Ari Aster y su socio productor Lars Knudsen se han incorporado a la nueva película del chileno Cristóbal León y Joaquín Cociña “Hansel & Gretel” como productores ejecutivos a través de su compañía Square Peg.

El largometraje del dúo chileno “Los hiperbóreos” forma parte de la Quincena de Realizadores de Cannes.

Se espera que la historia transforme el cuento de hadas en formas inimitables. “Es nuestra adaptación muy personal del clásico cuento de hadas, con la principal diferencia de que Hansel y Gretel son ambos niños en esta versión, al menos al principio de la historia”, dijo Cristóbal León Variedad. En esta narración “la historia misma se pierde”, añadió León.

León y Cociña trabajaron con Aster en “Beau is Afraid”, y llamó su atención a través de su largometraje “La casa del lobo”, ganador en Annecy descrito por Variedad como «una combinación asombrosa de varias técnicas de animación».

“Cociña y León se encuentran entre los verdaderos originales que trabajan en animación en este momento. Se puede rastrear su sensibilidad hasta varios artistas de lo siniestro, pero no existe un análogo real para el efecto que su trabajo produce en el espectador”, dijo Aster. Variedad.

“Ya he dicho antes que me parecen los sucesores de Švankmajer y los Quays, cuyas influencias obvias se remontan a Starevich, pero tengo la sensación de que ya han comenzado a construir una tradición propia y única”.

El uso que hace el dúo de técnicas experimentales, como el stop-motion de tamaño natural y el estiramiento de las estructuras narrativas hasta el punto de ruptura, los sitúa entre tres mundos: el del cine, la animación y el arte contemporáneo.

“Nos esforzamos por mantenerlo experimental y no sentirnos burócratas del arte, ya sabes, porque en la animación es muy fácil volverse esclavo de las decisiones que tomaste anteriormente”, dijo León.

El proyecto se benefició de financiación para el desarrollo de la preproducción en Chile y ahora está buscando socios de coproducción.

Paul Auster, conocido por La trilogía de Nueva York Publicado originalmente como tres novelas separadas: Ciudad de Cristal, Fantasmas, y La habitación cerrada – murió el martes 30 de abril por complicaciones de cáncer de pulmón. Tenía 77 años. La noticia fue confirmada por su amiga y colega autora Jacki Lyden al New York Times. Veces. Nacido y criado en Nueva Jersey, Aster finalmente se convirtió en una figura prominente en la escena literaria de Brooklyn (aunque también fue bastante popular en Francia). Aster se graduó de la Universidad de Columbia con una licenciatura y una maestría en literatura comparada. Posteriormente vivió en París, traduciendo literatura francesa durante varios años antes de regresar a los Estados Unidos. Su carrera de décadas incluyó una serie de novelas, memorias, colecciones de cuentos, obras de teatro, ensayos y poemas. También escribió varios guiones, ganando el premio Independent Spirit al mejor primer guión por la película de Wayne Wang de 1995. Fumar. Su novela de 2017 4321 Fue preseleccionado para el Premio Man Booker. Se ha observado que el trabajo de Aster incluye casos de azar y coincidencias, que podrían explicarse por sus experiencias de la vida real. Cuando era adolescente en un campamento de verano, estuvo junto a un niño que fue asesinado por un rayo. Según NPR, reflexionó una vez: «Creo que tal vez eso influya en mi trabajo más que cualquier libro que haya leído».

Una vez más, ninguna de estas películas tiene grandes puntos. Pero como duran menos de veinte minutos, la presentación y la surrealidad hacen que las ideas parezcan más directas. Aster mantiene esa sensación de control en su cortometraje más largo e infame, “The Strange Thing About the Johnsons” de 2011.

“Lo extraño de los Johnson” comienza con lo que parece un momento de sano apoyo familiar. Cuando el padre Sidney (Billy Mayo) se acerca y encuentra a su hijo adolescente Isaiah (Carlon Jeffery) masturbándose, se disculpa y se va. Regresa poco después para explicarle a Isaiah que no hay vergüenza en lo que estaba haciendo y que merece que se respeten sus límites. Sólo después de que Sidney se va, la cámara revela el tema de las fantasías de Isaac, una foto de su padre sin camisa en la playa.

Cuando la película pasa a la recepción de la boda de Isaiah (ahora interpretado por Brandon Greenhouse) catorce años después, la cámara pasa del rostro afectado de Sidney a la mano de Isaiah, que se desliza por la espalda de su padre para agarrar su trasero. Isaiah ha estado abusando sexualmente de su padre durante años, intimidando al hombre mayor cada vez que intentaba revelar la verdad.

Aster interpreta la historia con claridad, realzando los elementos de terror, como cuando la madre de Isiah, Joan (Angela Bullock), ve a su hijo acariciar a su marido. Cuando Sidney, un poeta, lo revela todo en un manuscrito titulado Hombre capullola cámara toma su punto de vista mientras Isaiah sube las escaleras para enfrentarlo, capturando los pesados ​​pasos del joven y su sombra inminente.

Esto ciertamente tiene la estructura de una broma, lo que subraya la naturaleza inusual de que una persona más joven ocupe un papel a menudo asociado con la persona mayor. En otros casos, sería divertido que un hombre más joven tratara a su padre como a un niño. Pero cuando Isaiah irrumpe en el baño donde su padre se baña, gritando: «¡Sabes lo que siento por las puertas cerradas!» — es imposible reírse. Es imposible reírse cuando, al final de la película, Isaiah implica a Sidney en las acciones, acusando a su padre de mentir y cobardía por no admitir su participación en lo que hicieron.

Incluso con 29 minutos de duración, “Lo extraño de los Johnson” nunca repite ideas. En cambio, revisa la naturaleza de los ataques de Isaiah a Sidney, lo que impide que el corto forme un tema o tono claro. ¿Se supone que es gracioso? ¿Se supone que debe dar miedo? ¿Está diciendo que las familias son inherentemente malas?

Como dijo una vez un sabio filósofo: a veces, después del fracaso más difícil viene la mayor derrota. Quizás eso es lo que Ari Aster espera que suceda, dado El novio tiene miedo¿El decepcionante desempeño de taquilla? Para su próxima película, Edington, Aster vuelve a asociarse con A24. Justo como lo hizo por El novio tiene miedoAster escribe y dirige, además de coproducir con Lars Knudsen. Un cambio en la fórmula es que el director de fotografía Darius Khondji, nominado al Oscar, será el director de fotografía esta vez (todas las películas anteriores de Aster fueron filmadas por Pawel Pogorzelski). Voluntad Edington salir El novio tiene miedo? Sólo el tiempo dirá. Por ahora, aquí está todo lo que sabemos sobre el próximo proyecto.

Todo lo que A24 ha dicho oficialmente hasta ahora es que la película es un western contemporáneo y que la trama sigue a «un sheriff de un pequeño pueblo de Nuevo México con mayores aspiraciones». Pero desde el verano pasado ha habido rumores de que Edington se desarrollará en una ciudad minera de cobre ficticia durante la pandemia de COVID-19. World of Reel también informó anteriormente que la película se centra en una pareja que se queda sin gasolina cerca de Eddington y al principio son recibidos calurosamente. Pero cuando llega la noche, el pueblo se convierte en una pesadilla.

Aster se reúne con El novio tiene miedoEs Joaquín Phoenix. A24 Anunciado el 24 de marzo, Pedro Pascal, Emma Stone, Luke Grimes, Austin Butler, Deirdre O’Connell, Micheal Ward y Clifton Collins Jr. también montarán junto a Phoenix.

Aún no se ha confirmado una fecha de lanzamiento, pero la producción comenzó en marzo de 2024. Quizás el elenco pueda escuchar vaquero carter para crear el ambiente?

[Warning: The below contains MAJOR spoilers for the Beacon 23 Season 1 finale.]

Hizo Baliza 23 ¡¿Simplemente matar a Aster (Lena Headey)?! Ciertamente se veía así en el final, pero recuerda lo que vimos de ella durante toda la temporada.

Al final, Aster decide que entrará en el artefacto y recibirá el mensaje que compartirá con todos: los humanos. y AI, y Halan (Stephan James) acepta unirse a ella durante 24 horas y eso es todo. Pero Keir (Marc Menchaca) dice que no puede dejarla hacer eso y le dispara. ¿Está ella muerta? ¿O la salvará su conexión con el misterioso artefacto que ha atraído a bastantes personas?

“Solo diré que sé que la audiencia tendrá preguntas sobre si Aster está realmente muerto. Esas preguntas serán respondidas en una segunda temporada, si la ejecutamos”, dijo el productor ejecutivo Glen Mazzara a TV Insider. “Pero una de las cosas divertidas de hacer el programa, y ​​lo señalas, es que, con suerte, el público nunca sabrá hacia dónde se dirige. Así que diré que garantizo que la audiencia seguirá sorprendiéndose a medida que se desarrolle toda la historia”.

Él también se mantiene en silencio sobre cualquier Detalles sobre el mensaje antes mencionado que Aster iba a recibir, pero dijo que «fue el punto de mucho debate para el elenco y el equipo». Entonces, los fanáticos no serán los únicos ansiosos por obtener esa respuesta cuando el programa la revele.

La primera temporada mostró hasta dónde llegaron Aster y Halan, desde dos personas que no podían confiar el uno en el otro al encontrarse en Beacon hasta los dos que estaban juntos y ella le decía que lo elige cada vez y en cada universo en el final.

Han “venido a elegirse unos a otros”, confirmó Mazzara. “Imagínese a dos personas aferradas la una a la otra, perdidas en el mar. Se necesitan mutuamente, pero se preocupan por la otra persona. Así que creo que hubo un arco real en el que esos personajes se pelean entre sí al principio de la temporada. Creo que cada uno de ellos ha llegado a crecer como persona al ser desinteresado por el otro, y ese es un arco realmente interesante y hermoso que normalmente no vemos en este tipo de programa”.

Después de todo, el programa, aunque sí es un misterio de ciencia ficción, trata sobre el trauma: «personas que enfrentan un trauma, personas que intentan superar su trauma, personas que intentan cerrar su trauma, todo eso», continuó el EP. Tanto Aster como Halan llegaron al Beacon con un trauma personal pasado y ahora tienen que lidiar con todo lo que pasaron en la temporada 1, lo que también «da nuevas capas y una nueva comprensión del trauma pasado».

En el futuro, una segunda temporada (el programa se renovó cuando iba a ser lanzado como Spectrum Original, luego fue elegido por MGM+) “tendría lugar en diferentes líneas de tiempo, diferentes niveles de emoción, diferentes niveles de conciencia y «Así que realmente queremos que la audiencia, en la temporada 1, acepte el mundo, la historia y los personajes, y luego, justo cuando crean que saben lo que va a pasar en la temporada 2, les quitaremos la alfombra». explica Mazzara.

«Trabajamos muy duro para tomar todo el material y reorganizar las piezas del rompecabezas y darle a la gente una pieza del rompecabezas en cada episodio donde no están seguros de cómo encaja, donde esto no tiene ningún sentido, y luego lo prometo, todo La historia se une”, añade. «Debido a que es un escenario tan limitado (tiene lugar en un faro en el espacio) y es un elenco limitado, tuvimos que seguir encontrando maneras de sorprender a la audiencia, y lo hicimos contando la historia de una manera muy sorprendente y no lineal. .”

¿Qué crees que será lo siguiente para Aster después de ese impactante final? Háganos saber en los comentarios.

Lame señaló que no acepta cualquier trabajo de edición, sino aquellos que siente que realmente puede manejar bien. Cuando se trata de películas de género moderno, Lame admitió que no es una fanática. Parece que Lame asumió que Ari Aster, al hacer una película de terror moderna, podría ser un entusiasta de los fantasmas y los monstruos, ansioso por profundizar en los aspectos más macabros del género. Lame pareció sorprendido al saber que Aster era en realidad un mayor admirador de los dramas independientes modernos y pesimistas, incluido «Manchester by the Sea» de 2016 (en la que Lame trabajó con el escritor y director Kenneth Lonergan). Ella explicó:

«Traté de salir de ‘Hereditary’ porque pensaba: ‘No conozco el género. No me gustan las películas de terror modernas. Me gustan las películas de terror antiguas. Me encantan Hitchcock y los viejos dramas de suspense, pero No quiero hacer esto.’ Luego me llamó y habló sobre Mike Leigh y su amor por Mike Leigh y Bergman, y le encantó ‘Manchester by the Sea’ y le encanta Kenny. Y yo dije: «Oh.’ Él dice: ‘No estoy tratando de hacer una película de terror’. Estoy tratando de hacer una gran película que trate sobre el terror, sobre una familia que está jodida”. Y yo dije: ‘Está bien, puedo hacer eso'».

Si bien varias de las películas de Lame tienen elementos fantásticos («Wakanda», «Hereditary» y «Tenet» presentan conceptos amplios de género), la mayor parte de su trabajo se ha centrado en dramas intensos y fundamentados (también trabajó en «Tyrel» de Sebastián Silva, Shaka «Judas y el Mesías Negro» de King y la controvertida «Blonde» de Andrew Dominik). Parece que si un director puede comunicar a su equipo y al público que su película de género trata sobre algo más que su fantasía, entonces Lame se sumará felizmente.

La perspectiva de una secuela de «Hereditary» es curiosa, únicamente porque la película original, ya sabes, no se presta fácilmente a una. En resumen, la película de Aster se centra en Annie Graham (Toni Collette), una artista de miniaturas que todavía está de luto por la reciente pérdida de su madre, una figura que, como prácticamente todos los padres en las películas de Aster, es una fuente de incomodidad y ansiedad en lugar de uno de consuelo, cuando la tragedia vuelve a ocurrir, alejándola aún más del resto de su familia. Finalmente, Annie descubre que su madre pertenecía a una secta que adora al rey demonio Paimon y desea utilizar a su hijo adolescente Peter (Alex Wolff) como vehículo para que la entidad entre a nuestro mundo. Una cosa lleva a la otra y, aunque no lo sepas, Peter termina convirtiéndose en el anfitrión de Paimon, y el resto de su familia ya ha sido asesinado.

En lo que respecta a las conclusiones, el final de «Hereditary» es bastante autónomo y parece no dejar ningún hilo argumental pendiente para una secuela. Por otra parte, se podría decir lo mismo de muchos clásicos del terror que recibirían múltiples seguimientos. Aun así, se supone que la falta de un lugar obvio al que dirigir la historia a partir de ahí es la razón principal por la que Aster utilizó el éxito comercial y de crítica de la película para dar luz verde a otros proyectos originales, en lugar de avanzar a toda velocidad hacia una franquicia como otros éxitos de terror de bajo presupuesto lo han hecho (ver: «Saw», «Paranormal Activity», «Insidious», «The Purge», etc.).

El drama surrealista de tres horas de Ari Aster «Beau Is Afraid» marcó un cambio de tono con respecto a sus películas que inducen pesadillas «Midsommar» y «Hereditary».

En el largometraje, que aborda el trauma heredado y los problemas de mamá, Joaquin Phoenix interpreta a Beau, quien se encuentra en un viaje odisea para regresar a casa después de la prematura muerte de su madre. Para la música de la película, Aster reclutó al compositor de «Midsommar» Bobby Krlic, pero, a diferencia de su última colaboración, crear la música de «Beau Is Afraid» fue un «proceso largo y arduo» mientras trabajaban para descifrar el sonido del viaje de Beau.

Aquí, los dos hablan sobre su colaboración y cómo una pista, «Suburban Dream», ayudó a desbloquear el paisaje sonoro de la película.

¿Cómo describiría su relación y cómo ha evolucionado desde que se conocieron?

Aster: Me acerqué a él porque había escrito «Midsommar» mientras escuchaba su música, específicamente su primer álbum homónimo como Haxan Cloak. Me puso en un espacio que se sentía inextricable. Sabía que quería que lo anotara si estaba dispuesto a hacerlo. Nos llevábamos bien y teníamos los mismos gustos musicales y cinematográficos. Con «Midsommar», simplemente comenzamos intercambiando correos electrónicos y él me envió música y pensamientos, pero eso no obtuvo los resultados más rápidos en lo que respecta a la alineación de los dos.

Krilic: La mayor parte se tiró.

Aster: Recuerdo sentirme alarmado, y la idea era volar a Los Ángeles para ver si podíamos encarrilar las cosas. Empezamos a trabajar juntos ese primer día y marcamos un tercio de la película ese primer día. Descubrimos que necesitábamos estar juntos en la misma habitación y teníamos una forma muy fructífera de comunicarnos en persona.

Krilic: Recuerdo que Ari dijo ese primer día: “No tengamos miedo de hacer el ridículo, avergonzarnos o sentir algo. Solo sé completamente abierto y todo vale”. Creo que entrar en eso sin expectativas fue la mejor manera de comenzar.

Aster: Para ser claros, la música que envió Bobby era hermosa, simplemente no encajaba. De alguna manera, solo comunicarse a través del correo electrónico no funcionaba. Pero cuando empezamos a trabajar juntos en persona, lo encontramos útil. Tiende a no ser a través de palabras que comunicamos. Es mucho gesticular.

Krilic: Es algo palpable. Puedo sentir cuando estás sentado allí, y estoy tocando algo, si está funcionando.

¿Qué pasó al componer “Beau Is Afraid”, particularmente en ese último acto con la épica banda sonora en torno a su madre, interpretada por Patti LuPone?

Krilic: Es algo difícil de desempacar. Este me lanzó donde estaba como, «Joder, esto no es lo mismo», y fue mucho trabajo duro.

Aster: La película sigue cambiando, y saltas de mundo en mundo, y ese tono cambia en cada mundo. Los ritmos cambian mucho, y eso aún necesitaba ser cohesivo. Fue difícil para nosotros encontrar esos temas. Hubo muchos momentos en los que sentimos que lo habíamos encontrado y luego nos dimos cuenta de que no. Fue un proceso muy largo y arduo en este caso. También era solo una cuestión de que nos hubieran echado a perder en el primero. [“Midsommar”]porque eso se unió rápidamente.

Krilic: Probablemente fue lo más difícil que he tenido que hacer… Me hizo ir a lugares a los que no pensé que podría ir, y me hizo hacer un esfuerzo adicional.

Aster: Nuestras ideas originales eran más pequeñas que donde estábamos cuando llegamos. También fue la primera vez que tuve una editora musical, Katherine Miller, y hay que decir que ella nos ayudó mucho a ambos. Cuando ambos estábamos golpeando nuestras cabezas contra la pared, ella entró y pudo conectar muchos hilos que se nos escapaban.

Krilic: Cuando estás tan metido en algo y pasas horas al día en una habitación, fue increíble tener a alguien como Katherine mirando ese material con los ojos muy abiertos.

Aster: Hubo un par de temas que guardó colocándolos en otro lugar porque no funcionaban del todo donde estaban. El tema de la madre es muy fuerte y claro. Pero “Suburban Dream” es revelador. Y hubo una epifanía al final de la película de que al menos se debería experimentar con la señal para que esa pieza musical final traiga esa sensación de un sueño suburbano melancólico.

Krilic: Lo mezclamos con un motivo vocal que aparece en cada acto. Se sentía como una sirena que es un hilo, sin que Beau lo supiera y lo guiaba al acto final de la película.

Aster: La sirena era lo que sabíamos traer al final. Me encantó que hay una sensación de anhelo que sientes con esa pieza.

¿Cuál fue la instrumentación detrás de eso?

Krilic: Son violonchelos bajos y violas. Cuando Beau se encuentra en esa casa, hay una sensación de desapego y desplazamiento. La idea era no decir demasiado, pero también lo suficiente. Empezó mucho más melódico con un violín. Fue un proceso de reducción. El principal desafío fue tener cosas que pueden ser definitivas, pero que también pueden, al igual que la película, girar en un centavo y tomarte por sorpresa y poder moverte con fluidez entre diferentes lugares.

ALERTA DE SPOILER: Esta historia analiza los principales puntos de la trama de «Beau Is Afraid», que actualmente se proyecta en los cines.

En el acto final del viaje de ansiedad de tres horas de Ari Aster «Beau Is Afraid», Beau, interpretado por Joaquin Phoenix, llega muy tarde al funeral de su madre y se encuentra reunido con su amor de la infancia Elaine, interpretada por Parker Posey. Es una reunión incómoda para los dos, pero terminan juntos en la cama. Justo cuando están a punto de tener relaciones sexuales, Elaine saca su teléfono y comienza a sonar la introducción del éxito de 1995 de Mariah Carey, «Always Be My Baby».

Hablando por Zoom, la supervisora ​​musical de la película, Jemma Burns, dijo que Aster le dijo durante su primera reunión: «‘Si hay algo que haces por mí en esta película, tengo que tener esta canción de Mariah Carey'».

Burns, cuyos créditos incluyen «Okja» y «Top of the Lake», sabía que tenía que asegurar la canción. La mejor manera de hacerlo era que Aster escribiera una carta.

“Cuando me acerco a alguien, pienso en el mejor ángulo. ¿Estamos apelando al hecho de que Ari es un director muy respetado de locas películas de terror?”. dice Burns. «Carey no solo es un músico de primera, sino que es una escena escandalosa».

Mientras suena la canción, Beau experimenta un orgasmo por primera vez en su vida. Toda su vida, Beau ha estado convencido de que un orgasmo lo mataría. Elaine sigue sonando la melodía mientras continúa moviéndose encima de él.

“Esta es su improvisación lenta que pone para que él se anime, y la ayudará a superar este momento”, dice Burns.

Pero no es Beau quien muere. El destino de Elaine es sombrío. Su clímax le provoca la muerte.

“Decir que es escandaloso es quedarse corto”, dice el supervisor musical. “Le sugerí a Ari que escribiera [Mariah Carey] una carta. Es un poco como una puñalada en la oscuridad no saber cuál es la mejor manera de acercarse a ella”.

Burns esperaba que el enfoque de artista a artista fuera la forma más convincente de atraer a Carey, en lugar de pasar por la gente de negocios y todos los demás.

Estás hablando directamente. Ari le explicó cómo escuchaba la canción mientras escribía la película y que la canción es en gran medida el ADN de la película. Es la canción pop más perfecta jamás escrita”, comparte Burns.

En el caso de que Carey no aprobara los derechos, Burns tenía algunas canciones como respaldo.

“Traté de convencerlo de que mirara otras canciones”, dice Burns. Además, estaba preocupada por el presupuesto: la película costó 35 millones de dólares «solo por el tamaño de esa canción».

Sin embargo, Aster le mostró a Carey la escena en la que sonaría la canción y «A24 fue un gran apoyo todo el tiempo», dice Burns.

Si bien Burns está orgullosa de que el equipo haya conseguido la sincronización, también está orgullosa de otra sincronización de John Zorn, el músico de vanguardia con sede en Nueva York.

“Por lo general, no está interesado en otorgar licencias para películas. Inicialmente, me dijo: ‘Simplemente no tengo licencia para mi música’”. Una vez que Burns le dijo que era para Aster, Zorn cambió de tono. “Él dijo: ‘Amo a Ari y estoy muy feliz por su éxito. Dile que lo respaldaré en cualquier cosa’”.

Lo que hace que la nueva versión de Aster de este símbolo recurrente sea tan interesante es que ha renunciado por completo a la ruta de la discapacidad al representarlo. Más bien, el trágico sacrificio de la película se le otorga a un hombre anónimo adornado con tatuajes (Karl Roy), uno de los muchos que ingresan al edificio de apartamentos de mala muerte del antihéroe titular (Joaquin Phoenix) aparentemente sin razón alguna. Está fuertemente implícito que el conglomerado de fabricación de drogas que la madre de Beau, Mona (Patti LuPone y Zoe Lister-Jones) ha hecho que todo el país pierda la cabeza, y este distinguido hombre no es una excepción.

Después de tener que dormir en los andamios fuera de su complejo de apartamentos, Beau regresa a su apartamento saqueado y encuentra muerto al hombre tatuado, aparentemente mordido por un recluso pardo que ha estado aterrorizando al edificio. Lo que hace que esta revelación sea aún peor es que se había apoderado del teléfono del desafortunado protagonista e intentó llamar al 911, muriendo antes de que pudiera escribir el último «1» en el teclado del teléfono.

Esto no solo enfatiza la humanidad del personaje en un mundo donde a la mayoría de las personas les han quitado la suya, sino que también muestra cuán depravada es realmente la sociedad de la película. Puedes ser asesinado por algo tan prevenible, pero en un mundo enloquecido, nadie intentará siquiera recoger tu cuerpo. Cómo esto eventualmente termina reflejando la relación de Beau con su madre, específicamente cómo se acusan mutuamente de obligarlos a morir solos, es sorprendentemente conmovedor incluso dos horas después.