Piller, tal vez frustrantemente, no especifica a qué problemas sociales se refería, pero sí mencionó que se necesitarían varias generaciones para resolverlos. Piller podría haberse referido a los problemas ambientales, pero también podría haber estado hablando del daño causado durante la administración Reagan. También podría haber estado pensando en el racismo y la injusticia racial, ya que los disturbios de Los Ángeles habían tenido lugar unos años antes. Cualquiera sea la razón, Piller vio el viaje de la Voyager como un viaje de «regreso» a algo que habíamos perdido. En sus palabras:

«Cuando nos enganchamos a esta idea nos dimos cuenta de que, en cierto sentido, estábamos hablando de un viaje que se parece mucho al viaje que todos nosotros en este país estamos emprendiendo hoy. […] Estábamos en el resplandor de las últimas elecciones presidenciales y parecía claro que el tipo de problemas que enfrenta este país no son problemas que vayan a resolverse fácilmente durante nuestra vida. Tenemos que empezar con soluciones cuyo resultado final puede tardar más de una generación».

La premisa de «Voyager» era que la nave tardaría 70 años en regresar a la Tierra después de haber sido arrastrada instantáneamente a través de la galaxia por un extraterrestre divino. Existía una posibilidad muy real de que los actuales residentes de la Voyager murieran de viejos antes de regresar. Al menos cuando debutó en 1995, aparentemente iba a ser una serie intergeneracional. Una nueva generación tendría que dar un paso al frente y seguir trabajando duro para poder realizar un proyecto a largo plazo.

un día en En marzo de 2023, Arati Prabhakar llevó una computadora portátil a la Oficina Oval y le mostró el futuro a Joe Biden. Seis meses después, el presidente emitió una amplia orden ejecutiva que estableció un rumbo regulatorio para la IA.

Todo esto sucedió porque ChatGPT había sorprendido al mundo. En un instante se hizo muy, muy obvio que Estados Unidos necesitaba acelerar sus esfuerzos para regular la industria de la IA y adoptar políticas para aprovecharla. Si bien los beneficios potenciales eran ilimitados (¡el servicio al cliente del Seguro Social que funciona!), también lo eran los posibles inconvenientes, como inundaciones de desinformación o incluso, en opinión de algunos, la extinción humana. Alguien tenía que demostrárselo al presidente.

El trabajo recayó en Prabhakar, porque es la directora de la Oficina de Política Científica y Tecnológica de la Casa Blanca y tiene estatus en el gabinete como principal asesora científica y tecnológica del presidente; ya había estado educando metódicamente a altos funcionarios sobre el poder transformador de la IA. Pero también tiene la experiencia y el conocimiento burocrático para impactar a la persona más poderosa del mundo.

Nacido en India y criado en Texas, Prabhakar tiene un doctorado en física aplicada de Caltech y anteriormente dirigió dos agencias estadounidenses: el Instituto Nacional de Estándares y Tecnología y la Agencia de Proyectos de Investigación Avanzada del Departamento de Defensa. También pasó 15 años en Silicon Valley como capitalista de riesgo, incluso como presidenta de Interval Research, la legendaria incubadora de tecnología de Paul Allen, y se desempeñó como vicepresidenta o directora de tecnología en varias empresas.

Prabhakar asumió su trabajo actual en octubre de 2022, justo a tiempo para que la IA dominara la agenda, y ayudó a impulsar esa orden ejecutiva de 20.000 palabras, que exige estándares de seguridad, impulsa la innovación, promueve la IA en el gobierno y la educación, e incluso intenta mitigar la pérdida de empleo. Reemplazó al biólogo Eric Lander, quien había dimitido después de que una investigación concluyera que dirigía un lugar de trabajo tóxico. Prabhakar es la primera persona de color y la primera mujer en ser nombrada directora de la oficina.

Hablamos en la mesa de la cocina del condominio de Prabhakar en Silicon Valley, un espacio decorado con sencillez que, si no recuerdo mal, es muy diferente a las oficinas de OSTP en el fantasmal e intimidante edificio de oficinas ejecutivas de Eisenhower en DC. Afortunadamente, prevalecieron las vibraciones de California y nuestra conversación resultó muy poco intimidante, incluso tranquila. Hablamos sobre cómo Bruce Springsteen apareció en la primera demostración de ChatGPT de Biden, sus esperanzas de un renacimiento de los semiconductores en los EE. UU. y por qué la guerra de Biden contra el cáncer es diferente de la guerra contra el cáncer de cualquier otro presidente. También le pregunté sobre el estatus del puesto vacante de director de tecnología de la nación: una sola persona, idealmente algo geek, cuyo trabajo gira en torno a las cuestiones tecnológicas que impulsan el siglo XXI.

Steven Levy: ¿Por qué te registraste para este trabajo?

Arati Prabhakar: Porque el presidente Biden preguntó. Él considera que la ciencia y la tecnología nos permiten hacer grandes cosas, que es exactamente lo que pienso sobre su propósito.

¿Qué tipo de cosas grandes?

La misión de OSTP es hacer avanzar todo el ecosistema de ciencia y tecnología. Tenemos un sistema que sigue un conjunto de prioridades. Gastamos una cantidad enorme en I+D en salud. Pero tanto la financiación pública como la empresarial se centran en gran medida en productos farmacéuticos y dispositivos médicos, y muy poco en prácticas de prevención o atención clínica, cosas que podrían cambiar la salud en lugar de abordar las enfermedades. También tenemos que hacer frente a la crisis climática. En el caso de tecnologías como la energía limpia, no hacemos un gran trabajo a la hora de sacar cosas de la investigación y convertirlas en impacto para los estadounidenses. Es la tarea pendiente de este país.

Sergio Leone comenzó su carrera como asistente del director Vittorio De Sica en el clásico del neorrealismo italiano «Los ladrones de bicicletas» y se estableció como un competente director de fotografía en los Estudios Cinecettà de Roma, donde se proyectaron grandes epopeyas de Hollywood como «Quo Vadis» y «Ben-Hur». Nos dispararon. Su primer largometraje, «El coloso de Rodas», fue una imitación barata de estas sagas de espadas y sandalias, y tuvo un desempeño lo suficientemente bueno en taquilla como para ganarle una segunda oportunidad detrás de la cámara. Eligió el western «A Fistful of Dollars» como su próximo proyecto.

Hay diferentes relatos sobre el desarrollo de «A Fistful of Dollars», y varias personas se atribuyen el mérito de haber ideado la idea. Lo único que importa es que un grupo de cineastas italianos (incluido Leone) vieron «Yojimbo» de Akira Kurosawa y pensaron que la historia de un samurái rebelde que manipula dos clanes viciosos, que están aterrorizando a los ciudadanos de una pequeña aldea, para aniquilarse entre sí, contribuiría a Un western entretenido.

«Yojimbo» en sí fue una adaptación no oficial de la novela policíaca de Dashiell Hammett de 1929 «Red Harvest», por lo que estos instintos dieron en el clavo. Todo lo que Leone necesitaba era una estrella estadounidense para que la película pudiera distribuirse ampliamente en Estados Unidos. Inicialmente apuntó alto, cortejando a Henry Fonda y Charles Bronson; Desgraciadamente, el primero era demasiado caro, mientras que el segundo detestaba el guión. Leone puso sus miras bastante bajas, como Steve Reeves/Rory Calhoun, antes de conseguir un candidato en Eastwood. «En ‘Rawhide’, me cansé muchísimo de interpretar el sombrero blanco convencional», dijo Eastwood. «El héroe que besa a ancianas y perros y que era amable con todo el mundo. Decidí que era hora de ser un antihéroe».

El Oeste nunca volvería a ser el mismo, aunque pasaría un tiempo antes de que este evento cinematográfico sísmico sacudiera a los EE. UU.

me permiti jugar fuego emblema participar en el modo más fácil posible y finalmente me permitió volver a jugar. La primera vez que jugué un juego de Fire Emblem allá por 2010, un amigo me dijo que la única forma correcta de jugar es en el modo Clásico con muerte permanente. Por alguna razón, me lo tomé muy en serio y jugué cada juego posterior listo para reiniciar mi consola durante cada escaramuza y batalla de la historia para no perder a ninguno de mis amigos. Debido a cambios inesperados en mi vida personal en los últimos años, prácticamente dejé de jugar, aunque seguí comprando nuevos títulos que normalmente jugaba. eso incluido Persona 5: Realque todavía tengo que tocar, y fuego emblema participarque permaneció sellado en mi gabinete durante más de un año.

quería jugar Comprometer desde que obtuve mi copia reservada, pero la mera idea de tener que encontrar la mejor clase para todas mis unidades y tener que luchar peleando una escaramuza tras otra para que puedan maximizar sus estadísticas y no morir en el campo de batalla fue abrumadora. . Se sintió como una tarea ardua y nada atractivo para alguien que está tratando de volver a jugar. Sin embargo, un día decidí colocar el cartucho en mi Nintendo Switch y ver si podía llegar a alguna parte. Cuando me pidieron que eligiera una dificultad, aplasté la voz persistente en mi cabeza que seguía diciendo: «Si no estás jugando con muerte permanente, ¿estás siquiera jugando a Fire Emblem?» Tan rápido como pude, elegí la dificultad Normal, la opción más fácil disponible, y el modo Casual que simplemente retira unidades de una pelea en lugar de matarlas por completo después de ser derrotadas en la batalla.

No tenía idea de si terminaría el juego cuando comencé, pero lo hice y me divertí muchísimo. La principal razón por la que pude seguir jugando fue porque no me sentía estresado como cuando jugaba. destinos y tres casas. No tuve que planificar cada movimiento en el campo de batalla, y no tuve que buscar las opciones de clase de otras personas para sus unidades porque un personaje que comenzó como espadachín podría hacerlo mejor como Caballero Wyvern. No tuve que tomar notas como suelo hacer en los juegos de estrategia. La única información que busqué en línea fueron las opciones de romance entre personas del mismo sexo para el protagonista de esta entrega. Realmente sentí que estaba jugando para relajarme, algo que nunca había dicho antes en relación con un juego de Fire Emblem.

En el gran esquema de las cosas, tener un conflicto interno sobre la dificultad de un juego es realmente bastante tonto. Pero es un reflejo de cómo tendemos a ser más duros con nosotros mismos que con otras personas, porque nunca juzgaría a nadie por cómo quiere jugar sus juegos. Claro, ganar batallas y partidos en modos más difíciles será más gratificante, pero no todas las experiencias de juego tienen por qué ser un desafío. Está bien jugar para descomprimirse, para tener un poco de alegría en la vida y, en mi caso, para empezar después de años de estar en el limbo de los videojuegos. Algún día, podría recoger Comprometer de nuevo y jugar en dificultad Enloquecedora, probablemente en modo Casual ahora que me he liberado de las ataduras de la muerte permanente. Sin embargo, eso está muy lejos; por ahora, quiero repasar uno por uno los títulos que me perdí en los últimos cinco años. Empecé con el más nuevo de mi colección, Crónica de Eiyuden, que estoy absolutamente emocionado de jugar como fanático de Suikoden desde hace mucho tiempo. Y sí, todavía me lo estoy tomando con calma jugando en el modo menos difícil posible.

El primer largometraje del director alemán Moritz Mohr es el colorido y sangriento cuento de venganza “Boy Kills World”, que se estrena el viernes en los cines. Bill Skarsgård interpreta al personaje principal, un luchador mudo empeñado en vengarse, con un seco monólogo interior con la voz de H. Jon Benjamin. Mientras intenta derrocar a una familia criminal dinástica, encabezada por Hilda Van Der Koy (Famke Janssen), que gobierna la sociedad y mata a su familia, elimina a decenas de enemigos de manera destructiva, lo que seguramente dejará al público sorprendido de que la violencia cada vez más creativa y sangrienta lo haya logrado. más allá de la MPAA. Mohr, quien también coescribió la historia en la que se basa la película, habló con Variedad sobre el estilo de lucha único de la película, los desafíos de filmar una aventura en expansión durante COVID y cómo el productor Sam Raimi ayudó a que se hiciera realidad su visión.

¿Qué inspiró “Boy Kills World”?

Queríamos hacer una película que a todos nos gustaría ver. En 2016, filmamos el tráiler de prueba de concepto, de donde se originó la historia. Todos trabajábamos en televisión y publicidad. Se volvió un poco obsoleto, así que pusimos todo en esa película que amamos. Creamos este lienzo para que mucha gente, especialmente los diseñadores de producción y el departamento de vestuario, dejaran volar sus extrañas banderas.

¿Cómo decidiste el estilo de lucha utilizado en la película?

Siempre tratamos esto como una película de cómics sin cómic. Por eso es tan colorido, pero también oscuro. También nos inspiraron mucho los videojuegos y el anime. Cuando trabajas en estas escenas de lucha, tienes que descubrir de qué se trata la escena. ¿Esto muestra lo divertido que es matar gente? ¿O es la primera vez que lo vemos peleando? ¿Es él quien está superando un obstáculo? Eso informa todas las escenas de acción. Da un significado más profundo en el contexto de la historia.

¿Cuáles son algunas películas de acción que te inspiran a ti y al equipo?

Nos encanta la acción, pero todos intentábamos hacer lo nuestro. Uno de los objetivos es mantenerse fresco y no depender de nada que se haya hecho un millón de veces. Hay muchísimas películas de acción geniales y algunas de ellas redefinieron el género. No digo que hayamos llegado allí, pero queríamos hacer algo que fuera nuestro propio lenguaje, y es por eso que agregamos todas estas pequeñas cosas aquí y allá. Hablamos mucho sobre ‘¿Qué armas usa aquí?’ De ahí surgió el rallador de queso. ‘Una escena de pelea con un rallador de queso. ¿La hemos visto antes? No me parece.’ Está bien, vamos a por ello.

No reprimes la brutalidad y la sangre en esta película. ¿Hubo peleas con financieros o censores en el camino?

Nada de peleas. Cuando incorporamos a Sam Raimi al principio, supe que estábamos en buenas manos. No podemos hacer nada que este hombre no haya hecho antes o no haya demostrado hasta cierto punto. Sabíamos que teníamos mucho margen de maniobra y todos los demás productores también lo aprovecharon. Lo que no dejaba de pensar mientras lo hacía era: «Todos deberían recibir lo que merecen». No puedes matar a ese pequeño secuaz con tanta crueldad. Si eres brutal, dices: «Eso es demasiado». Tienes que encontrar algo que tenga sentido en ese momento y no seas demasiado sádico. Pero creo que llegamos a un límite y siempre tiene un aspecto divertido.

¿De qué otra manera influyó Raimi en el proyecto?

Es un héroe personal para mí. “Evil Dead 2” y “Army of Darkness” son dos de mis favoritos de todos los tiempos, y trabajar con él fue puro placer, porque no interviene cuando se trata de producir. Apoya la visión del director. Él hace estas preguntas y eso es muy útil durante el proceso de escritura del guión y la edición. Fue de gran ayuda trabajar con él.

Esta es una primera película ambiciosa. ¿Hubo algún día durante el rodaje que fue el más desafiante?

Filmamos al final de COVID, y COVID golpeó un par de veces durante la producción, como sucedió con cualquier otra producción. Estaba en el set hablando con los actores, y un asistente personal se acercó y dijo: ‘Así que una de las pruebas regresó’. Ese actor es positivo. Los llevábamos de vuelta al remolque. Tenemos que cambiarlo, tenemos que hacer algo más. De repente, todo el día se acaba, tienes que hacer algo diferente. Y sucedió un par de veces más, donde tuvimos que filmar una escena completa con los dobles durante tres días, por encima de los hombros.

La película se presta para una secuela. ¿Es algo en lo que ya has pensado?

Hablamos mucho sobre eso durante todo el transcurso de la producción y hay muchas ideas geniales por ahí. La única pregunta ahora es: ¿la gente quiere ver eso? Como no es una película de un gran estudio, tendremos que esperar un momento y ver cómo resulta. Si a la gente le gusta, tenemos algunas historias que podríamos contar y estaría muy emocionado de hacerlo.

¿Eres fanático de la comedia “Boy Meets World”? ¿Fue el título de la película una señal de honor intencionada?

Vi algunos episodios en Alemania, pero tienen un título diferente. Fue un feliz accidente, cuando estábamos tratando de pensar en un título en 2016. «Creo que debería ser un título de tres palabras, como el nombre de una banda». Diez segundos después pensé: «El chico mata al mundo». 15 segundos después, reservé la dirección de Internet. Y todavía me sorprende que nunca lo hayamos cambiado en siete años: nadie vino y dijo que no se traduce. Me di cuenta un año después, cuando lo llevé por primera vez a los EE. UU…. Oh, sí, está ‘Boy Satisface Mundo’!

¿Deberías ser feliz ahora o no? La pregunta no es fácil de responder. Porque el Beneficios récord reportados por el Banco Nacional Suizo (SNB) para el primer trimestre, tiene un regusto amargo. El gigantesco resultado de 58,8 mil millones de francos se debe principalmente al debilitamiento del franco. Las ganancias se compraron, por así decirlo, a expensas de un menor poder adquisitivo de la moneda nacional.

Éxito con el oro y las acciones

¿Por qué un franco más débil genera mayores ganancias para el BNS? Porque el 87 por ciento de los activos del banco central consisten en inversiones en moneda extranjera. Si el franco pierde valor externo, la conversión de estas monedas en francos resulta en una cantidad mayor. Y ese fue en gran medida el caso durante los primeros tres meses. El franco perdió casi el 5 por ciento de su valor frente al euro e incluso más del 7 por ciento frente al dólar.

El beneficio trimestral se explica principalmente por el beneficio de 52 mil millones de euros de las posiciones en moneda extranjera. De esta cantidad, casi las tres cuartas partes pueden atribuirse al tipo de cambio. El auge de los mercados bursátiles y las tenencias de oro también contribuyeron a los beneficios. Sin embargo, el BNS perdió dinero con los bonos, lo que se debe en parte al aumento de los rendimientos de los bonos gubernamentales estadounidenses.

El beneficio eclipsa el resultado récord anterior de 39.000 millones de francos en el segundo trimestre de 2020 y es impresionante teniendo en cuenta su tamaño. Pero apenas tiene ningún impacto real. Lo que importa son las cifras que el BNS informa a finales de año. Este resultado anual decide si el Banco Nacional puede distribuir beneficios al gobierno federal y a los cantones. Y de momento no lo parece, a pesar de unos beneficios récord.

La distribución de dividendos es poco probable

Según cálculos de la UBS, el BNS tendría que generar en todo el año un beneficio de 65 mil millones de francos para que fuera posible una distribución mínima. Para obtener el pago máximo de 6 mil millones de francos, el beneficio tendría que superar los 105 mil millones. Ambas cosas son poco probables, ya que el BNS primero tiene que liquidar la pérdida de balance del año pasado de 53 mil millones de francos y hacer asignaciones para provisiones.

Además, la evolución de los mercados financieros en el primer trimestre fue excepcional. Esto no sólo se aplica a las subidas de precios en las bolsas de valores. Es poco probable que la devaluación del franco continúe a este ritmo. Según los economistas de la UBS, ahora ha aumentado la subvaluación del franco frente a monedas importantes como el dólar, por lo que no se puede descartar que el franco se aprecie nuevamente a lo largo del año.

Nadie sabe cómo se desarrollarán los mercados financieros a finales de año. Dado el enorme balance del BNS, incluso pequeñas correcciones de precios pueden tener consecuencias importantes para las ganancias. Esto también fue evidente en 2023, cuando un beneficio muy elevado en el primer trimestre provocó una pérdida anual. Los políticos financieros federales y cantonales, que ya se han ido con las manos vacías en los últimos dos años, harían bien en no presupuestar las distribuciones del BNS.

Potencial de ahorro para el estado

Esto puede aumentar las preocupaciones financieras del estado. Los datos sobre la evolución salarial publicados por el gobierno federal el jueves muestran que existe potencial de ahorro. Si bien en 2023 hubo un aumento del 1,7 por ciento a nivel nacional, los salarios en la administración pública aumentaron un 3,7 por ciento. De este modo, el Estado dejó muy atrás a todos los sectores privados. En vista de tal generosidad, uno puede ignorar con seguridad las quejas de que los miles de millones del BNS se están agotando.

Los soldados aliados que no murieron regresaron cojeando de la derrota. Ahora estaba claro que necesitaban poder acercarse sigilosamente a las playas días antes de una redada para obtener información actualizada. Necesitaban saber dónde los nazis habían excavado túneles en la tierra, dónde habían colocado explosivos o construido nidos de ametralladoras. Ninguno de sus barcos o embarcaciones podía acercarse lo suficiente a la costa sin ser detectado, por lo que los aliados necesitaban submarinos en miniatura y buzos. Y necesitaban ciencia para que esas cosas sucedieran.

En ese momento, Haldane, Spurway y los otros científicos ya se habían provocado ocho convulsiones y se habían roto varias vértebras por la causa. Esto se debe a que, poco antes del desastre de Dieppe, pero no a tiempo para detenerlo, el Almirantazgo había pedido a Haldane y su tripulación que giraran y se concentraran en un objetivo nuevo y más específico. Para ayudar a sus compatriotas y a los aliados a derrotar a Hitler, para ayudar a poner fin a la guerra, los aliados necesitaban que los científicos utilizaran este mismo trabajo para preparar misiones de exploración de playas.

Cinco días después de Dieppe, sin conocer aún su horror, Haldane y Spurway estaban trabajando en el próximo plan de asalto anfibio. Habría otro desembarco en la playa, esta vez en Normandía, y no podía fracasar.

Haldane nació en 1892 en el tipo de familia escocesa cuyas casas de verano tienen torres. Retratos majestuosos de antepasados ​​con vello facial cuidadosamente recortado y vestidos con kilómetros de telas plisadas miraban desde los altos muros de sus múltiples propiedades. John, llamado “Jack” en su juventud y más tarde “JBS”, no tenía paciencia para semejante pompa. Insistió en mantener una vieja bañera llena de renacuajos debajo de las ramas de un majestuoso manzano. Estaba decidido a criar arañas de agua.

Jack y su hermana Naomi fueron criados en la ciencia de la misma manera que algunos lo son en la realeza.

Sus padres, Louisa y John Scott, parecen haberse acercado el uno al otro debido al mismo genio ferozmente independiente y socialmente irreverente que transmitirían a sus hijos. Era una joven brillante con cabello dorado, belleza clásica, afinidad por los perros pequeños y una confianza franca que, junto con su propensión a fumar un cigarrillo ocasionalmente, la señalaba como una rebelde dentro de la clase alta remilgada de la Gran Bretaña del siglo XIX.

Fue investigador, médico y lector de fisiología en la Universidad de Oxford, y notoriamente excéntrico. Convirtió el sótano y el ático de la casa de la pareja en laboratorios improvisados ​​para poder jugar con el fuego, las corrientes de aire y las mezclas de gases. También podrían hacerlo sus hijos.

A los 3 años, Jack, el niño de cabello dorado y mejillas regordetas, era donante de sangre para la investigación de su padre. A los 4 años, viajaba con su padre en el metro de Londres mientras John Scott colgaba un frasco por la ventana del tren para recolectar muestras de aire. El dúo encontró niveles de monóxido de carbono tan alarmantemente altos que la ciudad decidió electrificar las líneas ferroviarias. El joven Haldane estaba aprendiendo cómo mantener a la gente viva y respirando en mundos donde no deberían sobrevivir.

A finales del siglo XIX, las frecuentes explosiones y fugas de gas hicieron de la minería uno de los trabajos más letales del mundo, y John Scott Haldane se hizo conocido entre los mineros del país por su disposición a trepar por los estrechos, oscuros y llenos de carbón de los pasillos de las carreteras. su misión de hacer que el suministro aéreo sea más seguro. A los 4 años, Jack también exploraba minas de carbón con su padre para descubrir cómo respiraba la gente en esos espacios estrechos y peligrosos. Esa expresión común «canario en la mina de carbón», todavía utilizada para describir la detección temprana de cualquier situación amenazante, existe hoy porque fue idea de Haldane utilizar estos pájaros pequeños y alegres para detectar fugas de gas.

Wingard continuó explicando que vio «Godzilla Minus One» en una proyección privada antes de su estreno en Estados Unidos, pero que se «inspiró inmediatamente» en la película en el momento en que apareció su tráiler. Durante este tiempo, «Godzilla x Kong» todavía estaba en postproducción y el equipo no pudo encontrar el efecto correcto para la escena en la que Godzilla pisotea un edificio que tiene una versión de él pintada con spray en las paredes. Aunque el acto en sí mismo subrayó la inmensa fuerza de Godzilla, Wingard sintió que faltaba algo, y la respuesta a la pieza faltante del rompecabezas se encontró en una toma de «Minus One»:

«Estábamos a mitad de la publicación y hay una gran toma en ese tráiler. [of ‘Godzilla Minus One’] donde Godzilla pisa fuerte en un primer plano y sus pies pesan tanto que empuja el suelo frente a él. Y quedé tan impresionado con esa toma que corrí a la oficina de mi supervisor de efectos visuales, Alessandro Ongaro, porque teníamos una toma similar en nuestra película en la que habíamos estado trabajando por un tiempo, pero no tenía la forma adecuada. efecto… Así que le mostré a Alessandro este momento en el tráiler de ‘Minus One’ y le dije: ‘Eso es lo que tenemos que hacer’. Así que rendimos homenaje a [Godzilla Minus One] inmediatamente en la película.»

La película de Wingard parece casi una antítesis de la de Yamazaki, ya que sus respectivos tratamientos de la historia de los monstruos y el Rey de los Monstruos son marcadamente diferentes, pero hay un amplio espacio para que ambas películas de Godzilla prosperen y coexistan. Después de todo, MonsterVerse ha perdurado a lo largo de los años debido a esta misma diversidad, donde han florecido innumerables temas y tonos, desde lo profundamente político hasta lo profundamente absurdo, para contribuir a una franquicia que aún se mantiene fuerte.

¿Cómo puede un actor encarnar auténtica y respetuosamente a un cantante legendario de la vida real en la pantalla sin que se vea como un acto de tributo? ¿Y cómo lo hacen cuando gran parte de la vida de esa persona como artista (una vida que terminó trágicamente no hace mucho) se desarrolló frente a las cámaras, en los medios de comunicación, en entrevistas y fue capturada con teléfonos?

Esta fue la tarea encomendada a Sara Green, la coreógrafa y entrenadora de movimiento que trabajó estrechamente con la estrella de “Back to Black” Marisa Abela para ayudarla a transformarla en Amy Winehouse para la película biográfica de Sam Taylor-Johnson, que se estrena en el Reino Unido el viernes con StudioCanal ( y en EE. UU. el 17 de mayo con Focus Features). Fue una tarea que ella admite, dada la “pletora de imágenes” del fallecido ícono de la música, que fue “bastante desalentadora”.

Como era de esperar, horas de arduo trabajo e investigación fueron esenciales, ya que Abela y Green se reunieron en un estudio del norte de Londres cuatro veces por semana durante más de tres meses antes de que comenzara el rodaje en enero de 2023. Fue allí donde se unió por primera vez la Winehouse de Abela, pero más bien Más que simplemente aprender a imitar a la cantante, el objetivo principal era esconderse detrás de la famosa colmena, las pestañas y los tatuajes para comprender verdaderamente a la persona que estaba interpretando.

«Era realmente clave poder habitar a Amy desde adentro hacia afuera», dice Green. “No estamos tratando de personificar a Amy. No estamos tratando de copiarla. Queremos entender por qué se mueve como lo hace”.

Para hacer esto, los dos se sumergieron profundamente en todo lo relacionado con Winehouse, explorando todo lo que podría haber influido en ella, incluido dónde pasaba el rato, qué le gustaba, qué comía, qué no comía y qué vestía. «Era un poco como ser detective», dice Green. «Estás investigando a alguien y reconstruyendo por qué hizo las cosas que hizo y por qué se movió de la manera en que lo hizo».

Cuando las cámaras empezaron a grabar “Back to Black”, ella dice que su trabajo de tres meses en Winehouse equivalía a una “tesis” sobre la cantante. “En ese momento Marisa probablemente conocía a Amy mejor que nadie”, dice Green.

Aunque la carrera de Winehouse lamentablemente se vio truncada por una intoxicación por alcohol a la edad de solo 27 años en 2011, su presencia en el escenario y su estilo se volvieron casi tan instantáneamente reconocibles como su voz. Pero eso no quiere decir que no haya cambiado, a veces dramáticamente, incluso en el tiempo relativamente corto que estuvo grabando. Y con la película biográfica que muestra su meteórico ascenso desde una talentosa cantante de pub hasta su exitoso álbum debut “Frank”, pasando por el reconocimiento mundial y el éxito ganador de múltiples premios Grammy con “Back to Black”, esto también fue algo que Green y Abela tuvieron que tomar en cuenta, altamente. cuenta detallada.

«Creo que lo interesante de la etapa de ‘Back to Black’ de Amy es que no fue algo que se introdujo físicamente en ella, sino que fue una transformación muy radical», dice Green. «Eso hizo que su postura se endureciera, la vemos perder cada vez más peso y lo vemos en su físico, y de repente se vuelve mucho más ligera, casi flotando lejos del suelo».

Y luego está el famoso pelo de colmena, cuyo peso en una figura tan delgada también tenía una influencia significativa en su forma de moverse. «Esto significaba que realmente tenía que sostenerse con una enorme cantidad de fuerza», dice Green, quien añade que, cuando Winehouse pasó de usar zapatillas de ballet a usar tacones altos, tuvo que «poner todo su peso en el centro de su cuerpo para intentarlo». y mantener el equilibrio”.

Como también señala Green, esta mirada más tensa y retraída en comparación con la fluidez de sus años anteriores también refleja los intentos de Amy de «intentar contener las dificultades por las que está pasando».

Estas dificultades son el foco de gran parte de la segunda mitad de “Back to Black”, en la que Winehouse hace malabares con el resplandor de ser una estrella discográfica y una celebridad fenomenalmente exitosa con sus propias luchas internas sísmicas.

Al retratar temas tan profundamente sensibles, Green y Abela optaron simplemente por concentrarse en las cosas pequeñas.

«El único villano realmente en esta película es la adicción», dice Green. “Y los efectos en su cuerpo fueron realmente crudos. Así que nuestro trabajo era mostrar esos efectos de la forma más honesta posible, manteniendo al mismo tiempo la mayor cantidad posible del poder de Amy. Incluso en esos últimos años, ella seguía siendo decidida, todavía era poderosa, sabía lo que quería y fue tras ello”.

Green está representado por Casarotto Ramsay & Associates.

Leonardo DiCaprio y la última modelo de 25 años de su vida, Vittoria Ceretti, siguen fuertes. ¡Hurra! De hecho, aunque comenzaron a salir “exclusivamente” en noviembre, ella ya lleva un anillo brillante en su mano izquierda. En fotos publicadas por “Page Six”, se puede ver a DiCaprio y Ceretti pidiendo comida en un puesto de tacos. Su mano izquierda está sobre su hombro y hay un gran anillo en su tercer dedo. Esta, por supuesto, es la inyección de dinero de los paparazzi.

Pero no creeré que DiCaprio realmente se va a casar hasta que vea las borrosas tomas de drones de una extravagante ceremonia en el Lago Como. Probablemente estos dos no estén comprometidos, pero hay algo mucho más urgente que tenemos que discutir. ¿Cuántas manos se necesitan para que una persona le dé un mordisco al burrito de su novio?

Si revisas las fotografías de Papanicolaou de la cita para almorzar de la pareja, te toparás con una en la que Leo le está dando a Vittoria un bocado de su comida. Tiene las manos encima y parece un agarre bastante estable. Pero luego notarás que sus manos también están sobre el burrito. Tal vez piense que sus manos jóvenes no podrían sostener el peso de una tortilla de harina.

Me siento un poco mal por Vittoria aquí. Realmente acertó en la toma en la que mostró el anillo (entrenamiento de modelo), solo para ser recompensada con una foto en la que parece como si un viejo extraño con barba de chivo le estuviera enseñando a comer. ¡Dale un poco de dignidad, Backgrid!