En el libro «Watching M*A*S*H, Watching America: A Social History of the 1972-1983 Television Series» de James Henry Wittebols, Gelbart reveló que dos episodios se detuvieron en seco incluso antes de llegar al rodaje. .

Uno de ellos se inspiró en una investigación que los escritores habían realizado sobre la Guerra de Corea y giraba en torno a una historia real en la que miembros de una unidad del Hospital Quirúrgico Móvil del Ejército (MASH, por sus siglas en inglés) se encontraban deliberadamente en el frío en un intento de enfermarse gravemente. Si se enfermaran lo suficiente con algo como neumonía, podrían ser enviados a casa. La CBS no tuvo ningún problema en estar en contra de la guerra, pero trazó el límite de ser tan directamente antimilitar.

El único episodio que fue rechazado por completo por su contenido habría seguido al mujeriego Capitán Hawkeye Pierce (Alan Alda) mientras mantenía aventuras con dos enfermeras al mismo tiempo. Si bien Hawkeye se relacionaba frecuentemente con una enfermera u otra, tampoco parecía tener nunca una relación comprometida con ninguna de ellas. (De hecho, tendía a romper con las mujeres en el momento en que sentían algo por él). Si bien tener dos citas al mismo tiempo es material clásico de las comedias de situación, aparentemente era demasiado a principios de la década de 1970.

Sheridan resumió sucintamente el origen de «kleeman», diciendo:

«[‘Family Guy’] Ha durado tanto tiempo que una vez hicimos una parte en la que teníamos la palabra ‘vagina’ en un episodio. Dijeron: ‘No se puede decir vagina al aire’. Entonces cambiamos la palabra y se nos ocurrió nuestra propia palabra y la llamamos ‘cleman’. Simplemente cambiamos ‘vagina’ por ‘cleman’ y fue como, ‘Oh, simplemente diremos eso’. Ningún problema.'»

Y no fue un problema. Hasta que lo fue. En un episodio posterior, otro escritor quiso volver a llamar a «kleeman», usándola una vez más como palabra de reemplazo para «vagina». Suena grosero, por supuesto, ese es el punto, pero era un juego limpio, dado que los escritores de «Padre de familia» lo inventaron. Sin embargo, cuando los censores de Fox lo buscaron, asumieron que «kleeman» era de uso popular. Sheridan continuó:

«[S]Varios años después, hicimos una broma y usamos la palabra ‘kleeman’ y ellos dijeron: ‘Bueno, no puedes decir eso’. Y nosotros pensamos: ‘¿Qué quieres decir con que no podemos decirlo?’ «Bueno, no, significa vagina». Yo estaba como, ‘¡Lo sé! Lo inventamos.’ Pero llegó al Diccionario Urbano y luego no pudimos decirlo. Pensé: ‘Creo que eso es completamente injusto’. Entonces, cuando un programa dura tanto tiempo, es una locura».

Parece que la adopción de kleeman en el Diccionario Urbano fue una especie de broma hecha por un atento fanático de «Padre de familia». Es poco probable que alguien haya utilizado seriamente a Kleeman en referencia a cualquier parte de la anatomía humana. Al igual que «Sánchez el sucio» o «golpe de burro», se adoptó como término de jerga específicamente porque no existe.

En un hilo «Ask Me Anything» de 2017 en Reddit, se le preguntó al cocreador David X. Cohen sobre cualquier chiste que escribieron y que los «superiores» les hicieron eliminar. Cohen dio un ejemplo de un chiste que no fue particularmente inteligente ni sucio, pero que, sin embargo, llamó la atención de Fox:

«… donde Bender debate contra el profesor para legalizar el matrimonio robosexual. Cuando el programa fue editado para su distribución y posibles horarios de transmisión más tempranos, el censor de Fox no permitió que Bender dijera ‘Soy nuestra A en el hoyo'».

Quizás estés pensando: «¿Eso es todo?» La línea es solo un juego suave con la frase «as en la manga», en la que Bender se refiere a sí mismo como un idiota con el que nadie quiere lidiar. Aunque Comedy Central estuvo de acuerdo con la línea, si estás viendo una repetición en Fox probablemente escucharás a Bender llamarse a sí mismo «un maestro polemista», lo cual, según Cohen, «se consideró aceptable».

Es un cambio extraño, porque un juego de palabras sobre la masturbación parece más inapropiado que la línea original. Pero los censores de Fox trabajan de maneras misteriosas, como se han burlado múltiples programas creados por Matt Groening a lo largo de los años. Su crítica más potente fue probablemente la apertura de un episodio de «La casa del árbol del terror» de «Los Simpson», donde se muestra a un censor de Fox tachando todos los chistes del guión del episodio, incluso los chistes que le parecen graciosos. El segmento termina con el censor asesinado a puñaladas, lo que debería darte una buena idea de lo que piensan los escritores sobre su constante intromisión.

La buena noticia, como muestra el ejemplo de Cohen, es que a menudo es fácil sortear sus reglas arbitrarias. Cuando intentaron evitar que los escritores de «Futurama» contaran un chiste atrevido, los escritores les deslizaron un chiste aún más atroz delante de sus narices.

En 2017, El reportero de Hollywood me dio la oportunidad de escribir una historia oral sobre una de mis pasiones, La hora de la comedia de los hermanos Smothers, el innovador programa de variedades presentado por Tommy Smothers, quien murió el martes a los 86 años, y su hermano Dick. Transmitido por CBS entre 1967 y 1970, el controvertido programa ofreció un universo televisivo alternativo para una generación joven, lleno de humor agudo, sátira política, música rock y relevancia. No adelantado a su tiempo sino más bien acertado.

Recopilé innumerables entrevistas con lo que parecían ser todos los artistas supervivientes del programa, incluidos Steve Martin y Rob Reiner. Todos excepto los propios hermanos, que se habían mostrado bastante esquivos.

A través de canales secundarios, finalmente conseguí el número de móvil de Tommy Smothers, junto con una serie de advertencias. Primero, me dijeron, sea persistente porque casi nunca contesta su teléfono. En segundo lugar, sea persistente porque probablemente no le devolverá la llamada. Y tercero, no seas también persistente porque simplemente lo enojará.

Llamé a Tommy a primera hora un lunes por la mañana. Al escuchar sonar el teléfono, practiqué en mi cabeza el mensaje que le dejaría. Pensé que tendría dos frases, como máximo, para ganármelo. Perdida en mis propios pensamientos, inicialmente extrañé su respuesta susurrante y algo autocrítica: «¿Hola?»

Tomado por sorpresa, me congelé momentáneamente antes de proceder a soltar 100 frases de admiración en tal vez 10 segundos. Tommy se rió, no por nada de lo que dije sino por empatía por mi estado frenético.

Hicimos planes para hablar al día siguiente. Mi momento no podría haber sido peor. Los incendios forestales de California habían devastado su vecindario en el condado de Sonoma, lo que obligó a Tommy a evacuar. No sabía si todavía tenía un hogar, un destino que anticipaba descubrir antes de nuestra llamada programada. Al escuchar mi inquietud, Tommy bromeó. «Puede que no esté de tan buen humor si mi casa no está ahí». La casa sobrevivió.

A lo largo de los años, grabé nuestras conversaciones sobre el artista y su arte, como cómo abrió el camino de la sátira política en televisión para programas como Sábado noche en directo, el programa diario y muchos otros. «Siempre quise algo relevante», dijo una vez. «Sentí que todo lo que aparecía en la televisión no retrataba con precisión lo que estaba sucediendo en el mundo, y pensé que era importante hacerlo».

La hora de la comedia de los hermanos Smothers se convirtió en el primer programa de televisión destacado en atraer la contracultura. “Me dirigía a graduados universitarios y a un tipo de público educado y de cuello blanco”, me dijo. “Resultó que éramos el número uno con niños de 13 años y niñas de 15 años. Los niños siempre van un poco por delante”.

Con la guía de los productores del programa, Saul Ilson y Ernice Chambers, la comedia cruzó generaciones de manera única, combinando el rock and roll con las principales estrellas de Hollywood. Imagine un episodio con Bette Davis y The Who, Tallulah Bankhead y The Temptations o Jonathan Winters y Jefferson Airplane.

Nadie jamás igualó la relación única de los hermanos, mezclando música folklórica y conversaciones naturales con rivalidad entre hermanos y disputas cómicas. “Siempre estábamos peleando desde que éramos pequeños por todo”. Recordó Tommy. “Si la ventana debe abrirse o cerrarse. Dormíamos en literas y peleábamos por comer galletas en la cama”.

Me maravillé de su capacidad para encontrar talento. «Masón [Williams] Dijo que tenemos que ir a Ice House en Pasadena. Hay un chico ahí. Steve Martín. Es un poco divertido y realmente raro”, recordó Tommy. «Vi el programa y dije, sí, traigamoslo».

El legado duradero del programa finalmente se convirtió en las batallas de censura de Tommy con CBS, que les costaron a los hermanos su programa y casi su carrera. “Cuando intentábamos algo y nos decían que no, quería saber por qué”, dijo. «Nunca tuve una buena razón para no poner sustancia en el programa».

A veces, ocultaba la cinta maestra de un episodio de la cadena y la enviaba en el último momento posible antes de emitirse para que nadie tuviera tiempo de editarla. “Me volví muy testarudo. Ahora puedo reírme de ello porque se me han ido todas las lágrimas”, admitió medio en broma.

Una vez jugó al ping-pong con un censor en la azotea de la CBS, al mejor dos de tres, para ver si podía contener una broma. Ganó. La CBS intentó una vez introducir a un espía en la sala de guionistas. “Todos lo sabíamos. Así que hicimos cosas muy malas sólo para mantenerlo ocupado. Lo entretuvimos mucho”. Creía que la red finalmente empezó a instalar micrófonos en su oficina.

Por todo lo que perdió, Tommy sintió empatía por los censores. «Algunos de ellos fueron realmente agradables», dijo.
“Estaban atrapados en un lugar donde nunca antes habían estado. Era una mentalidad de los años 50. No se podía decir «embarazada» o «educación sexual». Fue difícil para ellos cuando se trataba de cuestiones sociales sobre la [Vietnam] guerra, registro de votantes y cuestiones raciales. Y no sabían cómo manejarlo”.

Finalmente, la cadena canceló el programa, un término que los hermanos nunca encontraron exacto. «Dickie siempre se enoja cuando la gente dice eso», dijo Tommy. «Nos despidieron». Pensaron que nunca volverían a trabajar. Salieron de gira para hacer 200 fechas al año en lugares pequeños. Vegas los rechazó. Los amigos se sintieron incómodos. “Si tu amigo está realmente enfermo, falta contacto visual”, dijo Tommy. “Sentí que ellos sentían algo por mí pero no sabían qué decir”. A pesar de todo, siempre admiró a Dickie por estar a su lado. «Mi hermano nunca estuvo enojado conmigo», insiste Tommy. “Él dijo: ‘¿Sabes lo que estás haciendo?’ Dije: ‘Estoy seguro’”.

Creo que el aspecto más conmovedor de mis interacciones con Tommy fue cortesía de Dick. Aproximadamente media hora después de mi primera llamada, Dick llamó (aparentemente Tommy le había pasado mi número). Dick me dijo que Tommy se había sentido deprimido y un poco olvidado. Mi llamada había significado algo para él. Imagínate escuchar eso de uno de tus ídolos.

En el discurso de despedida del general Douglas MacArthur, mencionó que los soldados viejos nunca mueren, simplemente se desvanecen. Estoy de acuerdo con esa primera parte, siempre y cuando mantengamos vivos sus recuerdos. Pero también siento que los artistas especiales no desaparecen. Mantenemos su arte en nuestros corazones. En ese sentido, hoy no es más que un día más en la vida de Tommy, uno por el que estaré eternamente agradecido.

Tom Smothers, el ícono de la comedia contracultural admirado por el programa de variedades de la década de 1960 que creó y presentó con su hermano menor, Dick, y por la tenacidad que mostró en frecuentes enfrentamientos con los censores de la CBS, falleció.

Smothers murió pacíficamente en su casa el martes con su familia a su lado luego de una reciente batalla contra el cáncer, según un comunicado de su hermano y coprotagonista Dick Smothers en un comunicado compartido con El reportero de Hollywood el miércoles por un portavoz del Centro Nacional de Comedia.

«Tom no sólo era el amoroso hermano mayor que todo el mundo querría en su vida, sino que era un socio creativo único en su tipo», dijo Dick en un comunicado compartido con El reportero de Hollywood el miércoles por un portavoz del Centro Nacional de Comedia. “Estaré eternamente agradecido de haber pasado toda una vida junto a él, dentro y fuera del escenario, durante más de 60 años. Nuestra relación era como un buen matrimonio: cuanto más tiempo estábamos juntos, más nos amábamos y respetábamos unos a otros. Fuimos realmente bendecidos”.

La hora de la comedia de los hermanos Smothers se desarrolló desde febrero de 1967 hasta abril de 1969, cuando la pareja fue despedida después de 72 episodios (y con su programa en el top 10 y ya renovado para una cuarta temporada). Frente a la potencia de NBC Bonanza a las 9 pm los domingos por la noche, su programa logró atraer a espectadores más jóvenes, más modernos y rebeldes, al tiempo que lanzó las carreras de Steve Martin, Rob Reiner, Bob Einstein, Mason Williams y muchos otros.

Un corte limpio y un cabello muy corto en una era de Jinete facil y viajes de ácido, los ex cantantes folk y creadores de exitosos discos de comedia musical no parecían el tipo de personas que serían pararrayos de controversia.

«Sus payasadas revolucionaron la televisión, mezclando humor slapstick con sátira política, convirtiéndolos en héroes cómicos que abrieron el camino seguido hoy por satíricos como Jon Stewart, Stephen Colbert y Samantha Bee», escribió Marc Freeman en su introducción a una historia oral de La hora de la comedia de los hermanos Smothers que fue publicado en noviembre de 2017.

«Fue el primer programa que trató sobre la Casa Blanca, el Congreso, la guerra, la contracultura, las drogas, los derechos civiles», señaló Dick en el artículo. “Fuimos los primeros en entrar y los primeros en salir. Hicimos que la comedia para televisión fuera relevante y no solo escapismo. Lo logramos”.

El comediante David Steinberg pronunció sermones religiosos que generaron controversia. David Frye se hizo pasar por el presidente Nixon como un bufón. Los censores mataron muchas parodias (incluida una acerca de censores escrito por Elaine May) y cambió el lenguaje en otros, aunque a veces se lograron referencias ingeniosas sobre drogas. Pat Paulsen, uno de los habituales del programa, se postuló para presidente en 1968 en una parodia de la política nacional.

CBS también se adelantó a un episodio con una repetición y canceló interpretaciones de la canción anti-Guerra de Vietnam de Pete Seeger «Waist Deep in the Big Muddy» (se le permitió cantarla un año después) y «Don’t Stop the Carnival» de Harry Belafonte. ”, que presentaba un collage de videos de los disturbios en la Convención Nacional Demócrata de 1968.

“Cuando probamos algo y nos dijeron que no, quería saber por qué”, dijo Tom. “¿Por qué es controvertido el contenido, incluir algo real, algo con significado? No podía entender por qué eso sería un problema. Y cuando se convirtió en uno, me volví más testarudo”.

En ese momento, la administración de Nixon había avisado a la FCC para que vigilara el contenido que considerara inapropiado. Después de que CBS desterró a los hermanos, presentaron una demanda contra la cadena por incumplimiento de contrato e infracción de derechos de autor. Ganaron un acuerdo de alrededor de 900.000 dólares, pero nunca recuperaron su influencia.

«Dickie y yo siempre nos enojamos cuando la gente dice que nos cancelaron», dijo Tom. “Nos despidieron. La muerte puede llegar de dos maneras, por causas naturales y por asesinato. Nos asesinaron”.

El programa ganó un Emmy por escribir después de su desaparición, con Martin, Einstein, Williams, Lorenzo Music y Allan Blye entre quienes compartieron el honor. Mientras tanto, Tom y Dick fueron nominados a mejor serie musical o de variedades, pero perdieron La risa de Rowan y Martin.

En los Emmy de 2008, Martin le entregó a Tom un premio especial y la pareja ingresó al Salón de la Fama de la Academia de Televisión dos años después. Un documental de 2002, sofocadodetalló su duelo con CBS.

Thomas Bolyn Smothers III nació el 2 de febrero de 1937 en un hospital del ejército estadounidense en Governors Island, en la ciudad de Nueva York, donde estaba destinado su padre. En 1941, la familia se mudó a Filipinas cuando enviaron a su padre allí. Durante la Segunda Guerra Mundial, su madre, Ruth, trajo a Tom, Dick y su hermana menor, Sherry, al sur de California. Su padre murió en un campo de prisioneros de guerra japonés en 1945.

En Redondo Union High School en Redondo Beach, Tom interpretó a un gimnasta con los Sea Hawks y ganó el campeonato estatal en barras paralelas, luego compitió en salto con pértiga en San Jose State. (Dick, 21 meses más joven, era corredor de fondo).

Después de tocar en un grupo llamado Casual Quintet, los hermanos (Tom en la guitarra acústica y Dick en el contrabajo) formaron su propio grupo en 1959. Dos años más tarde, tocaron en el famoso Purple Onion en San Francisco y eran habituales en El nuevo show de Steve Allen.

Sus bromas antes, entre y entre las canciones se convertirían en el centro de su acto, y su rivalidad entre hermanos se convirtió en un chiste recurrente. “A mamá siempre le gustaste más”, se quejaba a menudo Tom, que hacía de “tonto”, a Dick, el hombre heterosexual. Su mirada nerviosa a la cámara era tan creíble que muchos pensaron que era un tonto.

“Tommy era un niño de 5 años demasiado entusiasta que pensaba que entendía las cosas”, dijo Dick. “Era como Gracie Allen; tonto/inteligente, inteligente/tonto. Cuanto más fuerte protestaba de que tenía razón, más sabía yo que estaba equivocado. Así que intentaría corregirlo”.

«Cuando el poder está envuelto en la inocencia, es más aceptable», dijo Martin. “Eran como niños pequeños, pero también tenía a Dickie allí para reprender a Tommy cuando hacía una declaración escandalosa. Es como el travieso muñeco de ventrílocuo que puede salirse con la suya siempre que el ventrílocuo esté ahí para decir: «No puedes decir eso». Es la configuración perfecta para transmitir un mensaje”.

En 1962 lanzaron el álbum. Las dos caras de los hermanos Smothers; un lado tenía melodías populares clásicas y el otro, melodías de comedia, algunas escritas por Paulsen. Se lanzaron a todo vapor a la comedia en sus siguientes tres álbumes. Mientras tanto, aparecían en El show de Danny Thomas y Ley de Burke y encabezó un concierto en el Hollywood Bowl en 1964.

Para la temporada 1965-66, los Smothers Brothers protagonizaron la comedia de CBS. mi hermano el angel, producido por Aaron Spelling. Dick interpretó a un ejecutivo editorial soltero y Tom, que se había perdido en el mar, era un tonto aprendiz de ángel.

La comedia fue cancelada después de 32 episodios y Tom pensó que no aprovechaba al máximo las habilidades de los hermanos. Entonces cuando lanzaron La hora de la comedia de los hermanos Smothers Según CBS, prometieron hacer las cosas de manera diferente.

«Dije que si alguna vez conseguía otro programa, quería una audiencia real y algo de control creativo», dijo Tom. “Entonces, cuando montamos el programa, CBS dijo que estaba bien. Significaba que podía contratar y despedir, discutir y discutir material”.

«Fue probablemente el momento más traumático en nuestro país en términos del cambio en el panorama social y político», dijo Reiner en la historia oral. «Tommy, con su astuto intelecto y su fuerte deseo de justicia social, quería aprovechar eso».

Paulsen se unió La hora de la comedia de los hermanos Smothers en 1968 haciendo “editoriales”, y eso generó su candidatura a la presidencia como miembro del partido Straight Talking American Government… el partido STAG. Se llevó a cabo una recaudación de fondos en la que el cargo fue de 99 centavos por plato, y el comediante inexpresivo recibió 51 votos en las primarias de New Hampshire.

La novia de Martin era bailarina en el programa, lo que llevó a que lo contrataran. Einstein, además de escribir, interpretó el personaje recurrente de la oficial Judy.

En uno de los momentos musicales característicos del programa, una explosión de efectos especiales después de una actuación de The Who en 1967 dañó para siempre la audición de Pete Townshend y hizo volar a Keith Moon de su batería, todo mientras Bette Davis estaba entre bastidores. (También ese año, Tom presentó a Moby Grape, Otis Redding y Big Brother and the Holding Co. de Janis Joplin en el histórico Monterey Pop Festival).

El Hora de la comedia de los hermanos Smothers en su apogeo atrajo a 30 millones de espectadores por semana, pero no duraría mucho.

“Yo era muy joven e ingenuo acerca de lo que estaba pasando Tommy”, dijo Reiner. “Nos protegió mientras luchaba con uñas y dientes para poner en la televisión cosas que nadie antes había hecho. A medida que pasa el tiempo y veo con qué tuvo que lidiar, fui tan estúpido por pensar que no estaba presionando por las cosas. No sabía que eso finalmente provocó que nos sacaran de la televisión”.

Los hermanos regresaron con un espectáculo de verano sindicado; otro programa para NBC que duró sólo 13 episodios en 1975; y finalmente, un esfuerzo de variedades más para ABC en 1988-89.

Tom, a veces con su hermano, a veces no, apareció en programas de televisión como benson, De repente Susana, El barco del amor, Isla de la fantasía y Amor, estilo americano y en películas como Brian De Palma Conozca a su conejo (1972), Pandemonio (1982) y Steven Soderbergh ¡El informante! (2009).

También tocó la guitarra acústica en “Give Peace a Chance” de John Lennon y Yoko Ono e hizo un vídeo instructivo. El hombre yoyoen 1988.

Tom y Dick convirtieron un espectáculo de teatro en una serie de Broadway. Amo a mi esposa a finales de la década de 1970, y en la comedia dramática de NBC Fitz y Huesos, Tom interpretó a un camarógrafo y Dick a un reportero de investigación en una estación de televisión del Área de la Bahía. El programa duró cinco episodios antes de ser cancelado en 1981.

El miércoles, Journey Gunderson, director ejecutivo del Centro Nacional de Comedia que ha ayudado a preservar y mostrar la carrera y el legado de los Smothers Brothers, llamó a Tom «un extraordinario talento cómico que, junto con su hermano Dick, se convirtió en el dúo cómico más duradero de la historia». , entretuvo al mundo durante más de seis décadas, pero fue un verdadero defensor de la libertad de expresión, aprovechando el poder de la comedia para traspasar los límites y nuestra conciencia política.

“Tom fue un verdadero pionero que cambió la cara de la televisión y transformó nuestra cultura con La hora de la comedia de los hermanos Smotherscual satirizó la política, combatió el racismo, protestó contra la guerra de Vietnam y abrió el camino para Sábado noche en directo, El show diarioprogramas nocturnos de la cadena de hoy, y mucho más”, continuó. «Estamos orgullosos de sacar a Tom y Dick de su retiro y reunirlos en el escenario en 2019 para celebrar sus legendarias carreras, y nos sentimos honrados de preservar el notable trabajo y legado de Tom aquí en el National Comedy Center para las generaciones venideras».

A Tom le sobreviven sus hijos Bo y Riley Rose Smothers, su nieto Phoenix, Marcy Carriker Smothers, su cuñada Marie Smothers y varios sobrinos y una sobrina. Falleció antes que su hijo Tom y su hermana Sherry Smothers.

En 2024 se llevará a cabo un servicio conmemorativo privado para familiares y amigos. Dick y su esposa, Marie, han solicitado que se hagan donaciones conmemorativas en honor a Tom al Centro Nacional de Comedia.

En una conversación con Ed Solomonson para el libro de Solomonson y Mark O’Neill de 2009 «TV’s ‘M*A*S*H’: The Ultimate Guidebook», Gelbart habló sobre un par de referencias especialmente corporales que de alguna manera lograron superar los censores de la cadena. El primero tuvo lugar en el episodio de la temporada 2 «El juicio de Henry Blake», en el que Frank Burns (Larry Linville) y la enfermera jefe Margaret Houlihan (Loretta Swit, cuyo personaje evolucionaría más tarde, pero en ese momento era mayormente solo un snob) decidió acusar formalmente al coronel Blake (McLean Stevenson) por su liderazgo incompetente. El crédito del guión del episodio fue para el propio Stevenson, y el actor (o uno de sus compañeros escritores) logró hacer una referencia asombrosa a los juguetes sexuales.

Llega el momento en que Hawkeye se acerca a Margaret usando un masajeador de cuello electrónico sobre Frank, con quien todo el campamento sabía que estaba teniendo una aventura apasionante. «Detrás de cada gran hombre, hay una mujer con un vibrador», bromea Hawkeye, con un doble sentido que, según se incline la cabeza, señala la idea de las hazañas sexuales en solitario (y secretas) de una mujer, o incluso de la entonces incluso idea más tabú de la estimulación de la próstata. De cualquier manera, la broma fue aparentemente intencionada. «Probablemente el pobre idiota que era el censor no sabía lo que la gente hacía con un vibrador», le dijo Gelbart a Solomonson riéndose cuando el escritor sacó a relucir el chiste durante una entrevista en 2004. «Tal vez pensó que estábamos hablando de un vibrador de pie», concluyó Gelbart. Después de hacer el comentario, Hawkeye y Trapper (Wayne Rogers) saludan, para que Margaret haga lo mismo y accidentalmente sostenga el voluminoso masajeador de metal en el proceso.

Hay una escena en «La noche del juicio final» en la que Carl tiene una conversación con el capitán del carguero, interpretado por el incondicional Patrick Macnee (quien más tarde interpretó a John Steed en la serie de espías de larga duración «Los Vengadores»). Como es inglés, el capitán pide un servicio de té en el puente con la esperanza de disfrutar de una taza de té en este estresante viaje. «The Twilight Zone», sin embargo, fue patrocinada por General Foods, la empresa matriz de Sanka Coffee, y los anuncios de Sanka se publicaron durante las transmisiones de «Twilight Zone». A los señores corporativos les preocupaba que representar a alguien bebiendo té fuera visto como un chelín para un competidor.

General Foods, fundada por CW Post, comenzó en la década de 1890 fabricando un producto llamado Postum, una bebida de melaza que se vendía como alternativa al café. Poco después, debutaron con Grape-Nuts, un cereal de cebada que todavía se encuentra en los estantes hasta el día de hoy. En 1914, General Foods era tan popular que pudieron adquirir otras empresas de alimentos, incluida Jell-O y, más notablemente, la empresa de café Maxwell House. En 1959, cuando patrocinaban «The Twilight Zone», General Foods era un titán en la industria alimentaria y poseía marcas como Hostess, Tang y Kool-Aid.

Curiosamente, General Foods fabricaba té como parte de la marca de la casa Maxwell. En un folleto de 1936 sobre la producción de General Foods, se encuentra la siguiente descripción: «Mezclado únicamente con tés de jardín, Maxwell House es una mezcla selecta de tés Pekoe y Orange Pekoe».

Supongo que cuando una entidad poderosa te dice que elimines las referencias al té de tu concisa obra moral de la Segunda Guerra Mundial, ambientada en Gran Bretaña, debes actuar, sin importar cuán ilógico pueda ser. Entonces Rod Serling capituló.

Daniel Craig no fue el primero en interpretar a un 007 descarnado y realista cuando debutó en la mejor película de Bond jamás realizada, «Casino Royale» de 2006. En 1987, Timothy Dalton presentó al público una versión más seria del personaje con «The Living Daylights», que desafortunadamente sigue siendo una entrada decepcionante en el canon de Bond. Aún así, la continuación de Dalton, «Licence to Kill» (1989), logró mejorar a su predecesora, pero no sin entrar en conflicto con los censores británicos.

En el libro de 2015 de Matthew Field y Ajay Chowdhury, «Some Kind of Hero: The Remarkable Story of the James Bond Films», los autores cuentan cómo «Licence to Kill», con su «perfil más duro», consiguió que el director John Glen y el legendario productor de Bond Albert «Cubby» Broccoli en una intensa batalla con los censores británicos. Como cuenta el libro, la BBFC tuvo un problema particular con el capo de la droga de Robert Davi, Franz Sanchez, que azotaba a su novia, Lupe Lamora (Talisa Soto). Tampoco estaban muy contentos con que los tiburones de Sánchez mutilaran a Félix Leiter (David Hedison), socio de Bond desde hace mucho tiempo. La muerte del villano, que involucró que le prendieran fuego antes de perecer en una explosión, también causó problemas.

Como escribieron Field y Chowdury, una parte de la película «fue vista por [BBFC] presidente, James Ferman, seis examinadores y una variedad de jóvenes de entre quince y veinte años», antes de recibir un certificado «15» que prohibía a cualquier persona menor de esa edad ver «Licence» en los cines. Ese mismo año, la BBFC creó un nuevo «12» calificación para ubicarse entre sus categorías «PG» (Guía de los padres) y «15». El éxito de taquilla de Tim Burton «Batman» fue el primero en recibir esta nueva calificación, mientras que Bond desafortunadamente no se lo dio, y la BBFC anunció que había » no hay apoyo en absoluto para la reclasificación [‘Licence’] como 12 incluso con cortes».

Los censores cinematográficos de Tailandia han alterado el estreno de la película de terror local «Hoon Payon», que debería haber llegado a los cines el jueves.

La película tuvo un exitoso estreno mundial el martes en una gala en Bangkok. Pero desde entonces los censores han intervenido para exigir que se eliminen cinco escenas e imponer una calificación de más de 20 en la película de Five Star Production.

La calificación significa que los espectadores deben tener 20 años o más, lo que excluye al grupo demográfico adolescente clave de la película, y obliga a los operadores de cine a verificar las tarjetas de identificación de todos los espectadores.

La historia de la película involucra a un hombre que viaja a un pueblo en una región fronteriza donde su hermano, un monje budista novato, ha sido acusado de asesinato. A medida que se acumulan más cuerpos, el hombre cuestiona la fe ciega de los aldeanos en un muñeco o maniquí supuestamente protector.

Las escenas que han ofendido involucran al monje ficticio enzarzado en discusiones acaloradas y el abrazo de una mujer mayor, que puede ser o no su madre.

“Los operadores de cine nos han dicho que no entienden esta calificación de ’20+’ y nos han pedido que apelemos contra ella. Ya hicimos las ediciones y presentamos nuestra apelación”, dijo un portavoz de Five Star, uno de los estudios de cine más antiguos de Tailandia. Variedad.

“Esta película había obtenido amplias licencias y los distribuidores en 13 territorios habían organizado estrenos simultáneos. Han retrasado el lanzamiento hasta que tengamos una nueva fecha de lanzamiento. Ojalá pronto”, dijo el vocero.

La Asociación de Directores de Cine de Tailandia también protestó por la prohibición de facto y dijo que tales acciones restringen los derechos de las personas y dañan la industria cinematográfica. En una publicación de Facebook, la organización pidió la reforma de la Ley de Cine que otorga a los burócratas un poder tan sustancial sobre lo que la gente ve.

Si bien el budismo no se define legalmente como la religión oficial del país, las autoridades tailandesas se han centrado repetidamente en películas y programas de televisión que representan a los monjes en cualquier cosa menos en un comportamiento santo. La película de 2006 «Síndromes y un siglo» del director tailandés ganador de Cannes Apichatpong Weerasethakul fue prohibida anteriormente por mostrar a un monje ficticio tocando una guitarra y una escena en la que dos médicos se besan. En 2018, un programa de televisión “Thi Baan” fue censurado debido a una escena en la que un monje budista llora por la muerte de una ex novia.

El eje entre la autoridad, la religión budista y la monarquía va al corazón de la base política conservadora del país. Y aparentemente no se puede tocar.

Pero la censura tailandesa también es selectiva: hay monjes tailandeses en el mundo real que tienen cuentas de TikTok y otros que presiden templos fabulosamente ricos pero parecen escapar de las críticas, y la censura cinematográfica es inconsistente.

El director de “Hoon Payon”, Phontharis Chotkijsadarsopon, el guionista Adirek Phothong y Five Star han presentado anteriormente una serie de películas del mismo género, que incluyen “Pee Nak”, “Pee Nak 2”, “Pee Nak 3”, “Still” y “ Barco fantasma.»

“No entendemos la calificación de más de 20, ni por qué esta película en particular ha sido atacada”, dijo Five Star.

El elenco de la película incluye a Phuwin Tangsakyuen, Kunatip Pinpradab, Poompat Iam-samang, Bhuripat Vejvongsatechavat, Thasorn Klinnium, Pannawit Pattanasiri, Waratthip Kittisiripaisan y Phongsakon Michai.

«Over The Edge» comienza con un estilo dramático cuando Barbara Gordon como Batgirl es derribada de un edificio por el Espantapájaros antes de aterrizar en el capó de un automóvil que transporta a su propio padre, el Comisionado Gordon. Luego muere en los brazos de su padre (sí, este era un programa para niños) en lo que es una de las escenas más conmovedoras y emotivas de todo el programa. Pero como el legendario actor de voz detrás de Batman, Kevin Conroy, le dijo a Vulture: «En la animación, en realidad no puedes matar a nadie. Los estándares y las prácticas no lo permitirán».

Para sortear este pequeño detalle en su plan, el equipo de redacción usó algunas tácticas. Al final del episodio, descubrimos que la muerte de Barbara y la subsiguiente guerra entre su padre y la familia Bat fue una alucinación provocada por la toxina del miedo del Espantapájaros. Eso contribuyó en gran medida a aplacar a los censores. En declaraciones a ScienceFiction.com, Timm reveló que «Over The Edge» fue uno de sus momentos favoritos personales de la era de Kids’ WB simplemente porque «realmente superó a la gente de Broadcast Standards and Practice».

«Aunque es un sueño, y eso es una especie de trampa, siento que el episodio gana esa trampa para que al final no digas, ‘¿Oh, todo es un sueño?’ Porque te lo decimos desde el principio, en el momento en que ves aparecer al Espantapájaros, sabes que no es real. ¡Pero ese fue un episodio realmente bueno! ¡Y toda esa parte en la que matamos a Batgirl, fue algo divertido! Tengo que jugar con las emociones de la gente».