya no se limita únicamente a las películas y series, sino que también ofrece entretenimiento con numerosos juegos. El último juego de Netflix te lleva a «Virgin River» y te permite experimentar tu propia historia de amor.

«Virgin River: Netflix Stories» es un juego sobre la historia que puedes moldear libremente a través de tus decisiones.

Escápese a la comodidad y la belleza de Virgin River y encuentre romance y compañía donde menos lo espera. Estás atrapado en una carrera sin futuro, tienes el corazón roto y sabes que tienes que hacer un cambio. Cuando el destino te lleva a Virgin River, un corto viaje se convierte en mucho más. Interactúa con tus personajes favoritos y toma decisiones que te ayudarán a descubrir lo que falta en tu vida: comunidad, plenitud y, en última instancia, el amor verdadero.

“Virgin River: Netflix Stories” estará disponible en IOS y Google Play a partir del 29 de mayo de 2024 y los suscriptores de Netflix podrán reproducirlo sin costo adicional.

Mientras tanto, los fans de la serie tendrán que tener paciencia por el momento. Ya está claro que “Virgin River” tendrá una sexta temporada, pero los nuevos episodios no aparecerán hasta 2025.

Después de llegar a un público más amplio con dos piezas de época cautivadoramente idiosincrásicas, el favorito y Cosas pobresYorgos Lanthimos regresa a la sorprendente colisión de la realidad convencional con sucesos surrealistas, extraños e inquietantes que caracterizaron sus obras anteriores, en particular Colmillo, La langosta y La matanza de un ciervo sagrado. También se reencuentra con su coguionista de esos proyectos, Efthimis Filippou, para tipos de bondaduna trilogía de historias cada vez más extrañas que es a la vez un rasguño desigual y una exploración fascinantemente impredecible de temas como el amor, la fe y, en particular, el control.

Está claro que el carácter enigmático de la película, hasta el título, no es casualidad. Al ver, tienes la sensación de que Lanthimos se revitaliza con las oportunidades de la estructura tripartita y la posibilidad de subvertir las reglas tanto de la sociedad como de la narración. Puede que no sea tan coherente temáticamente en un primer vistazo como algunas audiencias desearían, pero cuanto más reflexionas sobre ello, más comienzan a encajar las piezas del rompecabezas y comienzan a emerger los hilos comunes.

Independientemente del grado en el que se entrelazan las tres historias, esta es una obra de originalidad audaz, humor vicioso y extrañeza hasta la pared, que da la impresión de que hay pocos lugares a los que el director no irá. Eso incluye lugares de oscuridad, perversidad y mutilación, no aptos para personas aprensivas, pero hay una ligereza que lo contrarresta. tipos de bondad que sirve bien al material.

El largometraje se desarrolló rápidamente mientras el director griego todavía estaba en el cargo. Cosas pobres. Le permitió ampliar su colaboración con Emma Stone por tercera vez, al tiempo que recuperó a dos de sus compañeros de reparto de su película más reciente juntos, Willem Dafoe y Margaret Qualley. Ver a esos actores, además de los nuevos reclutas, incluidos Jesse Plemons y Hong Chau, desempeñar diferentes roles con diferentes dinámicas de relación en las tres historias es una parte importante del placer. Ese aspecto se suma a la intrigante idea de que Lanthimos podría estar formando su propia compañía de repertorio con ideas afines.

Los títulos de cada historia se basan en las iniciales RMF con las que se conoce a un hombre de apariencia modesta (Yorgos Stefanakos). Sin embargo, sigue siendo periférico a las narrativas, las cuales terminan como largometrajes con su propia lista de reparto.

En La muerte de RMF, Plemons interpreta al apacible Robert, el marido de Sarah de Chau. Como parte de un pacto arcano con su rico jefe Raymond (Dafoe), quien financia la comodidad de clase media de la pareja y les envía lujosos obsequios de recuerdos deportivos como una raqueta de tenis de John McEnroe destrozada, Robert básicamente ha renunciado a todo su libre albedrío. Recibe regularmente esquemas escritos de los eventos de cada día de parte de Raymond, teniendo en cuenta hasta el último detalle, como lo que viste, qué bebida pide en un bar e incluso cuándo tiene relaciones sexuales con Sarah.

Lanthimos hace que los actores interpreten todo esto como si fuera una transacción completamente normal, con Plemons proyectando el afán de Robert por complacer mientras Dafoe transmite la malevolencia apenas velada de Raymond.

Pero el acuerdo tiene un problema cuando Robert sigue instrucciones y choca contra un automóvil con RMF al volante, pero no mata al otro conductor ni es hospitalizado, como estaba descrito en el plan. Robert se resiste a la orden de Raymond de repetir el choque a mayor velocidad, lo que provocó que su jefe lo interrumpiera con fría finalidad. Pero recuperar el control de su vida resulta desafiante, especialmente una vez que se revela cuántas personas, desde la esposa de Raymond, Vivian (Qualley) hasta la amigable óptica Rita (Stone), son parte del escenario del titiritero.

El divertido resumen de la historia muestra a Vivian frente a un teclado electrónico, cantando sin melodía “How Deep Is Your Love” de los Bee Gees, que es la pregunta fundamental que Raymond hace a todos sus empleados, así como el hilo conductor predominante de la trilogía. .

Plemons, un actor con un alcance extraordinario que destaca en un conjunto estelar, interpreta la creciente desesperación de Robert con una sombría inevitabilidad. Pero eso no es nada comparado con el descenso a la siniestra obsesión del policía Daniel, su personaje en la siguiente historia, RDF está volando.

La esposa de Daniel, bióloga marítima, Liz (Stone), desapareció en una expedición de investigación, lo que provocó que el policía se hundiera en una depresión. Cuando su compañero de policía, Neil (Mamoudou Athie), y su esposa Martha (Qualley) intentan ofrecer apoyo emocional durante la cena, Robert, angustiado, les ruega que vean un vídeo de Liz con él. Su desgana no te prepara para lo que se revela en la película casera, una pervertida fuente de consuelo que quizás sea tipos de bondad‘La broma más hilarante.

Cuando un helicóptero de rescate encuentra a Liz y a un compañero investigador en una isla desierta, su regreso a casa se ve empañado por la creciente certeza de Daniel de que la mujer en su casa no es su esposa. Cada pequeño detalle en el que ella difiere de su cónyuge aumenta la sospechosa hostilidad de Daniel. Liz relata un sueño que tuvo en la isla, en el que los perros estaban a cargo, las personas eran animales y los animales eran personas. El salvajismo que surge de la paranoia de Daniel… ¿o de la certeza justificada? – se vuelve decididamente inhumano, lo que le permite a Stone sumergirse macabramente en el horror mientras Liz accede a la loca necesidad de apaciguamiento de su marido.

Cada historia se alimenta de lo que vino antes, del mismo modo que los diferentes personajes adquieren matices de los otros roles de los actores. El capitulo final, RMF come un sándwiches el menos coherente y su mal gusto es más probable que aliene al público, aunque le brinda a Stone, que es fantástico, la trayectoria de personaje más amplia.

Ella interpreta a Emily, que ha abandonado a su marido Joseph (Joe Alwyn, que regresa al redil de Lanthimos después de el favorito) y su hija para prometer su devoción a una espeluznante secta sexual liderada por Omi (Dafoe) y Aka (Chau).

En asociación con su compañero acólito Andrew (Plemons) y recibiendo ayuda de un encargado de la morgue (Athie), la tarea de Emily es encontrar un líder espiritual potencial con poderes de reanimación. Ella es rechazada de la secta una vez que Joseph compromete su pureza. Pero cuando un extraño (Qualley) insiste en que Emily está buscando a su hermana gemela, ella se vuelve rebelde en un intento por recuperar el favor de Omi y Aka.

Sin duda, este es un paquete loco y demasiado largo con dos horas y tres cuartos, por lo que el kilometraje variará incluso para los fanáticos devotos de Lanthimos. Pero tipos de bondad obliga como una mirada trastornada a nuestra necesidad de ser amados, incluso a costa de someternos al control insidioso de otra persona.

Cada uno de los actores (incluido Hunter Schafer en un pequeño papel en el episodio final) conecta plenamente con la peculiar longitud de onda del director. Mantienen la película fascinante incluso cuando es más desconcertante.

También luce preciosa. Liberados de las construcciones de estudio y de los interiores que requieren mucha iluminación en sus dos últimos locales, Lanthimos y el director de fotografía Robbie Ryan crean composiciones nítidas en pantalla panorámica de sus ubicaciones; mientras que el rodaje tuvo lugar en Nueva Orleans y sus alrededores, las historias se desarrollan en una ciudad costera estadounidense sin nombre. – y aunque el esquema visual es relativamente simple en comparación con el trabajo reciente del director, todavía hay muchos ángulos sesgados que le dan una vitalidad vanguardista.

El otro factor distintivo es el uso de la música, comenzando con “Sweet Dreams (Are Made of This)” de The Eurythmics, que abre la película con una sacudida contundente. Como lo hizo por Cosas pobres, el músico inglés Jerskin Fendrix aporta una partitura poco convencional y a menudo abrasiva, acorde con el tono inquietante. Abarca desde el tintineo disonante del piano hasta acordes estridentes, pasajes que suenan alternativamente y entrecortados, y piezas corales de intensidad febril.

tipos de bondad Probablemente será una especie de gusto adquirido, pero al menos es una película que te hace preguntarte hacia dónde se dirige a continuación. A pesar de una deuda con Luis Buñuel, Lanthimos es su propia clase de narrador, y eso por sí solo hace que su trabajo sea algo para saborear.

No pasa mucho tiempo antes de que quieras volver a llorar con Billie Eilish. Es como picar una cebolla: primero viene la excitación, luego la emoción. En “Skinny”, el tema que abre su tercer álbum “Hit Me Hard And Soft”, la californiana canta sobre su primer amor. Se podría pensar que es algo positivo en sí mismo. El amor incluso te hace hermosa: en la canción, Billie Eilish dice con una voz frágil y vulnerable que en aquel entonces parecía tan delgada y feliz para todos. ¿Qué podría ser más importante?

Sin embargo, la propia cantante pronto percibió la relación como algo incorrecto, como una pose y una alienación. Quería volver a ser ella misma, pero la relación fracasó. Y así la canción no dura mucho antes de que el fastidio y la melancolía del primer verso estallen en lágrimas en el coro: «Todavía lloro, todavía lloro», se queja Billie Eilish. Ella estira la última sílaba tan profundamente que cuando la escuchas, tu corazón se siente apretado y te compadeces de placer.

Más engorroso que sus predecesores

“Skinny” da la certeza de que la joven de 22 años puede volver a desarrollar su electrizante expresividad en su tercer álbum, incluso si el álbum en su conjunto resulta un poco más complicado que sus predecesores. Como siempre, la música fue producida por el hermano de Billie, Finneas, quien se distingue en los mejores momentos por su ritmo relajado y concisión. En “Skinny”, por ejemplo, utiliza figuras de guitarra cálidas y pausadas para crear un sonido que deja mucho espacio y tiempo al canto. Al final, sin embargo, la canción desemboca en una brillante coda con un sorprendente arreglo de cuarteto de cuerda.

De hecho, es gracias a la simpatía de los hermanos que Billie Eilish ha podido afirmarse como una cantante independiente e incomparable desde su álbum debut “When We All Fall Asleep, Where Do We Go” (2019). Finneas O’Connell, un cantante bastante mediocre que a veces actúa como telonero de Billie Eilish, ha puesto en gran medida su potencial como compositor al servicio de su hermana. Su sumisión casi parece ejemplar en una época en la que el pop está dominado por las mujeres.

Por un breve y triunfante momento de Nemo, uno podría haber pensado recientemente que la música pop ahora era no binaria. Quizás el futuro sea no binario, pero el presente es femenino. Mujeres en todas partes. Mujeres en el R’n’B, mujeres en el soul, mujeres en el rock, mujeres en el country y también cada vez más mujeres en el hip-hop. En el pop anglosajón, esto se aplica sobre todo a la llamada corriente principal, esa zona a la que todos tienen acceso sin ninguna experiencia especializada ni bonificación minoritaria.

Mientras los hombres se concentran en el metal, el rap o el minimal techno, en el pop Billie Eilishs, Beyoncés, Taylor Swifts, Shakiras, Ariane Grandes, Adeles, Selena Gomez, Miley Cyrus, Dua Lipas, Doja Cats, Lizzos y muchas otras forman una falange asombrosa. . Incluso antes de cualquier feminismo explícito, esto crea una dominación femenina.

La corriente principal se considera agua de mala reputación porque a menudo representa el conformismo. Pero el pop femenino actual no suena como un coro monótono; se ha diversificado en voces muy diferentes. Pero mientras que a los hombres les gustaba fanfarronear o cortejar, las mujeres suelen caer en quejas elegíacas: contra hombres infieles, débiles o abusivos. Al menos eso se aplica al nuevo álbum de Taylor Swift y Bille Eilish.

Un cantante nervioso

Si bien Swift recurre principalmente a clichés del folk y de la tradición de cantautores, la clasificación musical de Billie Eilish es más difícil. Su hermano Finneas se inspira por todos lados, se pueden ver ecos del rock, la bossa nova, así como el electro-pop y el trap. Pero logra comprimir las influencias y reducir los sonidos al máximo para encajarlos en un melodrama variado.

Las imágenes sonoras cambiantes corresponden al canto multifacético de la hermana. Para ella, las canciones parecen prismas a través de los cuales la voz se refracta de diferentes maneras. La melodía principal siempre va acompañada y superpuesta por otras líneas vocales. Se podría malinterpretar esto como un truco musical. Pero en Billie Eilish la polifonía producida artificialmente tiene un significado artístico.

Por un lado, corresponde al carácter nervioso de la cantante, a su inseguridad y escepticismo. Dijo en entrevistas que trabajar en las nuevas canciones implicó dolor y esfuerzo. Así como siempre duda de los sentimientos, propios y ajenos, también evidentemente tiende a diferenciar cada motivo vocal o contrastarlo con otro. Su nuevo repertorio roza en su mayor parte el lado de sotavento del drama o el trauma. Y cuando la canción se puede escuchar en suspiros, susurros y lamentos, parece una traducción musical de sollozos y lágrimas purificadoras.

Por otro lado, las imágenes sonoras caleidoscópicas también encajan con la identidad fluctuante del cantante. En los primeros años de su éxito, Billie Eilish se presentó en vivo como una marimacho infantil y aparentemente asexuada con suéteres anchos y pantalones harén. Para el segundo álbum “Happier Than Ever” (2021) se presentó como una diva rubia y elegante. En la portada de “Hit Me Hard And Soft”, la cantante, que desde entonces hizo pública su bisexualidad, nada como un pesado anfibio en aguas oscuras. Estas vicisitudes contradicen las estrategias de promoción habituales en el pop, que suelen apuntar a efectos más glamorosos. Pero Billie Eilish socava deliberadamente la imagen y la puesta en escena, incluso en entrevistas en las que le gusta hablar de pedos o masturbación. Aparentemente, estas son señales de autenticidad que pretenden subrayar su honestidad y franqueza.

Múltiples fracasos

En “Hit Me Hard And Soft” esto vuelve a ser evidente en comentarios contundentes sobre relaciones amorosas que fracasan o son simplemente un engaño. En “Lunch”, Billie Eilish parece hambrienta de vida cuando canta con un bajo funk saltarín: “Podría comerme a esa chica”. Por lo demás, sus confesiones elegíacas suelen ser devastadoras. “Las cosas se desmoronan, el tiempo te rompe el corazón” es lo que dice en “Wildflower, una canción sobre un triángulo amoroso. “Fuiste tan mediocre y estamos tan contentos de que haya terminado”, le confiesa a su ex en “L’amour de ma vie”. “Todo mi amor y paciencia, despreciados” – todo mi amor y paciencia fueron en vano, se queja en “The Greatest”.

“The Greatest” es en realidad lo más destacado del álbum, que tiene tanto que ver con Finneas como con Billie Eilish. Mientras que el productor mezcló el sonido un poco más abundantemente que antes, aquí limitó inicialmente el acompañamiento a escasos tonos de guitarra. Esto genera una tensión que lleva el sensible canto de Billie a lo largo de un amplio arco, directamente a nuestras almas.

Brooke Shields y Benjamin Bratt reavivan un apasionado romance pasado en la nueva comedia romántica de Netflix Madre de la novia, fuera ahora. Después de su repentina y confusa ruptura justo después de la universidad, estos antiguos amores se cruzan cuando sus hijos (con diferentes parejas) terminan casándose.

Cuando Lana y Will se reencuentran en Tailandia para la boda de Emma (Miranda Cosgrove) y RJ (Sean Teale), han pasado décadas. Ahora tienen 50 años, pero no pueden deshacerse de esa conexión innegable entre ellos. Shields agradece que películas como Madre de la novia existen para mujeres de su edad.

«He estado luchando por este nuevo movimiento», dijo a TV Insider el hombre de 58 años. “Esa fue una de las cosas más importantes cuando Christina Rogers de Netflix dijo: ‘Sabes, quiero contar estas historias’. Y dije: ‘Buena suerte porque vas a encontrar resistencia’. Y es muy interesante porque tengo 58 años y juego básicamente de mi edad o lo que sea, pero Netflix prefiere que digas más de 40 porque de alguna manera eso les resulta más aceptable”.

El Lapiz labial de la selva El alumno estaba orgulloso de “luchar por algo” como esto “en una industria en la que realmente predominan los jóvenes, los ingenuos, las personas que están al comienzo de sus viajes. Luché por esta película. En cada iteración del guión seguía diciendo, ‘no tengas miedo de esta parte’ porque todas las mujeres que conozco en sus 50 años (pero tienen más de 40) tienen estos nuevos comienzos extraordinarios en sus vidas, así que ese ha sido un enfoque para mí. y una plataforma porque siento que mi vida apenas comienza. Mis hijos están cocinados. Son su propia gente y ahora me quedo pensando: ‘Bueno, Dios mío, si no soy solo mamá, ¿quién soy?’ ¿Cómo puedo reavivar lo que quiero en mi propia vida? Tenerlo en este ambiente es una historia tan hermosa que contar, así que estaba muy feliz de que hubiera una persona y un productor que luchara por esta historia cuando había resistencia”.

Bratt añadió: “Espero que sea menos raro y estoy muy contento de que esta película sea un reflejo de lo que existe en la vida y sea un recordatorio temático de que el amor es para todos. Todo el mundo lo quiere, todo el mundo lo necesita, ese sentido de pertenencia, una oportunidad para expresar el propio deseo”.

El Señorita simpatía A la estrella le encantó eso Madre de la novia muestra la relación de Lana y Will en este momento de sus vidas. «Descubrimos que todavía hay una chispa que les permite volver a visitarla a esta edad, a una edad que hasta ahora se consideraba superada o ya no era viable», continuó Bratt. “Simplemente demuestra lo que todos sabemos. Incluso podrías hablar con personas de 90 años, como si el amor siempre fuera posible. Si no lo tienes, siempre está a la vuelta de la esquina. Es la esencia de la esperanza y eso es lo que te hace levantarte por la mañana”.

Shields también denunció el doble rasero de Hollywood con respecto a hombres y mujeres a medida que envejecen. Mientras que los hombres aceptan su cabello “entrecano”, las mujeres a menudo no reciben la misma cortesía. “Dios no permita que parezcas un poco mayor; Te critican por eso”, dice Shields. “Y luego, si haces algo, te critican por haberlo hecho. Existe una situación realmente precaria en la que se encuentran las mujeres, en particular”.

Y añade: “Como mujer en esta fase de mi vida, realmente tienes que luchar para ser escuchada y vista, pero no desde un lugar de ira, sino desde un lugar de vitalidad”.

A pesar de décadas en Hollywood, Madre de la novia Marca la primera vez que Shields y Bratt trabajan juntos. Bratt admite que besar a Shields fue un sueño hecho realidad mucho tiempo esperado.

“Nunca le había dicho esto a Brooke y le dije a mi esposa que le iba a decir esto… No fue hasta el último día de rodaje, que es, de hecho, la escena de la propuesta en la que me arrodillo y le pregunto. casarse conmigo, y luego finalmente lo terminamos con un beso. Después de que Mark Waters gritara «corten», por dentro dije: «¡Sí!». Finalmente pude besar a Brooke Shields. Este ha sido un deseo ardiente desde que tenía 12 años”.

Bratt no sabe por qué les tomó tanto tiempo formar equipo en la pantalla. «He sido fan de ella, tanto de su trabajo como actriz como de quién es ella como persona desde que era un niño, literalmente», dice sobre Shields. A lo que Shields responde: “El sentimiento va más allá de lo mutuo. He sido fan suyo desde siempre”.

Después Madre de la novia, Shields y Bratt están abiertos a una secuela. “Esperamos que el siguiente paso sea abuela de la novia, ¿Entonces filmaremos eso en unos 15 años? Bratt bromea.

Madre de la noviaTransmitiendo ahora, Netflix

[Warning: The below contains MAJOR spoilers for The Masked Singer Season 11 Episode 10 “Quarter Finals: Final Four.”]

Y entonces, había tres.

El cantante enmascarado está cada vez más cerca de nombrar otro ganador, con Clock, Goldfish, Gumball y Poodle Moth compitiendo en los cuartos de final. Lamentablemente, uno tenía que irse a casa, y la celebridad disfrazada de Poodle Moth no era otra que Somos nosotros estrella y cantante Chrissy Metz.

A continuación, Metz habla sobre su paso por el programa.

¿Qué te hizo decir que sí a hacer? El cantante enmascarado? ¿Tuviste alguna duda?

Chrissy Metz: Sí, por supuesto. En primer lugar, ya es bastante difícil cantar sin disfraz, y luego las luces, la presión, el público y los jueces… La música es mi primer amor. Entonces era algo que quería hacer y me encanta hacer, pero pensé, ¿puedo hacerlo? No sé si puedo hacerlo.

¿Qué se incluyó en la elección de tus canciones?

Fuimos muy colaborativos en la forma en que elegimos las canciones. Muchas canciones que quería cantar ya se habían cantado en temporadas anteriores, pero en realidad eran solo canciones que significaban algo para mí o que realmente amaba o eran nostálgicas y simplemente partimos de ahí. Y luego, por supuesto, hay que considerar los temas y lo que pide la noche. Así que sí, fue entre lo que me gustó, lo que me pareció bien y lo que estaba dentro del tema.

¿Cuál fue tu favorito para actuar?

Creo que mi favorita fue «La casa que me construyó» y, en retrospectiva, pienso: «Oh, sí, fue divertido». Pero en este momento pienso: “Sigue de pie, Chrissy. Sigue de pie”. Porque no creo que la gente se dé cuenta hasta que estás en esto de todas las cosas que implica. Y entonces pensé: «Simplemente no te caigas de bruces».

El panel hizo sonar la campana Keep It on.

Yo estaba como, oh no, ¿qué va a pasar? Y el suspenso, quiero decir, no sabemos qué va a pasar. Quieres continuar y dices: “Bueno, he llegado hasta aquí. No quiero volver a casa ahora”. Así que sí, eso fue muy emocionante, ¡y gracias a Dios!

Hable sobre las conjeturas de los panelistas. Jenny McCarthy-Wahlberg te adivinó.

Sí, fui juez en el programa y, como persona que ama la música, recuerdo que podía escuchar voces y pensé, creo que sé quién es. Y juras que sabes quién es, y dices, oh, espera, no lo fue, y luego, a veces, aciertas. Tu intuición es muy correcta. Y entonces, sí, fue un poco loco que ella me adivinara y luego tratara de actuar como si no hubieran adivinado nada. Pero amo a todos esos jueces, y por eso siempre tuve mucha curiosidad por saber cómo iba a ser la reacción, y crucé los dedos para que fuera divertido, emocionante o conmovedor para ellos. Pero sí, me sorprendió mucho que lo entendiera. Supongo que tal vez no esté sorprendido, pero sí sorprendido.

Entonces, ¿habías llegado aquí esperando que alguien del panel te descubriera?

No. Sabes qué, tal vez Rita o Robin, porque son músicos, artistas y cantantes y sus oídos están muy en sintonía. Pero trato de afrontar todo sin expectativas porque hay mucha presión.

¿Le habían contactado para hacer El cantante enmascarado antes y la programación no funcionó?

Exacto, sí. Hubo momentos en los que pensé, oh Dios mío. Agradecidamente iba de trabajo en trabajo. Y así, después de que terminó el programa, pensé, está bien, en realidad tengo un descanso en el tiempo, y creo que ahora es un mejor momento que cualquier otro.

¿Has tenido noticias de alguien (amigos, familiares, compañeros de reparto) durante las últimas semanas que haya descubierto que eras tú?

Recibí tantos mensajes. Familiares y amigos me preguntaron: «¿Estabas en El cantante enmascarado? No me lo dijiste”. Yo digo: “En primer lugar, no soy yo. En segundo lugar, si lo fuera, no te lo voy a decir”. Definitivamente la gente definitivamente se estaba acercando. Es interesante. No creo que tenga una voz muy distinta, y la gente todavía está aprendiendo que soy cantante, así que pensé, oh, no, no lo van a adivinar. Y había mucha gente que se mostraba inflexible y decía: «Sé que eres tú».

¿Qué te vas a llevar de toda la experiencia?

Siempre trato de desafiarme a mí mismo. Pienso que si tengo miedo de hacer algo, si me resulta incómodo, debería intentarlo. Ciertamente me sentí incómodo y ciertamente fui desafiado y sobreviví. Estoy vivo. Y, sinceramente, fue muy divertido desafiarte a ti mismo y cuando pensamos que no somos capaces de algo o que no somos lo suficientemente buenos o dignos, cualquiera de esas cosas, es como, bueno, realmente no lo sabes. hasta que lo hagas. Preferiría haber hecho algo y arrepentirme que no haberlo intentado. Eso siempre se afirma cada vez que hago algo que da un poco de miedo.

Y tienes nueva música a punto de salir, que debo decir que estoy muy emocionado de escuchar.

Oh gracias. Sí, estoy muy emocionado por eso. Para mí interpretar un personaje es muy diferente a mostrar mi corazón y mi alma como cantante y como persona. Así que siempre soy un poco tímido, un poco nervioso al respecto, pero son sólo historias de amor, pérdida y lecciones de vida. Creo que todo el mundo puede identificarse con eso. Y sí, estoy emocionado de salir al mundo.

Y también espero volver a verte en la televisión en Las esposas cazadoras.

Lo sé. Estoy muy emocionado. Ha sido muy divertido. Ha sido tan bueno. El elenco es increíble. El programa es muy jugoso. Estoy muy emocionado. Creo que a la gente realmente le iba a interesar.

El cantante enmascaradomiércoles, 8/7c, Fox

Andrew McCarthy, Faye Dunaway y Harvey Keitel han sido elegidos para liderar el elenco de la historia de amor sobrenatural de Jonathan Baker, “Fate”, cuyo rodaje comenzará a finales de este mes para Baker Entertainment en Vancouver.

Los créditos anteriores de Baker incluyen «Inconceived», protagonizada por Gina Gershon y Nicolas Cage, como directora y «Survive the Night», «Force of Nature» y «American Traitor: The Trial of Axis Sally» como productora.

Dunaway anunció recientemente que su documental “Faye” se estrenará durante la sección Clásicos del Festival de Cine de Cannes de este año. “Faye” narra su vida y presenta discusiones sinceras sobre sus triunfos y desafíos a lo largo de su carrera. Dunaway, ganadora del Oscar a la mejor actriz por «Network», fue nominada al Oscar por «Bonnie and Clyde» y «Chinatown», además de papeles memorables en docenas de películas, entre ellas «The Towering Inferno», «Three Days of the Condor» y » Mami querida”.

Keitel ha protagonizado «Reservoir Dogs», «Taxi Driver», «Mean Streets», «Pulp Fiction» y «Thelma and Louise». Más recientemente, apareció en la serie dramática de Peacock “El tatuador de Auschwitz”.

McCarthy es conocido por su trabajo en películas como “Pretty in Pink” y “Weekend at Bernie’s”, y por dirigir series como “Orange is the New Black” y “The Blacklist”. Su nuevo documental “Brats” saldrá al aire en Hulu este año.

El papel de McCarthy en “Less than Zero” fue una de las inspiraciones para la nueva película de Baker, según el director, que se describe como un “retrato de un artista en la cima de sus poderes”. Baker dijo: «Kristoff es un reflejo de la inclinación de Pablo Picasso por quitarle la vida a las musas».

Mientras tanto, el Vista Hotel ficticio de la película estaba junto al cine de Los Ángeles que el director Quentin Tarantino reabrió en 2023.

McCarthy está representado por CAA, Liebman Entertainment, Hirsch, Wallerstein, Hayum, Matlof & Fishman & Jill Fritzo PR.

Baker se desempeña como director y productor. Highland Film Group vende los derechos internacionales de la película en Cannes.

Bob Corazones Abishola

Han recorrido un largo camino desde su lindo encuentro en el hospital, cuando el rey de los calcetines de compresión Bob (Billy Gardell) conoció y se enamoró de la enfermera cardiaca nigeriana Abishola (Fọlákẹ́ Olówófôyekù). Con mucho tiempo para prepararse para el final de la serie después de cinco temporadas, la entrañable serie avanza siete años para revelar cómo resultaron las cosas para la pareja, su familia y amigos.

NCIS: Hawái

Y luego hay series cuya cancelación sorprende. Después de sólo tres temporadas, una duración corta para un spin-off de una exitosa franquicia, Hawai dice «aloha» para siempre cuando el equipo del NCIS, dirigido por Jane Tennant (Vanessa Lachey, la primera NCIS protagonista femenina) persigue a un grupo terrorista responsable de una emboscada mortal con un arma biológica.

NCIS

Aún no se vislumbra un final para la franquicia, renovada para una temporada número 22. El final de esta temporada pone a Parker (Gary Cole) y Knight (Katrina Law) en peligro mientras investigan el descubrimiento de tres cuerpos a bordo de un viejo barco de la Armada que está programado para ser hundido y convertido en un arrecife artificial. No es el mejor lugar para quedar encerrado repentinamente por personas desconocidas.

La voz

Los playoffs de la temporada 25 terminaron, lo que significa que es hora de los shows en vivo de la competencia de canto, con los 12 mejores cantantes actuando para sus entrenadores Reba McEntire, John Legend, Dan + Shay y Chance the Rapper mientras Estados Unidos vota por sus favoritos. Los resultados se anunciarán el martes y los 9 mejores pasarán a la semifinal en vivo.

Billy y Molly: una historia de amor con una nutria

Con Todas las criaturas grandes y pequeñas Entre estaciones, aquí hay un hermoso recordatorio de que vincularse con los animales más vulnerables de la naturaleza puede cambiar vidas y reavivar el amor. Eso es lo que sucedió cuando Billy Mail, melancólicamente retirado junto al mar en las pintorescas islas Shetland de Escocia, se encuentra con una pequeña nutria «saco de huesos» a la que llama Molly, cuidándola hasta que recupere la salud. “Es como si ella me hubiera mostrado cómo volver a ser un niño: esa fascinación, esa alegría que de alguna manera parecemos permitirnos perder a medida que envejecemos”, reflexiona Billy, deleitándose con las travesuras de Molly. Su conmovedora relación, capturada en la gloriosa fotografía del director Charlie Hamilton James, sólo puede compararse con el afecto de su esposa Susan por su revitalizado marido. Como ella dice: «Dadme un hombre que ame y se preocupe cualquier día por encima de uno que no se dé cuenta».

DENTRO DE LA TV DEL LUNES:

• El vecindario (8/7c, CBS): La temporada 6 termina con un truco clásico de comedia de situación, cuando a Courtney (Skye Townsend) se le rompe fuente mientras todas las familias asisten a un concierto de Toni Braxton.
• Siguiente Maestro de la repostería: París (9/8c, Food Network): En Francia, los presentadores Stephanie Boswell y Ludo Lefebvre dicen buen día a 10 panaderos estadounidenses, cuya competencia comienza con un desafío de postres y un concurso de cocina para crear el pastel más cremoso y soñador.
• Así que, crees que puedes bailar (9/8c, Fox): Los 5 mejores bailarines prueban lo que es bailar en una gira cuando abordan dos actuaciones para T-Pain coreografiadas por Fullout Cortland y Kyle Hanagami.
• Dios mío Fashun (9:30/8:30c, E!): No hay forma de ir a lo seguro en esta competencia de moda poco convencional, organizada por la actriz e influenciadora de estilo Julia Fox y el estilista de celebridades y “arquitecto de imagen” Law Roach. En cada episodio, se pide a tres disruptores de la moda que creen looks nuevos y alocados con materiales poco convencionales. El estreno consecutivo de dos episodios presenta looks verdes de la Madre Tierra y diseños de pasarela hechos de plástico.
• Espacio: el adiós más largo (10/9c, PBS): Un Lente independiente El documental confronta el dilema emocional y psicológico que enfrentan los astronautas que contemplan un futuro viaje tripulado a Marte, lo que significaría la separación de su hogar y su familia durante la misión de tres años, cuando las comunicaciones en tiempo real se vuelven imposibles a lo largo de la gran distancia.

El romance de acción es un género difícil de dominar: requiere el equilibrio adecuado entre corazón y espectáculo. Pero cuando se hace bien, al estilo “True Lies” o “Mr. y la Sra. Smith”, vivirá para siempre en la rotación de repetición.

El coordinador de especialistas convertido en director, David Leitch, ha lanzado coches directamente al aire y ha montado escenas de lucha que han hecho que los cines estallaran en estruendosos vítores. Su último desafío, sin embargo, será hacer que el corazón del público se derrita con “The Fall Guy”, que ya está en los cines. Inteligentemente, eligió a Ryan Gosling, la encarnación viviente de la entrada del diario de un estudiante de secundaria, para interpretar al héroe.

Adaptada de la serie de los años 80, la película de Universal sigue al coreógrafo de acción Colt Seavers (Gosling), quien debe desentrañar un misterio traicionero mientras se encuentra en el set del próximo gran éxito de taquilla. La película está dirigida por su exnovia, interpretada por Emily Blunt.

Entonces, ¿por qué Leitch, conocido por películas de suspenso como “Atomic Blonde” y “Bullet Train”, tardó tanto en sumergirse en el romance?

«Enamorarse es el truco más difícil», dice. «Queríamos que la historia de amor fuera el corazón palpitante de esta película», continúa Leitch, sentado dentro de las instalaciones de especialistas de 87North, la productora que cofundó con su esposa y productora, Kelly McCormick.

¿Cómo es un romance con David Leitch? Grandes cambios. Los abrazos están enmarcados por pirotecnia, la exposición acalorada se eleva al prender fuego literalmente a los personajes principales, y todo está ambientado con una canción de amor de los maestros del rock de arena Kiss.

Leitch fue tan inflexible sobre el uso de “I Was Made for Lovin’ You” de la banda que lo escribió en el guión. Consternada, McCormick dice que ella se lo dijo directamente: “’Creo que deberías eliminar a Kiss’. [Executive producer Peter Cramer] Fue como, ‘Creo que deberías eliminar a Kiss’. Ryan Gosling dijo: «No veo a Kiss en esto». Emily Blunt dijo: ‘¿Beso? ¿En realidad? ¿Esa es nuestra canción de amor?’”.

Los instintos gonzo del director prevalecieron: el himno llegó al montaje final. «Para mí cristalizó el tono de la película, que era a partes iguales campestre y genial», dice Leitch.

McCormick admite que la elección depende de la marca del director. «Es un maximalista», dice. «Así que más es más para él, y nunca sabes si vas a reír o llorar en cualquier esquina».

En medio de escenas de naves espaciales explosivas y escenas de lucha bañadas en neón, los realizadores se mantuvieron “centrados” en la narrativa. «Era algo con lo que no estábamos tan familiarizados», dice Leitch. «Sólo funcionaría si eso pareciera auténtico». Ingresan Gosling y Blunt, actores con suficiente química en pantalla para impulsar a un pequeño pueblo. Incluso en los momentos más tranquilos, el dúo es imparable. En una escena, un Gosling desconcertado termina cara a cara con Blunt, quien lo presiona para obtener respuestas. Todo lo que Gosling puede sacar a duras penas es un pequeño gruñido/suspiro que básicamente sacará el aire de tus pulmones. Los fanáticos pueden agradecer a Blunt por defender mantener esa interacción en el guión. “Bueno, esa escena estuvo en la tabla de cortar en el guión durante mucho tiempo. [time]”, dice Leitch.

«Era una aguja realmente difícil de enhebrar», recuerda McCormick. «Su química es tan loca que es como, ¿cómo los mantienes separados?» Estructuralmente, la conexión se sintió demasiado pronto en el guión. Pero una vez que Blunt y Gosling estuvieron juntos, descubrieron una chispa “desordenada y natural” que mantuvo a la multitud animándole a volver a conectarse.

«Los mejores efectos visuales y especiales que tenemos es la química entre Ryan y Emily», dice el guionista Drew Pearce. “El primer momento en que entró en el set y caminó frente a la cámara, como, ping, sucedió. Es el momento más raro. Son estrellas de cine y transmiten ese sentimiento de estrella de cine”.

“The Fall Guy” no comenzó como una historia de amor. Los borradores anteriores del guión tenían un thriller negro más oscuro centrado en un héroe miserable que ahogaba su dolor en tequila y analgésicos. Pero no era así como Gosling quería pintar a la comunidad de especialistas. En las primeras conversaciones con Leitch, el actor analizó la mentalidad detrás de alguien que arriesga su vida por el arte y el entretenimiento. Gosling estaba obsesionado al ver a innumerables especialistas recibir un golpe tras otro, siempre resurgiendo con el pulgar hacia arriba. «Eso es algo cultural en la comunidad de especialistas», dice Leitch. “Eso no se compensa sólo con esta película. Es absolutamente cien por ciento cierto.»

Ese trauma invisible (tanto físico como mental) subraya la paradoja del personaje; Los especialistas son esenciales para la magia cinematográfica, pero rara vez se les reconoce fuera del objetivo de la producción. Tanto McCormick como Leitch están tratando apasionadamente de cambiar esta mentalidad abogando activamente dentro de la Academia para instituir un nuevo premio de acrobacias.

«No se puede hacer una película sobre alguien que, como personaje, no es reconocido y se aprovecha de él y no denunciar que no lo reconocen», dice Leitch. McCormick está de acuerdo: “Su trabajo no se ve. Esa suspensión de la incredulidad, el misterio y la magia cinematográfica que es la magia de los especialistas”.

Aunque ambos creadores coinciden en que mantener viva esa ilusión es esencial, «lo que sentimos que no nos reconocen es el hecho de que el departamento de especialistas son diseñadores», dice Leitch. «Eso es algo artístico que queremos que se reconozca».

Durante años, McCormick y Leitch, junto con muchos otros artistas de la industria, incluidos Gregg Smrz y el líder de la carga desde hace mucho tiempo, Jack Gill, han estado haciendo campaña para que la Academia cree un honor específico para los especialistas, reclutando miembros y reforzando su número ( Actualmente hay más de 100 especialistas en el sector de producción y tecnología).

Además de eso, los realizadores compitieron por el primer crédito de un “diseñador de especialistas”. “Ese coordinador

How ‘The Fall Guy’ Went From Dark Noir to Maximalist Love Story by ‘Using the Language of Stunts’

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Realmente hace que parezca que se trata de un trabajo muy técnico y que ya es mucho más que eso”, dice McCormick. Después de la aprobación del Screen Actors Guild y Directors Guild of America, el veterano coordinador de especialistas y director de la segunda unidad, Chris O’Hara, recibirá el crédito inaugural en “The Fall Guy”.

El personaje de Emily Blunt también necesitaría una reescritura. «Cambiamos a la protagonista femenina de maquilladora a directora primeriza», dice McCormick. “Creo que ahí es donde realmente se convirtió en una historia de amor… Había más en juego para ella, tenía sus sueños sobre sus hombros. Y este chico, lo último que ella quería que sacudiera ese mundo, aparece y ella está al frente y al centro, una parte realmente importante de la historia”.

Incluso las secuencias de acción estarían diseñadas para imitar el apasionado viaje de dos amantes en la cúspide de una reconexión eléctrica. «Estás usando el lenguaje de las acrobacias, cuando lo hacemos bien, para contar la historia de amor», dice Pearce. «Cuando [Gosling’s] Ser arrastrado por Sydney y no puede llegar al bar de karaoke, que es donde tiene la oportunidad de reconectarse con el amor de su vida, eso es tanto una metáfora como un punto de la trama y, con suerte, lo sientes emocionalmente”.

Y, por supuesto, definitivamente ayudó que dos de las personas que ayudaron a guiar la narrativa del romance de acción estuvieran casadas. Entonces, ¿cómo coincide la relación de la vida real entre Leitch y McCormick con los fuegos artificiales de Colt y Jody? ¿La vida imita al arte?

«Definitivamente creo que Kelly fue una voz tan importante en el desarrollo del personaje de Jodie que no puede evitar convertirse orgánicamente en una historia infundida por su relación y el apoyo mutuo que se tienen como cineastas», dice Pearce. “Técnicamente, por supuesto, la analogía sería que el personaje de Kelly es el que interpreta Hannah porque ese es el personaje productor de la película. Pero, afortunadamente, Kelly, en la vida real, es la Jody del Colt de David”.

Cuando se le preguntó si su estilo de dirección imitaba el personaje de Blunt (manteniendo un aura tranquila mientras el mundo, aparentemente, se desmorona a tu alrededor), Leitch vio algunas similitudes. «Eso es lo que se siente al ser director», dice. “Pero no lo sé, me siento bastante tranquilo. Siempre estoy rodeado de un gran productor”.

Informes adicionales de Todd Gilchrist.