Retadores, la película de tenis protagonizada por Zendaya, Mike Faist y Josh O’Connor, no es la primera película que se te ocurre en cuanto a efectos visuales. Pero la película los utiliza de forma sorprendente: en un plano en particular, una volea de 24 segundos entre dos de los protagonistas desde la perspectiva del balón, se utilizaron numerosos efectos digitales y prácticos, como explicó el supervisor de efectos visuales Brian Drewes en X.

Las placas en vivo se filmaron con un Arri Alexa LF en una tecnogrúa de 30 pies durante un período de cinco horas con dobles, según Drewes. Se unieron 23 tomas individuales para crear la secuencia final.

«Se capturaron escaneos LiDAR y fotogrametría muy detallados del entorno de la cancha de tenis para ayudar a crear los modelos finales. También se fotoescanearon más de 100 actores y extras de fondo para poblar las gradas de nuestro entorno CG», según Drewes.

Después de eso, se utilizó CG para suavizar el movimiento de la cámara y corregir los cambios de hora del día. Las caras de los dobles fueron luego reemplazadas «con una combinación de cabezas generadas por computadora y fotografías adicionales», agregó Drewes.

Entonces ¿por qué hacer todo eso? La secuencia parece diseñada para transmitir la velocidad, el caos y la pasión del deporte, coincidiendo con los temas generales de la película. También es una forma interesante y emocionante de transmitir lo que de otro modo sería un partido de tenis de rutina.

Scarlett Johansson criticó a OpenAI esta semana por imitar su voz para un nuevo chatbot, subrayando la urgencia que sienten muchos artistas por regular la inteligencia artificial.

Pero en el Congreso, enfrentarse a la IA está empezando a parecerse a luchar contra un pulpo. Es tan extenso que es difícil saber cómo empezar.

El Grupo de Trabajo de IA del Senado emitió una “hoja de ruta” la semana pasada. Pero eso dejó vago hacia dónde se dirige el Congreso o cuándo llegará allí.

Algunos han advertido contra la innovación sofocante. Y si bien es probable que eventualmente se aplique alguna regulación, parece que se hará poco a poco, un tentáculo a la vez.

“Desde la perspectiva de la Cámara, parte del desafío es que estamos bajo control republicano”, dice el representante demócrata Ted Lieu de California, copresidente del grupo de trabajo de la Cámara sobre IA. Variedad. “Ha sido muy caótico. Sólo estamos tratando de detener cosas estúpidas”.

Los sindicatos de Hollywood y las organizaciones de artistas argumentan que la IA se entrena con el trabajo de los artistas y, si no se controla, producirá imitaciones baratas que les robarán los puestos de trabajo. Están presionando para que se presenten propuestas que aborden las preocupaciones sobre derechos de autor y prohíban los “deepfakes” de IA no consensuados, que amenazan a los artistas.

Algunos defensores imaginan un sistema de licencias como ASCAP o BMI, en el que las empresas de inteligencia artificial pagarían regalías para capacitarse en trabajos protegidos por derechos de autor, y los artistas tendrían la posibilidad de optar por no hacerlo.

«Nuestro interés es asegurarnos de que a los creadores individuales se les pague por la ingestión de su contenido en plataformas de inteligencia artificial, por lo que actualmente no reciben remuneración a pesar de que les están robando el alma», dice James Silverberg, director ejecutivo de la Sociedad Estadounidense de Licencia de derechos colectivos, que distribuye regalías a ilustradores y fotógrafos.

Algunos grupos de artistas se han alineado detrás de un proyecto de ley, presentado en abril, que requeriría la divulgación de datos de entrenamiento de IA, lo que ven como un primer paso hacia una compensación.

«Necesitamos asegurarnos de mantener un registro del material protegido por derechos de autor que se utiliza para crear estos sistemas», dice el representante demócrata Adam Schiff de California, autor del proyecto de ley. Variedad.

Eso puede llevar o no a que los artistas reciban un pago. Los cabilderos tecnológicos han argumentado que la divulgación no sería práctica y que ofrecer cualquier compensación significativa llevaría a la quiebra a las empresas de IA, dada la escala masiva de los conjuntos de capacitación en IA. Las empresas de IA también argumentan que la formación es un uso legítimo.

Al final, la cuestión se resolverá en los tribunales.

“Aquí el Congreso tiene un papel que desempeñar”, afirma Schiff. «Soy escéptico sobre si el Congreso puede resolverlo antes de que lo hagan los tribunales».

Los líderes de ambos partidos han promocionado la promesa de que la IA generará avances en la ciencia y la medicina. Y si bien la industria no se opone uniformemente a la regulación, ha instado al Congreso a articular los problemas generales que está tratando de resolver.

«Esa es una posición muy calculada diseñada para ralentizar el proceso regulatorio», dice Duncan Crabtree-Ireland, director ejecutivo nacional de SAG-AFTRA. «No creo que a nuestros miembros les interese ralentizar el proceso mientras el desarrollo y la implementación de la IA por parte de las empresas continúan avanzando implacablemente».

El sindicato de actores ha mantenido su atención en un proyecto de ley para prohibir los deepfakes no consensuados. Esa propuesta ha atraído un amplio apoyo, especialmente después de incidentes de alto perfil que involucraron falsificaciones maliciosas del presidente Joe Biden y Taylor Swift.

“Algunas de las tareas más inmediatas son abordar los deepfakes”, dice Schiff. «Me imagino que podemos llegar a un sí, y espero que con bastante rapidez, sobre el uso de estas réplicas».

Incluso eso ha enfrentado resistencia, en parte por parte de la Motion Picture Association, que representa a los principales estudios. La MPA ha argumentado que los creadores de cine y televisión tienen el derecho de la Primera Enmienda a recrear figuras públicas en contextos ficticios.

La MPA no está en contra de exigir la divulgación de los aportes de IA, aunque se opone si el entrenamiento de IA se realiza «internamente», utilizando trabajos protegidos por derechos de autor que sean propiedad de un estudio o que tenga licencia.

Conciliar estos intereses parece ser un proceso largo.

«Todavía estamos recopilando datos y tratando de entender cuál es la mejor manera de resolver los problemas que ha introducido la IA», afirma Lieu. “Creo que probablemente aprobaremos algún tipo de ley para establecer reglas de tránsito para el futuro. En este punto, es difícil saber cómo será eso”.

El 19 de mayo es el Día de la Animación en Cannes, con un día completo de programación que incluye una exhibición de animación, un panel de discusión y otras oportunidades para establecer contactos. El evento se lleva a cabo en colaboración con el Marché du Film.

El punto culminante del programa es el Annecy Animation Showcase, que destaca cinco trabajos en progreso. Los títulos elegidos para el evento se seleccionan cuidadosamente entre un gran grupo de presentaciones internacionales.

La exhibición comenzó en 2016 como una pequeña selección de películas diseñadas para centrarse en el trabajo en progreso que luego se mostraría en otros lugares una vez terminado. Anteriormente conocido como AnnecyGoes to Cannes, ahora es una parte central del Día de la Animación.

Las películas incluidas este año son “Un nuevo amanecer” de Yoshitoshi Shinomiya, “Mu-Ki-Ra” de Estefania Piñeres, “Conferencia de los pájaros”, de Atiq Rahimi y Caroline Piochon, “In Waves”, la adaptación de AJ las memorias de Dungo, dirigida por Phuong Mai Nguyen, y “El lenguaje de los pájaros”, el largometraje mexicano dirigido por Cynthia Fernández Trejo.

“Mu-Ki-Ra” de Piñeras, coproducida por Abano Producións, patrocinador de “Unicorn Wars”. La película se inspiró en el sentimiento que la cineasta tenía de su país. “Colombia es un país con una increíble biodiversidad y eso también viene con la guerra, con el bien contra el mal. Hay dos bandos y hay que elegir. Todos tenemos que elegir”.

Trejo también se inspiró en ella en el mundo donde creció. Como cineasta mexicana, quería explorar una fantasía de terror que también reflejara la vida de los niños en “El lenguaje de los pájaros”. “Escribí este guión en 2018 sobre una niña llamada Natalia y su madre”, dice Trejo. “Llegan a un pueblo y descubren que allí no hay niños. Entonces, es una historia sobre desapariciones y una historia sobre la invisibilidad de los niños”.

Inspirada en el Gran Terremoto del Este de Japón de 2011, “A New Dawn” de Yoshitoshi Shinomiya sigue el viaje de tres jóvenes mientras luchan por sobrevivir a los desastres naturales y los fenómenos meteorológicos que los rodean. En el camino aprenden sobre sí mismos. Shinomiya es un animador veterano cuyos créditos incluyen las películas de Makoto Shinkai “Your Name”, “The Garden of Words” y “Children Who Chase Lost Voices”. Asmik Ace se encarga de las ventas.

“Conference of the Birds” está codirigida por la creadora del proyecto Caroline Piochon y Atiq Rahimi. Realizada en estilo 2D, la historia es una adaptación del poema persa del mismo nombre de Farid al-Din Attar de 900 años de antigüedad. Rahimi coescribió el guión de la película con Nahal Tajadod-Carrière. Le Pacte tiene ventas.

“In Waves”, la adaptación de las memorias de AJ Dungo, de Phuong Mai Nguyen, está realizada en un estilo mixto que combina 2D y CG. La historia se centra en dos amantes cuyo romance se deshace cuando uno de ellos enferma. La película está producida por Silex Films y coproducida por Anonymous Content, la belga Panique y la agencia de ventas líder Charades.

“Enviamos materiales a la gente de Annecy y estábamos muy contentos de haber sido seleccionados”, dijo Trejo. “Habíamos estado en un festival en Argentina. Nuestra película tiene inversionistas mexicanos y estamos buscando [for] una coproducción y encontrar distribuidores”.

En el Día de la Animación, los cineastas tienen unos 15 minutos para presentar un avance o una breve parte de su película con la esperanza de despertar algún interés en su proyecto. Antes de que eso suceda, se les ofrece ayuda para diseñar su presentación de modo que le dé al público una idea de la película que están intentando hacer.

Mickael Marin, director general de Citia, organizadora de Annecy, estima que alrededor del 95% de las películas proyectadas se terminan.

“Lo sabemos por experiencia ahora que tienen reuniones inmediatamente después de la sesión”, dijo Marin. “Intercambiamos información con los diferentes equipos de todas las películas y sabemos que todos los años tienen reuniones con distribuidoras, con agentes de venta, con productores, con periodistas. Les mostramos avances y presentaciones de películas pasadas que estuvieron en la exhibición cuando se están preparando para la exhibición para que puedan inspirarse en eso”.

Cineastas como Piñeras a veces se encuentran en las primeras etapas de su proyecto, pero los temas y las ideas se mantienen al día con la exhibición.

“Creo que vamos a mostrar la parte de la animación que sentimos que es fuerte, lo cual es suficiente para mostrar lo que queremos hacer y lo que queremos que sea cuando esté terminado”, dijo Piñeras, quien está trabajando con un Equipo de 50 personas en su musical animado. “Comenzamos la producción en marzo y estamos trabajando en preproducción y producción simultáneamente. Parte de la inspiración proviene de la experiencia de haber sido criado en Colombia y todo lo que eso conlleva”.

Cuando una película se incluye en la exhibición, puede convertirse en un punto de inflexión para el cineasta, pero a menudo es un juego largo debido al tiempo que lleva completar los proyectos animados. Dos películas que se incluyeron en la muestra de 2022 están en los titulares este año. “Silex and the City”, que incluye la voz del ex presidente francés François Hollande, sigue las aventuras de una familia puntocom y se proyectó como parte del Cinéma de la Plage. En el Mercado de Cannes se vende “Rock Bottom”, un musical animado basado en la vida de Robert Wyatt y Alfreda Benge, dirigido por María Trenor y realizado en España y Polonia.

«Es un largo viaje (para los realizadores)», dijo Marin. “Se necesitan varios años, especialmente para una película de animación independiente, puede llevar de cinco a siete años o incluso más encontrar la idea, desarrollarla y luego encontrar el dinero para producirla. Puede ser un inconveniente pero también puede ser una ventaja porque cada año puedes tener un hito diferente donde muestras lo que tienes a una audiencia, una audiencia profesional donde presentas el proyecto. Esta es una manera para [the showcase] impulsar y apoyar el proyecto para que encuentre otros socios para cerrar el presupuesto, o un coproductor o un agente comercial según lo que necesite”.

Los organizadores están decididos a mantener en cinco la lista de películas proyectadas en la exhibición para preservar la alta calidad de las inscripciones y dar tiempo para los eventos restantes del Animation Day. Sólo ha habido un año en el que no fueron cinco. En 2016, sólo eran cuatro.

“La sesión da esperanza [to the filmmakers]”, dijo Peggy Zejgman-Lecarme, jefa de la división cultural de Citia. “También tenemos muchos proyectos dirigidos por mujeres de todo el mundo. Este año hay diferentes proyectos. Algunos tienen presupuestos muy reducidos y otros pueden ser un poco más caros en términos de presupuesto pero podemos mantenerlos en la misma plataforma y tratarlos con el mismo cuidado. Es realmente importante para nosotros”.

Este año, cuatro directoras o codirectoras están representadas en las cinco películas. Fueron producidos en Japón, Francia, Bélgica, España, Colombia y México.

“Tenemos un fuerte compromiso [to representation]”, dice Marín. “Buscamos películas de todo el mundo. Trabajamos mucho con Women in Animation en Estados Unidos. Queremos tener películas de muchos lugares diferentes. Queremos impulsarlo”.

ENTRETENIMIENTO

9 de mayo de 2024 a las 18:00 horas

El “Festival de la Canción de Eurovisión” elige la mejor canción de Europa desde hace más de 70 años. El espectáculo es un megaevento y atrae a estrellas de la música cada año. Hemos seleccionado 10 de los más famosos para usted.

El «Festival de la Canción de Eurovisión» es el evento musical más grande del mundo. Desde 1951, la competición ha entusiasmado a Europa y a numerosos aficionados más allá de sus fronteras. Durante los últimos 70 años, el CES ha generado numerosas carreras en todo el mundo.

Hemos seleccionado algunas de las historias de éxito que todavía conmueven a muchas personas en la actualidad.

Hombre saxofonista épico

Todos los que alguna vez han estado en línea conocen a Epic Sax Guy. Su solo de saxofón se utiliza en numerosos memes y provoca risas divertidas en muchos. Pero lo que mucha gente no sabe: Epic Sax Guy se hizo famoso gracias al ESC.

La forma de tocar el saxofón que todos conocemos y amamos de él proviene de la contribución moldava «Run Away» de 2010. Con su solo, Sergey Stepanov, también conocido como Epic Sax Guy del SunStroke Project, le robó el espectáculo a la cantante Olia Tira.

A pesar de su actuación épica, el grupo sólo consiguió el puesto 22 entre 25 participantes.

Siete años después de sus resultados mixtos, SunStroke Project regresó al escenario de ESC y alcanzó el tercer lugar con su canción «Hey Mamma».

rosa lin

Rosa Linn tuvo un éxito sorpresa en la ESC en 2022 con su canción “Snap”. Con una actuación emocionante en el escenario, la joven cantante logró ganar un lugar en la final para su país natal, Armenia.

Pero la final no fue especialmente exitosa para Rosa Linn. Sólo alcanzó el puesto 20. Sin embargo, “Snap” se convirtió en una de las canciones de ESC más reproducidas del año porque la canción se volvió viral en TikTok.

“Snap” subió al octavo lugar en las listas alemanas y obtuvo un disco de platino. La canción incluso obtuvo cuádruple platino en Italia y doble diamante en Brasil.

ABBA

La historia de éxito más famosa de ESC es la del grupo sueco ABBA. En Europa todo el mundo ha oído hablar de Agnetha Fältskog, Björn Ulvaeus, Benny Andersson y Anni-Frid Lyngstad.

ABBA logró su avance internacional con su victoria en el «Festival de la Canción de Eurovisión 1974» con la canción «Waterloo». En Alemania, la banda tuvo cinco álbumes número uno y logró colocar innumerables éxitos en las listas de éxitos.

Aunque la victoria de ABBA fue hace muchos años, la popularidad de la banda sigue intacta. Innumerables películas, musicales y mucho más cuentan su historia.

Johnny Logan

Johnny Logan es una leyenda entre los participantes de ESC. Hasta 2023, la cantante irlandesa fue la primera y única cantante en ganar dos veces el Festival de Eurovisión.

Con su canción ganadora de la ESC «What’s Another Year», alcanzó en 1980 el segundo puesto en las listas alemanas y permaneció allí durante 24 semanas. En Irlanda y Gran Bretaña incluso alcanzó el primer puesto de las listas y recibió por ello un disco de plata.

Siete años después de su primera victoria, Johnny Logan volvió a participar en el ESC en 1987 con la canción «Hold Me Now» y ganó el concurso. Su segunda canción ganadora tuvo menos éxito que la primera, pero eso no la hace menos legendaria.

Gracias a Superman, el público en general ve a los superhéroes voladores simplemente despegando del suelo con un solo pensamiento. Luego, Superman vuela de cabeza por el aire, con los brazos a menudo extendidos frente a él. Esto, por supuesto, es para hacer que su cuerpo sea más aerodinámico. Superman, todos parecemos intuir, está siendo levantado desde dentro por su pecho, o quizás con todo su torso. Namor, por el contrario, no levanta su propio cuerpo mediante telequinesis o alguna extraña medida antigravedad, sino que es impulsado hacia adelante desde las alas de sus pies. Esto significó animar una versión digital de Tenoch Huerta en poses nuevas e inusuales que no suelen verse en el cine de superhéroes. Hanzhi Tang explicó su espíritu a Namor y dijo que buscaba referencia en los atletas. Él dijo:

«Cualquier superhéroe con capa que esté volando, centras ese movimiento, guiándolo con el pecho, pero aquí, todo se basa en sus tobillos y pies. […] Tiene movimientos más atléticos y creo que muchas referencias fueron el hockey sobre hielo o el fútbol en la forma en que cambia de dirección. Viene de la cintura, de la forma en que se empuja contra el aire y camina en el aire».

Si Namor quiere reducir la velocidad mientras acelera por los cielos, debe girar los pies hacia adelante y «aletar» en la dirección opuesta. Se puede ver el movimiento del cuerpo como algo similar al de un jugador de hockey sobre hielo que se detiene haciendo chirriar los patines hacia los lados.

El efecto fue asombroso, y /Film incluso sintió que Namor era uno de los villanos más geniales de la larga serie de películas de Marvel. Namor puede regresar, aunque dependerá del futuro incierto del MCU; En el futuro, tendremos menos películas, no más.

Tras la huelga en Hollywood, los artistas franceses también exigieron una indemnización. Swann Arlaud, Aure Atika, Sandrine Bonnaire, Alain Chamfort, Valérie Donzelli y Agnès Jaoui se encuentran entre los siete mil firmantes de una carta abierta, publicada el lunes 13 de mayo, que pide una mejor remuneración de los artistas por parte de las plataformas de streaming. Estos comediantes y músicos que crearon bandas sonoras quieren ser “pagados en proporción al éxito del trabajo en el que colaboran”escriben.

Según ellos, este no es el caso. “en el despiadado mundo del streaming”, dominada por la estadounidense Netflix. Esta carta abierta fue lanzada por iniciativa de Adami, empresa que gestiona los derechos de actores y músicos para la distribución de sus trabajos grabados.

“¿Película o serie de rotundo éxito que ha acumulado el número de visualizaciones y temporadas? Independientemente de la duración de la disponibilidad de visualización y la cantidad de transmisiones, las actrices y actores reciben un paquete escaso y único, determinado desde el principio.continúan los firmantes.

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Amenaza de huelga

Recuerdan que, no obstante, una directiva europea de 2019 estableció el principio de “remuneración adecuada y proporcional de los intérpretes”. Pero, tres años después de su transposición al derecho francés mediante una ordenanza de 2021, “Ningún acuerdo ha visto la luz, dejando a las actrices y actores con total expectación”.

“En esta situación que se asemeja a la tortura de Tantalus, donde la ley existe pero no se aplica, es difícil no pensar en duplicar las últimas demandas del sector estadounidense”, amenazan en referencia a la dura huelga que afectó al sector cinematográfico en Estados Unidos el año pasado. Afectados por series más cortas y derechos de retransmisión reducidos, los guionistas se declararon en huelga el 2 de mayo de 2023, seguidos en julio por los actores, para exigir un aumento de la remuneración y garantías contra la competencia de la inteligencia artificial. Una huelga que terminó el 9 de noviembre después de ciento dieciocho días, y “daños estimados en 6 mil millones de dólares [5,5 milliards d’euros] »recuerdan los firmantes de la carta abierta.

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El mundo con AFP

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Los recién lanzados iPad Air y iPad Pro con chip M4 se encuentran entre los mejores dispositivos lanzados este año. Si bien el iPad Air está dirigido a usuarios que buscan una alternativa más asequible, el Pro es una máquina diseñada para creadores. Como tal, la compañía incluso hizo un anuncio bastante inteligente, pero los artistas y creadores no estaban muy entusiasmados con este anuncio. Después de enfrentar una reacción violenta, la firma de Cupertino se disculpó por el comercial.

El anuncio del iPad Pro fue un golpe genial pero sordo al mismo tiempo

Ahora bien, como tengo experiencia en marketing y soy alguien que ha quedado impresionado en numerosas ocasiones por el genio de Apple en términos de publicidad, me encantó el anuncio. Sin embargo, después de verlo de cerca, también entiendo por qué los artistas y creadores no están a favor de este último anuncio de iPad Pro.

Verá, este nuevo comercial de iPad Pro muestra que una prensa hidráulica gigante está aplastando varios elementos como instrumentos musicales, instrumentos artísticos, pinturas, amplificadores y tantas otras cosas que los artistas han utilizado durante décadas para crear arte. Una vez que todo se destruye bajo el peso, la prensa hidráulica se levanta lentamente, revelando el nuevo iPad. Es bastante inteligente pensar que Apple acaba de hacer de su última tableta el símbolo de la creatividad, pero también tiene otra cara.

Todos sabemos que el nuevo iPad Pro es un dispositivo excelente para los creadores. Sin embargo, todo lo que se destruye en el anuncio también es simbólico para el creador y puede considerarse un testamento para estos creadores. Esto significa que aquellos que se toman en serio su arte están claramente molestos por el hecho de que una sola tableta pueda reemplazarlo todo.

Apple escuchó las críticas y se disculpó por este anuncio de iPad Pro, explicando cómo falló. La compañía también eliminó el comercial de todas partes y tampoco lo usará en televisión. Es seguro decir que el poder de las redes sociales y varios creadores enojados y heridos lograron transmitir su mensaje y lograr que Apple hiciera algo que muchos de nosotros pensamos que no sería posible.

Háganos saber lo que piensa del último anuncio de Apple y si fue sordo o no, como muchos creadores dicen que es.

En 1951, los Harlem Globetrotters se embarcaron en la gira más opulenta de su historia. Pusieron rumbo a Europa en barco; Agasajaron al Papa y tocaron en el Estadio Olímpico de Berlín ante un récord mundial de 75.000 espectadores. El momento no fue elegido por casualidad: el gobierno estadounidense había elegido la fecha para que los Globetrotters estuvieran en la ciudad justo cuando se celebraba en el Este el Festival Mundial Comunista de la Juventud y los Estudiantes.

Los Globetrotters eran el contraste occidental. Su objetivo era mostrar que en Estados Unidos se trata bien a los afroamericanos. Frank Washington, uno de los trotamundos de aquellos días, dijo más tarde: “Miles de personas se reunieron alrededor de nuestro autobús en las calles de Berlín. Al principio pensamos que querían lincharnos. Pero sólo querían autógrafos”.

Las preocupaciones no eran infundadas, sino que estaban alimentadas por el mal trato que a menudo habían recibido los Globetrotters en casa.

Eran estrellas célebres a nivel internacional, pero en casa muchas veces ni siquiera podían pedir una hamburguesa con queso. En estados del sur como Alabama, los Globetrotters no fueron más que idiotas útiles durante décadas. A la gente le gustaba entretenerse con ellos durante dos horas en una arena.

Pero después de los juegos, muchos los recibieron regularmente con abierta hostilidad. Sucedió que los actores fueron escupidos o fueron víctimas de la arbitrariedad policial. En los Estados Unidos segregados, no se les servía en restaurantes y se les rechazaba en los hoteles. Esto es lo que sucedió en Jacksonville, Florida, en la década de 1950, cuando a la chimpancé entrenada “Judy” se le permitió quedarse en la suite presidencial. En ocasiones, los jugadores tenían que colarse por la noche en la habitación de su entrenador blanco por la escalera de incendios. O pasar la noche al aire libre.

Equipos como los Harlem Globetrotters, fundados en Chicago en 1926, fueron durante muchos años la única forma para que los jugadores de baloncesto afroamericanos ganaran dinero con este deporte. Las ligas profesionales eran blancas y en su primer año de existencia, en 1949/1950, esto también se aplicaba a la NBA. En 1950, fue un trotamundos el que se convirtió en el primer hombre negro en firmar un contrato en la NBA: Nathaniel Clifton con los New York Knicks.

“Me importa un comino si tiene rayas, cuadros o manchas”: el jefe del club Celtics hablaba claramente en 1950

Ese mismo año, Chuck Cooper, el primer jugador de baloncesto negro, fue seleccionado por los Boston Celtics y también era un trotamundos. El propietario de los Celtics, Walter A. Brown, denunció posteriormente intentos de intimidación por parte de otros propietarios de equipos, pero dijo: «Me importa un carajo si son rayas, cuadros o lunares. Boston selecciona a Charles Cooper de Duquesne”.

Fue un movimiento audaz que no gustó a todos. Numerosos jugadores denunciaron ataques racistas contra deportistas en la ciudad y frente a sus casas se colocaron cruces quemadas, símbolo de los terroristas del Ku Klux Klan.

Bill Russell, que trajo a los Celtics once increíbles campeonatos y más tarde se convirtió en el primer entrenador en jefe afroamericano en una de las cuatro principales ligas profesionales estadounidenses, describió a Boston como un “mercado de pulgas para el racismo”. También estuvo a punto de convertirse en un trotamundos antes de iniciar su carrera profesional. Pero el fundador Abe Saperstein cometió el error de hablar con el entrenador de Russell en lugar de con el propio jugador. Si Saperstein pensaba que era demasiado bueno para intercambiar ideas con él, entonces era demasiado bueno para jugar para este hombre, dijo Russell después.

Sin embargo, los Globetrotters desempeñaron un papel importante en la caída de la barrera racial. El equipo ganó varias exhibiciones contra los equipos campeones blancos, por ejemplo en 1948 contra los Lakers, que entonces todavía tenían su base en Minneapolis. Las victorias fueron sensaciones y tuvieron el efecto secundario de hacer comprender a los propietarios de equipos de la NBA que los estereotipos difundidos durante décadas, según los cuales las personas de piel oscura carecían del coeficiente intelectual para jugar al baloncesto, eran sólo cuentos fantásticos.

Los Globetrotters atrajeron a la multitud, la NBA jugó frente a gradas vacías

La caída de la barrera racial (en el béisbol fue el caso de Jackie Robinson en 1947) también se debió a consideraciones económicas: los Globetrotters fueron un éxito de taquilla, mientras que el público no estaba familiarizado con los equipos profesionales tradicionales.

En los primeros años de la NBA, los Globetrotters solían ser amonestados justo antes de los partidos de la NBA. La esperanza de los dueños del equipo era que la multitud permaneciera en la arena para el juego principal. Sin embargo, el plan rara vez funcionó.

La reputación internacional también fue enorme. David Stern, comisionado de la liga de la NBA entre 1984 y 2014, dijo en el documental de 2005 «El equipo que cambió el mundo» que su experiencia fue que lo primero que la gente decía cuando los escuchaba era «Harlem Globetrotters pensando en baloncesto». En su apogeo, los Globetrotters fueron probablemente el colectivo más famoso del deporte mundial.

El grupo debía su atractivo a la cultura pop al inteligente marketing de Saperstein, quien había desarrollado un talento similar para el marketing. como lo hizo una vez el barón del circo P. T. Barnum. Incluso el nombre era un artificio: los Globetrotters nunca tuvieron nada que ver con el distrito de Nueva York; Pero Saperstein descubrió que “Harlem” le daba a su producto un atractivo adicional. Tocaba el teclado de la comunicación con virtuosismo; Los Globetrotters fueron invitados a importantes programas de televisión e incluso tuvieron su propia serie de dibujos animados en los años 1970.

Fue principalmente la población afroamericana la que impulsó a los Globetrotters y convirtió a algunos de sus jugadores en héroes populares. Por ejemplo, Wilt Chamberlain, uno de los mejores jugadores de baloncesto de la historia, que jugó un año para los Globetrotters en 1958 porque, con una compensación de 65.000 dólares, era económicamente más lucrativo que permanecer en la universidad durante su último año. Chamberlain, de 2,16 metros de altura, fallecido en 1999, sigue siendo el único jugador que ha superado la marca de los 100 puntos en un partido de la NBA. Su récord, establecido en 1962, es inolvidable.

Con el paso de los años, la magia de los Globetrotters se fue desvaneciendo. Entre la población afroamericana estalló una disputa académica sobre si la imagen del atleta payaso, dudoso e idiota que transmitía la tropa no alimentaba simplemente los prejuicios racistas de los blancos. Pero a los ojos de Saperstein cada vez no había más alternativa a este camino. A diferencia de los años 1930 y 1950, los Globetrotters ya no pudieron fichar a los mejores jugadores del país: ahora se unieron a la NBA.

Las travesuras familiares fueron lo que distinguió a los Globetrotters de la asistencia normal a un partido. Cualquier dosis de originalidad era bienvenida: durante años hubo un manco en la plantilla. En 1985, Lynette Woodard se convirtió en la primera mujer en conseguir un contrato profesional. También habrá jugadores de baja estatura en la cancha de Basilea el domingo; Hoy en día, la compañía representa una idea de entretenimiento nocturno exagerada y muy estadounidense.

La NBA tiene 32 equipos y ningún propietario de club es afroamericano

La popularidad disminuyó tanto con el paso de los años que la empresa estuvo al borde de la insolvencia a principios de los años 90. Lo salvó en 1992 el empresario Mannie Jackson, un antiguo trotamundos, que cuenta esta historia de aquella época: “Estábamos en Finlandia en los años 60. Una familia me invitó a su casa y luego me preguntó si tenía cola, como la de un animal. Luego hablamos de prejuicios hasta las tres de la madrugada. Casi no podían creer que hubiera estudiado en la universidad”.

Jackson vendió su mayoría de acciones en 2006 y los Globetrotters ahora pertenecen a un consorcio que opera, entre otras cosas, parques acuáticos y de diversiones.

Un dueño negro de los Globetrotters: había algo romántico en eso. Porque a pesar de todo el progreso en el que los Globetrotters desempeñaron un papel importante, hay cosas que no han cambiado: en la NBA, que durante mucho tiempo ha sido una máquina de imprimir dinero que genera más de 10 mil millones de dólares en ventas al año, los afroamericanos representan casi el 70 por ciento del total de jugadores fuera. Pero desde Michael Jordan Después de vender los Charlotte Hornets en el verano de 2023, ya no hay un solo propietario mayoritario afroamericano entre los 32 equipos.

En la temporada inaugural de la NBA, el tope salarial de la liga era de 55.000 dólares por equipo por temporada, y la mayoría de los jugadores ganaban entre 4.000 y 5.000 dólares. Hoy, unos 75 años después, las estrellas más importantes reciben 40 millones o más. Pero las sumas realmente grandes de dinero las seguirán ganando los magnates blancos muy ricos en 2024.

TikTok y Universal Music Group (UMG) firmaron un acuerdo que permitirá a Taylor Swift, Olivia Rodrigo, The Weeknd y otros artistas regresar a la plataforma, anunciaron las compañías en un comunicado de prensa. Universal retiró canciones de su lista de artistas en febrero y, con algunas excepciones, su música no ha estado allí desde entonces. Ambas partes ahora están «trabajando rápidamente» para que el contenido vuelva a estar en la plataforma que alberga a más de mil millones de usuarios.

Una parte clave del acuerdo es la protección de los artistas contra la IA generativa. «TikTok y UMG trabajarán juntos para garantizar que el desarrollo de la IA en toda la industria musical proteja el arte humano y la economía que fluye hacia esos artistas y compositores», escribieron las compañías. «TikTok también se compromete a trabajar con UMG para eliminar de la plataforma la música no autorizada generada por IA, así como herramientas para mejorar la atribución de artistas y compositores».

También forman parte del acuerdo «nuevas oportunidades de monetización» de la reciente expansión de TikTok al comercio electrónico. Según se informa, TikTok también ayudará a los artistas proporcionándoles herramientas de análisis, venta de entradas integrada, una «aplicación para agregar música» y más.

Universal tomó la medida drástica de retirar la música a principios de este año, lo que obligó a la plataforma a silenciar videos o reemplazar pistas con opciones de otros sellos. «Mientras continuaban nuestras negociaciones, TikTok intentó intimidarnos para que aceptemos un acuerdo que valía menos que el acuerdo anterior, mucho menos que el valor justo de mercado y que no refleja su crecimiento exponencial», dijo UMG en ese momento.

El mes pasado, las canciones de Taylor Swift regresaron a TikTok, probablemente porque tiene control total de su propio catálogo y pudo llegar a un acuerdo por separado. Algunas canciones de otros artistas de UMG, incluida Ariana Grande, también comenzaron a aparecer en la plataforma.

La disputa parece ser agua pasada, pero es el menor de los problemas de TikTok en este momento. El Congreso de Estados Unidos votó recientemente a favor de un proyecto de ley que prohibiría TikTok en un año a menos que el propietario ByteDance venda la aplicación.

Lo que necesitas saber

• Más de 200 artistas radicados en el Reino Unido firmaron recientemente una carta internacional abierta para ayudar a protegerlos del uso indebido depredador de la IA para robar sus obras.
• Los legisladores del Reino Unido redactaron un nuevo informe que se hace eco de sentimientos similares y quieren implementar una nueva ley que proteja a los artistas de las falsificaciones, la apropiación indebida y el respaldo falso de la IA.
• La famosa cantante británica FKA Twigs reveló que usó inteligencia artificial para generar un deepfake de sí misma diseñado para interactuar con sus fans y periodistas mientras trabaja en su música.

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Es bastante sorprendente lo que se puede lograr aprovechando las capacidades de la IA, desde generando diseños estructurales sofisticados hasta casi dejar obsoletos los trabajos de arquitectura ‘reencarnar’ a un rapero fallecido para aparecer en una canción.

Si bien la tecnología es bastante impresionante, ha provocado un debate controvertido en las plataformas de redes sociales sobre su privacidad y seguridad. Las ofertas mejoradas de ChatGPT de Microsoft Copilot y OpenAI continúan mejorando con nuevas funciones y actualizaciones. Rumores que llegan al molino de viento que indican GPT-5 será «realmente bueno, materialmente mejor».