Si bien los Oscar de este año finalmente volvieron a su horario regular, y el almuerzo de nominados de 2023 regresó al Beverly Hilton después de una pausa que incluso precedió a la pandemia, todavía abundan ciertos cambios.

En su discurso de bienvenida, la recién elegida presidenta de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, Janet Yang, felicitó a los 182 nominados de este año que asistieron y dijo: «Siento que es importante aprovechar esta rara oportunidad mientras estamos aquí reunidos. para abordar algunos de los desafíos recientes de la Academia. El año pasado, como seguro que todos recordáis, vivimos un evento sin precedentes en los Oscar. Lo que sucedió en el escenario fue inaceptable y la respuesta de la organización fue inadecuada”.

Yang continuó: “Aprendimos de esto que la Academia debe ser completamente transparente y responsable de nuestras acciones, y particularmente insistir en actuar con rapidez, compasión y decisión, para nosotros y para nuestra industria, no debe ni puede esperar menos de nosotros. adelante.»

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Aunque su discurso recibió aplausos, algunos invitados admitirían más tarde en privado que ni siquiera se dieron cuenta de que Yang estaba haciendo referencia al infame incidente de la bofetada, donde el ganador del premio al Mejor Actor, Will Smith, irrumpió en el escenario para golpear al presentador Chris Rock por una broma que le había hecho a su esposa Jada Pinkett. expensas de Smith.

Al regresar al podio para presentar al productor y gobernador general Devon Franklin, quien hizo una lista impecable de todos los nominados presentes para la foto de la clase anual, Yang recibió el mayor aplauso cuando dijo: “Hemos trabajado muy duro para presente todos los premios en vivo en el programa de este año”. Todo un alivio para los cortometrajes nominados que asistieron, quienes estuvieron entre las categorías el año pasado que se trasladaron a una ceremonia pregrabada que se mostró en clips a lo largo de la 94.ª transmisión de los Oscar.

Imágenes de Frazer Harrison/Getty

Al escuchar cada nombre, el juego siempre se convierte en «¿Quién recibe más aplausos?» La respuesta: «Todo en todas partes, todo a la vez». Desde la nominada a Mejor Actriz de Reparto, Jamie Lee Curtis, que fue el primer nombre mencionado en las bandas, hasta la Mejor Actriz, Michelle Yeoh, e incluso el productor Jonathan Wang, la sala mantuvo la mayor energía para los cineastas detrás de la comedia dramática multiversal de A24, una favorita inesperada.

Aún así, los aplausos dieron poca indicación de quién es exactamente el favorito entre los votantes del Oscar que asistieron, pero los nominados a Mejor Actor, Colin Farrell («The Banshees of Inisherin») y Austin Butler («Elvis»), recibieron una respuesta enérgica cuando los llamaron a la sala. escenario. Mientras tanto, los asistentes que parecieron recibir un gran aplauso solo porque fue una sorpresa que asistieron al evento fueron la artista Nan Goldin, tema del candidato a Mejor Documental «All the Beauty and the Bloodshed» y «Top Gun: Maverick». productor/estrella Tom Cruise.

Richard Harbaugh / ©AMPAS

El actor no ha estado en el circuito de premios debido a varios proyectos próximos, como dos nuevas secuelas de «Misión: Imposible», por lo que cuando ingresó al International Ballroom del hotel, apenas pudo avanzar un par de metros antes de que todos los candidatos a Mejor Actor de Reparto. Desde Ke Huy Quan (“Everything Everywhere All at Once”) hasta la candidata a Mejor Actriz de Reparto Angela Bassett (“Black Panther: Wakanda Forever”) se detuvieron a su lado para saludarlos y tomarse fotos.

El cineasta Guillermo del Toro, nominado a Mejor Película Animada por “Pinocho de Guillermo del Toro”, optó por ir directamente a las mesas, en lugar de ser aplastado en el área principal de reunión. Primero conversó con el director de “Black Panther: Wakanda Forever”, Ryan Coogler, nominado este año por coescribir la candidata a Mejor Canción Original “Lift Me Up”, pero su compañero nominado en animación, Domee Shi (“Turning Red”) estaba justo detrás.

Aunque algunos nominados tuvieron que salir corriendo tan pronto como la cámara dejó de hacer clic para tomar la foto de la clase, muchos se quedaron junto al escenario y continuaron charlando con la mezcla de colegas que estaban alrededor. Stephanie Hsu (“Everything Everywhere All at Once”), nominada a Mejor Cortometraje de Animación, saludó a la nominada a Mejor Cortometraje de Animación, Pamela Ribon (“My Year of Dicks”), quien a su vez sugirió que sus dos películas se complementan bien. Hsu, que mide poco menos de metro y medio, también admitió que había hablado con el nominado a Mejor Actor de Reparto, Brian Tyree Henry («Causeway»), que estaba de pie junto a ella en el último peldaño, sobre la posibilidad de necesitar un empujón cuando el el fotógrafo estaba listo para tomar la foto.

Diane Warren, también en la parte superior y coincidentemente colocada junto al productor de «Top Gun: Maverick» Jerry Bruckheimer, dijo que le recordó al magnate que está dispuesta a colaborar con él nuevamente en una secuela de «Coyote Ugly».

En definitiva, el evento tuvo un espíritu de camaradería muy palpable. Después de una conversación privada en la esquina con el también nominado a Mejor Actor Brendan Fraser («The Whale»), Butler compartió que gran parte de los eventos de la temporada de premios a los que asiste se centran en su única película, por lo que es bueno estar en un lugar donde él puede hablar con la gente de los otros proyectos nominados. Por ejemplo, acaba de tener una conversación rápida con el nominado a Mejor Guión Adaptado, Kazuo Ishiguro («Living»), donde le dijo al premio Nobel lo afectado que estaba por una de sus entrevistas de podcast. Butler también señaló que tuvo un buen momento con Farrell en la alfombra, lo que concuerda con la forma en que se vio a la estrella de «The Banshees of Inisherin» saliendo del baño, preguntando emocionado al personal del evento dónde podía encontrar a Paul Mescal, también irlandés y nominado a Mejor Actor. («Despues del sol»).

Después de un par de semanas posteriores a las nominaciones que estaban tan enfocadas en la carrera de caballos, y los desaires y sorpresas que ocurrieron, las nominadas a Mejor Actriz Ana de Armas («Blonde») y Andrea Riseborough («To Leslie») notablemente no estaban en Asistencia: el almuerzo de nominados de este año sirvió como un recordatorio de que los premios Oscar están ahí para que todos los artistas se celebren entre sí, incluso si solo unos pocos elegidos pueden irse con una estatua el 12 de marzo.

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«Wet Hot American Summer» está ambientada en el último día de un campamento de verano en 1981 y, a pesar de su nombre obsceno, en realidad es una versión absurda de las comedias sexuales para adolescentes que abundaban en esta era de Hollywood. La película se centra en un grupo de jóvenes consejeros de campamento que intentan atar los cabos sueltos de su relación antes de que todos se separen. Las tensiones sexuales se desvanecen, las parejas se separan y todo culmina con el espectáculo anual de talentos de Camp Firewood.

Filmado en apenas 28 días en mayo de 2000 en la vida real Camp Towanda, Pensilvania, el elenco y el equipo de «Wet Hot American Summer» se quedaban en el set e incluso dormían allí durante todo el rodaje. En cierto sentido, el bajo presupuesto del rodaje y el ambiente informal replicaron la sensación de un campamento de verano real. «Sabes, todos dormimos en el campamento, llovía todos los días. Así que quien no estaba filmando tenía que ir a la ciudad, que estaba a unos 30 minutos, y comprar cerveza para que cuando terminara el día de filmación, todos, todos pasaban el rato», explicó Rudd, «no teníamos computadoras, cuando nadie tenía teléfonos celulares, realmente […] todo el mundo estaba allí. Y también, si no estabas trabajando, ibas y mirabas a otras personas filmando sus escenas. Entonces, había una especie de camaradería y sentimiento, como un colectivo».

La cantidad de diversión que tuvo el elenco es visible en la película final, que está llena de pequeños momentos de improvisación y una química maravillosa entre el elenco. A veces, la línea entre el personaje y el actor a menudo se difumina en «Wet Hot American Summer», creando una especie de sentimiento de «tenías que estar allí» que puede alienar a algunos espectadores, pero es un gran ejemplo de anti-humor.

La aclamada actuación de Andrea Riseborough como el personaje principal en a leslie podría ser un poco perdedor esta temporada, pero una reciente nominación al Premio Independent Spirit para la actriz sugiere que está encontrando su audiencia, y que los aplausos son bien merecidos. Dirigida por Michael Morris, la película cuenta la historia de una mujer que lucha contra la adicción al alcohol, una década después de ganar, y desperdiciar rápidamente, una pequeña fortuna en la lotería estatal. Mientras lucha por recuperarse, su determinación se ve fortalecida por su amor por su hijo James (Owen Teague), con quien está desesperada por reunirse.

FECHA LÍMITE: Charlize Theron presentó una proyección de a leslie en CAA hace unas semanas. Como fue la experiencia para ti?

ANDREA RISEBOROUGH: Fue tan maravilloso. Dos cosas. Primero, y creo que esto es más grande que solo la proyección, es este sentimiento de complicidad real entre la audiencia. Todo el mundo comienza lentamente a reconocer que ha sentido lo que siente Leslie. Este extraño tipo de honestidad o despertar sucede en la audiencia, y la camaradería surge de ahí. La segunda cosa es que la narrativa es muy sutil en la forma en que se presenta. Hay enormes períodos de movimiento, respiración y señales visuales para disfrutar. Y Michael se comprometió sin miedo con ellos. Entonces, es maravilloso entrar en un reino completamente diferente por un tiempo, y no creo que películas como esta existan mucho en estos días. Lo filmamos en 19 días, todo en película, y la sensación que obtienes enciende a las personas para que recuerden lo íntima que puede ser la experiencia del cine.

FECHA LÍMITE: La película es autobiográfica del guionista Ryan Binaco. ¿Te pareció un retrato completo por eso?

RISEBOROUGH: Cuando cualquiera de nosotros mira hacia atrás en nuestras vidas una década después, reconocemos que somos personas celularmente diferentes. Y habrá cosas que reconocemos sobre nosotros mismos y cosas que no. Para Leslie, son las partes inmutables con las que más lucha, y por muy salvaje y libre que sea, por mucho que diga la verdad, todavía está atrapada en su victimismo. Ver a alguien tan vivaz quedar atrapado por eso es una experiencia bastante inusual. No se presenta en la película como una disculpa, y eso es único. Michael y yo hablamos mucho sobre la noción de Leslie como una antihéroe femenina, que no es una idea en la que la película se haya centrado mucho.

La historia no se presenta de manera lineal, narrativamente, y debido a eso, tienes la capacidad de comprender ambos períodos de la vida de Leslie porque se presentan uno al lado del otro, pero distantes entre sí. Muy a menudo, una película te da todas las respuestas incluso antes de que hayas hecho las preguntas, pero aquí se trata de tratar de entender cómo Leslie ha perdido su brújula y cómo la única dirección verdadera, su estrella polar, es su hijo.

Creo que todas esas cosas se mantienen porque está basado en una historia real. Está escrito desde la perspectiva de un niño que vio a su madre experimentar lo mismo. Es como si Ryan le hubiera dado a su madre, que era de un lugar y antecedentes muy diferentes, la oportunidad de redimirse. Lo importante de la historia es que es esto lo que hace que la película sea tan hermosamente esperanzadora, pero Leslie no solo se libera como un mecanismo para contar la historia. La película no se basa en que ella sea redimida. Continuará sacando una botella y guardándola por el resto de su vida. Es una representación realista de cómo se ven las secuelas de esa vorágine.

DEADLINE: ¿Qué opinas de cómo la película maneja los complicados altibajos de su dependencia del alcohol?

RISEBOROUGH: Al ver la película, algunos de los momentos en los que te sientes más cerca de Leslie son aquellos en los que ella es feliz. Hay una honestidad en tener su turno para beber en momentos de felicidad, porque ese es el reflejo más humano. “Estoy feliz, quiero celebrar. Quiero ser aún más feliz”. La felicidad es una bestia tan transitoria para todos nosotros.

Nadie elige ser un adicto, y no importa si es la naturaleza o la educación lo que los empuja allí cuando claramente no hay otra opción en el asunto. Creo que una de las cosas que inspira la película es un sentimiento en la audiencia sobre su propia relación con la adicción, ya sea la suya propia o la de las personas que les importan, porque te sientes tan desesperadamente por el hijo de Leslie, y por la decepción de Leslie consigo misma que no puede ‘t ser la madre que ella quiere ser.

Remueve todos esos sentimientos en nosotros donde, una y otra vez, a pesar de saberlo mejor, intentamos salvar a alguien, o salvarnos a nosotros mismos, y realmente parece que va a ser posible. El personaje de Mark Maron, Sweeney, encarna eso. Sabe que no puede llenar ese agujero dentro de Leslie, pero no puede dejar de intentarlo. Es una compulsión natural proteger a los que amamos de los restos de su propio comportamiento.

FECHA LÍMITE: El proceso es etéreo, pero ¿eres capaz de racionalizar el trabajo que realizas para encontrar un personaje como Leslie? ¿Hay pasos tangibles para crear un personaje para ti?

RISEBOROUGH: Creo que pasaron dos años antes de que llegáramos al rodaje. Michael me envió el guión y expresó que quería que lo hiciéramos juntos. Entonces, el personaje comienza a asimilarse. Acabo de interpretar a Audrey Withers en una película sobre Lee Miller, quien era una modelo que se convirtió en corresponsal de guerra de Vogue durante la Segunda Guerra Mundial. Y cuando miras las fotografías de Lee Miller de Dachau, no puedes dejar de verlas. Hay cosas que una vez que has presenciado no puedes dejar de ver. Creo que es lo mismo con cualquier personaje y con cualquier expresión de verdad, de verdad. Leslie vivió conmigo durante bastante tiempo y empiezas a construir una vida para ella.

Es una mujer de un lugar muy diferente, lo que ayuda. Michael se concentró en Texas, que se sentía bien en todos los sentidos, expansivo y conflictivo. La forma en que es Leslie, refleja su estado de muchas maneras. Y luego realmente lo redujimos a los detalles: tracé un mapa de cómo sería su vida, y esas herramientas provienen de haber entrenado y de haber trabajado con los directores más extraordinarios.

Pero creo que, sin importar lo que hagas, si no puedes comprometerte por completo a contar la historia, simplemente no funcionará. Soy brutalmente honesto sobre las muchas formas maravillosas, sórdidas y complicadas en que se comporta la gente, y cómo quiero reflejar eso. Eso es lo que busco en términos de sentirme satisfecho como actor, y son esas cualidades hacia las que me inclino en todas mis actuaciones favoritas de otros. No estoy particularmente interesado en nada que sea particularmente cuidadoso, lo que no quiere decir que no sea valioso. Simplemente no es mi enfoque. Creo que es una forma recibida de actuar, y no es necesariamente un reflejo exacto de la naturaleza humana.

FECHA LÍMITE: ¿Sientes que llevas el peso de un personaje como Leslie cuando estás fuera del set, o eres capaz de compartimentar?

RISEBOROUGH: Probablemente hay diferentes críticas sobre eso [laughs]. Mi compañero diría que está muy listo para terminar con ciertos personajes cuando termino algunos de ellos y, a veces, después, cuando trato de terminar de procesarlos póstumamente. Pero creo que, en su mayor parte, realmente trato de disfrutar mi vida. Disfruto de la vida, y realmente disfruto de la gente, y me comprometo con ellos tanto como sea posible. Un personaje no puede evitar tener un efecto, pero creo que tengo un músculo que se ha vuelto más refinado a lo largo de los años de mantenerlos a distancia. Puedo entrar y salir de los personajes con relativa rapidez y facilidad, y eso no hace que la experiencia sea menos profunda. La inmersión, creo, en realidad podría ser más profunda porque te sientes más seguro al saber que emergerás.

FECHA LÍMITE: Así como a leslieactualmente también protagonizas Matilde el musical. Es un proyecto lleno de alegría, aunque su Sra. Wormwood es toda una creación.

RISEBOROUGH: Hacer eso fue muy divertido. Sin embargo, les diré lo que no fue divertido, y eso fue gritarle a la pobre Alisha Weir, quien interpreta a Matilda. Creo que me disculpé con esa pobre niña al final de cada toma, porque, por supuesto, Matilda tiene un trato tan injusto.

Pero conjurar la vida de los Wormwoods fue muy divertido, y en realidad hubo un gran número de canto y baile que no está en la película en la que creo que trabajamos durante cuatro o cinco meses. Entonces, hubo baile y canto y alegría y colores, tantos colores, y Matthew Warchus, que dirige el teatro Old Vic, es un director maravilloso que proviene del mismo mundo que yo. Había muchos artistas impulsados ​​​​por el teatro en el elenco.

Además, me gustaría decir que mi línea de diálogo favorita, y ni siquiera sé si llegó al corte final, es esta: «¡Tendremos un televisor en cada habitación, como Madonna!» espero que no se haya cortado [laughs].

DEADLINE: ¿Te ha abierto el apetito por más musicales?

RISEBOROUGH: Soy cantante y bailarina entrenada, ambas clásicas, así que poder explorar eso de nuevo fue divertido. Estoy muy contento de que me llegue ahora, aunque mis divisiones podrían haber sido mejores hace 15 años, porque supe desde el principio de mi carrera que no era una dirección con la que quería comprometerme. No habría sido adecuado para mí entonces, aunque era tan capaz de hacer esas cosas como lo era en el teatro.

Muy a menudo, como intérprete, tienes que elegir si ir por un camino u otro, lo cual es algo extraño cuando eres capaz de ambos, pero ciertamente la literatura me había impulsado, y también la música clásica, más que la música. teatro. Pero cuando trabajas con alguien como Tim Minchin, que lo hace tan divertido, casi parece ilegal llegar a ser tan descarado en el trabajo.

En un informe de Entertainment Weekly, Anya Taylor-Joy dice que todos los que trabajaron en «The Menu» se llevaron muy bien. Incluso cuando las cámaras no estaban grabando, el elenco prefería quedarse en el plató de Hawthorne en lugar de volver a sus tráileres. La energía era tan buena que todos estaban emocionados de verse haciendo lo suyo cuando la cámara se acercó a ellos:

«A Mark le gustaba hacer esto en el que la cámara se movía constantemente a nuestro alrededor, por lo que estábamos constantemente improvisando, o si se trataba de un primer plano de otra persona, solo teníamos asientos de primera fila para las actuaciones brillantes de personas maravillosas. Así que era un ambiente de mucho apoyo: aplaudíamos después de las tomas, y el grupo de WhatsApp está muy vivo y bien».

Con todos los informes que surgen sobre escenarios en los que el conflicto dirige el espectáculo, es genial saber que una película tan divertida como esta tuvo un rodaje bastante bueno. El hecho de que todos sean tan amables es realmente divertido teniendo en cuenta que estos personajes realmente podrían preocuparse menos el uno por el otro, y mucho menos formar un chat de grupo de WhatsApp juntos. Supongo que ese es el milagro de la actuación.

«The Menu» ahora se proyecta en los cines de todo el país.