Renderizar escenas en el motor conlleva ciertos peligros. Como sabrán los jugadores de Assassin’s Creed Unity, los fallos pueden socavar un momento que de otro modo sería dramático. Pero, por más salvajes que sean los franceses errantes de ese juego, Puerta de Baldur 3 lo tiene vencido. Mira cómo el torpe bardo de este juego de rol de fantasía llega a un final inesperado y explosivo en una brillante escena de Baldur’s Gate 3.

Si te preguntas de qué diablos estoy hablando, entonces probablemente nunca hayas visto la escena magníficamente llena de fallas de Assassin Creed Unity.

La escena comienza con bastante normalidad pero, aproximadamente a la mitad, aparecen dos NPC aleatorios y comienzan a charlar. Si esto fuera el set de una película, serían expulsados ​​y se volvería a filmar toda la escena, pero la conversación continúa alrededor de ellos.

Sin embargo, lo que no tiene es una explosión masiva, razón por la cual esta nueva escena de Baldur’s Gate 3 es tan sorprendente. Shawn Murphy se encontró con este momento impactante y aniquilador de bardos, quien lo publicó en su TikTok.

Según el clip, Murphy está intentando replicar las travesuras explosivas que se ganaron la admiración del diseñador principal del sistema Baldur’s Gate 3. Utiliza barriles explosivos para ayudar a limpiar la base de los duendes y rescatar al bardo encarcelado Volo, quien comienza a agradecer a su grupo.

El problema es que los barriles no han terminado de explotar, por lo que Volo es rápidamente aniquilado por una explosión masiva. Es un hermoso momento. “Dioses, realmente pensé que estaba…” son las últimas palabras que salen de la boca del bardo.

@shawn_60_ Volo fuggin EXPLOTA #bg3 #volo #baldursgate3 #dndtiktok #dnd #bard ♬ sonido original – shawn murphy

Y así, el pobre Volo se fue. ¿Quizás si Shawn tiene un pergamino de Habla con los muertos podría disculparse? Aunque, para ser justos, no existe una manera fácil de poner fin a situaciones como ésta.

Larian podría hacer que Volo (y otros NPC) sean temporalmente inmortales, pero la explosión aún ocurriría. Sin embargo, congelar el tiempo en mitad de una conversación es otra opción, ya que en algunos de los juegos 3D de Fallout, terminas con todos los que están en el fondo convirtiéndose en estatuas.

Entonces, lo siento, Assassin’s Creed Unity, amamos a esos franceses maravillosamente inconscientes, pero Baldur’s Gate 3 se ha adjudicado la corona del absurdo de la escena.

Si estás jugando a Baldur’s Gate 3 y no has hecho añicos a todos, puede que te resulte útil nuestra guía de misiones de Baldur’s Gate 3. Y aquí está nuestra guía de construcción bárbara de Baldur’s Gate 3 si quieres crear un personaje que se ría de las explosiones.

Cuando se trata de parejas de celebridades, pocas son tan adorables como Zooey Deschanel y Hermanos de la propiedad alumno Jonathan Scott. Las dos estrellas han estado saliendo durante cuatro años, desde que se conocieron cuando filmaron un episodio de Karaoke para compartir coche junto a sus respectivos hermanos. A medida que su relación ha progresado, gradualmente han sido acosados ​​con más preguntas sobre si tienen la intención de casarse. Bueno, amigos, ya no necesitan preguntar, ya que Scott y Deschanel están oficialmente comprometidos. Los dos confirmaron la noticia ellos mismos y marcaron dulcemente la ocasión con solo tres palabras.

La pareja eligió revelar la noticia a través de una publicación de Instagram compartida conjuntamente por sus cuentas. El mensaje presenta una hermosa foto de la feliz pareja, con el Nueva chica icono mostrando su anillo de compromiso. Si bien la imagen vale más que mil palabras, diría que la pareja eligió tres perfectas para resumir sus sentimientos. Echa un vistazo a la publicación por ti mismo y echa un vistazo a la leyenda también:

Entre las muchas cualidades ganadoras de Kasi Lemmons’ Whitney Houston: Quiero bailar con alguien es que, a diferencia de la mayoría de las películas biográficas musicales, que tienden a precipitarse a través de fragmentos frustrantes de los éxitos que te dejan con ganas de más, esta ofrece muchos interludios de actuaciones generosas. Es apropiado que en un retrato de la mujer considerada la mejor voz de su generación, escuchemos esa voz en todo su esplendor. El poder, el aplomo, la alegría e incluso la riqueza espiritual en cada voz probablemente tenga mucho que ver con este sentimiento que se parece menos a una trágica saga de ascensos y caídas que a una celebración de un ícono perdurable con quien la fama no siempre fue amable. .

Eso no significa que Lemmons y el guionista Anthony McCarten, acaparando el mercado del biodrama musical después Rapsodia Bohemia y la asamblea de máquinas de discos de Neil Diamond Broadway Un hermoso ruido — pasa por alto la caída en desgracia de Houston o los demonios que la atormentaron a lo largo de sus años en el centro de atención. Eso es todo aquí. Pero los altibajos se construyen sobre una base firme de respeto que calentará el corazón de cualquier fanático devoto, incluido este.

El otro activo importante aquí es la actuación sincera y emocionalmente cruda de Naomi Ackie en el papel principal. Si bien no se parece mucho a Houston, captura el resplandor de la difunta cantante, ya sea dominando un escenario o simplemente retirándose del centro de atención. La actriz británica elimina hábilmente la distancia que separa a la estrella con problemas de la audiencia. Ella accede a la sin pretensiones de Everywoman, tanto en el sentido de la portada de Chaka Khan como en el sentido de una chica de Jersey identificable que hizo los ajustes necesarios para vivir con la fama mundial a pesar de que nunca se sintió del todo cómoda con ella.

La decisión de ceñirse casi exclusivamente a las versiones remasterizadas por expertos de las pistas vocales originales de Houston fue absolutamente correcta. Ackie, según todos los informes, es un cantante capaz; se la puede escuchar brevemente en la práctica del coro en la Iglesia Bautista New Hope en Newark con la dura capataz de la madre de Houston, Cissy (Tamara Tunie, fabulosa); actuando como respaldo en el acto de su madre en Sweetwater’s en la ciudad de Nueva York; y cantando sola en el mismo club en los primeros compases nerviosos de “The Greatest Love of All”, cuando Cissy hace el inteligente movimiento de empujar a su hija sola al escenario después de ver al presidente de Arista Records, Clive Davis (Stanley Tucci), entre la audiencia.

Tanto Ackie como el equipo de producción musical hacen que la transición a la voz espectacular de Houston sea fluida a medida que ella encuentra rápidamente su confianza. La sincronización de labios es impecable, pero no hay duda de que Ackie está cantando debajo de los doblajes: vive y respira cada canción.

La cuestión es que no puedes hacer un biodrama de Whitney Houston sin la voz de Whitney Houston. Nadie puede igualar su expresividad, su potencia pulmonar, su modulación aparentemente sin esfuerzo y los cambios clave de escalador de montañas cuando estaba en su apogeo. Hay una vitalidad contagiosa en sus éxitos bailables —lo juro, luché por no saltar de mi asiento cuando un corte impactante salta a “How Will I Know”— y un sentimiento conmovedor en sus baladas.

Biografía ligeramente ficticia de Andrew Dosunmu para Netflix, Belleza, que fue escrita por Lena Waithe, tenía muchas cualidades admirables, particularmente en su franqueza sobre la sexualidad de la estrella. Pero la apuesta audaz de hacer una película en la que todos siguen entusiasmados con una voz de canto extraordinaria que nunca llegamos a escuchar dejó un agujero enorme en el retrato.

La medida en que esta película se regocija en el talento fenomenal, incluso al rastrear la tragedia personal, hace que sea fácil vivir con las restricciones convencionales del guión de McCarten, que no escapa a la estructura familiar de la página Wiki «y luego sucedió esto». Pero son dos elecciones musicales, en particular, las que dan Quiero bailar con alguien su satisfactoria forma narrativa.

Una es la aparición televisiva de 1983 en El show de Merv Griffin en el que Davis presentó Houston a audiencias nacionales, cantando «Home» de el mago, incluso antes de que se grabara su álbum debut. Establece el tema del anhelo por la estabilidad de anclaje del amor, la familia y la pertenencia que continuaría deslizándose de su alcance a medida que su fama escaló.

El otro es el dispositivo de encuadre de una actuación inolvidable en los American Music Awards de 1993, en la que Houston cantó lo que se conoce como «The Impossible Medley». Se compone de tres canciones, cualquiera de las cuales sería suficiente desafío por sí sola para muchos vocalistas consumados: «I Loves You, Porgy», de Porgy and Bess; “Y te digo que no voy” de Ninñas soñadas; y la exitosa balada de Houston de ese año, «I Have Nothing».

Con un dolor constantemente amplificado en las escenas finales, Lemmons observa el estado de ansiedad de Houston mientras se prepara para actuar, en contra del consejo de su equipo, en la fiesta previa a los Grammy de 2012 de Davis. Pero el director toma la decisión restringida de interrumpir el descenso de las últimas horas de la cantante hasta la actuación de AMA, recreada en su totalidad, lo que permite que la película cierre con un subidón triunfal en lugar de con la desolación de una luz resplandeciente extinguida.

Ese gesto amoroso no disminuye la autenticidad con la que la película describe la lucha de Houston con las drogas; su turbulento matrimonio con Bobby Brown (luz de la luna descubrimiento Ashton Sanders), quien ignoró los signos de fatiga debilitante y la animó a seguir de gira; la traición de su padre, John (Clarke Peters), quien manejó mal su negocio y luego la demandó por $100 millones cuando ella le quitó el control; y la reacción negativa sobre su música «no lo suficientemente negra».

Quizás el hilo más conmovedor es el florecimiento espontáneo de su temprana relación con Robyn Crawford (Nafessa Williams), que describe la aceptación relativamente sencilla de Houston de su sexualidad, que fue superada gradualmente por la desaprobación homofóbica de su familia y por la presión de presentar una «niña» saludable. al lado” imagen al comienzo de su carrera. Robyn pone los ojos en blanco ante el cambio de imagen de video musical de Whitney, cambiando jeans, sudadera y cabello corto por minivestidos, maquillaje de Barbie y rizos con volantes, es un momento dulce.

Sus primeras escenas juntos, bellamente interpretadas por Ackie y Williams, son alegres, relajadas y sexys, con una taquigrafía entre ellos que transmite la influencia fundamental que Crawford podría haber tenido si el romance no hubiera sido suprimido.

Crawford siguió siendo un amigo de confianza hasta que la coexistencia con Brown en la vida de Houston se volvió imposible; la división resultante es desgarradora, dado que Robyn parece haber sido la figura más constante que siempre vela por los mejores intereses de Whitney.

Los padres de Houston son representados como la principal fuerza detrás de la marginación de Crawford, y Davis se esfuerza por mantenerse al margen de la vida privada de sus artistas. (Puede haber algo de exoneración involucrada aquí, dado que él es un productor). Reexaminado desde una perspectiva contemporánea, ahora que más celebridades queer sienten la libertad de salir del armario, es una triste ironía que todo esto sucediera bajo la supervisión de Davis. La aparición tardía del ejecutivo de la compañía discográfica como un hombre gay se maneja con un toque agradable y ligero en la actuación cálidamente paternal de Tucci.

McCarten y Lemmons tienen cuidado de no retratar a Houston en términos directos de victimismo. Su decisión de casarse con Brown se muestra como propia, impulsada en parte por el deseo de formar una familia, mientras que su consumo de drogas comenzó mucho antes de casarse. Los cineastas toman la decisión admirable de mantenerse alejados del espectáculo de choque de trenes de Bravo. ser bobby brownposiblemente el punto más bajo de la telerrealidad de celebridades, que convirtió a Houston en uno de sus puntos más bajos en un chiste cruel de la cultura pop.

La mayoría de los eventos aquí, relacionados tanto con las desventajas como con el éxito de la serie de hits No. 1 consecutivos de Houston y las ventas de álbumes históricos, serán familiares para cualquiera que haya visto el excelente documento de Kevin Macdonald de 2018, whitney.

Donde la película de Lemmons es más esclarecedora es en mostrar cuánto los propios instintos de Houston sobre lo que era correcto para su voz fueron fundamentales en su ascenso. Es ese instinto el que informa su respuesta sin disculpas cuando un entrevistador saca a relucir las críticas de «demasiado blanco» formuladas por las cadenas de radio negras. Si bien no escribió sus propias canciones, claramente tenía un gran oído para lo que funcionaba para ella, especialmente en su reinvención hímnica de la delicada «I Will Always Love You» de Dolly Parton como una poderosa balada entusiasta para la banda sonora de El guardaespalda.

La atención a la carrera cinematográfica de Houston se limita bastante a ese debut en la pantalla de 1992, con algunos cortes ingeniosos de uno o dos fotogramas de Kevin Costner durante el rodaje. Pero nada se siente estafado. Hay una amplitud emocional en este recuento de la vida de Houston que nos da una gran participación en su coronación a los 23 años como la princesa del pop de Estados Unidos y una inversión aplastante en el patetismo de sus años de lucha, como las drogas, el agotamiento y la presión de «ser todo para todos». tomó su peaje.

Los críticos olfatearán, como invariablemente lo hacen, las convenciones familiares de la película biográfica musical. Pero el espíritu de Quiero bailar con alguien trasciende esas convenciones con mucha más frecuencia de lo que las agobia. Cualquiera que ame a Whitney Houston y su música dejará la película con ese amor reforzado, especialmente cualquiera que la vea en un cine con un sistema de sonido que hace temblar las paredes.

¿Paridad… o parodia?

Por supuesto, McMahan se refiere al turno de William Shatner en la silla del Director en Star Trek V: La última fronteraque recibió pocos elogios de la crítica.

«Escucha, todos sabemos que obtienes una gran película de Star Trek y luego obtienes una película de Star Trek menos genial», bromea McMahan sobre el viejo mito de la película Trek con números pares e impares. «Me encantan TODAS las películas de Star Trek, pero había oído que van y vienen».

Esta es la secuela del holoprograma de Mariner. Crisis Point: El ascenso de Vindicta de la primera temporada, episodio 9 (acertadamente titulado «Punto de crisis»). Mike habla sobre eso y el razonamiento detrás de la secuela.

“Queríamos hacer una película que desafiara la idea de que había películas buenas o malas de Star Trek”, dice McMahan. “Todas son buenas películas de Star Trek porque puedes estar en Star Trek durante dos horas. Si tienes suerte, en un teatro. Esa es mi opinión al respecto, después de haber visto una ‘película mala de Star Trek’ como cien veces, simplemente no creo que haya ninguna mala. Quiero decir, es mejor estar viendo una película de Star Trek que una jodidamente normal”.

Como resultado, la «película» de Boimler contiene múltiples referencias a las primeras cinco películas originales del equipo, incluidos cortes tan profundos como Rutherford entusiasmado con la Star Trek II: La ira de Khan Gráficos estilo Commodore 64 utilizados en este episodio, o la parte superior de la estación espacial Regula One atascada en la parte superior de un asteroide. Incluso hay detalles como el dispositivo de barrera láser desconocido que se vio en La ira de Khan e incluso en Avión II – una película que también protagonizó William Shatner. Pero quizás el más grande llega al final del episodio, que rinde un homenaje especial a Star Trek: Generaciones, en el que el capitán Kirk se sacrifica. La estrella invitada al final, con valiosos consejos para Boimler sobre cómo enfrentar la muerte, es la guinda del episodio.