Hubo un tiempo en que Bart Simpson era visto casi como una amenaza nacional para corromper a la juventud. Sus eslóganes estaban escritos en todo tipo de ropa, especialmente su expresión de «no tengas vaca, hombre». La actriz de doblaje Nancy Cartwright, quien ha dado voz a Bart desde sus inicios en los cortos de Tracey Ullman a fines de la década de 1980, reveló que el origen de esa frase en particular estaba ligado a sus días en la banda de música en la escuela secundaria.

Responder preguntas de los fans y contar datos divertidos sobre GorjeoCartwright explicó que la línea fue improvisada mientras pensaba en algo que solía hacer mientras tocaba la trompeta.

«Era la escuela secundaria. Yo estaba en la banda de música. Era líder de escuadrón. Tocaba el trompetista. Y estábamos marchando [and screaming] ‘¡comete mis pantalones! ¡Cómete mis pantalones cortos!'», dijo. «[There were] ¡200 de nosotros decimos que te comas mis pantalones cortos! Años más tarde, en una lectura de Los Simpson y esto estaba justo en lo más alto de mi cabeza. Fue una improvisación que Bart gritó, y todos… ¡fue como BAM! Lo encerré. Y ese se convirtió en el primer eslogan de Bart».

La frase se puede escuchar en el segundo episodio del programa, «Bart The Genius». Bart se volvió tan sinónimo del dicho que fue una de las dos únicas líneas de audio incluidas en el videojuego Los Simpson: Bart contra los Mutantes Espaciales, siendo la otra «Cool Man».

Durante mucho tiempo se especuló que el creador de Los Simpson, Matt Groening, obtuvo esta frase del rebelde fumeta John Bender (Judd Nelson) en el clásico de John Hughes de 1985, The Breakfast Club. Esa teoría aparentemente fue respaldada por el uso que hizo Groening del apellido del personaje para la malhablada amenaza mecánica de Futurama. En otra conexión extraña, «¡Cómeme mis pantalones cortos!» También lo exclama un personaje principal en la película Maximum Overdrive de Stephen King de 1986, coincidentemente protagonizada por la voz de Lisa Simpson, Yeardley Smith.

Luca Guadagnino cree que los espectadores respaldarán su película de Zendaya Retadores porque ofrece “un canon de la comedia de la época dorada de Hollywood: diversión seductora con carácter queer”. La “gran venta” de la película es una toma de Zendaya, Mike Faist y Josh O’Connor besándose en varias configuraciones.

Retadores se está estableciendo como una “película de citas” de la Generación Z, con un 75% de audiencia femenina, en su mayoría menores de 24 años. Su potente campaña en las redes sociales desencadenó un fin de semana de estreno de 25 millones de dólares a nivel mundial, desafiando el letargo de taquilla previo al verano.

La película también ha sido bien recibida por los críticos de la Generación Z que son fieles a su léxico de la crítica cinematográfica: los personajes masculinos se consideran «heteroflexibles», las mujeres «poliamorosas», etc.

Fue una sorpresa para sus fans que Guadagnino, un cineasta italiano, se propusiera hacer una película deportiva ambientada en Estados Unidos (no es un aficionado a los deportes) sobre un mundo del tenis al que era ajeno. Como ocurre con sus otras películas, la narrativa de Guadagnino tiende a moverse frenéticamente entre sectores de las carreras de sus personajes.

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Zendaya es elegida como una hermosa y talentosa estrella del tenis que, marginada por una lesión, se convierte en entrenadora de su apuesto esposo, animándolo a desafiar a un rival igualmente apuesto que resulta ser su ex amante.

No es sorprendente que haya problemas. En entrevistas, Guadagnino explica que quería construir “un triángulo” que recordara el trabajo de Billy Wilder o Ernst Lubitsch. «El triángulo no se trata sólo de tres personas, sino de que las esquinas se toquen», afirma. En cuanto a Zendaya, “su motivación no es producto de diversión erótica: los está empujando a ser mejores personas”.

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Si las relaciones en Retadores Parecen complejos, también lo son las exigencias técnicas. Rebelándose contra los “ángulos de cámara estáticos” típicos del metraje de tenis, Guadagnino experimenta con tomas desde debajo de la red, así como con perspectivas en las que la cámara es la pelota que se precipita sobre la red.

El cineasta incluso toma prestado de su compatriota Michelangelo Antonioni, cuyos personajes en Explotar juegan al tenis fantasma, imitando sus raquetas y pelotas.

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Como en Llámame por tu nombre, protagonizada por Timothée Chalamet, Guadagnino ha seleccionado para Zendaya una joven estrella cuya presencia domina incluso aquellas escenas en las que ella está ausente. Se catapultó de papeles de adolescente en Disney Channel a la provocativa película ganadora de un Emmy. Euforia.

Ambiciosa por alcanzar el estrellato cinematográfico, supuestamente participó activamente en el casting y el rodaje. Retadoresinstando a su director a contratar al actor británico O’Connor (Príncipe Carlos en La corona) para jugar contra el rival. Faist (Riff en la película de Spielberg) West Side Story) es elegido como el marido.

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Voluntad Retadores ¿Experimentar una mejora en la taquilla? Los gurús de los medios insinúan que las películas “frontales” se han estado calentando últimamente: observe la recepción quemadura salada o Cosas pobresjunto con proyectos como Sin resentimientos y Nadie mas que tu que también reflejan una oportunidad libidinosa.

Es probable que sus esfuerzos reciban el apoyo de los nuevos comentaristas de la Generación Z.

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«Esa película fue idea del presidente, no mía, pero fue una exigencia, no una sugerencia».

El orador fue Jack Warner en un presagio de 1947 de su estilo Donald Trumpiano. Recordé sus comentarios esta semana mientras conducía hacia el estacionamiento de Warner Bros, el legendario estadio donde Warner reinó durante mucho tiempo.

En su apogeo, Warner era un pre-clon de Trump en términos de temperamento y retórica: un hombre que se jactaba de su agudeza mental pero, para los actores poderosos de Hollywood, en ocasiones parecía desquiciado.

Estuve visitando Warner Bros esta semana para pasar un tiempo con David Zaslav, una figura que, en temperamento y política, es el espejo opuesto de Warner pero cuyo imperio es, no obstante, producto de la visión errática de Warner. Algunos creen que el estudio de Zaslav (Hollywood en general) aún podría extraer algo de información de las idiosincrasias de su fundador.

Warner, un inconformista en su carrera, promovió películas de gánsteres como Enemigo público o pequeño césar a su audiencia de entradas de la era de la Depresión y fomentó Casablanca en 1942, cuando los cinéfilos querían olvidar la guerra. Compró los derechos de Mi Bella Dama en 1964, cuando las películas musicales estaban muriendo (funcionó) y, desde el principio, construyó Rin-tin-tin en un éxito de taquilla aunque odiaba a los perros.

Incluso podría haber votado a favor oppenheimer (vea abajo).

Jack Warner, un republicano incondicional, se peleaba a menudo con el presidente Franklin Roosevelt, llamaba “tonto” a Winston Churchill y aportaba alegremente 40.000 dólares en honorarios de abogados para rescatar a Errol Flynn (estrella de Capitán sangre) de cargos de violación.

Los frecuentes discursos de Warner en banquetes inspiraron a su amigo Jack Benny a observar: «Debe estar improvisando porque ningún escritor profesional crearía esa mierda». Al menos en dos ocasiones, Warner entregó aceptaciones de premios que no había ganado.

Jack Warner nunca conoció a Zaslav, pero habría admirado su decisión de celebrar el centenario del estudio. La propia autobiografía de Warner de 1975 se tituló de manera optimista Mis primeros cien años en Hollywood (murió tres años después de su publicación).

Warner luchó amargamente con los jefes de estudios rivales, pero de vez en cuando apoyó sus decisiones aberrantes, como cuando Harry Cohn de Columbia pagó a gánsteres para reprimir una huelga que el sindicato nunca tuvo la intención de lanzar. También felicitó a Louis B. Mayer por sermonear periódicamente a sus jóvenes jugadores contratados sobre las virtudes de la política conservadora de “derecha dura”.

Sin embargo, los zares de los estudios rivales se volvieron contra Warner cuando éste se acobardó ante los críticos rojos en las audiencias de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes de 1947. Inicialmente, los jefes del estudio intentaron obstaculizar a los congresistas hasta que Warner entró en pánico y comenzó a “nombrar” a supuestos comunistas a quienes había identificado y despedido: una lista distinguida de directores y escritores.

Una de las razones de su pánico fue el inminente lanzamiento de Warner Bros titulado Misión a Moscú, que adoptó una actitud amistosa hacia los líderes rusos que luchaban por crear una democracia. Por temor a la presión del Congreso, Warner argumentó que había liberado Misión a Moscú sólo porque la Casa Blanca lo había “exigido”, afirmación que el presidente Roosevelt refutó airadamente.

Dados sus instintos trumpianos, Jack Warner nunca habría entendido a Zaslav a nivel personal, pero habría admirado su estilo y sofisticación financiera. Un joven Warner había acogido con agrado innovaciones como el cine sonoro, pero luego quedó desconcertado por la adopción de la televisión por parte del público en los años 50 y 60. Rechazó ofertas de jóvenes conglomerados emergentes como Steve Ross o Charles Bluhdorn, que proponían vincular a Warner Bros con empresas de medios diversificadas o proveedores de vídeo.

Finalmente vendió el control del estudio en 1966 a una entidad relativamente menor llamada Seven Arts, y se jubiló formalmente poco después. Aunque desconfiaba de los periodistas, Warner me llamaba cuando yo era un joven reportero en el New York Times y charlar alegremente sobre la rendición de Hollywood.

Los estudios habían perdido su sentido de agudeza, argumentó; estaban haciendo «películas con mensajes» groseras como Vaquero de medianoche en lugar de intentar encontrar un nuevo Enemigo público. O al menos entrenar a un nuevo Rin-tin-tin.

A Warner le hubiera encantado asistir a los Oscar de este año, siempre que lo hubieran invitado a dar un discurso. Incluso podría haber votado a favor oppenheimer, admirando su narrativa pero criticando su duración. “Creo en los recortes ajustados”, me dijo. “A menudo echaba a los directores de la sala de edición. Incluso Orson Welles”.

«No inspirado.» «Nunca se incendia». “No memorable”.

El fin de semana pasado estuve revisando reseñas como primer paso en mi misión de redescubrir el hábito de ir al cine. Con Barbenheimer finalmente detrás de nosotros (bueno, casi), decidí ver tres películas nuevas en días sucesivos; sí, comprar entradas e ir al cine.

Pero primero vienen los críticos: supuse que sus críticas serían tibias (extractos arriba). Los resultados de taquilla durante el fin de semana del Día de los Presidentes fueron los más bajos en 23 años, un 17% menos que hace un año, lo que no es un buen presagio. Si hay algunas películas nuevas prometedoras, ¿por qué se están estrellando contra la pared?

Aquí tienes una pista: ¿recuerdas las aperturas amplias y los rumores? Bueno, bienvenidos a la nueva era del silencio: los nuevos lanzamientos son recibidos por el sonido del silencio.

De todos modos decidí ser decidido. Estoy comprando boletos.

Alerta de spoiler: disfruté mucho de mi aventura cinematográfica. Pero parece haber un colapso total en la forma en que nos comunicamos unos con otros sobre la experiencia. Y será mejor que averigüemos cómo resolverlo, o terminaremos terminalmente conectados a Netflix en nuestros sofás.

Mi nuevo mantra: ignora a las críticas y comprométete con un trabajo de detective. ¿Cuándo y dónde se estrenarán estas nuevas películas semisecretas? ¿Cuáles son los calendarios de lanzamiento? ¿Estarán transmitiendo? Sin duda, todo estará sujeto a cambios: al igual que con las citas médicas, debe verificar antes de comprar su boleto.

El resultado: de las tres películas que encontré esta semana, todas recibieron críticas mixtas a malas y un marketing flácido. Al final resultó que, me gustaron los tres (mucho), pero cuando se lo conté a mis amigos, recibí miradas escépticas. ¿Tu pagaste? ¿Te gustó? Necesitas ayuda.

Uno era francés (Una muestra de las cosas), un segundo alemán (La sala de profesores) y el tercero semi-jamaiquino (Bob Marley: Un amor). Ninguno obtuvo elogios de la crítica y podría decirse que no lo merecía. Cada uno tenía serios defectos en la estructura y la narrativa, pero cada uno merecía un mini-rave de la audiencia.

El sabor de las cosas es una profunda aventura gastronómica, pero también una conmovedora historia de amor protagonizada por Juliette Binoche (antes se llamaba Olla al fuegopero las películas francesas siguen cambiando de título). Sala de maestros (un título tipo “manténgase alejado”) es un thriller tenso en un entorno inesperadamente intrigante y con un mensaje contundente. Bob Marley: Un amor es un sueño febril jamaicano confusamente construido y dedicado a quienes veneran el reggae de Marley y su búsqueda (murió en 1981).

Técnicamente, los tres reflejan sus orígenes mosaicos de bajo presupuesto. Ninguno inspiraría el tipo de “cita de dinero” que desencadena un éxito: los críticos reservan sus elogios para apuestas más seguras, como películas artísticas de Chris Nolan o Martin Scorsese de 200 millones de dólares.

Por desgracia, los tres también representan el tipo de cine que inspira a los críticos a demostrar que son más inteligentes que los realizadores. “Un amor toma la imagen de Marley de plana a lenticular”, dijo Los New York Times reseña de Amy Nicholson «Si nunca pudiste ver a Marley, este es un excelente simulacro». Sin duda, los “simulacros” constantemente invitan a débiles retornos de taquilla.

Katie Walsh en el Los Ángeles Times lamenta que la película de Marley “cae en la temida trampa del cliché biopic musical” y “carece de la esencia de Marley”. Pero en otra parte de ese periódico llega la noticia de que Un amor es una sorpresa mundial de más de 80 millones de dólares. A pesar del desdén de la crítica, la película atrajo tanto a los niños como a los compradores de entradas geriátricos.

Mientras tanto, otros grandes lanzamientos de estudio fracasaron. señora web de Sony, sobre un personaje de Spider-Man, está encerrado en el sótano del superhéroe, y argylle, un thriller de Apple de 200 millones de dólares, tampoco logró encenderse. Incluso el inventario de trailers de esta semana parecía patético: Duna: Segunda parte parecía francamente solitario en la pantalla, un recordatorio de que el número de estrenos amplios estará muy por debajo de la marca de 110 del año pasado, cuando Avatar: El camino del agua causó un chapoteo.

Entonces, ¿qué está pasando? La desconexión de la distribución parece tan urgente como la crítica. Pero aquí está el pequeño y sucio secreto: hay algunos muy buenos “durmientes” por ahí, escondidos entre la maleza cinematográfica. Es una búsqueda: personalmente, planeo seguirla.

Los recordatorios son implacables, pero la misión no es nada emocionante: la votación de la Academia es “obligatoria” para los miembros esta semana. Es hora de conjurar esas listas de «mejores».

Vale, respeto el ritual pero, sinceramente, mi atención está a la deriva. En lugar de crear más listas de Barbenheimer, puedo decidir comprar una entrada para un Juego del Calamar en vivo. O atrapar a los monstruos que gritan en un Cosas extrañas espectáculo. O compartir alguna terapia de inmersión con mis hijos visitando Stars Wars: Galaxy’s Edge o El mundo mágico de Harry Potter. O incluso visitar The Sphere antes de que sucumba a las leyes de la probidad financiera.

Mientras el cine se desvanece y los streamers luchan, el nuevo y valiente mundo del “negocio del espectáculo experiencial” ofrece un alivio bienvenido. Además, ese es el universo que las megaempresas ahora están empeñadas en capturar.

Como incluso el alguna vez aburrido Economista Como dice: «Los estudios están ideando formas novedosas de absorber la demanda de experiencias en vivo». Esa es una señal para que los fans abandonen sus sofás porque “quieren más y comerán cualquier cosa que les sirvan”, como reconoce el principal ejecutivo de marketing de Netflix. Eso significa incluso comer en un restaurante con temática de Batman.

¿Está extinto el cine? No, pero cada vez es más fácil tentar a los compradores de entradas a descongelarse en Congelado (versión teatral) que emitir votos por películas con títulos arcanos como Ficción americana.

Sin duda, hubo momentos pasados ​​en los que las intrigas de la campaña de los Oscar en sí mismas proporcionaron un gran teatro: veamos el infame dualismo entre Salvando al soldado Ryan y Shakespeare enamorado.

Whoopi Goldberg en los Oscar de 1999 dijo: «Hollywood ahora ha luchado en la Tercera Guerra Mundial sobre la Segunda Guerra Mundial»; se refería a la victoria de Harvey Weinstein sobre la película de Steven Spielberg. En esa época, los votantes del Oscar confundieron a su audiencia televisiva cada vez más reducida al respaldar «mejores películas» como Chocar y hombre pájaro – películas que nunca invadieron la conciencia de los espectadores.

La jerarquía de la Academia en aquel entonces estaba furiosa contra las fiestas lujosas (terminaron) y los productos rivales que hablaban mal (Harvey todavía está en la cárcel). Los estudios de hoy son más discretos y recuerdan amablemente a los votantes que su producto es más noble (Rustin) o más inspirador (nyad) o simplemente más excéntrico (Cosas pobres).

Además, las principales empresas de hoy están explorando una agenda aún más compleja: su audiencia, que se quedó dormida durante el Covid y se rebeló contra el costo creciente de las guerras del streaming, en realidad puede anhelar experiencias en vivo. Incluso si eso significa parques temáticos.

Disney continúa añadiendo y embelleciendo sus cinco parques temáticos, que contribuyeron con 9 mil millones de dólares en ganancias operativas, mientras que su negocio de streaming perdió 2,5 mil millones de dólares. Los planes de «experiencia» de Universal son igualmente, si no más, expansivos e inmersivos; como lo demuestran sus ambiciosos proyectos en Londres.

En resumen, los consumidores parecen dispuestos a gastar 39 dólares y hacer fila para vivir una aventura con calamares vivos, conscientes de que esos guardias desagradables con máscaras extrañas y trajes deportivos pueden estar acercándose a ellos.

Después de todo, es «experiencia». Y los saca del sofá.

“¿Por qué esto es como un oscuro secreto? Es sólo una película”.

Ryan O’Neal, que murió esta semana a los 82 años, era un hombre inteligente y bondadoso que estaba desconcertado por las contradicciones de Hollywood. Mientras esperaba nerviosamente la liberación de Historia de amor Hace cinco décadas, respetaba su manto de silencio, pero también estaba perplejo.

“Historia de amor está en su propia lista negra, pero no entiendo por qué”, observó.

La película, por supuesto, fue el éxito sorpresa del año, pero incluso el best-seller en el que se basó apareció de repente en la lista de «no hablar».

¿Por qué el misterio?

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Alrededor de 1970, Hollywood era una ciudad pequeña comparada con el mundo de Amazon y Apple de ese momento, y Historia de amor Había sido predeterminado como una vergüenza. Todos los estudios habían rechazado el guión y aparentemente todos los actores «dinero» habían rechazado el papel principal. El director original de la película se había marchado, diciendo que el guión era «insustancial». Su autor había negado su crédito. El director ejecutivo corporativo de Paramount había ordenado que cada dólar gastado por encima de su presupuesto de 2 millones de dólares saliera del sueldo del jefe de su estudio.

Al propio O’Neal le habían dicho que se volvería a filmar su escena clave con su coprotagonista Ali MacGraw. También había sido reescrito con la influencia de una nueva partitura.

O’Neal había pasado cinco años relativamente plácidos haciendo Lugar Peytonpero su cambio a los rasgos ahora parecía una táctica arriesgada.

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Por supuesto, Historia de amor convertiría a O’Neal en una estrella y daría lugar a papeles para cineastas como Stanley Kubrick y Peter Bogdanovich, entre otros.

Los obituarios de O’Neal sugieren que consiguió el Historia de amor parte después de una intensa ronda de audiciones. De hecho, O’Neal lo tomó como un “trabajo”, y su nuevo director, Arthur Hiller, un tranquilo canadiense, aceptó utilizarlo porque se había quedado sin opciones y se avecinaba una fecha de inicio.

Su coprotagonista, MacGraw, había aceptado el casting, pero carecía de aprobación y había complicado el proceso de toma de decisiones por su relación sorpresa con Robert Evans, el jefe de producción.

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En medio de la confusión, nadie había dado luz verde oficial, así que yo, como principal subordinado de Evans, revisé todo el papeleo para que nadie se diera cuenta.

Además, con todos sus defectos, Historia de amor representó una contraprogramación efectiva para los varios aspirantes Jinete facil sucesores en preproducción. Un romance entre un chico rico y una chica pobre parecía una buena respuesta a Vaquero de medianochey el conmovedor guión tenía su propia influencia sutil que los acosados ​​departamentos de historia habían pasado por alto.

Pero Historia de amor Tuvo que sobrevivir a una reacción en cadena de desdén por parte de los snobs de la historia. Su autor, Erich Segal, decidió renunciar al crédito hasta que su novela llegó a la lista de los más vendidos. Escribir una novela basada en el guión fue en realidad idea del estudio, no de Segal, y el estudio promocionó mucho el libro. Segal, que alguna vez fue el profesor tímido, descubrió que le gustaba hacer el programa Today y Johnny Carson. Pero como también enseñaba clásicos en Yale, sentía que perdería su trabajo ahora que se había convertido en un escritor «pop».

Estaba en lo cierto. Fue efectivamente despedido cuando Yale se negó a retomar su puesto. Segal se mudó al Reino Unido y ganó mucho dinero con las secuelas de Historia de amor y otras películas (Submarino amarillo era uno).

Hollywood fue bueno con él, reconoció, pero era una relación difícil.

Cuando Barbra Streisand entregó sus memorias de 992 páginas a su editor en Viking a principios de este año, ¿alguien la instó a eliminarlas? ¿Incluso suavemente?

No es que hubiera servido de nada, porque Streisand tiene mucho que decir y su obra fue calificada de “agotadora, extática e innegablemente conmovedora” por el público. Neoyorquino esta semana.

Streisand no ha cambiado. En su primer día de rodaje. En un día claro puedes ver para siempre (1970), cuando su director Vincente Minnelli gritó “corten”, ella sacudió la cabeza y dijo que tenía intención de continuar.

Minnelli había hecho grandes películas como Un americano en París y gigi e incluso había sobrevivido trabajando (y estando casado con) Judy Garland. «A Minnelli no se le dice ‘no'», advirtió a Streisand el legendario escritor Alan Jay Lerner (Mi Bella Dama).

Ninguno de los dos había aprendido todavía la lección de Barbra. Tampoco su agente, Sue Mengers, quien más tarde intentó disuadirla de dirigir y protagonizar yentl. El concepto de una película sobre una niña shtetl disfrazada de un niño de una ieshivá que estudia la Torá parecía exagerado.

Ella lo logró de todos modos; Mengers fue despedido. La película encontró su público.

Entonces, ¿por qué Streisand, de 81 años, y sus memorias, Mi nombre es barbara¿Todavía llama nuestra atención? La respuesta, como nos recuerda Rachel Syme en el Neoyorquino: “Barbra es una diva que vive en un mundo muy diferente al resto de nosotros y tiene un sentido de escala diferente”.

Ella reside en un edificio en expansión que es más un centro comercial personal que una casa, lleno de artefactos que la estrella no venderá ni entregará. Simplemente codicia cosas, como sus fans la codician a ella.

Nota personal: A lo largo de los años, mis encuentros con Streisand, sociales y profesionales, han sido a la vez amistosos y polémicos. Le encanta tanto comer como discutir. Ella es una gran compañía y también lo son sus memorias.

Se publica en un momento en el que el autoescrutinio de las celebridades ha abarcado a Britney Spears, Jada Pinkett Smith, Sylvester Stallone y el Príncipe Harry. Sus memorias han sido a la vez autopromocionales y autoflagelantes, pero sólo Streisand escribiría una ella misma y la acompañaría con una versión en audio de 48 horas.

Sin duda, tiene motivos para celebrar sus triunfos, teatrales (Chica divertida), cinematográfico (Tal como fuimos) o musical (Vive en el Bon Soir, un álbum en vivo). También puede relatar con calma sus fracasos y vergüenzas.

Su urgente deseo de protagonizar una versión cinematográfica de Chica divertida fue rechazada por Paramount cuando su entonces director ejecutivo, Charles Bluhdorn, declaró que “ninguna película con una estrella judía podría tener éxito internacional”. Columbia lanzó con gratitud la exitosa película.

Fiel a su carácter, Streisand, años más tarde, lucharía estudio tras estudio para conseguir yentl ante las cámaras. Incluso discutió con el equipo de marketing de MGM porque, como ella dijo, “la campaña de la película la hacía parecer demasiado judía”.

En un día claro en 1970 fue un anticipo apropiado de su brillante, aunque conflictiva, carrera cinematográfica. Su director, Minnelli, era un hombre bastante remoto que no agradecía las opiniones de la joven estrella: su personaje supuestamente estaba recibiendo terapia con un elegante psiquiatra, interpretado por Yves Montand.

La película fue sólo un éxito modesto. En su revisión, el New York Times Le preocupaba que Streisand «era demasiado grande para las películas o incluso para la vida».

Logró tener éxito en ambos aspectos.

Habiendo ganado un Oscar por su valiente primera película sobre un asesinato por venganza, la segunda película de Emerald Fennell, que se estrena esta semana, nos recuerda que ella no cree en finales felices. quemadura salada trata sobre un estudiante universitario vengativo que aspira a un número de muertos aún mayor.

¿Por qué querría esta joven y carismática actriz británica convertirse en la decana del cine oscuro?

No es que esté a la deriva en la oscuridad del cine independiente. quemadura salada está financiado por Amazon MGM Studios y Warner Bros International distribuye en el extranjero. Y su coproductora es Margot Robbie, la Barbie efervescente que hizo que el mundo parpadeara de color rosa.

Fennell, como Greta Gerwig, quien dirigió BarbieEs una actriz mega talentosa que también logró dar en el blanco como cineasta. Antes BarbieGerwig creó un conmovedor drama entre madre e hija. dama pájaro y luego adaptado y dirigido Pequeña mujer que obtuvo seis nominaciones al Oscar, incluida la de Mejor Película.

Por el contrario, la primera película de Fennell, Mujer joven prometedorase presentó como una “película de citas” convencional hasta que los espectadores descubrieron que su astuta heroína, interpretada por Carey Mulligan, tenía motivaciones más complejas (Fennell la llama su “película de vampiros”).

El circuito de premios siempre ha codiciado intenciones oscuras y, por lo tanto, Fennell quedó prácticamente enterrado en estatuillas: cinco nominaciones al Oscar más premios BAFTA, Globo de Oro, WGA y PGA e innumerables homenajes en festivales.

Ahora viene quemadura salada cuyo protagonista es un estudiante de Oxford aparentemente benigno de una familia rota que venera a un clan británico de clase alta enormemente rico aunque idiosincrásico.

Los británicos ricos no sólo le dan la bienvenida sino que prácticamente lo adoptan, antes de despertar a sus estrategias más oscuras (alerta de spoiler: esta es una película de Fennell).

quemadura salada es apasionante, sexy y diabólicamente oscuro. Mulligan incluso interviene brevemente como un borracho enloquecido y de pelo llameante.

¿Se pretende que sea una feroz cesión de la riqueza heredada por los británicos? Los cinéfilos estadounidenses pueden encontrar los personajes y sus diálogos desafiantes, hasta el punto de que los subtítulos ocasionales pueden ser bienvenidos.

Pero Fennell, al igual que Gerwig, claramente ha hecho un uso astuto de las oportunidades profesionales que se le brindaron. Se ha trasladado sigilosamente de Oxford al teatro y a la BBC, embelleciendo sus habilidades desde la actuación hasta la showrunner, desde los thrillers de espías hasta Ana Karénina – finalmente triunfando en el circuito de festivales. El éxito de Mujer joven prometedora obtuvo un codiciado puesto en Telluride para quemadura salada.

Mientras tanto, Gerwig perfeccionó su talento a través de la subcultura mumblecore de diálogos improvisados ​​y cámaras portátiles. ella coescribió Greenburg con su compañero guionista y director Noah Baumbach.

Casualmente, mientras Gerwig estaba celebrando el chisporroteo de BarbieBaumbach sobrevivió a la costosa decepción del año pasado Ruido blancoen la que coprotagonizó Gerwig.

Así, mientras la mayoría de los artistas luchan con los amplios vaivenes del éxito y el fracaso, tanto Fennell como Gerwig aparentemente han creado sus propios bastiones de autoconservación: las decanas del riesgo, tanto claro como oscuro.

Los Simpsons Actualmente está transmitiendo su temporada número 35 en FOX y recientemente celebró 700 episodios. Los Simpsons es uno de esos programas que resiste el paso del tiempo y continúa deleitando al público. Sin embargo, a medida que los tiempos cambian, el humor y las preferencias de los fans avanzan. Alguien inició el rumor de que Homero Simpson ya no estrangulará a su hijo Bart Simpson, como parte de un chiste de larga data debido a las nuevas audiencias y los tiempos cambiantes.

[UPDATE 2] El cocreador y productor de Los Simpson, James L. Brooks, dijo a People que Homero no dejará de asfixiar a Bart. «No crean ni por un segundo que estamos cambiando nada», dijo.

«Nada está siendo domesticado. Nada, nada, nada», dijo Brooks. «Seguirá siendo estrangulado…[if] quieres usar ese horrible término para ello. Su padre seguirá amándolo de una manera específica».

[UPDATE] Los productores de Los Simpson han respondido a los informes de que Homero dejará de asfixiar a Bart en Los Simpson a través de una imagen que muestra a Homero asfixiando a Bart.

«Homero Simpson no estaba disponible para hacer comentarios porque estaba ocupado estrangulando a Bart», dijeron los productores en un comunicado en las redes sociales. Una imagen mostraba a Homer estrangulando a Bart pero en lugar de decir: «¡Vaya, pequeño!». él está diciendo: «¡¡Por qué, pequeño clickbaiting !!»

La historia original sigue a continuación.

Los Simpson, uno de los programas de televisión más emblemáticos y de mayor duración de la historia, aparentemente está eliminando uno de sus chistes recurrentes más conocidos. En un episodio reciente de Los Simpson, Homero explica que ya no estrangula a su hijo Bart porque «los tiempos han cambiado».

Como parte del episodio de la temporada 35 «McMansion & Wife», que se estrenó el 22 de octubre, Homer confirma que ya no estrangula a Bart retorciendo su cuello con las manos. Homer conoce a un nuevo vecino, Thayer, y le da la mano. «¡Vaya! Eso es un gran agarre», le dice Thayer a Homer. Él responde: «Mira, Marge, estrangular al niño ha valido la pena. Es broma. Ya no hago eso. Los tiempos han cambiado».

Los productores de Los Simpson aún no han comentado oficialmente si se trata de un cambio permanente para el programa.

Como nos recuerda IGN, Homero no ha estrangulado a Bart desde un episodio de Los Simpson de la temporada 31 hace años. En un episodio de la temporada 22, «El amor es una cosa estrangulada» de 2011, Homero asiste a una «clase de enriquecimiento para padres» con la leyenda de la NBA Kareem Abdul Jabbar. Le enseña a Homer que asfixiar a alguien en realidad no es nada divertido, por lo que Homer deja de asfixiar a Bart.

El estrangulamiento de Bart por parte de Homero se remonta a décadas atrás. Se sabe que Homero estrangula a Bart cuando hace algo malo, antes del acto diciéndole: «¿Por qué, pequeño?». Homero estrangula a Bart con tanta fuerza que se le salen los ojos de las órbitas y la lengua sale de su garganta.

No se limita solo a Homero, ya que Bart estranguló a un avestruz una vez. Luego estuvo el momento en que una presidenta adulta, Lisa, estranguló al adulto Bart. En un episodio de Treehouse of Horror, Homer se clona a sí mismo y luego procede a estrangularse. Puedes ver una compilación de estrangulamiento a continuación.

Homero ya no estrangula a Bart, si es que se trata de un cambio permanente, no es la única actualización significativa del programa en los últimos tiempos. En 2020, se anunció que Los Simpson ya no utilizarán actores blancos para dar voz a personajes que no sean blancos. Los personajes que fueron refundidos incluyeron a Apu y su esposa Manjula, el Dr. Hibbert, Lou, Cookie Kwan, Drederick Tatum y Bumblebee Man, entre otros.

En enero, Los Simpson se renovó una vez más, lo que llevó el programa hasta 2025 y más allá de 800 episodios. Las temporadas 1 a 34 se transmiten en Disney Plus.