CPH:FORUM, la sección de financiación y coproducción del Copenhagen Intl. El Festival de Cine Documental (también conocido como CPH:DOX) exhibirá 32 proyectos, incluidos nuevos trabajos de productores como Sidsel Lønvig Siersted (“Apolonia, Apolonia”), Signe Byrge Sørensen (“Flee”), Diane Becker (“Navalny” ) y Mandy Chang, exdirectora de la sección documental de la BBC Storyville, así como los directores Rintu Thomas y Sushmit Ghosh (“Writing With Fire”) y Mads Brügger (“Cold Case Hammarskjöld”).

Otros proyectos incluyen los de los directores Sky Hopinka (“Kicking the Clouds”), Talal Derki (“Of Fathers and Sons”) y Rachel Leah Jones y Philippe Bellaiche (“Advocat”), y los productores Lindsey Dryden (“Trans in America” ), Mila Aung-Thwin (“Parteras”) y Kat Mansoor (“Vaca”).

CPH:FORUM reunirá a más de 65 cineastas y productores de 26 países entre el 18 y el 21 de marzo.

Los proyectos seleccionados competirán por una serie de premios antiguos y nuevos en CPH:INDUSTRY, la sección profesional del festival.

Más de 270 financistas y comisionados asistirán a CPH:FORUM. Estos incluyen los de los streamers Netflix, Amazon, Mubi y HBO Europe; emisoras como ARTE, ZDF, Canal+, BBC, POV, Al Jazeera, Banijay y DR; los estudios de cine Participant Media, Time Studios, Concordia Studio, Fremantle, Sandbox Films y HHMI Tangled Bank Studios; y distribuidores como Neon, Fifth Season e IMAX.

Este año, CPH:WIP presentará seis proyectos de cineastas que mostrarán escenas seleccionadas con el fin de asegurar la financiación del déficit o una plataforma de lanzamiento para una mayor distribución. Las obras seleccionadas se presentarán el 18 de marzo.

Por tercer año consecutivo, CPH:DOX, IMS (International Media Support) y EAVE (European Audiovisual Entrepreneurs) se han unido para organizar el programa de formación en desarrollo y coproducción CHANGE, destacando proyectos de Ucrania, Moldavia, Bielorrusia, Georgia, Armenia y Azerbaiyán. La tercera edición del programa de seis meses de duración tendrá su último taller residencial en Copenhague, organizado en colaboración con la Escuela Nacional de Cine de Dinamarca, y culminará con una presentación de los ocho proyectos participantes en la sesión de presentación de CHANGE el 18 de marzo. .

“Mientras las voces luchan por ser escuchadas en todo el mundo, es un gran honor poder presentar en un escenario global proyectos que abordan la experiencia humana en todas sus dificultades y belleza. Nos sentimos honrados por la confianza que los cineastas depositan en CPH:FORUM y estamos emocionados de ver que estos proyectos construyen puentes entre las personas y generan diálogo”, dijo Mara Gourd-Mercado, directora de industria y capacitación.

Después de una década de colaboración en el Premio Eurimages al Desarrollo de Coproducción, CPH:FORUM y Eurimages han presentado dos nuevos premios: el Premio a la Innovación y el Premio a la Extensión, centrados en proyectos innovadores y experimentales en diferentes etapas de producción. El Premio a la Innovación, dotado con 20.000 euros, se destina a proyectos de directores o artistas visuales que muestren potencial para la cooperación internacional. El Premio Divulgación, dotado con 30.000 euros, tiene como objetivo apoyar a productoras o directores independientes con proyectos que busquen atraer audiencias a nivel internacional. Ambos premios son para el ciclo 2024-2026 y los proyectos elegibles deben cumplir con los criterios de apoyo de Eurimages.

CPH:FORUM también entregará el nuevo Premio Rise and Shine, dotado con 3.000€ al mejor proyecto con potencial internacional y sin agente comercial adjunto; el premio Unifrance Doc, en colaboración con Unifrance y TitraFilm, dotado con cerca de 5.500 euros en premios al mejor pitch de coproducción francesa; El premio NewImages – Forum des Images invita a dos proyectos CPH:LAB al mercado de desarrollo XR para un mayor desarrollo y visibilidad; y el Premio Sunny Side of the Doc, que seleccionará hasta tres proyectos CPH:LAB para participar en su edición de 2024.

CPH:PROYECTOS DEL FORO

“Antes del incendio”, Colombia/Argentina/España
Por Ángel Giovanni Hoyos, producido por Jorge Botero

“El suéter azul con un agujero amarillo”, Ucrania
Por Tetiana Khodakivska, producida por Elena Saulich

“El invernadero roto”, Suecia
Por Lars Bergström y Mats Bigert, producido por Mats Bigert

“La llamada: una odisea política”, Dinamarca
Por Lise Birk Pedersen, producido por Sara Stockmann

“Hijos de la Miel”, Tanzania/Reino Unido
Por Jigar Ganatra, producido por Natalie Humphreys

“Cinderella Unbound”, Reino Unido/Rumania
Por Ilinca Calugareanu, producido por Anamaria Antoci e Ilinca Calugareanu

“El sueño sucio”, India
Por Rintu Thomas y Sushmit Ghosh, producido por Rintu Thomas y Sushmit Ghosh

“Primera mujer”, Dinamarca
Por Patricia Drati, producida por Maria Helga Stürup

“Libertad” (WT), Dinamarca
Por Camilla Nielsson, producida por Signe Byrge Sørensen

“Haití – Colapso”, Dinamarca
Por Martin Tamm Andersen, producido por Andreas Dalsgaard

“Soy un olivo”, Suecia
Por Yasaman Sharifmanesh, producido por Kristofer Henell y Erika Malmgren

“Soy Pippi”, Suecia
Por Maria Loohufvud y Love Martinsen, producido por Maria Loohufvud y Love Martinsen

“Elogio de las especies invasoras”, Canadá
Por Mila Aung-Thwin, producido por Bob Moore

“El mundo invisible”, Alemania
Por Talal Derki, producido por Talal Derki

“ISKRA (¡Chispa!)”, Eslovenia/EE.UU.
Por Alenka Pavlin, producida por Errol Morris, Petra Vidmar, Geoffrey Smith y Cynthia Kane

“Karsai contra Hungría”, Hungría/Francia
Por Marcell Gerő, producido por Jean-Laurent Csinidis y Sára László

“The Listeners”, Reino Unido/Estados Unidos/Francia
Por Lindsey Dryden, producido por Samantha Steele y Lindsey Dryden

“Mi hermana separada”, Dinamarca
Por Marina Vorobyeva, producida por Julie Walenciak

“Mi piel y yo”, Nicaragua/Estados Unidos/Alemania
Por Milton Guillén y Fiona Hall, producido por Nevo Shinaar y Brigid O’Shea

“Oriente”, Dinamarca/Argentina
Por Juan Alvaro Hein, producido por Sidsel Lønvig Siersted

“Nuestra hermana Ángela – El poder negro en la RDA”, Alemania
Por Katharina Warda y Jascha Hannover, producido por André Schäfer

“Podio (tienes tres minutos)”, Israel/Canadá/Francia/Suiza
Por Rachel Leah Jones, producida por Philippe Bellaiche

“Gente Powwow”, EE. UU.
Por Sky Hopinka, producido por John Cardellino

“Proyecto Z”, Reino Unido, EE. UU.
Por Till Schauder y Sara Nodjoumi, producido por Kat Mansoor, Sara Nodjoumi, Till Schauder

“Segunda mujer”, Reino Unido
Por Ursula Macfarlane, producido por Mandy Chang

“Showtime in Helsinki”, Finlandia/Suecia
Por Arthur Franck, producido por Sandra Enkvist

“Marca de tiempo”, Ucrania/Países Bajos
Por Kateryna Gornostai, producida por Olha Beskhmelnytsina

“Hacia el abismo”, Noruega/Dinamarca/Bélgica
Por Mads Brügger, producido por Carsten Annonsen, Stig Andersen y Silje Viki

“La gente de los árboles”, EE. UU.
Por Regina Sobel, producida por Sarah Goodwin, Elliot Kirschner, Adam Bolt y Julia de Guzmán

“Bajo el sueño”, México/Estados Unidos
Por Saelyx Finna, producido por Yollótl Alvarado, Isabel López Polanco y Laurie Polisky

“Víctor”, EE.UU.
Por Stephani Victor, producido por Diane Becker, Melanie Miller y Matt Radecki

“Susurros en mayo”, China/Países Bajos
Por Dongnan Chen, producido por Jia Zhao

CPH: PROYECTOS WIP

“Acerca de un héroe”, Dinamarca/Alemania
Por Piotr Winiewicz, producido por Mads Damsbo y Rikke Tambo Andersen

“Tierra quemada”, Finlandia
Por John Webster, producido por Eveliina Kantola y Marko Talli

“Si las palomas se convirtieran en oro”, República Checa/Eslovaquia
De Pepa Lubojacki, producida por Wanda Kaprálová y Klára Mamojková

“Hombre Mujer Norte Sur”, Noruega/Letonia/República de Corea
Por Morten Traavik y Mary Sun Kim, producido por Verona Meier

“No bienvenido”, Chile
Por Amílcar Infante y Sebastián González Méndez, producido por Sebastián González

Proyecto confidencial de Yemen, Yemen

CAMBIAR PROYECTOS

“Entre fronteras extrañas”, Ucrania
Por Mira Oyetoro y Sabina Asadova, producido por Mira Oyetoro

“Ecos de Avey”, Azerbaiyán
Por Atanur Nabiyeva, producido por Durna Safarova

“El barquero”, Ucrania
Por Pavlo Dorohoi, producido por Olha Symonenko

“Tierra de cuentos de hadas y sueños”, Moldavia/Alemania
Por Denis Pavlovic

“Idioma X”, Bielorrusia/Polonia
Por Tanya Haurylchyk, producida por Katerina Barushka

“Lecciones de química”, Polonia
Por Magda Grudniewska

«Alas de Nana», Georgia
Por Maradia Tsaava, producido por Mariam Chachia

“Canciones sagradas”, Georgia
Por Nona Giunashvili, producido por Mariam Bitsadze

La artista francesa Apolonia Sokol, protagonista del documental nominado al Oscar Apolonia, Apolonia – ha sido comparada con la gran pintora mexicana Frida Kahlo. Ella admite que puede haber algunos paralelos, empezando por un parecido físico.

“Estaba bromeando un poco sobre eso: el hecho de que tenemos uniceja y bigote”, se ríe Sokol. «Tal vez estas sean similitudes».

En un nivel más sustancial, ambos artistas se describen a sí mismos como casi poseídos por el impulso creativo. “Pinto porque lo necesito”, dijo una vez Kahlo. En el documental dirigido por Lea Glob, Sokol comenta: “No puedo distinguir entre mi identidad y mi trabajo. Pero realmente no hay diferencia”.

Hay otro paralelo entre ellos. “Lo interesante de Frida Kahlo es que fue una de las primeras artistas en crear su propia mitología, su mitología personal, para sus pinturas. ‘Mitología personal’ es un término que usamos todo el tiempo ahora, pero antes, esta palabra no existía”, le dice Sokol a Deadline. “Ella está construyendo un personaje con todas las pinturas. Y tal vez lo que está pasando conmigo y la película es que Lea hizo eso por mí. Ella creó mi mitología”.

Parte de la mística de Apolonia –su mitología– es la forma sencilla en que mantiene la atención del espectador a lo largo de la película. El documental comienza con las primeras imágenes que Glob filmó con ella hace más de 15 años, mostrando a la joven artista en su elemento nativo, es decir, rodeada de un elenco giratorio de personajes bohemios. Sokol vivía en una antigua lavar (una especie de lavandería) en París que sus padres no tradicionales habían convertido en un espacio de actuación.

Glob se sintió atraída por la atracción gravitacional de la personalidad de Apolonia, un campo de fuerza de carisma que atraía a muchos a su órbita. «No sé si capturé a Apollonia con mi cámara, o si ella me atrapó en su teatro o algo así», dice Glob. «Todavía no lo sé.»

El cineasta danés, reservado por naturaleza, se convirtió en una especie de sombra para Apolonia, tal como lo era Apolonia para ella; alter egos cuyos destinos de alguna manera se entrelazaron. Hay una dualidad en la historia, que pone en primer plano el viaje de Sokol a través de un mundo artístico y cultural patriarcal, al tiempo que documenta sutilmente la propia evolución de Glob. Sus caminos se cruzarían, divergirían y volverían a cruzarse a lo largo de los 13 años que Glob hizo la película. Pero algunas versiones anteriores de la película no presentaban la presencia de Glob más que por implicación, como la persona que presumiblemente sostenía la cámara.

«Vi muchas versiones», le dice Sokol a Deadline. “Quería que ella estuviera en la película… Realmente la presioné para que lo hiciera… Le dije a Lea: ‘Pero escucha, hablamos todo el tiempo. Esto es lo que hacemos. Llevamos 13 años hablando. Tenemos una relación. Y eres un artista, eres un artista increíble, has estado haciendo una obra de arte durante tantos años y trabajando muy duro en ella. ¿Cómo no puedes ser parte de esto?’”.

Después de la escuela de cine, la carrera cinematográfica de Glob comenzó a desarrollarse y dirigió (con Petra Costa) el documental premiado. Olmo y la Gaviota. Pero el cineasta y Sokol mantuvieron un contacto frecuente, como cuando el artista enfrentó momentos de crisis –reales o ficticias– como la constante amenaza de desalojo de la lavar/espacio de teatro, que era codiciado por los promotores inmobiliarios.

“En algún momento también supo que era genial tener una cámara a tu alrededor, que tiene este poder”, explica Glob. “Y a veces ella también me llamaba y decía: ‘Lea, nos están echando’. Tienes que venir.’ ‘Ah, okey.’ Estaba sentado en otro lugar; estábamos editando Olmo y la Gaviota De hecho, pensé: ‘Ah, tengo que irme’. Tengo que filmar esto.’ Y luego llego y ella está horneando albóndigas y cocinando espaguetis con un nuevo amante. Y simplemente están sentados, muy enamorados. Y yo pensé: ‘Está bien, ¿se está produciendo este gran movimiento? ‘Sí, ya sabes, nunca lo sabemos’”.

La incipiente carrera artística de Apolonia la llevó a Nueva York y luego a Los Ángeles. Fue en Los Ángeles donde estuvo a punto de caer en las garras de Stefan Simchowitz, un coleccionista de arte y “asesor de arte” (para clientes adinerados), que ha sido descrito por el New York Times como “el Satán patrón del mundo del arte”. » En escenas llenas de suspenso, “Simcho” busca colonizar a este joven talento para su propio beneficio pecuniario.

«Hay un momento en el que realmente estoy tratando de venderme», admite Sokol, «tratando de lograrlo, crear un nombre».

Las cosas llegaron a un punto crítico en 2016 durante una feria de arte en Paramount Ranch, un lugar en las afueras de Los Ángeles donde (como W. escribió la revista) se podía observar un sitio inusual: “El plug anal inflable de Paul McCarthy ubicado en las mejillas de las montañas de Santa Mónica”.

En un intento espontáneo de autoliberación, Sokol, que sintió que Simcho y personas como él asfixiaban su fuerza vital, se desnudó y asumió una pose arqueada y gimnástica junto al gigante tapón anal verde. Glob capturó el momento que precipitó la ruptura de Apolonia con Simcho y el regreso a su entorno natal en París.

«Cuando estás completamente desesperado, lo único que te queda es tu propio cuerpo», dice Sokol. “Y eso fue muy eficiente porque una semana después recibí esta llamada telefónica que [Simcho] ya no quería trabajar conmigo. Y eso fue algo bueno porque no es una persona a la que puedas decirle que no”.

El acto de desafío de Apolonia y el uso de su cuerpo como declaración fue inspirado por su colega artista y activista Oksana Shachko, cofundadora del movimiento feminista radical Femen que tuvo que huir de su Ucrania natal hace más de una década bajo el acoso de grupos pro- Agentes rusos. Shachko y Sokol se volvieron extremadamente cercanos y compartieron espacio en el lavarcompatriotas unidos por un tremendo vínculo de amor y afecto, y un intenso y mutuo deseo de enfrentar al patriarcado.

Pero Shachko, que vivía con las constantes incertidumbres del exilio, parecía condenado. Ella, Sokol y Glob constituyen los pilares de la película.

“Lo que no entendí es que por [Oksana], lo más importante no era el arte. Fue el activismo. Fue la pelea”, observa Sokol. “A ella no le importaba ser capaz de crear algo nuevo. Quería ser útil y no podía serlo porque no podía haberlo hecho. [immigration] papeles y no podía luchar dentro de su propio movimiento”.

A medida que avanza la película, Apolonia comienza a alcanzar cierto grado de renombre en el mundo del arte, y algunos observadores la llaman la próxima Frida Kahlo. Ella y Oksana claramente no planeaban tener hijos, pero Glob eligió el camino de la maternidad. Sin embargo, su embarazo tuvo graves complicaciones y casi pierde la vida. Glob expresó a sus médicos su preocupación por los síntomas preocupantes, pero esas preocupaciones fueron descartadas: otra manifestación más de la forma en que los testimonios y experiencias de las mujeres a menudo son ignorados en una cultura regida por la perspectiva y las prerrogativas masculinas.

“Porque están estos tres personajes [in the documentary]»Y no solo a mí, esta película le habla a muchas mujeres y a tantas personas marginadas en nuestra sociedad», dice Sokol. «No se trata sólo de un pintor».

Apolonia, Apolonia Ganó el primer premio de documental en el Festival Internacional de Documentales de Ámsterdam (IDFA) 2022, así como otros premios en festivales de todo el mundo. Llegó a la lista de finalistas del Oscar a pesar de no haber obtenido distribución en Estados Unidos hasta esta semana; fue adquirida hace sólo unos días por Grasshopper Film y Documentary+. Comenzó a proyectarse el viernes en el Firehouse Cinema de DCTV en Nueva York.

Para Sokol, la película representa una validación, no para ella misma, sino para Glob, quien trabajó en la película, elaborando su narrativa y perfeccionando su esencia durante más de una década. Sokol recuerda aquellos días en los que pasaron tiempo juntos por primera vez, en el ambiente artísticamente embriagador. lavar rebosante de personalidad y energía.

«En este teatro había, por supuesto, muchos actores y todos estos diferentes artistas que ocupaban mucho espacio, y había que hacer mucho ruido para llamar la atención», recuerda Sokol. “Sólo puedes imaginarte en París: bohemio, pretencioso. [people], también. Y Lea era muy humilde y muy callada, pero muy decidida… Era la más callada”.

Apolonia añade: “Pero 13 años después, resulta que ella era la más talentosa. Quizás no ocupó tanto espacio, pero hizo una obra maestra”.

EXCLUSIVO: Grasshopper Film y la plataforma de streaming DOCUMENTARY+ han adquirido los derechos norteamericanos de la película nominada al Oscar Apolonia, Apoloniaun acuerdo anunciado cuando se abre la ventana de votación de nominaciones para los 96^th Premios de la Academia.

Grasshopper estrenará la película en cines el viernes en el Firehouse Cinema de DCTV en Nueva York, “con un lanzamiento en DOCUMENTARY+ después de todas las demás ventanas tradicionales”, según un comunicado.

La película dirigida por Lea Glob documenta la vida de la pintora francesa Apolonia Sokol durante un período de 13 años, examinando su intento de mantener la integridad artística en un mundo del arte (y la cultura) donde el patriarcado privilegia la mirada masculina sobre la femenina.

“El resultado es una conmovedora meditación sobre la amistad, la realización personal y creativa, y tanto la liberación como las limitaciones del cuerpo femenino”, señala el comunicado. “A lo largo de los años, tanto Sokol como Glob ven una y otra vez que el camino hacia el logro artístico no es fácil ni equitativo y que las mujeres a menudo tienen que hacer más sacrificios y superar mayores obstáculos que sus homólogos masculinos. Como escribió The Guardian en su reseña, la película muestra la evolución gemela de dos mujeres: la que está frente a la cámara y la que está detrás de ella”.

Ryan Krivoshey, fundador y presidente de Grasshopper Film, dijo en un comunicado: «El logro de Lea con Apolonia, Apolonia es nada menos que notable. Trasladándose de París a Copenhague y Los Ángeles, es un retrato increíblemente matizado e incisivo, de más de una década de elaboración, de una joven artista que arroja luz sobre las desigualdades arraigadas tanto en el mundo del arte como en el mundo en general. Estamos encantados de trabajar con todo el equipo cinematográfico y asociarnos con DOCUMENTARY+ para llevar esta extraordinaria película al público de toda Norteamérica”.

“Apolonia, Apolonia es una pieza singular de la experiencia creativa y nos sentimos honrados de trabajar con Grasshopper para llevarlo al público en todas las pantallas”, dijo Shane Riley, jefe de ventas y estrategia de distribución de XTR/DOCUMENTARY+. «Lea y su equipo de productores son socios ideales a medida que avanzamos hacia un nuevo territorio con DOCUMENTARY+ y estamos encantados de colaborar en esta asociación única entre un canal FAST y un distribuidor desde la primera etapa de adquisición».

Glob, cuyos créditos incluyen Olmo y la gaviota (dirigida con Petra Costa) y Venus (dirigida con Mette Carla Albrechtsen), comentó: “Estoy increíblemente satisfecho de que Grasshopper y DOCUMENTARY+ garanticen que mi película asegure una posición en el mercado estadounidense. Esto significa mucho para mí y, al mismo tiempo, me acerco al público estadounidense con gran humildad. En la película, sigo a Apolonia Sokol y su viaje para traer su arte a los EE. UU. Ahora, encontrarme aquí con mi propia película, en cierto modo, es como si el círculo se cerrara, marcando el final de un capítulo y el comienzo de otro. algo nuevo.»

Apolonia, Apolonia ganó el primer premio en el Festival Internacional de Documentales de Ámsterdam (IDFA) de 2022. También ganó importantes premios en CPH:DOX en Copenhague, el Festival Internacional de Cine de Hong Kong, el Festival Internacional de Cine de Sofía en Bulgaria y dos premios en Millennium Docs Against Gravity en Polonia, entre muchos otros premios. Hoy, fue nombrado Elección de la Crítica del New York Times, y la crítica Alissa Wilkinson escribió: “Este no es el tipo de documental destinado a ayudarle a aprender sobre la vida de la pintora Apolonia Sokol. A menos que estés muy metido en el mundo del arte, es posible que ni siquiera sepas quién es. Más bien, es una película sobre la vida y cómo se vive, con los retratos de Sokol formando una agradable armonía en lugar de una columna vertebral narrativa… El objetivo aquí no es documentar el ascenso de una estrella, sino observar el proceso de creación”.

El acuerdo de adquisición fue ejecutado por Ryan Krivoshey de Grasshopper Film, con Shane Riley de DOCUMENTARY+, y negociado por Sigrid Dyekjær de Real Lava y Catherine Le Clef de CAT&Docs. La película fue producida por Sidsel Lønvig Siersted para Danish Documentary Production y coproducida por Małgorzata Staroń para Staron-Film. Los productores ejecutivos incluyen a Sigrid Dyekjær, Hanka Kastelicova, Eva Mulvad, Pernille Rose Grønkjær y Mikala Krogh.

“Después de una extensa gira por Europa y de asistir a varios festivales americanos”, dijo Lønvig Siersted en un comunicado, “nos llena de alegría anunciar que la película finalmente ha encontrado un ‘hogar’ más permanente en Estados Unidos. Nuestros encuentros con el público del festival estadounidense han sido cálidos y abrumadores. Por lo tanto, es un orgullo poder confirmar ahora nuestra colaboración con socios talentosos”.

«Con este acuerdo de distribución, hacemos posible que los cinéfilos estadounidenses experimenten una maravillosa amistad entre dos mujeres, dos artistas, que se desarrolla en la pantalla», dijo Dyekjær, quien ganó el domingo un Emmy al Mérito Excepcional en Realización de Documentales por El territorio. “Apolonia, Apolonia Es una narrativa hermosa e importante sobre cómo encontrar el lugar de uno en la vida, que merece llegar a una audiencia más amplia, y estoy encantado de que Grasshopper y DOCUMENTARY+ contribuyan a lograr esta tarea”.

Hay una cualidad hipnótica en Apolonia Sokol, la artista parisina y estrella del documental candidato al Oscar. Apolonia, Apolonia.

La palabra «estrella» se utiliza con prudencia: Apolonia cautiva la atención, especialmente en los momentos de quietud, con la misma facilidad que un icono del cine. Su presencia paraliza, incluso cuando mira fuera de cámara. Ése es el misterio de la personalidad.

La directora danesa Lea Glob (pronunciada Globe) era estudiante de cine cuando conoció a Apolonia en persona; el escenario: París, 2009. Su encuentro inicial adquirió un carácter vagamente de cuento de hadas.

“Ella me dijo: ‘Ven a esta dirección, 35 rue Lyon y di mi nombre’”, recuerda Glob. Yo estaba como, ‘Está bien, ¿hay un timbre o algo así? Podríamos…?’ «No, sólo di mi nombre, dos veces, y te dejaré entrar». Así que me encontré muy estúpida con la palabra ‘escuela de cine’ escrita en todo mi equipo… Ella se metía en una obra de teatro así constantemente”.

Había muchas razones para que Apolonia se sintiera como en casa en un entorno teatral: creció en un espacio de actuación real, hija de padres bohemios.

“Lo que no me di cuenta es que en este teatro la filosofía era que cualquiera que entrara por esa puerta era considerado un artista”, dice Glob. “No importaba si querías ensayar una obra de teatro o si simplemente vivías en el barrio. Se trataba de la creación personal como celebración del espíritu humano. Así que esa era la filosofía”.

Cuando el artista y el cineasta se conocieron, Apolonia era estudiante en la prestigiosa École nationale supérieure des Beaux-Arts de París y era uno de los muchos jóvenes talentosos que esperaban superar los obstáculos y forjar una carrera viable como artista. Era una vida al límite, en muchos aspectos: la familia de Apolonia tenía un historial de expulsiones, incluidos antepasados ​​que fueron deportados de Bielorrusia a Siberia, de donde llegaron a Polonia y más tarde a Francia. Los promotores estaban constantemente a punto de apoderarse del edificio del teatro donde vivía Apolonia y expulsarla.

A pesar de la constante incertidumbre económica, exudaba libertad de pensamiento y movimiento.

Y sus cuadros eran profundamente expresivos: a menudo retratos de mujeres que conocía. Apolonia, Apolonia se desarrolla algo así como un pas de deux tácito, con el director narrando el curso de la vida del artista durante más de una docena de años: mientras Apolonia sufre reveses, luego aparentes avances, se muda a Nueva York, luego a Los Ángeles, en busca de oportunidades artísticas. .

Glob, reservado y observador por naturaleza, contrasta con Sokol, que aparece incesantemente orbitado por confidentes, amigos y amantes. El director y el protagonista funcionan, se podría decir, como alter egos, como yin y yang entre sí. Glob no rechaza la analogía.

“En un momento en que estamos filmando y Apollonia se está pintando en el espejo, ambos estamos haciendo una pintura y una película sobre el mismo tema”, señala. “Y recuerdo cuando el maestro de Apolonia estaba haciendo una de las primeras críticas y dijo: ‘Tu mundo está tan lleno, tan lleno de objetos, está tan lleno de amigos, pesadillas, sueños’. Y fue una locura porque él estaba describiendo las imágenes que yo estaba grabando, en cierto modo. Entonces fue como esta meta cosa”.

Las escenas en Los Ángeles proporcionan un elemento siniestro en la película, cuando Apolonia es cortejada por una figura mefistofélica en el mundo del arte, un tal Stefan Simchowitz, un pez gordo que le da órdenes y parece decidido a colonizar su talento para su propio beneficio pecuniario. Es el tipo de persona que, cuando tose, no se molesta en taparse la boca.

¿Apolonia escapará de sus garras o perderá su alma? (¿Escapará de las garras de Harvey Weinstein, de hecho? Sí, el entonces intocable titán del cine casi aparece en la película).

A medida que Apolonia asciende en el mundo del arte, la vida de Glob evoluciona; se casa y queda embarazada. En esta sutil película a dos bandas, el director representa el camino que Apolonia no tomó hacia la maternidad. Pero el viaje de Glob casi termina ahí: desarrolla una infección casi mortal después de dar a luz. Cuando expresó sus preocupaciones al personal del hospital, la ignoraron.

«Aunque pedí ayuda, no la descubrieron», dice Glob. “Si alejas a la gente, por ejemplo a las mujeres, y tienes estas imágenes falsas de, digamos, mujeres embarazadas, que están histéricas, no escuchas. Y en un sistema de salud es realmente peligroso”.

A su manera, en este pas de deux, Glob y Sokol han rodeado la misma realidad: el efecto pernicioso de vivir en una sociedad dominada por la mirada masculina y las prerrogativas masculinas.

“Entendí algo”, dice Glob sobre su experiencia en el hospital al ver que se le negaba su personalidad como mujer. “Creo que la relación entre las imágenes de nuestros cuerpos y las palabras que le dices a la gente es realmente un tipo de violencia. También era importante abordar estos tabúes en el cuerpo y para mí incorporarlos en la película”, a través del arte de Apolonia.

Apolonia, Apolonia centra la mirada femenina, tanto del cineasta como del artista en su trabajo. Sokol representa el cuerpo femenino sin vergüenza, no como objetos de belleza para la fantasía masculina, sino como seres corpóreos francos, a veces austeros.

“Realmente quería invitar a la gente no sólo a observar a una mujer y su viaje desde la distancia”, dijo Glob, “sino también a pensar con nosotros, Apolonia y yo, a medida que maduramos, y ser parte de esa experiencia de ir. en esta vida, dando estos pasos que das cuando eres joven, navegando por estas nociones de estatus y diferentes puntos de partida en la vida como mujer joven y artista.

«Creo que si editáramos la película sin mi propia historia, la dramaturgia cinematográfica de ‘una mujer superando obstáculos’ nos habría llevado en la dirección equivocada, y esta no es la historia que quería contar».

Apolonia, Apolonia obtuvo el Premio al Mejor Documental en el Festival Internacional de Documentales de Ámsterdam (IDFA) del año pasado, así como premios en festivales de Hong Kong, CPH:DOX en Copenhague, Sofía, Bulgaria, Gotemburgo, Suecia, Artdocfest en Moscú y Millennium Docs Against Gravity y Festival de Cine de Łódź en Polonia, entre otros. Fue nominado a Mejor Documental en los Premios del Cine Europeo durante el fin de semana.

“Tuve que crecer como persona para completar esta película, en cierto modo”, dijo Glob. “Desde la sexualidad, hasta el dolor, el amor, el sexo, la ambición, la duda, el suicidio, la religión. Apolonia estaba desafiando todo. Y al final del día, eso es de lo que estoy más orgulloso de esta película. No eludimos los tabúes, los ponemos en primer plano y espero que lo hagamos con cuidado”.

El documental de Lea Glob “Apolonia, Apolonia”, que representa a la pintora figurativa francesa Apolonia Sokol a lo largo de 13 años, ganó el premio a la mejor película en la sección de Competencia Internacional, así como 15 000 € en el festival de cine documental IDFA en Ámsterdam.

La historia de la mayoría de edad con el París bohemio como telón de fondo se presentó en el Foro IDFA en 2015. En su Variedad revisión de «Apolonia, Apolonia» Guy Lodge describió el docu como «un trabajo impresionantemente idiosincrásico y de gran alcance, garantizado para más festivales y atención especializada». La película es una coproducción entre Dinamarca, Polonia y Francia.

Esta es la tercera vez que Glob, un director danés, ha estado en IDFA con un docu.

«Olmo & the Seagull» de Glob, que codirigió con Petra Costa, se proyectó en IDFA 2015, mientras que «Venus», que codirigió con Mette Carla Albrechtse, se estrenó mundialmente en IDFA en 2016.

“(‘Apolonia, Apolonia’) tiene personajes que dan vida y nos llevan en un viaje, abriéndonos al mundo de la cultura y el arte, de los negocios y la política, de la mecánica de una historia de éxito”, dijeron los jurados de la Competencia Internacional, Pirjo Honkasalo, Vanja Kaludjercic, Yousry Nasrallah, Mary Stephen y Yoshihiko Yatabe. “Está lleno de amor”.

El premio a la mejor dirección (valorado en 5.000 euros) fue para «Much Ado About Dying» del documentalista británico Simon Chambers. Sobre los últimos cinco años de la vida del excéntrico tío del director, David, la película personal y humorística fue una de las favoritas del público. “La muerte no es un final en esta película dolorosamente graciosa y triste, solo una ansiedad que se transmite entre los seres queridos”, escribió. Variedad‘s Logia. “Much Ado About Dying” es una coproducción entre Irlanda y el Reino Unido

El premio a la mejor edición (valorado en 2.500 €) en la Competición Internacional fue para Mario Steenbergen por “Journey Through Our World” (Países Bajos), mientras que “Paradise” de Paul Guilhaume (Francia, Suiza) se destacó por su cinematografía. (El premio de fotografía está dotado con 2.500 €).

En el Concurso Envision, el “Manifiesto” de Angie Vinchito (Rusia) obtuvo el primer premio. Un mosaico de videos a menudo impactantes que los adolescentes rusos han publicado en las redes sociales, el documental fue elogiado por los miembros del jurado Rosa Bosch, Thania Dimitrakopoulou, Pawel Lozinski y Jumana Manna por su “rigor dramático, edición magistral y compromiso político”.

En el mismo apartado, Roberta Torre fue nombrada mejor directora por “Los fabulosos” (Italia), mientras que el Premio a la Contribución Artística Destacada fue para Ishtar Yasin Gutiérrez por “Mi país perdido” (Costa Rica, Irak, Chile, Egipto). Se otorgó mención especial a “Apuntes para una película” de Ignacio Agüero (Chile, Francia).

En el concurso IDFA DocLab para no ficción inmersiva, Darren Emerson ganó con su proyecto «En busca de ritmos repetitivos» (Reino Unido). Una experiencia de realidad virtual, “In Pursuit of Repetitive Beats” tiene lugar en una rave, acompañada por el sonido del acid house de la vieja escuela.

“Este proyecto es una clara manifestación de este medio único que utiliza la realidad virtual, el tacto, el sonido y la experiencia vivida para honrar la necesidad humana de comunidad y el deseo colectivo de ser libres, juntos”, dijeron los miembros del jurado Marcel van Brakel, Katayoun Dibamehr y Amelia. Winger-Piel de oso. “A través del documental, recordamos a aquellos que están vigilados, son imprudentes, están vivos, son ilimitados y exigen ser libres, aunque sea por una noche”.

El Premio Especial del Jurado a la Tecnología Creativa fue para “Plastisapiens” de Miri Chekhanovich y Edith Jorisch (Canadá, Israel).

Taylor McCue ganó el premio IDFA DocLab por narración digital con «He Fucked the Girl Out of Me» (EE. UU.). Sobre una persona trans involucrada en el traumatizante trabajo sexual para pagar los costos de su transición, el jurado describió «He Fucked the Girl Out of Me» como «un enfoque único para transmitir una historia personal complicada en los propios términos del artista». Loren Hammonds, Jepchumba y Leonieke Verhoog formaron el jurado.

La 35.ª edición de IDFA se realizó como un evento presencial y concluirá el 20 de noviembre. El festival de 12 días atrajo a más de 138 000 visitantes, un 25 % más que en 2021.

Lista de ganadores de IDFA 2022

Mejor Película – Competencia Internacional: “Apolonia, Apolonia”, dir. lea globo

Mejor Dirección – Competencia Internacional: “Much Ado About Dying”, dir. Simón Cámaras

Mejor montaje – Competencia internacional: “Journey Through Our World”, editor Mario Steenbergen

Mejor Fotografía – Competencia Internacional: “Paradise”, director de fotografía Paul Guilhaume

Mejor Película – Competencia Envision: “Manifesto”, dir. Angie Vinchito

Mejor Dirección – Concurso Envision: “The Fabulous Ones,” dir. Roberto Torres

Contribución Artística Sobresaliente – Concurso Envision: “My Lost Country,” dir. Ishtar Yasin Gutiérrez

Mención especial – Concurso Envision: “Apuntes para una película”, dir. Ignacio Agüero

Premio DocLab a la no ficción inmersiva: “En busca de ritmos repetitivos”, dir. darren emerson

Premio Especial del Jurado a la Tecnología Creativa: “Plastisapiens”, dir. Miri Cherkhanovich y Edith Jorisch

Premio DocLab a la narración digital: «He Fucked the Girl Out of Me», dir. taylor mccue

Premio Especial del Jurado a la Tecnología Creativa: “Su nombre es mi nombre”, dir. Eline Jongsma y Kel O’Neill

Mejor Cortometraje Documental: “Away”, dir. Ruslan Fedotów

Mención Especial – Cortometraje Documental: “The Porters”, dir. Sara Vanagt

Mejor película juvenil (14+): “Home Is Somewhere Else”, dir. Carlos Hagerman y Jorge Villalobos

Mejor Película Juvenil (9-13): “Ramboy”, dir. Matías Joulaud

Mención especial – Cine juvenil: “Two Homes” de Jasmin, dir. Inka Achté y Hanna Karppinen

Mejor ópera prima: “The Etilaat Roz”, dir. Abbas Rezaie

Mención Especial – Ópera Prima: “Guapo’y”, dir. Sofía Paoli Thorne

Mejor película holandesa: “Journey Through Our World”, dir. Petra Lataster-Czisch y Peter Lataster

Mención Especial – Mejor Película Holandesa: “Inside My Heart”, dir. Saskia Boddeke

Premio Beeld & Geluid IDFA Reframe: “Metraje privado”, dir. Janaina Nagata

Mención especial – Premio Beeld & Geluid IDFA Reframe: “La marcha sobre Roma”, dir. marca primos

Premio Foro a la Mejor Pitch: “Niñxs”, dir. Kani Lapuerta

Premio Fórum al Mejor Montaje Bruto: “Los Ladrones de Tuba”, dir. Alison O´Daniel

Premio Foro DocLab: “Hablamos sus nombres en tonos susurrados”, dir. Omoregie Osakpolor