Jane Campion defiende “Io Capitano” de Matteo Garrone, la candidata italiana nominada al Oscar al mejor largometraje internacional.

La película narra el viaje homérico de dos adolescentes senegaleses, Seydou y Moussa, que deciden abandonar Dakar para llegar a Europa en busca de una vida mejor. Describe de manera realista su difícil situación a través de las trampas del desierto, los horrores de los centros de detención en Libia y los peligros del mar.

En Variedad‘s crítica, el crítico Guy Lodge calificó “Io Capitano” como “la realización cinematográfica más sólida y puramente satisfactoria” del director desde [his] avance internacional con ‘Gomorra’ hace 15 años”. El drama, que en el Festival de Cine de Venecia ganó el premio al mejor director y al mejor actor emergente para su coprotagonista Seydou Sarr, es el candidato italiano más fuerte al Oscar en la memoria reciente. La película, que también ganó el premio a la mejor película europea en San Sebastián, se estrenará en Estados Unidos el 23 de febrero de la mano de Cohen Media Group.

A continuación se muestran extractos de una conversación entre Campion y Garrone sobre las diversas complejidades que enfrentó al hacer “Io Capitano”. Mira el vídeo completo arriba.

Jane Campion: Esta es una película muy querida, y creo que cualquiera que la vea no puede evitar conectarse con estos protagonistas principales de tu película. Particularmente Seydou, ya sabes, quien es el Capitán en el centro de tu historia. Su sinceridad y compasión, su actuación es tan conmovedora que es hermosa. Es realmente increíble. Y tengo tantas preguntas sobre cómo conociste a estos chicos. Sin ellos, no puedo imaginar cómo sería la película y estoy seguro de que lo sabías. Estabas escribiendo sobre sus hombros, de verdad.

Matteo Garrón: Cuando encuentras un actor como Seydou es un regalo. Un poco afortunado porque viene de una familia de actores. Su madre y su hermana eran actrices en este pequeño pueblo cercano a Dakar, pero su sueño era ser jugador de fútbol, ​​por lo que no quiso presentarse al casting. Su madre fue a buscarlo mientras jugaba al fútbol, ​​para obligarlo a asistir al casting, y finalmente vino. Y él era tan puro, tan auténtico. Tan humano.

Campeón: Sí. Y puro era una palabra realmente buena.

Garrón: Sí, inocente. Hice muchos castings también en Europa: en París, en Italia, pero eran completamente diferentes. Era importante para el guión que tuviera que ser alguien que no conociera Europa, que sueña con Europa como el personaje que escribimos. Exactamente de la misma manera. Soñaban con descubrir este mundo. Los actores que elegí nunca habían salido de Senegal y decidí no darles el guión. Entonces no sabían lo que iba a pasar y no sabían si lograrían llegar a Europa o no.

Campeón: ¡Ay dios mío! Y lo hiciste para llamar la atención y decirnos qué va a pasar.

Garrón: No lo sabían, porque había un vínculo sutil entre el personaje y la persona. Y siempre disparé en orden cronológico. Así, desde la escena 1 hasta el final, el actor pudo seguir el viaje de su personaje. yo les dije [what was going to happen] día a día.

Campeón: ¿Dónde empezó la idea de este tipo de película? Lo que realmente me hizo querer ver esta película fue: Está bien, es una película sobre inmigración y es muy difícil de conseguir. Es un tema que me interesa mucho, pero es difícil conocer su historia interna.

Garrón: Eso es cierto.

Campion: Nunca se cuenta, con mucho éxito, desde el punto de vista de las personas que realmente planean cruzar. Y lo que realmente me gustó de la historia también es que no está contada desde un punto de vista como: «Oh, mira, si no van, morirán». Es más como si se fueran y tal vez murieran en el camino. Entonces no es serio. Es una verdadera historia de aventuras de terror con mucho corazón y aventuras realmente interesantes en el camino. Fue una especie de odisea.

Garrón: Absolutamente. Me tomó tiempo decidirme a hacer esta película porque era realmente difícil y también porque no era mi cultura. Así que me preocupaba entrar en un [narrative] código que no es mío y caer en estereotipos peligrosos. Entonces tomó años. Y luego, al final, decidí hacer un contraplano de lo que estamos acostumbrados a ver. Ayer murieron 60 personas en el Mediterráneo. Y siempre vemos la imagen del barco, y siempre desde nuestro punto de vista. Pero lo que nos falta es su punto de vista. El plano inverso. El otro lado.

Campion: Lo que dices es cierto. No es de tu cultura, pero sí de tu cultura también porque, por supuesto, estas personas vienen a Italia. Y es algo importante aprender sobre eso.

Garrón: Sí, y también somos italianos, somos inmigrantes, entonces habla de todos. Es universal la idea de viajar para buscar una vida mejor. Es un arquetipo.

El texto de esta conversación ha sido editado para mayor claridad.

Una de las nuevas voces más interesantes de Escandinavia, impulsada al escenario de los festivales mundiales con su cortometraje “The Manila Lover”, un noruego Amanda al mejor cortometraje y nominado a la Semana de la Crítica de Cannes, Johanna Pyykkö, radicada en Oslo, compite en el Festival de Cine de Gotemburgo con su primer largometraje, “My Wonderful Stranger”, que dirigió y coescribió con Jørgen Færøy Flasnes (“Nudes”).

En su debut están Dyveke Bjørkly Graver (“Sick of Myself”) y Renée Hansen Mlodyszewski, productora asociada de “La peor persona del mundo”, que produjo la película para Oslo Pictures, en coproducción con la francesa Bathysphere y MB17 Films. , Arte France y la sueca Garagefilm. Pyramide International se encarga de las ventas.

“My Wonderful Stranger” llegará a los cines franceses el 5 de junio de la mano de Pyramide Distribution. Scandinavian Film Distribution se encarga de los derechos escandinavos.

La historia gira en torno a la solitaria Ebba, de 18 años, que trabaja como limpiadora en el puerto de Oslo. Una noche, encuentra en el suelo a un hombre hermoso con una herida en la cabeza y trata de ayudarlo. Después de darse cuenta de que el extraño tiene amnesia, ella lo engaña haciéndole creer que son amantes y les construye un mundo basado en mentiras.

«Partes de la historia se basan en la realidad: he conocido mujeres con rasgos mitómanos similares, capaces de mentir mucho», dice Pyykkö, sentado en el nuevo y animado centro del Hotel Draken del Festival de Cine de Gotemburgo. Pero esta película es pura ficción, contada en una rica mezcla de suspense, fantasía, romance y matices de humor.

“Quería reflexionar sobre la sociedad: qué es el amor y qué no es. Qué es una relación real y qué no lo es. Integré temas sociales que me interesan, así como cultura narrativa, como el síndrome de Estocolmo, historias de dramas con rehenes que durante años se han convertido en películas y libros. En cierto modo, sólo quería una película que mezclara fantasía con realidad y que todo ello se mantuviera junto con el simbolismo”, explica Pyykkö.

La película también fue su intento de sacudir las formas tradicionales de contar historias. “Encuentro que la vida, en cierto modo, es demasiado estereotipada en la narración, así que trato de desafiar esto. Me encanta el elemento sorpresa y lo uso para introducir una capa más profunda en la narración y hacerla más emocionante para el público. Vi aquí en Gotemburgo y en Angers, Francia. [when the pic bowed at the Festival Premiers Plans earlier this month] que personas desde adolescentes hasta mayores de 65 años estaban súper comprometidas. ¡Es fantástico poder generar debate a través de la sorpresa y el suspense!” Pyykkö bromea.

Los temas de juego de poder e identidad, explorados en “The Manila Lover” y “My Wonderful Stranger”, se inspiraron en parte en su experiencia personal, como finlandesa en Suecia que sufrió acoso en su juventud. “Cuando mis padres se mudaron a Suecia desde Finlandia, fue difícil y sufrí discriminación, ¡¡mucha!!”, admite. “Eso hace que me involucre naturalmente en cuestiones sobre raza, identidad, inclusión/exclusión. Siempre cuento mis historias desde afuera hacia adentro”.

El guión bien elaborado, escrito con Færøy Flasnes, pasó por varios laboratorios de desarrollo: TIFF Filmmaker Lab en Toronto, Focus Pro’ Pitch en el Festival de Cine de Cannes, Next Step Lab de la Semana de la Crítica de Cannes y MIA Rome, donde recibió el pitch. otorgar el Premio Internacional ARTE Kino en 2020.

Consejos de Jane Campion y Claire Denis

Si bien el proceso fue beneficioso – “ayudó a eliminar todo lo innecesario” – Pyykkö sintió la necesidad de pedir a las destacadas directoras internacionales Jane Campion y Claire Denis su opinión. Pudo acercarse a ellos gracias a una subvención de tutoría del gobierno noruego.

“Tanto Claire como Jane trabajan con el simbolismo de manera profunda. Sabía que mi guión sería cuestionado por lectores expertos y quería ver cómo permanecer fiel a mi propia visión”.

Pyykkö se tranquilizó cuando, después de ver “The Manila Lover”, los ilustres realizadores dijeron que ella claramente tenía su propio estilo y referencias. “Me dijeron: Cada vez que te pierdes artísticamente es cuando no sigues tu intuición, ¡así que hazlo!”

Pyykkö siguió adelante con su coguionista y proporcionó a su equipo un documento de 90 páginas con referencias para cada escena. «Queríamos que todos se sumergieran en el simbolismo y se sintieran motivados», dice la directora, que disfrutó de su trabajo en equipo con el director de fotografía Torbjørn Sundal Holen («Power Play») y el diseñador de producción Kristian Lahn Vestby («Nach») con quien ejecutó algunos dibujos. , colgado en las paredes de la casa central y ubicación de la película. Entre los símbolos o leitmotiv clave se encontraban la forma de un ser humano y una gaviota: “mucha gente los ve como un parásito”, subraya Pyykkö.

Profundamente involucrada con cada parte de su viaje artístico, la directora elogió también la contribución de los compositores Jakob Lindhagen y Delphine Malaussena. “Fueron influenciados por nuestras referencias y trabajar con un compositor sueco y francés nos permitió aportar una fuerte sensibilidad europea a todos los niveles”.

Las referencias visuales y de humor para este estilo sensual y fluido iban desde Ingmar Bergman – “puede mezclar géneros, ser completamente irónico, divertido, existencial y simbólico” – Lynne Ramsay “para la textura de las habitaciones, hasta Claire Denis. «Me gusta la forma en que trabaja con el ritmo y los temas, utilizando objetos, por ejemplo, para reflejar esos temas».

El casting fue desafiado por COVID y fue un proceso largo. La joven actriz Camilla Godø Krohn fue elegida tras un casting de 700 candidatas. “Me encantó trabajar con Camilla; ella es totalmente diferente a Ebba en la película, pero puede meterse en la mente de cualquier personaje. Ella también usa su cuerpo para ser a la vez vulnerable y fuerte”.

El protagonista masculino Radoslav Vladimirov fue encontrado dos días antes de que comenzara el ensayo. “Tuvimos mucha suerte de encontrarlo”, dice Pyykkö, que buscaba un actor con una belleza particular, capaz de interpretar a un personaje que utiliza esa belleza para atraer mujeres.

Hablando de Göteborg, un festival que “interactúa maravillosamente con el público”, el director se siente honrado de haber sido seleccionado para la sección competitiva nórdica. “Es una alineación muy, muy fuerte. ¡Será duro!”, se ríe.

Lo siguiente para ella es una película de fantasía producida nuevamente por Bjørkly Graver para su nueva compañía noruega Eye Eye Pictures, un largometraje sueco y varios guiones.

Jane Campion será honrada con el premio Luminary 2023 de Next Generation Indie Film. El director recogerá el premio en la tercera gala anual, que tendrá lugar el 29 de octubre en el Hotel Loews Hollywood de Los Ángeles.

Next Generation Indie Film Awards es una organización sin fines de lucro para autores y editores independientes. Otorga el Premio Luminary a una “figura transformadora de la industria, un artista cuyo trabajo y viaje son una estrella del norte para la comunidad cinematográfica, especialmente en un momento en el que el arte y la inspiración son muy necesarios”. Rian Jonhson recibió por primera vez el Premio Luminary en 2022.

La película más reciente de Campion, “El poder del perro” de 2021, un abrasador drama occidental sobre un ranchero empedernido (Benedict Cumberbatch) que atormenta a la esposa de su hermano (Kirsten Dunst) y a su hijo (Kodi Smit-McPhee), fue considerada como una de lo mejor del año y recibió 12 nominaciones al Oscar. Campion ganó el Premio de la Academia al mejor director, una de las tres mujeres que se llevó el trofeo a casa en 95 años.

En la noche de los Oscar de 2022, Campion habló sobre su deseo de ver un mejor reconocimiento para las directoras. «Estoy muy orgullosa de haber ganado esta noche, por mi película y por mi elenco», dijo. “Pero también ser otra mujer a la que seguirá una cuarta, una quinta, una sexta, una séptima y una octava. Estoy muy emocionado por el hecho de que esto está avanzando rápido ahora. Lo necesitamos. La igualdad importa”.

Campion abrió camino como la primera directora en ganar la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes por “El piano” en 1993. La película de época, protagonizada por Holly Hunter, Harvey Keitel, Sam Neill y Anna Paquin, ganó tres premios Oscar, incluido el de mejor actriz. , actriz de reparto y guión.

Su primer cortometraje, “Peel” de 1982, fue premiado con la Palma de Oro al mejor cortometraje en Cannes en 1986. Dirigió su primer largometraje “Sweetie” en 1989, seguido de “An Angel at My Table” en 1990. Otras filmografías incluyen “The Portrait of a Lady” de 1996, “Holy Smoke” de 1999, “In the Cut” de 2003 y “Bright Star” de 2009. En la pantalla chica, coescribió, dirigió y fue productora ejecutiva de la miniserie “Top of the Lake”, protagonizada por Elisabeth Moss.

Recientemente completó una dirección de 12 meses de una escuela de cine temporal gratuita en Nueva Zelanda, A Wave in the Ocean, financiada por Netflix.

Jane Campion, Damien Chazelle, Zar Amir Ebrahimi y Guy Nattiv se unieron a un flash mob en la alfombra roja del Festival de Cine de Venecia el sábado en apoyo de las protestas Mujer, Vida, Libertad en Irán.

Estaban entre alrededor de 100 cineastas, artistas y activistas a favor de la democracia que se unieron al flashmob, que tuvo lugar antes de la proyección de gala de esta noche de Maestro.

El grupo llevaba pancartas con retratos de Mahsa Amini, de 22 años, cuya muerte bajo custodia policial en septiembre pasado, tras ser arrestada por no llevar correctamente el velo, desató las protestas.

También hubo pancartas para Los hermanos de Leila El director Roustayi, de quien se supo el mes pasado había sido sentenciado a seis meses de prisión por cargos de “actividad de propaganda contra el régimen” por proyectar el drama familiar en Cannes en 2022.

Saeed Roustee había participado anteriormente en el Festival de Cine de Venecia en 2019 en la sección Orizzonti con Just 6.5 (Metri Shesho Nim).

Se cree que los arrestos son parte de una ofensiva mientras el draconiano régimen de la República Islámica de Irán intenta sofocar la disidencia en el período previo al primer aniversario de la muerte de Amini el 16 de septiembre.

Más temprano ese mismo día, la innovadora colaboración de Nattiv y Ebrahimi tatami – como la primera película que une a un cineasta israelí y un iraní como codirectores – se estrenó mundialmente en la sección Orizzonti de Venecia.

Cuenta la historia de una joven judoka que se enfrenta a una decisión que le cambiará la vida durante el Campeonato Mundial cuando las autoridades iraníes quieren que se retire de la competición.

En otras actividades de apoyo a las protestas por la democracia en Irán, la sección paralela Giornate degli Autori proyectó la película under radar El sol subira de Ayat Najafi, en un evento previo a la proyección el miércoles (30 de septiembre).

La película gira en torno a un ensayo de una compañía de teatro iraní en Teherán para una representación de la comedia griega Lisístrata de Aristófanes.

Durante el escenario del asalto a la Acrópolis, que estaba ocupada por las mujeres de Atenas, la compañía descubre que han sido rodeadas por la policía antidisturbios.

Jane Campion, Laura Poitras, Mia Hansen-Løve y Martin McDonagh se han unido al jurado principal del Festival de Cine de Venecia.

Los destacados directores, la mayoría de los cuales son asiduos de Venecia (Poitras obtuvo el León de Oro el año pasado con el documental «Toda la belleza y el derramamiento de sangre»), se unirán al panel del jurado de Venecia con el actor palestino Saleh Bakri («Wajib»); la estrella china Shu Qi («El asesino»); el director italiano Gabriele Mainetti, que estuvo el año pasado en Venecia con “Freaks Out”; y el autor argentino Santiago Mitre, cuyo “Argentina, 1985” también se lanzó desde el Lido el año pasado.

Se unirán a Damien Chazelle quien, como se anunció anteriormente, se desempeñará como presidente del jurado de la competencia de Venecia.

El Lido también dio a conocer el jueves su lista completa de jurados en todas las secciones.

El jurado de la sección Horizons, más vanguardista, está compuesto por el director tunecino Kaouther Ben Hania (“El hombre que vendió su piel”); el director y artista estadounidense Kahlil Joseph, quien codirigió la película musical de 2017 “Lemonade” con Beyoncé; el director y guionista francés Jean-Paul Salomé, que estuvo en Venecia el año pasado con Isabelle Huppert, protagonizada por “La Syndacaliste”; y la directora del festival de cine británico y figura destacada de la industria Tricia Tuttle.

Como se anunció anteriormente, el director italiano Jonas Carpignano, conocido por «Mediterranea», «A Ciambra» y «A Chiara», presidirá el jurado de Horizons.

Completando los jurados de este año está el panel reunido para el premio Luigi De Laurentiis – Lion of The Future – del festival a la mejor película debut. Este jurado está encabezado por Alice Diop, cuyo primer largometraje, “Saint Omer”, ganó el Gran Premio del Jurado del León de Plata de Venecia y el León del Futuro en Venecia el año pasado.

El jurado del León del Futuro está compuesto por el actor, director y guionista marroquí Faouzi Bensaïdi; la directora y productora argentina Laura Citarella, cuyo “Trenque Lauquen” se lanzó desde Venice Horizons el año pasado; el director italiano Andrea De Sica (“Hijos de la noche”, “No me mates”); y la escritora y directora estadounidense Chloe Domont, cuyo debut como directora, “Fair Play”, se estrenó recientemente en Sundance y fue elegido por Netflix.

La 80ª edición del Festival de Cine de Venecia se llevará a cabo del 30 de agosto al 30 de septiembre. 9.

En estos días, Jane Campion, directora de cine ganadora de la Palma de Oro y del Oscar, es celebrada por una vena de cine sincero que es doloroso y peculiar, en lugar de efusivo. También es una pionera inteligente y decidida que ha tenido que luchar por su posición actual en una industria dominada por hombres.

El Festival de Cine de Sydney esta semana está mostrando y contextualizando su trabajo. Su programa de proyección incluye sus nueve largometrajes, desde «Two Friends» hasta «The Power of the Dog», y una selección de sus cortometrajes.

“Para nuestra 70ª edición, queríamos presentar una retrospectiva acorde con el hito, reflejando el cine audaz y que traspasa los límites, sinónimo de nuestro festival y región. No había nadie más apropiado que Jane Campion”, dijo el director de SFF, Nashen Moodley, en notas antes del evento.

El sábado, el festival proyectó el documental de 2022 de Julie Bertucelli “Jane Campion, the Cinema Woman” antes de una entrevista en el escenario entre Campion y el crítico y ex programador de SFF David Stratton.

Realizada en gran parte en orden cronológico, la entrevista rápidamente reveló que los padres de Campion, de mente amplia, y Luis Buñuel, el maestro del surrealismo, habían sido influencias tempranas y significativas. Campion recordó que su madre llevó a su hija adolescente a ver la película de Buñuel sobre una prostituta ama de casa «Belle de Jour».

“[Bunuel] se sintió como un rayo de energía. Porque él vio el mundo como yo también lo siento. Es difícil ser surrealista y, a menudo, aparentemente tonto y divertido. Y, por supuesto, me tomo a mí mismo muy en serio”, dijo Campion.

Su padre, director de teatro, llevó a Campion, de 16 años, a la controvertida «Performance», de Nicolas Roeg y Donald Cammell, un drama criminal que involucra el encuentro entre una estrella de rock y un mafioso violento que fue prohibido en algunos países, incluida Australia. “Sentí que me estaba estirando más allá de mi capacidad. Y la película te invitaba a una nueva comprensión del mundo”, dijo Campion.

Tanto la entrevista en el escenario como el documental de Bertucelli citaron la incómoda respuesta de Cannes a la película de 1989 de Campion, “Sweetie”, una peculiar historia de mejores amigas. Las huelgas masivas en el estreno del festival dejaron a la directora sintiéndose «completamente humillada», solo para encontrar migajas de consuelo en el divisivo y dominante buscador de talentos de Cannes, Pierre Rissient, quien le aseguró que «a las personas adecuadas les gustó».

“Yo (todavía) amo esa película. Es realmente una película que haces antes de saber lo que estás haciendo. Y en cierto modo…(revelar) algunas de sus expresiones más íntimas”, dijo Campion.

Si mostrar debilidad y vulnerabilidad expone a un creador al desprecio y la burla, construir un muro defensivo puede ser una respuesta natural.

Incluso en la ciudad natal adoptiva de Campion y rodeada de sus amigos, colaboradores y admiradores, el encuentro con Stratton tuvo un matiz de fragilidad. A pesar de que ambos viven en Sydney y ambos son figuras influyentes con reputaciones globales, Campion y Stratton aparentemente solo rara vez interactúan.

Parecían tener una discusión preestablecida sobre la relación entre los cineastas y los críticos de cine como uno de sus puntos de conversación. Pero se tocaron los hilos el uno al otro sobre el orden de ejecución del evento y rápidamente cambiaron de acorde.

Entre las melodías cuidadosamente arregladas de la charla, la pareja encontró, sin embargo, algunos estribillos reveladores. Estos incluyeron cómo Campion se había alejado de los largometrajes después de «Sweetie» y concibió «An Angel at My Table» inicialmente como una miniserie de televisión. (El esfuerzo televisivo más reciente de Campion, «Top of the Lake», Stratton lo describió como «inflado»). La discusión sobre la filmación en el extranjero de «The Portrait of a Lady» hizo que Campion admitiera: «En realidad, no sé dónde está mi zona de confort».

Campion describió cómo Harvey Keitel (protagonista de «The Piano» y «Holy Smoke») fue «uno de los primeros hombres que realmente se abrió profundamente a mí y a los que me abrí profundamente. Eso es realmente un regalo. A través de esa separación de género”, dijo.

La zanja entre hombres y mujeres fue la melodía recurrente en gran parte de la charla en el escenario ya lo largo del documental de Bertocelli.

En el escenario, Campion explicó cómo los productores de Pathé UK la habían obligado a hacer que el final de su película «In the Cut» fuera menos trágico que la novela de Susanna Moore en la que estaba basada. “Es realmente conmovedor querer seguir complaciendo al hombre en sus últimos momentos”, dijo Campion.

En “Cinema Woman” hay varias referencias a la ‘separación de género’, algunas discretas, otras discretamente escandalosas. Uno muestra a Campion en los Oscar enumerando a los más de 300 hombres que han recibido nominaciones a mejor director, mientras que el recuento de mujeres nominadas se puede contar con una sola mano.

En otro, Campion se muestra en las celebraciones del sexagésimo aniversario de Cannes en la estimada compañía de anteriores ganadores de la Palma de Oro. Campion es la única mujer en la imagen. Y el encuadre de Bertucelli captura perfectamente la mueca del delincuente sexual convicto Roman Polanski sentado solo unos asientos detrás.

La discusión adicional con Stratton abarcó: relaciones con colaboradores clave (Campion admitió tener miedo del director de fotografía Stuart Dryburgh); el material excepcional que descubrió en el libro de Thomas Savage “El poder del perro”; y solo controlando parcialmente el resultado cuando es presidente del jurado de un festival. “A veces estás negociando acuerdos para tratar de obtener la Palma de Oro y tal vez el que gane en realidad no sea la primera opción de nadie, sino la segunda opción de todos”, dijo Campion después de elogiar a Cannes como “limpio” y loablemente libre de trastienda. intriga.

Pero las preguntas de la audiencia inevitablemente regresaron a Campion como pionera del cine femenino. Su final fue animosamente positivo.

“Dirige por inspiración, por lo que es positivo, lo que amas. Haz que eso sea lo más importante de tu vida y te dará la fuerza para hacer lo que quieras hacer. No te molestes con el resto. Pruebe la lente de ‘Me encanta esta idea’. Quiero hacerlo’”, dijo.

CAMPEÓN CAMPEÓN

El Festival de Cine de Sídney presentara ‘Jane Campion – A su manera‘, una retrospectiva de películas del director pionero. La propia Campion aparecerá en una conversación con david straton el 10 de junio en la edición 2023 del festival, su presentación 70 aniversario (7-18 junio).

Celebrado en asociación con ACMI y el Archivo Nacional de Cine y Sonido, ‘Jane Campion – Her Way’ incluirá proyecciones de los nueve largometrajes de Campion, así como una selección de sus cortometrajes. La selección realizará una gira por ACMI en Melbourne (del 15 de junio al 2 de julio) y en la NFSA en Canberra (del 20 al 30 de julio).

“Para nuestra 70ª edición, queríamos presentar una retrospectiva acorde con el hito, reflejando el cine audaz y que traspasa los límites, sinónimo de nuestro festival y región. Campion es una cineasta pionera que ha tenido un profundo impacto en el cine con sus películas atrevidas e inolvidables”, dijo el director del Festival de Cine de Sídney. Nashen Moodley.

“Campion ha roto barreras para las mujeres en la industria, ganando dos Premios de la Academia y convirtiéndose en la primera mujer en recibir el Palma de Oro en Cannes. Ha cambiado el panorama del cine en todo el mundo, creando películas que ahora están grabadas en la historia del cine. Será extraordinario ver el conjunto completo de sus talentos en un solo programa, que nos llevará a lugares inesperados y emocionantes con cada cuadro y película”.

“Jane Campion, The Cinema Woman”, un documental de 2022 del director francés julie bertucellisobre Campion, su vida y obra, también se proyectará como parte de la retrospectiva.

CASA PARA HARPER

sofia harper ha sido nombrado director ejecutivo de la Gremio de Directores de Australia. Asumirá el cargo el 29 de mayo. Actualmente, Harper es la administradora senior de fondos de Pantalla Camberra donde ha administrado programas más recientemente, incluido el Fondo de pantalla CBR de $ 5 millones ($ 3.5 millones) para el gobierno estatal. Anteriormente, Harper estuvo basado en Dinamarca de 2009 a 2015, desempeñando una variedad de funciones en la Escuela de Cine Europeo incluido el subdirector, director creativo de documentales, director (interino) y director de producción. A su regreso a Australia, Harper creó y presentó el exitoso podcast “no por accidente”, que ha sido descargado más de dos millones de veces. Anteriormente trabajó en ambos Pantalla Australia y el Comisión de Cine de Australia en varios roles, incluido el de gerente de gobierno y cumplimiento.

MERCADO DE VENECIA

Proyectos de Alemania y Quebec la búsqueda de brechas de financiamiento será el foco de atención de este año Puente de producción de Venecia, el mercado informal de los próximos Festival de Cine de Venecia. El mercado tendrá lugar en el Lido del 31 de agosto al 31 de septiembre. 5, mientras que la 80.ª edición del festival se llevará a cabo del 30 de agosto al 1 de septiembre. 9.

COLGADO

El Tribunal Superior de Singapur ha emitido una orden para bloquear 20 sitios de transmisión y dominios asociados responsables de la distribución de contenido transmitido ilegalmente en Singapur. Bajo la orden, proveedores de servicio de Internet debe deshabilitar el acceso a estos sitios y sus dominios asociados. El pedido es el último de una campaña en curso de Coalición contra la Piratería miembros BBC Studios, LaLiga, la Premier League y TVB Internacionalque ha visto el bloqueo de casi 300 sitios que ofrecían acceso a contenido buscado, incluidos deportes premium, drama y entretenimiento.

LIV ACCIÓN

Sony LIVEl primer original en malayalam de ‘s, “Jai Mahendran”, un drama político, ha comenzado su producción. El programa se centra en la vida de Mahendran, un oficial manipulador que cree en hacer las cosas a través del juego de poder y el uso de su influencia dentro del sistema. Sin embargo, su libertad dentro de la oficina se detiene y sus ideologías se ven desafiadas, ya que se convierte en víctima del mismo juego de poder. En un intento por salvaguardar su trabajo y restaurar su reputación, planea sabotear todo un sistema a su favor.

“Jai Mahendran” es supervisado por un cineasta galardonado Rahul Riji Nair como escritor, productor y showrunner y el espectáculo está dirigido por Srikanth Mohan. El programa cuenta con un elenco que incluye a: Saiju Kurup, Suhasini, Miya, Suresh Krishna, Maniyanpilla Raju, Balachandran Chullikad, Vishnu Govindan, Sidhartha Siva y Rahul Riji Nair en papeles fundamentales.

TRÁILER MORTAL

primer vídeoha presentado el tráiler de la serie documental india sobre crímenes reales “bailando en la tumba.” La serie Amazon Original documenta e investiga la repentina desaparición y el misterioso asesinato de Shakereh Khaleeli, que pertenecía a una ilustre familia de Bangalore. Producido por India hoy originales ProducciónEscrito y dirigido por patricio graham y coescrito por Kanishka Singh Deo“Dancing on The Grave” se estrenará mundialmente el 21 de abril.

El tráiler ofrece un vistazo a la vida y la espantosa muerte de Shakereh Khaleeli (nee Namazie), una hermosa heredera que dejó todo atrás para casarse con otro hombre. La serie examina su motivación para la agitación y los eventos que llevaron a su desaparición sin dejar rastro.

Vea el tráiler aquí: https://www.youtube.com/watch?v=LeDZTRlJadA

Jane Campion tuvo que consolar a Sam Neill en el set de «El piano».

Neill escribió en sus próximas memorias «¿Alguna vez te dije esto?» que colaborar con Campion fue uno de los aspectos más destacados de su carrera, ya que “An Angel at My Table” fue “sin duda para mí la película más importante realizada hasta ese momento en Nueva Zelanda”.

“Por supuesto, trabajaría con Jane en un abrir y cerrar de ojos”, escribió Neill, llamando a Campion un “colaborador maravilloso” durante la película de 1993 “El piano”. Sin embargo, la producción resultó ser especialmente «solitaria» para Neill dada la relación de su personaje con los otros miembros del elenco, ya que Alisdair de Neill tuvo un matrimonio tenso con Ada de Holly Hunter y su pequeña hija, interpretada por Anna Paquin.

“Era un trabajo inusualmente solitario para mí. Holly y yo nos llevamos bien. Pero ella era necesariamente remota. Lo entiendo”, explicó Neill. “Ella se compromete con un papel, y cualquier broma, la moneda diaria a la que estoy acostumbrado, habría sido una distracción para ella. Reproducir nuestras escenas juntos fue perturbador para mí. Nunca supe si era Holly mirando a Sam o Ada mirando a Stewart. Las líneas entre la vida y la ficción se difuminaron y no fue nada cómodo”.

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El actor de “Jurassic Park” agregó: La famosa escena en la que la arrastro al barro y le corto uno de los dedos que toca el piano fue una gran pregunta. Holly es pequeña, pero es muy fuerte. Me di cuenta en la primera toma de que la lucha para sacarla a la luz tendría que ser real. Ella no iba a dejar de pelear… Y tengo que confesar que todavía estoy un poco dolido porque ella insistió en que cambiaran mi hacha por una réplica de goma. Quiero decir, ¡por el amor de Dios! ¿Realmente pensó que me dejaría llevar y le cortaría el dedo? Me río mientras escribo esto. Soy un actor, no una bestia, por el amor de Dios. En la toma tres estaba absolutamente exhausto y, afortunadamente, Jane tenía lo que necesitaba y no tuve que pasar por todo el asunto de pelear contra Holly en el barro y la máquina de lluvia una vez más, amigos míos”.

Neill resumió: “Pero fue una experiencia de actuación curiosamente solitaria para mí. Felizmente, Jane es una directora muy cariñosa con su elenco y siempre estuvo ahí para abrazarme cuando estaba en mi punto más bajo”.

“The Piano” fue nominada a ocho Premios de la Academia, con Campion ganando Mejor Guión Original, Paquin ganando Mejor Actriz de Reparto y Hunter llevándose a casa el título de Mejor Actriz. Más tarde, Campion pasó a hacer historia como la tercera mujer en ganar un Oscar al Mejor Director por «El poder del perro» de 2021.

En cuanto a la propia actuación de Neill, el actor dijo: “Nadie se fija mucho en ti, no te nominan por cosas. Pero serviste. Estuve allí en una importante película feminista. Estuve allí en primera línea en una importante película de Nueva Zelanda. Ninguna de estas etiquetas hace justicia a la película. Es una obra de arte. Y miren, esa figurita diminuta en la tela, vean ahí abajo a la derecha, soy yo. Es una película que siempre tendrá un lugar en la historia del cine. Y yo serví en él.

Neill también se tomó un momento para comentar sobre el papel de Campion en la historia del cine en función de su género.

“Siempre me sorprende que parezca necesario señalar que Jane es una directora. Eso no debería ser inusual”, escribió Neill. “No entiendo por qué hay más directores hombres que mujeres. Nadie parece pensar que es inusual que las mujeres actúen, por ejemplo. Voy a arriesgarme y decir que las mujeres actúan mejor que los hombres. Si las directoras tuvieran paridad con los hombres, creo que descubriríamos que también son mejores dirigiendo. Siempre me ha gustado trabajar para las mujeres y con las mujeres. Y sí, ahora lo digo, no hay nada como estar en escena frente a una gran mujer que está trabajando contigo, contra ti y a tu lado. Creo que siempre mejoro mi juego”.

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Después de la victoria récord del año pasado como Mejor Director para Jane Campion, quien se convirtió en la tercera mujer en ganar el Oscar a Mejor Director, uniéndose a Chloé Zhao («Nomadland» en 2021) y Kathryn Bigelow («The Hurt Locker» en 2009) — las nominaciones al Oscar 2023 no lograron nominar a ninguna mujer en la categoría de Mejor Director. En cambio, la carrera de Mejor Director de este año verá a Martin McDonagh, Dan Kwan y Daniel Scheinert, Steven Spielberg, Todd Field y Ruben Östlund compitiendo por el honor.

Y aunque Sarah Polley se perdió una nominación a Mejor Director por su «Mujeres que hablan», fue nominada a Mejor Guión Adaptado por la adaptación de Miriam Toews, mientras que la película en sí es la única película dirigida por una mujer que aparece en la lista de 10 películas. de los nominados a Mejor Película. El año pasado, el cineasta de “CODA”, Sian Heder, se perdió la nominación a Mejor Director, aunque la película finalmente obtuvo el título de Mejor Película.

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Otras directoras que hicieron algunas de las películas más elogiadas del año y competían por la nominación a Mejor Director que quedaron fuera en la mañana de la nominación incluyen a la directora de “The Woman King” Gina Prince-Bythewood, la cineasta debutante Charlotte Wells (cuya “Aftersun ” ha demostrado ser una de las favoritas entre los grupos de críticos y otros cuerpos más pequeños), la directora de “She Said” Maria Schrader y el director de “Till” Chinonye Chukwu.

En los 94 años de historia de los Premios de la Academia, solo siete mujeres en total han sido nominadas a Mejor Director: Lina Wertmüller («Seven Beauties» de 1976), Sofia Coppola («Lost in Translation» de 2003), Greta Gerwig ( “Lady Bird” de 2017), Emerald Fennell (“Mujer joven prometedora” de 2020), Bigelow, Zhao y Campion. La cineasta de “The Power of the Dog” también es la única mujer nominada dos veces para el honor.

2020 marcó la primera vez que la Academia entregó nominaciones a dos mujeres en la categoría, con Zhao ganando tanto Mejor Director (convirtiéndola en la segunda mujer en ganar el premio, después de Bigelow) como Mejor Película por su «Nomandland», mientras que Fennell se llevó a casa la estatuilla por Mejor Guión Original.

En otras partes del grupo de nominaciones de 2023, a las directoras no les fue mucho mejor, ya que ninguna cineasta fue nominada a Mejor Película Internacional, y solo dos fueron nominadas en la carrera de Mejor Largometraje Documental: el gigante de la temporada de premios de Laura Poitras «All the Beauty and the Bloodshed” y el favorito de Sundance de Sara Dosa “Fire of Love”. En la carrera por Mejor Película Animada, la cineasta de «Turning Red» Domee Shi fue la única directora en tener su película nominada. (Curiosamente, estas son exactamente las mismas cifras que las nominaciones de 2022).

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