Con respecto a los personajes de Diablo IV, la próxima entrega de la serie que se lanzará dentro de unos dos meses para PC y consolas, no dejará a los jugadores en la ruina, según el director general de la franquicia.

Respondiendo una pregunta sobre Gorjeo, Rod Fergusson confirmó que respetar a un personaje no será «prohibitivamente costoso», pero no proporcionó detalles. Además, el procedimiento se ha simplificado al dar a los jugadores la opción de reembolsar un solo punto de habilidad o todo el árbol de habilidades a la vez. Hace unos meses, el propio Fergusson afirmó que para algunos jugadores podría haber tenido más sentido comenzar un nuevo personaje desde cero en lugar de respetar, por lo que es bueno saber que este no será el caso.

No es prohibitivamente caro y lo hemos hecho más fácil al poder reembolsar un solo punto de habilidad o todo el árbol a la vez.

—Rod Fergusson (@RodFergusson) 29 de marzo de 2023

En Diablo IV, como en las entregas anteriores de la serie y en todos los juegos con un enfoque principal en el botín, el equipo hace una construcción tanto como la distribución de puntos de habilidad. Desafortunadamente, los jugadores no podrán guardar sus cargas de armería en el juego, al menos en el lanzamiento, por lo que se verán obligados a cambiar manualmente su equipo cada vez que quieran cambiar la configuración de sus personajes.

no en el lanzamiento

—Rod Fergusson (@RodFergusson) 3 de abril de 2023

Con tantas cosas de las que hacer un seguimiento y nuevas consolas compatibles con controles de teclado y mouse, Diablo IV en PlayStation 5 y Xbox Series X|S se beneficiaría enormemente del soporte nativo. Desafortunadamente, los planes no han cambiado desde el anuncio original, por lo que jugar con el mouse y el teclado solo será posible en la versión para PC del juego.

He respondido esto muchas veces. No estamos agregando soporte adicional más allá del que ya admiten de forma nativa.

—Rod Fergusson (@RodFergusson) 1 de abril de 2023

Independientemente de las características que se incluirán en el lanzamiento, Diablo IV se propone ser un éxito rotundo. La beta abierta del mes pasado, que permitió a los jugadores probar las primeras horas de la campaña principal y subir de nivel a sus personajes hasta el nivel 25, se jugó durante alrededor de 62 millones de horas, lo que la convierte en la beta más grande de la serie hasta la fecha. Con suerte, el éxito rotundo de la beta abierta ayudó a Blizzard a comprender cómo evitar cualquier problema del día del lanzamiento y permitir que todos los jugadores disfruten del juego sin problemas desde el principio.

Diablo IV se lanza el 6 de junio de 2023 en PC, PlayStation 5, PlayStation 4, Xbox Series X, Xbox Series S y Xbox One. Habrá más información sobre el juego a finales de este mes, junto con una actualización de los comentarios de la versión beta.

Reduzca la velocidad de una pulsación lo suficiente, extráigala lo suficiente y el cerebro comenzará a llenar las extensiones con grietas y patrones. Tyshawn Sorey´s Luz monocromática, un tramo ininterrumpido de 90 minutos de casi quietud que llena el abismo del Drill Hall en Park Avenue Armory, comienza a fracturarse de esa manera unos minutos después, de modo que las canciones y sonatas en miniatura toman forma entre ritmos como pilares. Los acordes sostenidos de un coro recorren los colores armónicos a un ritmo tan glacial que puedes escuchar las disonancias temblar. El barítono Davone Tines deconstruye el himno “A veces me siento como un niño sin madre” en sus intervalos y fonemas separados. Un solo de viola interpola pequeños conciertos de cinco segundos y luego cae en el silencio. El piano y la celesta suenan espasmódicamente, desplegando todo el ciclo de vida de un sonido a medida que se forma, brilla y se disipa. Un percusionista emite un trueno silencioso en los timbales.

Sorey y el director Peter Sellars, que envuelve la partitura con movimiento, danza, pintura y luz, describen la obra como un “ritual”. Y sí, idealmente, te deslizarías a la caverna oscura desde la calle frenética, dejarías que el ritmo cardíaco descienda y la mente se aclare, y absorberás la arquitectura de la pieza. Estoy seguro de que muchos en la audiencia tuvieron esa experiencia, pero después de una hora más o menos, me encontré luchando por disipar la impaciencia, deseando que la música se construyera, espesara y acelerara el ritmo, para darme algún evento para enganchar. sobre. No hizo ninguna de esas cosas porque Sorey tiene la confianza para ceñirse a la lentitud y la duración y dejar que la audiencia se encargue de ello. “Lo que experimentan depende de quiénes son”, dijo Sorey al crítico de jazz Nate Chinen. “Y si quien es es una persona que está interesada en ver cómo esto podría afectarlo, o cuál es su relación con él, no le queda más remedio que aceptar lo que la totalidad de todo significa para él. Requiere que profundicen más en sí mismos”. En otras palabras, si me irrito, es porque soy superficial.

Luz monocromática comenzó como un doble homenaje: a la Capilla Rothko, el espacio ecuménico en Houston bordeado con pinturas casi negras donde una versión anterior recibió su primera presentación, y a la “Capilla Rothko”, una media hora de música silenciosa y reverente del compositor Morton Feldman. Para el estreno de la secuela en Nueva York, Sorey amplió drásticamente la partitura y Sellars la modificó con dimensiones visuales, físicas y arquitectónicas. Ocho grandes cuadros de Julie Mehretu cuelgan del techo y encierran al público como las paredes de la capilla octogonal de Houston. En lugar del carbón sombrío de Rothko, las abstracciones de Mehretu vibran con manchas y madejas de color, cambiando de tonalidad bajo la iluminación de James Ingalls. Frente a cada lienzo, un bailarín solista, coreografiado por Reggie “Regg Roc” Gray, traduce el movimiento pintado en las expresivas contorsiones y deslizamientos del baile callejero nacido en Brooklyn conocido como flexn. A veces, los bailarines ruedan bajo las pantallas pintadas y reaparecen al otro lado como sombras, con los miembros doblados como pinceladas negras animadas. Tines canta mientras procesiona al paso de un sumo sacerdote alrededor del perímetro elevado, luego avanza por el pasillo hasta el centro donde Sorey, con una túnica ceremonial, preside a los músicos.

Toda esta pompa se esfuerza por compensar el frío sereno de la música, pero termina socavándolo con una especie de pompa nerviosa. Al final, preferí cerrar los ojos y dejar que los sonidos de vidrieras de alto brillo de Sorey aterrizaran en el oído y se prolongaran todo el tiempo que quisieran, incluso mientras me reprochaban por no rendirme a su magia meditativa.

Cuenta la leyenda que la primera representación de Esquilo Orestíada trilogía, en 458 aC, gente aterrorizada. Cuando las Furias aparecían en el escenario, con serpientes por cabello y sangre manando de sus ojos, los niños se desmayaban; los hombres adultos se orinaban encima; mujeres embarazadas que abortaron espontáneamente. Por dudosa que pueda ser esta anécdota de fuentes deficientes, pesaba en mi mente cuando entré en la armería de Park Avenue para la reunión de Robert Icke. Orestíada. Como el público ateniense dos milenios y medio antes que yo, sentí miedo.

Parte de ello era el espacio mismo. Enorme, cavernoso, el salón de espectáculos de Armory se reconfigura para cada proyecto, y para Icke’s Orestíada (funcionando en el repertorio con Icke’s Aldea), debes navegar por un complicado laberinto de escaleras vertiginosas solo para encontrar tu asiento. Aunque el aire es agradablemente fresco, el decorado de Hildegard Bechtler, que parece una elegante Apple Store nueva atrapada dentro de una ruina antigua en ruinas, es mucho más frío. Los monitores repartidos por toda la Armería, no solo en la sala de instrucción, sino en todo el majestuoso edificio, incluso en sus exuberantes salas de recepción de la Edad Dorada, muestran una cuenta regresiva digital hasta el final. Te toma un momento notar el siniestro tictac que hace eco a través del espacio.

Sin embargo, junto a este presentimiento placenteramente teatral, sentí un temor más profundo. Tememos lo que no entendemos, y los griegos son difíciles de entender simplemente porque son tan antiguo. (¿Qué edad tiene Esquilo? Se le atribuye la innovación revolucionaria de agregar un segundo actor al elenco.) La trama de la Euménidesla tercera obra de teatro Orestíada trilogía, gira en torno al “hecho” científico de que las madres no aportan material genético a los bebés y, por lo tanto, asesinar a la madre tiene menos peso moral que asesinar al padre. Habría sido interpretada por actores con máscaras.

Icke anticipa este miedo, y toda su producción está concebida para protegernos de él. La primera línea aquí, inventada por Icke, la pronuncia un personaje que no aparece en el Esquilo original. Es el profeta Calcas (interpretado por Michael Abubakar), que enumera los nombres de Dios de varias religiones: Yahvé, Alá, el Todopoderoso, la Divinidad, el Cordero. La lista está cargada de monoteísmo, como para asegurarnos que los antiguos griegos eran como nosotros, en realidad: Artemisa, Apolo y Atenea son básicamente Yahvé, que es básicamente Jesús. Comprometiéndose con esta lógica, Icke Orestíada elimina todas las referencias a los dioses griegos de la historia original. Sus personajes se refieren únicamente a Dios, en singular.

Hasta cierto punto, esto Orestíada es menos una adaptación que una obra original sobre la casa de Atreus. (A diferencia de la versión de Esquilo, tiene un diálogo natural, acción en el escenario y rostros sin máscara de los actores). En todo caso, su primer y más largo acto parece ser una adaptación de Eurípides. Ifigenia en Áulide (aunque Eurípides, a diferencia de Esquilo, no tiene su propia biografía en el programa). Se centra en la fatídica decisión del rey Agamenón de sacrificar a su hija Ifigenia (interpretada la noche en que asistí por Alexis Rae Forlenza, que parece un duende), un evento que ocurre diez años antes del comienzo del original. Orestíada. Es una elección creativa comprensible, ya que el texto de Esquilo asume, como una película de Marvel, que la audiencia ya conoce la historia. Para el público moderno, el sacrificio de Ifigenia es el elemento más conmovedor de la historia y tiene sentido representarlo en el escenario. Angus Wright es un atractivo Agamenón, larguirucho y apuesto como un zorro plateado con la frente de un águila y un peso invisible sobre sus hombros. Cuando su hija muere en sus brazos, su dolor y culpabilidad son fascinantes. Pero como el texto de Icke no reconoce la existencia de la diosa Artemisa, ni de los profetas en general, es un misterio. por qué esta niña debe ser sacrificada.

Después del primer intermedio, el texto de Icke se acerca más a Esquilo, rastreando su narración de la reina Klytemnestra (Anastasia Hille) asesinando por venganza a Agamenón y luego siendo asesinada por venganza a su vez por su hijo Orestes (Luke Treadaway). Pero toda la extrañeza del texto original, toda su griego – ha sido cuidadosamente lijado. Atenas y Troya se han convertido en “la ciudad” y “la otra ciudad”. Los conceptos de honor y gloria son reemplazados a cada momento por los de trauma psicológico. Klitemnestra ya no es una adúltera hambrienta de poder sino una madre afligida genérica. Cassandra (Hara Yannas) ya no es una profeta sino una prisionera de guerra genérica. No hay dioses, solo Dios. No hay coro. Para mi decepción, no hay Furias para asustar a nadie.

Entonces, ¿por qué escenificar el Orestíada ¿en absoluto? ¿Qué tiene que decirnos esta antigua tragedia griega si no es reconociblemente antigua o griega? Ickes es muy consciente de esta cuestión. Las notas del programa insisten en la atemporalidad esencial y la relevancia contemporánea de la obra, presentando no uno sino dos ensayos de académicos clásicos que invocan a Ucrania, Siria, Afganistán, Brexit y “la elección del presidente Donald J. Trump”. “No se sienten demasiado cómodos en sus asientos”, nos advierte la profesora Emily Greenwood. “Esta impresionante obra es trabajo, trabajo en la casa que llamamos democracia”.

No sé cuánto pensó el público sobre la democracia durante la actuación a la que asistí. Sé que se pusieron visiblemente inquietos en el transcurso de tres horas y media, incluidos dos intermedios y una «pausa», y que la dama sentada a mi lado murmuró sarcásticamente sobre «esta alegre obra». Si alguien vino al programa con la esperanza de aprender sobre la antigua Grecia, seguramente se fue insatisfecho. Al mismo tiempo, la reinvención es demasiado genérica para tener mucho que decir sobre nuestro momento actual. La única política en la que pensé fue en la política de un director británico que cambia dioses por Dios y lo presenta como un humano universal.

Sin embargo, hubo un momento en que estaba tan absorto que dejé de pensar y simplemente reaccioné. Significativamente, es uno de los pocos momentos que conserva el texto original. Agamenón regresa triunfante de la guerra con una cautiva troyana, Cassandra. Los otros personajes intentan darle la bienvenida al palacio, pero Cassandra no quiere entrar. Ella ni siquiera hablará. Los personajes le imploran que se comunique, aunque sea con un simple gesto. ¿Ella no sabe su idioma? ¿Es muda? “Es como un animal salvaje”, dice alguien. Finalmente, Cassandra abre la boca y grita. Incluso en la página, es emocionante; en el escenario, es electrizante. Me hizo desear más oportunidades para enfrentar mi miedo a lo que no entiendo.

Orestíada está en Park Avenue Armory hasta el 13 de agosto.