Principal de cosas que me gustan Nell renegadoEl elenco es la propia Nell. Hyland sobresale en un papel exigente como el sol alrededor del cual orbita todo lo demás. Como la luz del sol, ella mejora todo con solo estar ahí y la extrañas cuando se va. ella manda BuffyLas escenas de lucha y los acentos cómicos sin atracos ante la cámara, y su voz de Frank Butcher, su actitud práctica y su fuerza mágica la convierten en una presencia notablemente reconfortante. Crees que sería buena persona tener a Nell a tu lado.

Del lado de Nell está el duende Billy, una especie de compañero de Pepito Grillo que se desplaza en varios tamaños y que tiene tan poca idea de por qué está allí como Nell. Hay hermanas menores Roxy (Bo Bragason) y George (Florence Keen), además de Frank Dillane (La serpiente de Essex; Teme a los muertos vivientes) como el embaucador Charles Devereux, y Enyi Okoronkwo como el sirviente fugitivo Rasselas.

Definitivamente no Del lado de Nell está el siniestro conde de Poynton de Adrian Lester y los hermanos aristocráticos Thomas Blancheford y Sofia Wilmot. Ese grupo son los Slytherin de Nell y compañía, el Gryffindor, y están llenos de maldad tanto humana como sobrenatural.

En cuanto a Nell, recientemente regresó a Inglaterra desde los campos de batalla, donde perdió a su hombre y ganó un duende. Cuando la incriminan por asesinato, su pandilla se ve obligada a salir de viaje en busca de un magistrado que los escuche con simpatía. Ahí es cuando los rumores comienzan a funcionar, y Nell se transforma ante el público en un demonio gracias a chismosos, panfletos escandalosamente falsos y una balada popular conmovedora (en sus inicios, el espectáculo, inspirado en una obra de teatro que escribió Sally Wainwright). para su sociedad local de teatro amateur – se tituló La balada de la renegada Nell).

En el camino, conocen personajes coloridos, incluida la magnate de la prensa Lady Eularia Moggerhanger (Joely Richardson) y la frustrada debutante Polly Honeycombe (Ashna Rabheru). Cena del viernes por la nocheMark Heap y Médico queTambién aparece Ruth Madeley, y cada cara nueva es bienvenida.

Un jugueteo con conciencia social y mucho que decir sobre la “calidad” que abusa de los miserables, Nell renegado es un nuevo tipo de historia de Robin Hood, que se centra en un nuevo tipo de heroína histórica… aunque no es nueva para Wainwright. Nell puede ser de una clase social diferente a la versión de Wainwright de la terrateniente lesbiana Anne Lister en BBC/HBO. caballero jackpero tampoco está limitada por cómo su sociedad piensa que ella y las mujeres en general deberían comportarse.

Luc Besson perro es una película de superhéroes en busca de un cómic, lo que supone un cambio refrescante en medio de la serie de decepciones de DC del verano. Se acerca un poco al ganador del León de Oro de Todd Phillips bufón en términos de rareza y (especialmente) vestuario, pero también ofrece el escaparate perfecto para la estrella Caleb Landry Jones, quien imbuye un thriller de acción bulliciosamente loco con corazón y alma en lo que seguramente debe ser la mejor actuación de su carrera. Lo cual no es poca cosa para un actor cuyo trabajo siempre ha sido excelente y muchas veces ha pasado desapercibido.

No hay nada remotamente bajo el radar sobre perroque fusiona películas tan diversas como Impecable y Willard Con la marca registrada de Besson, un enfoque de género que permite todo. Las películas de Besson no siempre funcionan, para todos León hay un lucía – pero de alguna manera se une aquí como, juego de palabras, una historia de perro peludo contada por su héroe.

Comienza en Nueva Jersey con un bloqueo policial, donde la policía busca a un joven de unos 30 años, posiblemente armado. Detienen una furgoneta que resulta ser conducida por el propio sospechoso, un hombre en silla de ruedas que lleva una peluca rubia, maquillaje corrido y un vestido de seda rosa roto. En la parte de atrás hay una jauría de perros, de todas las razas y tamaños. “No te harán daño mientras no me hagas daño a mí”, advierte el buscado.

Sin saber qué hacer con él, la policía lo lleva a un centro de detención, donde citan a la psiquiatra Evelyn (Jojo T. Gibbs), una madre soltera recientemente divorciada con un bebé de 9 meses. Él revela que su nombre es Doug, abreviatura de Douglas. “No estoy enfermo, sólo estoy cansado”, dice, y demostrará ser un paciente muy servicial.

En sus sesiones de terapia suceden dos cosas. Una es que Doug es un niño maltratado, criado en una familia que mataba de hambre a sus perros para participar en peleas y arrojaba a su hijo en una perrera sucia con ellos después de descubrirlo alimentando a sus mascotas (curiosamente, esta parte está basada en una historia real). . Doug escapa del confinamiento cuando la policía allana su casa, pero se avecina una prisión de otro tipo cuando se ve canalizado a través del sistema de atención. Finalmente, se encuentra dirigiendo un refugio de animales, y cuando éste se queda sin beneficios estatales y tiene que cerrar, crea una «cueva para perros» secreta para él y sus compañeros caninos. Desde su cuartel general oculto, una escuela abandonada, utiliza su colección de animales para llevar a cabo una serie de atrevidas redadas en hogares ricos (“Creo en la redistribución de la riqueza”, dice más de una vez).

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Durante un tiempo, Besson simplemente se concentra en Doug; cómo se enamoró de su profesora de teatro y cómo se sintió destrozado al descubrir que, años después, ella estaba casada y embarazada. También pasa tiempo siguiendo a Doug en su búsqueda para encontrar un trabajo, siendo rechazado para todas las tareas menores imaginables, disparando desde un ángulo bajo que intensifica su humillación como hombre discapacitado. Es sorprendente, entonces, que cuando encuentre trabajo sea en una barra de arrastre; su turno como Edith Piaf cantando “La Foule” es la definición del diccionario de espectacular.

Esto, en sí mismo, es bastante intrigante, pero lo segundo que Doug le revela a Evelyn –en un estilo verdaderamente bessoniano– involucra una historia en la que Doug se enreda con un pandillero local llamado El Verdugo (“El Verdugo”), quien tiene estado extorsionando a sus amigos. Esto puede parecer una gran trama para una película de género basada en personajes, pero Besson lo maneja con notable claridad, y justo cuando uno puede empezar a preguntarse hacia dónde va todo esto, la película retrocede, de manera bastante experta, cerrando el círculo, de modo que De repente todo tiene sentido. O mejor dicho, tanto sentido como alguna vez tendrá una película con perros gangsta.

Al igual que Willard y sus ratas, las comunicaciones extrañamente específicas de Doug con sus compadres callejeros realmente no merecen mucha atención, y Besson se divierte mucho con su elenco maravillosamente diverso de varias razas y tamaños. Pero si lo sigues, perro es una rebanada de pulpa fresca e inesperadamente tierna que toma una idea simple y la trabaja al máximo. La canción de cierre, bastante apropiada para una película que no rehuye acumular exceso sobre exceso, encuentra a Piaf cantando “Non, Je Ne Regrette Rien”. Habla por Besson y Landry Jones y, por cualquiera que sea tocado por la mano de perrotambién hablará por ellos.

Título: perro
Festival: Venecia (Concurso)
Director-guionista: Luc Besson
Elenco: Caleb Landry Jones, Jojo T. Gibbs, Marisa Berenson
Tiempo de ejecución: 2 horas 10 minutos
Agente de ventas: EuropaCorp

El estilo de comedia característico de Will Ferrell está a medio camino entre odioso y entrañable, un hombre-niño ingenuo cuya energía excitable se corresponde con su intrépido desprecio por la dignidad. Cualquiera que se haya perdido esa personalidad debería encontrar algo para disfrutar en Enérgicola oferta de Ferrell para encabezar otra perenne navideña para sentarse junto a Duende. Su entrega sigue inspirada y su química con Ryan Reynolds, interpretando a la figura zalamera de Scrooge en este ajetreado riff del siglo XXI. Un villancicoTiene mucha efervescencia, aunque un supuesto romance con el personaje de Octavia Spencer no. ¿Pero la película es buena?

Eso dependerá de qué tan cerca te identifiques con el delicioso desdén de Patrick Page como el Jacob Marley traqueteante, defensor de la tradición dickensiana, que pone los ojos en blanco y pide un indulto casi cada vez que alguien se pone a cantar. Porque, sí, es un musical.

A diferencia de Marley, me encantan las películas musicales. Pero esta es una película musical hecha por cineastas: el director Sean Anders y el coguionista John Morris, que volvieron a formar equipo con Ferrell después de la la casa de Papá comedias, que parecen no tener idea de cómo funciona una película musical. Las canciones rara vez brotan orgánicamente de la narrativa, más a menudo se sienten calzadas para aumentar la emoción. Lo que los hace aún más descuidados es la coreografía de Chloe Arnold; su actuación habitual es El Late Late Show con James Corden — todo se trata del movimiento frenético, nunca de la danza como herramienta para contar historias.

Benj Pasek y Justin Paul, los colaboradores musicales detrás Estimado Evan Hansen, la la tierra y El mejor showman, son hábiles armeros, por lo que las canciones en sí mismas no son malas, incluso si el amor de los compositores por los grandes himnos enfáticos se vuelve agotador. Aparte de Page, que tiene una amplia experiencia en teatro musical, ninguno de los protagonistas realmente puede cantar, aunque se las arreglan, más o menos.

Pero los números de producción son tan frenéticos que es fácil imaginar a los espectadores avanzando rápidamente cuando la película llega a Apple TV+ el 18 de noviembre, luego de una semana en los cines, también porque esos interludios musicales infernales empujan lo que debería ser una comedia enérgica. la marca de las dos horas.

La película e incluso su título parecen una punta del sombrero para el vehículo de Bill Murray de 1988, Scrooged. Pero Ferrell renuncia a la villanía de relamerse los labios de ese legendario misántropo en favor de un papel tradicionalmente secundario, el Fantasma de la Navidad Presente. Trabajando codo a codo con Marley, Christmas Past (Sunita Mani), Christmas Yet-to-Come (Loren Woods, con la voz de Tracy Morgan) y un enorme equipo de apoyo, es parte de una gran operación, seleccionando candidatos adecuados para la redención cada temporada de vacaciones.

El «presente» está muy retrasado para la jubilación y Recursos Humanos lo ha estado presionando para que regrese a su forma humana en la Tierra y viva los años que le quedan. Pero antes de que pueda dar ese paso, Present quiere marcar la diferencia, reformando no solo a otro delincuente solitario, sino a alguien cuya crueldad tiene un alcance global. Encuentra justo al tipo en Clint Briggs (Reynolds), un inconformista de marketing sin alma que se especializa en crear controversia, conflicto y desinformación. “Alimentar ese odio” es su credo.

«¡Es como la combinación perfecta de Mussolini y Seacrest!» se entusiasma Presente. Pero Marley no está convencida y describe a Clint como «un dolor de cabeza de nivel 20» con un archivo que lo etiqueta como «Irredimible». Solo una vez antes un Irredimible ha pasado con éxito por el programa, y ​​no hace falta viajar en el tiempo a la vieja Inglaterra para averiguar quién era. Pero sabes que conseguiremos uno de todos modos.

En cada paso, Clint parece demostrar que Marley tiene razón, especialmente cuando acepta ayudar a su sobrina huérfana Wren (Marlow Barkley) a ser elegida presidenta del consejo estudiantil haciendo que su ingeniosa asistente ejecutiva Kimberly (Spencer) desenterre al popular oponente del niño. Calumniar a un niño de octavo grado es parte del día de trabajo de Clint, pero Kimberly tiene conciencia y, por supuesto, va a cantar sobre eso.

Esa canción, «The View from Here», es un ejemplo perfecto de la falta de idea de la película sobre la mecánica musical básica. En un papel que reduce su brillante don para la comedia, Spencer canta, a veces más como un graznido, sobre el dolor de Kimberly, aceptando cheques de pago y fingiendo que no le importan las vidas que está destruyendo. Es un momento íntimo de dolorosa introspección, pero Anders y Arnold tienen oficinistas dando vueltas como bailarinas de Martha Graham drogadas con metanfetamina.

Afortunadamente, eso no parece molestar a Presente, quien se conmueve con las reflexiones personales de Kimberly y se sorprende al descubrir que ella es la primera persona, además de un perpetrador, que realmente puede verlo y escucharlo. Esto sienta las bases para un romance tímido que es uno de los elementos menos desarrollados del guión de Anders y Morris.

Se da un enfoque más consistente a la determinación de Present de encontrar una grieta en la armadura cínica de Clint, siendo el área más probable su promesa años antes a su hermana moribunda (Andrea Anders). Pero Clint no se deja intimidar por Presente ni por ninguno de sus compañeros fantasmales. En cambio, les da la vuelta y encuentra un juguete particularmente maleable cuando comienza a interrogar a Present sobre su propio pasado.

este ser Un villancico, sabemos que no importa cuán intrincada se vuelva la trama, resultará con lecciones aprendidas y almas oscuras conducidas a la luz. La película presenta algunos puntos sólidos sobre cómo la cultura en línea ha fomentado una epidemia de mezquindad y cómo elegir la bondad no es un solo paso sino un proceso gradual al alcance de todos nosotros. El gran final completo, «Do a Little Good», es la mejor de las canciones y también un método de entrega efectivo para ese mensaje navideño.

La película ciertamente es lo suficientemente colorida, aunque la versión de fantasía del Manhattan navideño parece tan plana y artificial como el Londres victoriano. Todo se siente tan vivido como el escaparate de una tienda departamental, no más real que el mundo fantasma lleno de CG habitado por el equipo inquietante.

El trabajo de voz de Morgan produce algunas risas, viniendo de debajo de la capa con capucha estilo Grim Reaper de Christmas Yet-to-Come, y algunos cameos de estrellas ayudan a despertar el interés. Pero Enérgico debe su optimismo principalmente a la animada relación entre Ferrell y Reynolds, que finalmente representa la historia de amor más convincente de la película.

El truco simplista de Reynolds se moldea aquí en un A-hole impenitente e impulsado por la codicia que nunca se encontró con una situación que no pudiera manipular a su favor. Pero de alguna manera, la ingenuidad de Present descubre la humanidad residual en él.

Ferrell, que obtiene las mejores líneas, muchas de ellas simplemente descartables, es un inocente impulso hacia una crisis existencial, un lugar de caos y confusión en el que el comediante prospera. Casi podría perdonar toda la exageración musical estúpida solo por el placer de ver al antiguo espíritu Presente levantar la vista de un televisor y anunciar con una voz llena de maravilloso descubrimiento: «¡Creo que podría tener una enfermedad de Crohn de moderada a grave!»

“H2: The Occupation Lab”, un documental de los cineastas israelíes Idit Avrahami y Noam Sheizaf, narra el impacto que los colonos judíos y la ocupación militar han tenido en la ciudad palestina de Hebrón y cómo los métodos represivos de control están siendo adoptados ampliamente en otras áreas. de los territorios ocupados.

La película se proyecta en la barra lateral Border Lines del Festival de Cine de Zúrich, que muestra obras que tratan sobre conflictos territoriales y sociales y cuestiones humanitarias.

Avrahami y Sheizaf querían colaborar desde hace mucho tiempo en un proyecto sobre Cisjordania. “Ambos sentimos que la ocupación es el problema más urgente al que se enfrentan los cineastas israelíes”, dice Sheizaf.

En última instancia, fue el impactante asesinato en 2016 de un joven palestino a manos de un soldado israelí lo que llevó a Avrahami y Sheizaf a centrarse en Hebrón. Un video del incidente tomado por Imad Abu Shamsiya (en la foto) mostraba al soldado, Elor Azaria, ejecutando a Abdel Fattah al-Sharif, de 21 años, mientras yacía herido en la calle, disparándole en la cabeza a quemarropa.

“Empezamos a pensar en esto e Idit tuvo un momento de sorpresa cuando dijo: ‘La historia no es el incidente. La historia es la ubicación’”, recuerda Sheizaf. “Y comenzamos a indagar en la historia del lugar, la historia del lugar”.

Tanto Sheizaf como Avrahami también tienen conexiones personales con Hebrón. Sheizaf sirvió en la ciudad cuando era oficial del ejército israelí durante la década de 1990, mientras que Avrahami proviene de una familia que había vivido en Hebrón durante generaciones.

La película se centra principalmente en una calle que alguna vez fue bulliciosa en el centro de Hebrón y que solía estar bordeada de mercados y tiendas abarrotados, pero ahora está vacía, es un pueblo fantasma debido a las severas medidas de seguridad y la división de la ciudad que siguió a los colonos judíos que se han mudado al centro de la ciudad durante décadas.

“Este era el corazón de la ciudad”, explica Sheizaf. “Es una ciudad que es muy antigua. Hebrón existe desde hace tres o cuatro mil años”. El centro de Hebrón era comparable a los concurridos distritos del centro de otras ciudades de Asia occidental, como El Cairo o Estambul, agrega. “Era uno de esos lugares donde es casi imposible caminar por los comerciantes y el tráfico y todo eso. También había una estación central de autobuses en la ciudad que tenía autobuses a Jordania, a Jerusalén, a todas partes.

“En 50 años de control militar, el lugar ha sufrido una transformación única”, dice Sheizaf.

La película examina ese control y su impacto: cómo Hebrón se convirtió en la pesadilla distópica que es hoy: una ciudad dividida en dos sectores, H1, controlado por la Autoridad Palestina, y H2, que está bajo control israelí. H2 está además dividido por vallas, barreras y controles militares que han dejado a gran parte de la población palestina prisionera en sus propios hogares.

“Se trata de que la vida sea succionada del lugar”, dice Sheizaf. “La vida fue succionada de la calle y se convirtió en este teatro político, donde la gente habla de política y se pelea por cada metro. Este proceso es lo que queríamos mostrar”.

Hebrón está a 90 minutos en coche de Tel Aviv, pero es otro mundo. Las personas que visitan Hebrón se sorprenden y se preguntan cómo puede existir un lugar así, dice Avrahami. “Este es el lugar donde ves el apartheid en la vida cotidiana”.

“Y lo ven ahora en Jerusalén Oeste; lo ves en otras partes”, añade. “Hebrón fue el primer lugar al que los judíos entraron en la ciudad árabe y miren lo que sucedió 50 años después: los árabes están tras las rejas, encerrados, los soldados ingresan a sus hogares en medio de la noche. Lo mismo está sucediendo en Jerusalén. Lo mismo está sucediendo en otros pueblos de Cisjordania. Entonces, el método que se implementó en Hebrón ahora se usa en otras partes”.

En su investigación, los cineastas encontraron montones de material de archivo, que usaron para construir la narrativa de la película, agrega Avrahami.

También buscaron mostrar la ocupación de manera cinematográfica sin ser pedantes con el tema, señala.

De hecho, Avrahami y Sheizaf enfatizan que fueron cuidadosos en la forma en que presentaron a los colonos.

“No queríamos trivializarlos; no queríamos humillarlos en la película como lo hacen en algunas películas”, explica Sheizaf. “Estas son personas extremadamente dedicadas a esto. Pero la realidad es que viven en estas condiciones como la comunidad privilegiada. Si hay toque de queda, están exentos de él. No están bajo toque de queda. Pueden moverse libremente. Vivir en esta realidad genera mucha violencia y tensión”.

“Vemos a los colonos como un brazo del estado”, dice Sheizaf. “Como personas, son extremos, son radicales, pero no podrían haberlo hecho solos. Son un brazo del estado. Tal vez son una vanguardia, dan un paso adelante, pero el Estado los alcanza y está de acuerdo con lo que hacen y los ayuda. Si no fuera por el ejército, no se quedarían”.

Avrahami y Sheizaf firmaron recientemente la petición contra el Fondo de Cine Shomron de Israel que está limitado a los colonos judíos en Cisjordania e inaccesible para los 2,5 millones de residentes palestinos del territorio ocupado. “Firmamos la petición diciendo que no aceptaremos subvenciones de este fondo porque es un fondo de apartheid”, dice Sheizaf. Más de 300 cineastas han firmado la carta abierta.

“La ocupación es un cáncer”, añade. “Todo está contaminado, dondequiera que mires. No se trata solo de saber lo que está sucediendo en Hebrón. Si eres cineasta aquí en Tel Aviv, debes tomar esas decisiones”.

“H2: The Occupation Lab” también se proyectará en el Festival Internacional de Cine Documental DMZ de Corea del Sur, el Festival de Cine Documental Antenna en Sydney y el Festival de Cine Otro Israel de Nueva York.

En Flix Brewhouse, una cadena de cines de lujo con sede en Texas, el director de ingresos, Chris Randleman, es conocido como Mr. Sunshine.

Los últimos dos años y el cambio en el negocio de las salas de cine no han inspirado mucho espacio para el optimismo, pero Randleman sigue convencido de que los cines recuperarán su antigua gloria.

Claro, tomó más tiempo de lo que esperaba, pero las cajas registradoras están sonando nuevamente en las nueve ubicaciones de Flix Brewhouse en el sur. En junio, gracias a «Jurassic World Dominion», «Lightyear», «Elvis» y, por supuesto, el éxito perdurable «Top Gun: Maverick», el circuito acumuló su mes más exitoso en la historia de la compañía.

“Ha sido fantástico”, dice Randleman. “No solo hemos visto audiencias más jóvenes y más grandes, sino que también hemos visto el regreso de multitudes mayores”, agrega, citando “Everything Everywhere All at Once” de A24 y “Downton Abby: A New Era” como sorteos de taquilla. , además de “Top Gun: Maverick” y “Elvis”.

Para los expositores de todo el país, la alentadora ganancia inesperada ha continuado con la película animada «Minions: The Rise of Gru» de Universal, «Thor: Love and Thunder» de Marvel y el thriller de ovnis «Nope» de Jordan Peele. Sorprendentemente, la importantísima taquilla de verano ha generado $3.027 mil millones, según Comscore, colocando los ingresos solo un 17,5 % por debajo de 2019 (la última temporada de palomitas de maíz antes de la pandemia) y un 134,6 % más que en el mismo período de 2021.

Pero su actitud optimista sobre el negocio teatral está a punto de ser puesta a prueba… otra vez. ¿La mayor preocupación para Randleman y sus compañeros operadores de salas de cine? Una escasez de grandes lanzamientos para sobrellevar la canícula del verano.

“A pesar de lo maravilloso que ha sido el verano, estamos a punto de llegar a un momento de calma”, dice Randleman. “El problema no es que la gente no quiera ir al cine. No tenemos películas para mostrar en agosto o septiembre”.

Incluso en tiempos previos a la pandemia, el comienzo del otoño tiende a indicar una desaceleración en el cine. Ha habido películas exitosas en agosto, como «Suicide Squad» de 2016, «Crazy Rich Asians» y «The Meg» de 2018 y «Free Guy» de 2021, que estalló en la taquilla a pesar de haberse estrenado a fines del verano. Pero los operadores de salas de cine son muy conscientes de que se avecina la tristeza posterior a la temporada de éxitos de taquilla.

Esos temores no son nada nuevo, Andrew Elgart, quien trabaja en administración en Cobble Hill Cinema de Brooklyn.

“Agosto siempre es lento”, dice. “No es una cosa de Covid. Es un mes de altibajos”.

Aún así, ha habido un 36,5% menos de lanzamientos en 2022 en comparación con los años anteriores a la pandemia, según Comscore. Y a pesar de un puñado de lanzamientos de estudio en el calendario, hay una falta notable, y potencialmente problemática, de éxitos seguros hasta que se estrene «Black Panther: Wakanda Forever» de Marvel en noviembre. La mayoría de las películas programadas en el medio pudo convertirse en grandes éxitos, pero la mezcla de comedias y dramas, incluido el drama histórico protagonizado por Viola Davis «The Woman King» (16 de septiembre), el alucinante «Don’t Worry Darling» de Olivia Wilde (23 de septiembre) y La comedia romántica de Billy Eichner “Bros” (30 de septiembre) tendrá que desafiar las expectativas para cimentar nuevos récords de taquilla. La próxima película que potencialmente podría abrirse a $ 50 millones es el éxito de taquilla de Warner Bros. «Black Adam», una adaptación de superhéroe protagonizada por Dwayne Johnson, el 21 de octubre.

Mark O’Meara, propietario de University Mall y Cinema Arts en Fairfax, Virginia, se mantiene cautelosamente optimista.

“Espero que haya algunos éxitos durmientes”, dice. Está particularmente entusiasmado con la comedia romántica de Universal «Ticket to Paradise», protagonizada por George Clooney y Julia Roberts, que está programada para el 21 de octubre. «Esos dos son dinero», dice O’Meara.

Pero, admite, “Estoy un poco nervioso por los próximos dos meses. No necesito tener grandes éxitos de taquilla. Ayuda… pero necesitamos tener opciones”.

En Cobble Hill Cinema, Elgart dice que está particularmente decepcionado con la falta de contenido que satisfaga a las multitudes familiares. Después del estreno de “DC League of Super-Pets” a fines de julio, la próxima gran película dirigida a los niños pequeños y sus padres, un importante grupo demográfico que compra boletos, es “Lyle Lyle Crocodile” de Sony a principios de octubre. “Ojalá tengamos un par de semanas más de [playing] ‘Minions’ y ‘Super-Mascotas’”, dice.

Para complementar las películas que pueden, o no, atraer a un gran número de compradores de boletos, los propietarios de los cines dicen que hay poder en el volumen. Algunos expositores esperan, incluso rezan, que Netflix vea valor en la pantalla grande. El transmisor ocasionalmente lanza sus nuevas películas en cines selectos, pero los éxitos de taquilla de la compañía nunca se proyectan en los cines de todo el país. Eso se debe a que Netflix no ha querido adherirse a la ventana teatral tradicional, que se redujo drásticamente durante la pandemia.

«Espero con ansias lo que Netflix haga con ‘Glass Onion’, la nueva película ‘Knives Out'», dice Randleman, refiriéndose al éxito de taquilla de 2019. “Su stock no es tan alto como antes y están buscando formas de generar ingresos adicionales. No estamos buscando ventanas de 90 días para comenzar. Es dinero gratis para ellos”.

Mientras tanto, expositores como O’Meara se mantienen ocupados proponiendo nuevas ideas, como promociones y alimentos divertidos, para generar tráfico peatonal más allá de los títulos que adornan las marquesinas.

“Nunca tomamos cerveza. Ahora tenemos cerveza y horno, así que podemos hacer pizzas individuales, filetes de pollo y palitos de mozzarella”, dice. “La gente lo exigió”.

Elgart dice que Cobble Hill Cinema, que se beneficia como teatro local («a la gente le gusta estar detrás de eso», dice), mantendrá un costo de entrada razonable. Los martes y jueves el recinto mantiene los precios de matiné durante todo el día.

“Mantenemos nuestros precios lo más bajo posible. Nuestros precios de boletos son un par de dólares más bajos que los de los teatros que nos rodean”, dice. “Estamos tratando de conseguir [admissions] volver a donde solíamos estar”.

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