Aquí es donde el simios La franquicia tiene éxito y cómo encuentra nuevas audiencias, mientras que otras propiedades clásicas de ciencia ficción como Guerra de las Galaxias y Star Trek—si bien tienen éxito por derecho propio—no pueden salir de sus respectivas bases de fans y encontrar formas de atraer e impresionar a nuevos fans.

Reinvención del planeta de los simios

Los primeros cinco simios Las películas no sólo fueron pioneras en el uso de efectos especiales de maquillaje, sino también en su concepto narrativo: el quinteto de películas contaba una historia continua que abarcaba miles de años y giraba sobre sí misma, dando vueltas a una historia futura de la Tierra que no sólo estaba trazada. a gran escala, pero también fue sorprendentemente sombría y a menudo nihilista para el cine convencional producido en Hollywood (y todos menos uno fueron calificados “G”, nada menos).

Si bien la nueva versión de Burton de 2001 tuvo sus puntos fuertes (el maquillaje, la partitura, algunas de las actuaciones individuales), se vio obstaculizada por un protagonista mal interpretado, un guión incoherente (resultado de un par de décadas de desarrollo inepto que simplemente intentó encajar en simios concepto en una premisa genérica de película de acción), y la sensación de que no se trataba de nada más que sacar provecho (en ese momento) de una propiedad inactiva con una nueva capa de pintura y un toque de director llamativo. Además, era esencialmente una nueva versión de la película original: el astronauta viaja al futuro, se encuentra en el planeta de los simios inteligentes y debe escapar. Sin embargo, no tenía ninguna de las sátiras sutiles o los fundamentos sociológicos del original en el que el coronel George Taylor de Charlton Heston se encuentra defendiendo a la raza humana después de huir al espacio para alejarse de todos en primer lugar.

Así que alguien en 20th Century Fox (el estudio de los simios antes de que fuera absorbido por Disney) debe haber aprendido una lección de esto, porque la siguiente iteración del ciclo, que comienza en 2011 con Rupert Wyatt, El origen del planeta de los simios, tomó un rumbo completamente diferente. Por un lado, la idea de poner prótesis a actores humanos había terminado; La tecnología CGI y de captura de rendimiento, avanzando a pasos agigantados, permitiría reinventar la apariencia misma de los simios. En segundo lugar, esta era de la franquicia se centraría desde el principio en los simios. Si bien el ciclo original había inclinado brillantemente el punto de vista del humano al simio a lo largo de las cinco películas (con la de 1971 Escape del planeta de los simios siendo el título fundamental), El origen del planeta de los simios Se centró desde el principio en el simio conocido como César, el modesto chimpancé de laboratorio (interpretado de manera indeleble por Andy Serkis), que a lo largo de la película se convertiría en una versión científicamente mejorada de sí mismo y en un líder revolucionario de su pueblo.

Sí, en lo más básico de todo, Elevar y su continuación, dirigida por Matt Reeves en 2017. El amanecer del planeta de los simiosreinterpretó libremente algunos de los eventos de las películas posteriores del ciclo original, de 1972. Conquista del planeta de los simios y 1973 Batalla por el planeta de los simios. Incluso hubo huevos de Pascua que dieron un guiño a la serie original, como el propio nombre de César e informes de noticias sobre el lanzamiento de una nave espacial que, sin duda, se suponía que nos haría preguntarnos si el coronel Taylor estaba al mando de la nave.

Pero el origen de los simios, cómo se volvieron inteligentes mientras la humanidad caía y cómo César evolucionó de un líder en tiempos de guerra a una figura parecida a Moisés que guiaba a su tribu a la tierra prometida, fue todo diferente. Los personajes eran todos diferentes. La trayectoria de la historia también se vio alterada. Y a diferencia de la entrega de 2001, la trilogía de César trataba sobre muchas cosas, algunas de las cuales continúan en la nueva película: arrogancia, avaricia, indiferencia y crueldad hacia otras formas de vida, y la siempre relevante cuestión de si dos especies en competencia pueden tolerar la existencia del otro. Muchos fanáticos debaten en línea sobre si el actual simios ciclo, que ahora incluye Reino ,es parte de la misma continuidad que las películas originales. Nuestra teoría es que no lo son: creemos que tienen lugar en un universo paralelo, muy parecido al Spider-Verse en algunos aspectos, donde ciertos puntos de inflexión importantes en la historia permanecen constantes, incluso cuando los detalles a su alrededor cambian.

En los primeros minutos de «Dune: Part Two» de Denis Villeneuve, los cazadores Harkonnen buscan guerreros nativos Fremen en la superficie de Arrakis durante un eclipse. Los cazadores rápidamente se dan cuenta de que los Fremen han llamado a un gusano de arena para devorarlos, por lo que activan sus mochilas propulsoras antigravedad y se elevan desde las dunas hasta una enorme formación rocosa para evitar ser devorados. Es una acción bastante simple (hemos visto mochilas propulsoras en la pantalla muchas veces antes), pero hay algo en la tangibilidad del efecto combinado con la música de Hans Zimmer, la ubicación en el desierto y la impresionante iluminación naranja que se ve distinta de cualquier otra. parte de la película me hizo susurrar «wow» en mi asiento del cine. Para cuando los Harkonnen se dan cuenta de que es una trampa y están siendo eliminados uno por uno, ya es demasiado tarde.

En honor al lanzamiento hoy del disco 4K UHD de «Dune: Part Two», tuve el placer de hablar con el director de fotografía Greig Fraser sobre la película y le pregunté cómo logró el aspecto de esta asombrosa secuencia de acción inicial.

«Denis y yo estábamos hablando sobre cómo abrir la película», explicó Fraser. «Hablamos de hacerlo de noche, hablamos de hacerlo día por noche, hablamos de hacerlo durante el día, y todas esas cosas simplemente no nos sentaron bien. Simplemente dijimos: ‘Esto no es… ‘, quiero decir, nos sentamos en el asiento del público y dijimos: ‘Está bien, hemos comprado palomitas de maíz, estamos bebiendo Coca-Cola, vamos, tienen que mostrarnos lo que tienen, muchachos’. .’ Pensamos, bueno, si empezamos de la misma manera que terminó el último, con esa mirada, se sintió un poco, eh, no está bien».

«Estábamos jugando con todas esas cosas diferentes y encontré un filtro que corta varios rayos de luz», continuó. «He estado jugando, particularmente en Giedi Prime, con infrarrojos y recortando rojos, verdes y azules, y recortando diferentes espectros de luz para crear diferentes estilos. Eso es efectivamente lo que hacen los filtros: los filtros cortan una gran cantidad de espectros de luz. Pero tenía un filtro variable que eliminaba justo suficiente azul como para que se pudiera obtener un poco de azul en el cielo, pero era mayormente anaranjado o rojo, y tenía el elemento correcto de detalle de sombras. Así que elegimos usar este filtro y decidimos hacerlo más profundo y oscuro a medida que avanzaba la historia y el eclipse se hacía más pesado».

Si bien «Contact» presenta un toque diegético de «Spirit in the Sky» de Norman Greenbaum en un momento dado (después de todo, este es un local de Zemeckis, por lo que, por supuesto, hay canciones de rock antiguas), una primera versión de su guión incorporó esto. concepto de una manera mucho más literal. Como explicó Zemeckis a Vulture por su historia oral de la película en 2022, esto también es lo que le hizo decir no a dirigir la primera vez a pesar de su amor por el trabajo de Sagan en general:

«[…] Siempre me encojo de hombros ante el diseño de los extraterrestres: ¿cómo puede alguien saber cómo lucirlos? Un primer borrador tenía el cielo abierto al final y todos los extraterrestres bajaron para demostrar que el viaje de Ellie era veraz. Y simplemente dije: ‘No, gracias'».

Se puede entender la vacilación de Zemeckis. Para cada Xenomorfo o ET, la historia del cine está plagada de diseños extraterrestres que derivan de los clásicos o poco más que humanos con algo de maquillaje. (Fasers down, Trekkies; soy muy consciente de que «Star Trek» tiene una explicación canónica de por qué la mayoría de sus extraterrestres son humanoides). Sin embargo, con «Forrest Gump» en su haber, Zemeckis sabía que estaría «a cargo creativamente de la película» cuando el guión de «Contacto» volvió a fallecer. Al final, incluso ideó una manera de retratar a los extraterrestres de la película sin mostrarlos (lo cual no revelaré aquí para aquellos que aún no han visto la película).

Más importante aún, la forma en que “Contact” describe a sus seres de otro mundo continúa con su tema central de que la razón y la fe no tienen por qué estar en desacuerdo entre sí. La permanencia de ese mensaje es sólo una prueba más de que Zemeckis estaba operando a la altura de sus habilidades cuando hizo la película.

NVIDIA ha compartido más estadísticas de rendimiento de su arquitectura de GPU Blackwell de próxima generación que ha arrasado en la industria. La compañía compartió varias métricas, incluidos sus resultados científicos, de inteligencia artificial y de simulación, en comparación con los chips Hopper salientes y las CPU x86 de la competencia cuando utilizan módulos Superchip con tecnología Grace.

Las monumentales ganancias de rendimiento de NVIDIA con las GPU Blackwell no se limitan solo a la inteligencia artificial, la ciencia y la simulación también experimentan un enorme impulso

En una nueva publicación de blog, NVIDIA compartió cómo las GPU Blackwell agregarán más rendimiento al segmento de investigación que incluye computación cuántica, descubrimiento de fármacos, energía de fusión, simulaciones basadas en física, computación científica y más. Cuando la arquitectura se anunció originalmente en GTC 2024, la compañía mostró grandes números, pero aún tenemos que ver adecuadamente la arquitectura en sí. Mientras esperamos eso, la empresa tiene más cifras para que consumamos.

Empezando por los detalles, uno de los mayores objetivos de NVIDIA con su arquitectura de GPU Blackwell es reducir costes y requisitos energéticos. NVIDIA afirma que la plataforma Blackwell puede simular patrones climáticos a un costo 200 veces menor y 300 veces menos energía, mientras que la ejecución de simulaciones de gemelos digitales que abarcan todo el planeta se puede realizar con un costo 65 veces menor y una reducción de energía 58 veces mayor.

NVIDIA también arroja luz sobre la doble precisión de las capacidades FP64 (punto flotante) de sus GPU Blackwell, que tienen un 30 % más de TFLOP que Hopper. Una sola GPU Hopper H100 ofrece alrededor de 34 TFLOP de cómputo FP64 y una sola GPU Blackwell B100 ofrece alrededor de 45 TFLOP de rendimiento informático. Blackwell viene principalmente con el Superchip GB200, que incluye dos GPU junto con la CPU Grace, por lo que son alrededor de 90 TFLOP de capacidades informáticas FP64. Un solo chip está detrás de los aceleradores AMD MI300X y MI300A Instinct que ofrecen 81,7 y 61,3 TFLOP de capacidades FP64 en un solo chip.

Si bien las GPU Blackwell de NVIDIA dieron un paso atrás en el tradicional rendimiento de punto flotante denso, eso por sí solo no debería socavar sus capacidades informáticas. La compañía muestra por primera vez el rendimiento de la simulación en la simulación Cadence SpectreX, que se ejecuta 13 veces más rápido en Blackwell GB200 y ganancias 22 veces en CFD (dinámica de fluidos computacional) en comparación con ASIC y CPU tradicionales. El chip también es mucho más rápido que los sistemas A100 y Grace Hopper (GH200).

NVIDIA cambia rápidamente de marcha y nos ofrece rendimiento de IA una vez más, donde su plataforma de GPU Blackwell GB200 vuelve a reinar con una ganancia de 30 veces sobre H100 en GPT (1,8 billones de parámetros). La plataforma GB200 NVL72 permite un rendimiento hasta 30 veces mayor al tiempo que logra una eficiencia energética 25 veces mayor y un TCO (costo total de operación) 25 veces menor. Incluso comparar el sistema GB200 NVL72 con 72 CPU x86 produce una ganancia de 18 veces para el sistema Blackwell y una ganancia de 3,27 veces sobre el sistema GH200 NVL72 en la consulta de unión a base de datos.

La plataforma NVIDIA Grace Hopper GH200 continúa ganando ofertas de supercomputadoras

Con todo lo que se habla sobre las GPU Blackwell, uno debería esperar que todos se olviden de Hopper, pero ese no es el caso en absoluto. La plataforma de GPU con superchip NVIDIA Grace Hopper GH200 sigue siendo el rey indiscutible del segmento de IA en este momento y actualmente impulsa nueve supercomputadoras diferentes en todo el planeta con una capacidad informática combinada de 200 exaflops, logrando 200 quintillones de cálculos por segundo de rendimiento de IA.

Las nuevas supercomputadoras basadas en Grace Hopper que entrarán en funcionamiento incluyen EXA1-HE, en Francia, de CEA y Eviden; Helios en el Academic Computer Center Cyfronet, en Polonia, de Hewlett Packard Enterprise (HPE); Alpes en el Centro Nacional Suizo de Supercomputación, de HPE; JUPITER en el Centro de Supercomputación de Jülich, en Alemania; DeltaAI en el Centro Nacional de Aplicaciones de Supercomputación de la Universidad de Illinois Urbana-Champaign; y Miyabi en el Centro Conjunto de Computación Avanzada de Alto Rendimiento de Japón, establecido entre el Centro de Ciencias Computacionales de la Universidad de Tsukuba y el Centro de Tecnología de la Información de la Universidad de Tokio.

Nvidia

Las GPU de NVIDIA son el producto elegido en este momento para la creciente demanda de IA y parece que eso no va a detenerse. Los analistas han señalado que NVIDIA será la fuerza dominante a lo largo de 2024 y, tan pronto como Blackwell esté disponible para los clientes, podemos esperar que marque el comienzo de niveles récord de rendimiento en el segmento de IA y en el propio flujo de ingresos de NVIDIA. Pero NVIDIA no se detendrá pronto, ya que se anticipa que la compañía comenzará la producción de sus GPU Rubin R100 de próxima generación a fines de 2025 y los detalles iniciales parecen una locura.

Parte del problema de «Passengers» es cómo cuenta su historia. El primer acto de la película es bastante flojo; Nunca hay ninguna razón para dudar de que Jim eventualmente despertará a Aurora, ya que la posibilidad de estar solo por el resto de su vida (a excepción de Arthur, el robot barman interpretado por Michael Sheen) afecta mucho su bienestar mental. Como han señalado otros (incluido el videoensayista Evan Puschak), contar la historia desde la perspectiva de Aurora habría agregado un elemento de suspenso y misterio, haciendo que la película fuera mucho más atractiva a medida que gradualmente revela la verdad sobre lo que hizo Jim. Ponernos en el lugar de Aurora también haría que el horror de su situación fuera mucho más duro.

El otro problema es que «Pasajeros» desea desesperadamente un final feliz. La segunda mitad de la película presenta una amenaza exterior contra la cual Jim y Aurora se unen, dándole a Jim la oportunidad de redimirse. Es a la vez una excusa artificial para llevar la trama a un clímax y una forma insatisfactoria de justificar el romance profundamente problemático de la película. Una película más atrevida podría haber seguido el camino de «Vértigo», reconociendo que el comportamiento de su protagonista masculino es inquietante e inquietante antes de terminar con una nota más oscura y trágica. (Para aquellos que tengan curiosidad, el final de un borrador de guión anterior de «Pasajeros» no fue mucho mejor).

Lo frustrante de «Pasajeros» es que es una película original de gran presupuesto con los ingredientes de una reflexiva historia para adultos (exactamente lo que los entusiastas del cine han estado pidiendo más), pero la ejecución está dolorosamente mal manejada. A veces, la reacción inicial contra una película no está justificada; sólo con el tiempo y la distancia llegan a ser reevaluados adecuadamente. Lamento decirlo, pero ese no es el caso aquí. Como siempre, Adele tenía razón.

1000xRESISTENCIA Es un juego sorprendente, desde su nombre hasta su premisa y estilo visual. Su inquietante mundo de ciencia ficción y su narrativa recuerdan a Nier Automata, Killer7, Remember Me, Signalis y el subestimado Echo de 2017, aunque parece ser mucho más que una simple combinación de esas influencias. También generó mucho revuelo en el período previo a su lanzamiento, acumulando nominaciones a premios del Independent Games Festival (o IGF) y estableciéndolo como un proyecto al que vale la pena prestarle atención. Ahora salió en Steam, brindando al público curioso la oportunidad de verlo más de cerca.

1000xRESIST es difícil de clasificar en un solo género de videojuego. El juego independiente está ambientado en un futuro lejano donde los jugadores asumen el papel de un clon creado a partir de ALLMOTHER, el único superviviente de un evento apocalíptico que ahora es adorado por la protagonista y sus homólogos idénticos. Su creador cita a Nier Automata y el trabajo cinematográfico y televisivo de Satoshi Kon (Perfect Blue; Paprika) y Hideaki Anno (Neon Genesis Evangelion; Shin Godzilla) como influencias, junto con el director de teatro experimental Robert Wilson (Einstein on the Beach; The Black Rider). ).

El juego toma la forma de una aventura misteriosa donde el jugador, como un clon llamado Watcher, investiga la historia de su extraño mundo revisando y reviviendo los recuerdos de ALLMOTHER. La página de Steam de 1000xRESIST explica que el juego cambia «entre una aventura en tercera persona, una novela visual y un simulador de caminata en primera persona» mientras Watcher explora estos recuerdos y la extensa casa subterránea que ella y sus hermanas habitan.

Cualquiera que esté interesado en ver cómo se desarrolla esto puede adquirir 1000xRESIST con un 10% de descuento hasta el 23 de mayo, lo que reduce su precio a $17,99 USD / £15,07. Obtenga una copia aquí mismo.

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El mundo de ciencia ficción de «Minority Report» es impecable, y tanto Speilberg como sus guionistas Scott Frank y Jon Cohen construyeron un mundo detallado de publicidad holográfica dirigida, trasplantes de órganos para pacientes ambulatorios, autos sin conductor que pueden trepar paredes y arañas criminales mecánicas. que pueden infiltrarse en apartamentos cerrados para escanear los ojos de las personas. Estos detalles, sin embargo, eran secundarios para Spielberg, meros fragmentos del trasfondo. La historia era más importante para el cineasta y reveló que vio algunas de sus antiguas películas de detectives favoritas como inspiración. Él dijo:

«Tenía a John Huston en mi oído en ‘Minority Report’. Regresé y miré ‘El halcón maltés’ y [Howard] Hawks en ‘The Big Sleep’ para ver cómo se resolvieron algunos de esos misterios del cine negro. No pusieron puntos en cada «i» ni cruzaron cada «t». Intentaron mantenerte desequilibrado. Hicieron más preguntas de las que podían responder en aquellos días».

«El halcón maltés» se estrenó en 1941 y fue protagonizada por Humphrey Bogart como Sam Spade de Dashiell Hammett, un investigador privado que es contratado para localizar a la hermana desaparecida de una mujer fatal, pero descubre un complot en torno a una misteriosa estatua de halcón codiciada por una galería de rufianes pícaros. «The Big Sleep», basada en la célebre novela de Raymond Chandler, también está protagonizada por Bogart, esta vez como Philip Marlowe, un detective que se adentra en la parte más sórdida de Los Ángeles.

Vale la pena señalar que los Pre-Cogs en «Minority Report» se llaman Agatha, Arthur y Dashiell, presumiblemente en honor a los autores de misterio Agatha Christie, Arthur Conan Doyle (o quizás Robert Arthur, Jr.) y Dashiell Hammett. Las inspiraciones de Spielberg se revelan en la superficie.

Marathon, el videojuego de 1994 que marcó la primera incursión del desarrollador de Halo y Destiny, Bungie, en el mundo de los shooters de ciencia ficción en primera persona, está, como Bungie dijo anteriormente que estaría, ahora disponible en Steam de forma gratuita. Y los dos títulos restantes de la serie llegarán en una fecha posterior.

Marathon Classic, como se conoce el lanzamiento de Steam, ha sido desarrollado por el equipo detrás de Aleph One, un motor creado por fanáticos basado en el código fuente de Marathon 2, y promete «un juego auténtico usando el original». [Marathon] archivos de datos». Sin embargo, también cuenta con compatibilidad opcional con HUD de pantalla ancha, filtrado/perspectiva 3D, audio posicional e interpolación de más de 60 fps, «por si acaso», como dice el equipo, «el original es también auténtico.»

«Fuerzas alienígenas han abordado la nave colonial UESC Marathon en el sistema Tau Ceti, en órbita alrededor de la primera colonia interestelar de la humanidad», se lee en la propaganda del escenario de Marathon Classic. «La situación es terrible y, como oficial de seguridad asignado al Marathon, tu deber es defender la nave y su tripulación de la amenaza alienígena».

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Las otras dos entregas de la serie de Marathon, Marathon 2: Durandal de 1995 y Marathon Infinity de 1996, también se dirigen a Steam y ya tienen sus propias páginas de tienda aquí y aquí. Sin embargo, ni el equipo Aleph One ni Bungie han confirmado fechas de lanzamiento. Sin embargo, aquellos interesados ​​en el Marathon original de Bungie, ya sea nuevo en la serie o que regrese después de una pausa de tres décadas, pueden descargar Marathon Classic gratis en Steam ahora mismo.

Y si Bungie tiene algún otro motivo para devolver la trilogía original al ojo público más allá de las celebraciones de su aniversario, probablemente se parezca mucho a su próximo reinicio de Marathon. Bungie anunció que estaba reviviendo Marathon, aunque como un shooter de extracción PvP de ciencia ficción, en mayo pasado. Aún no se ha compartido ninguna ventana de lanzamiento para el proyecto, pero un informe de octubre pasado afirmó que se había retrasado hasta 2025 después de que originalmente se había previsto un lanzamiento este año.

En la retrospectiva, Henson explicó que a finales de la década de 1990, cuando estaban desarrollando «Farscape», sintieron la necesidad de romper con los programas de ciencia ficción más importantes del aire, especialmente «Star Trek»:

«Lo que intentábamos hacer en aquel entonces era romper el molde. El programa más importante fue ‘Star Trek’, sin duda. Y ‘Star Trek’ había adoptado una visión del futuro en la que la gente tiene mucho más control de sus emociones. , y son más eficientes en su comunicación. Se sienten como un ser humano elevado cuando ves a la gente interactuando en los programas de ‘Star Trek’. Realmente queríamos una sensación y un tono completamente diferentes».

En la época en que se estaba desarrollando «Farscape», «Star Trek: Deep Space Nine» y «Star Trek: Voyager» estaban en el aire, y «Star Trek: The Next Generation» acababa de dar el salto de la pantalla chica a el cineplex. La tripulación a bordo de Moya en «Farscape» está bastante alejada de personajes como el increíble héroe militar Ben Sisko de «Deep Space Nine» o el brillante diplomático Jean-Luc Picard de «Next Generation». A pesar de que la mayoría de ellos son extraterrestres de algún tipo, todos son muy identificables y muy, muy humanos.

En esta entrega de Lo que estamos escuchando, los escritores y editores de Engadget analizan algunos de los lanzamientos musicales recientes que hemos repetido. Es seguro decir que hay cierta variedad en esta lista.

Sierra Ferrell- Sendero de flores

Sierra Ferrell parece casi un anacronismo en 2024, pero de la mejor manera posible. Tiene ese estilo country antiguo y sin esfuerzo que en algunos puntos recuerda a artistas como The Carter Family o Flatt and Scruggs (sus brillantes versiones de canciones que alguna vez interpretó este último dúo están grabadas permanentemente en mi cerebro), y es tan refrescante. Sendero de floresel segundo álbum de estudio de Ferrell, avanza un poco más hacia un sonido más moderno, pero mantiene esta sensación profundamente americana que parece surgir del artista nacido en Virginia Occidental con tanta naturalidad.

La música country no es sólo una cosa, y tampoco lo es Sendero de flores. Serpentea a través de diferentes sabores (folk, bluegrass, toques de jazz), pero se las arregla para hacerlo de una manera que se siente cohesiva cuando se toma todo en conjunto. Las melancólicas “American Dreaming” y “Wish You Well” se compensan con números más tontos y caprichosos como “I Could Drive You Crazy” o la portada profunda, “Chitlin’ Cookin’ Time in Cheatham County”. Temas como “Money Train”, “I’ll Come Off the Mountain” y “Lighthouse” son pegadizos al instante. “Why Haven’t You Loved Me Yet” y “No Letter” parecen clásicos en ciernes.

Y luego está el descarado y siniestro lamento del amante despreciado: «Rosemary». Es una de las canciones que me enganchó por primera vez a Sierra Ferrell hace años, como imagino que es el caso de muchos fans que han seguido la carrera de Ferrell desde sus días en la calle o sus inolvidables actuaciones en GemsOnVHS. Estaba casi nervioso de escucharlo. Sendero de flores, con una producción completa, después de amar la grabación cruda y sencilla que he estado reproduciendo en YouTube durante tanto tiempo. Pero han hecho un hermoso trabajo al capturar esa magia, y “Rosemary” puede ser mi canción favorita del álbum. Aunque es difícil elegir.

Rata del castillo En el reino

A principios del año pasado, descubrí algo que no sabía que faltaba en mi vida: el doom metal de fantasía medieval. Estaba en un espectáculo en el gloriosamente alucinante Brooklyn Made viendo un telonero delante de la banda que había ido a ver, e inesperadamente me encontré siendo testigo de una pelea de espadas coreografiada en el escenario (bueno, también había una guadaña involucrada) entre una mujer con cota de malla y alguien que llevaba una máscara de rata encapuchada y lencería. Ya me habían cautivado los riffs pesados ​​e inmersivos de la banda y la hipnótica voz del cantante al estilo de los años 70, pero en ese momento, sí, las cosas realmente encajaron en su lugar. Esta fue mi introducción a Castle Rat y fue muy buena.

He estado esperando ansiosamente el lanzamiento de su álbum debut desde entonces, y desde el segundo salió el mes pasado: un LP llamado En el reino — Prácticamente lo he estado reproduciendo en bucle sin parar. De hecho, sería vergonzoso si comprobaras la cantidad de veces que escuché la balada más destacada del álbum, “Cry For Me”. Es una canción inquietante y emotiva que realmente te lleva a un viaje y estoy un poco obsesionado con ella. En el reino comienza con fuerza con el alegre “Dagger Dragger”, y le siguen algunos éxitos reales en temas como “Feed the Dream”, “Fresh Fur” y “Nightblood”. “Red Sands” es una potencia de construcción lenta, e incluso me encantan los tres interludios instrumentales de aproximadamente un minuto de duración que unen todo el álbum.

A las bandas de Doom les encantan los buenos temas (al igual que a mí), y tendemos a ver mucha marihuana, brujería, ciencia ficción y fantasía aparecer en todos los subgéneros que caen bajo este paraguas. Castle Rat definitivamente no es el primero en tener un truco, pero hay cierta frescura en el estilo aún más específico y autodenominado de la banda. medieval marca de fantasía, tal vez porque se comprometen mucho con ella. Sus influencias de los años 70 y 80 son obvias, pero todo lo que han publicado hasta ahora sigue pareciendo original. Algunas personas pueden encontrar todo esto complicado, pero creo que está funcionando. Especialmente porque tienen las habilidades para respaldarlo. Estoy emocionado de ver hacia dónde se dirige Castle Rat desde aquí.

Menciones honoríficas:

Chica sin rostro, Allie X— Otra canción que he estado escuchando una cantidad vergonzosa estos días es Mundo extrañodel último álbum de Allie X, Chica sin rostro. De alguna manera todavía no me he cansado, me vuelve absolutamente salvaje. Chica sin rostro está lleno de joyas del synth-pop, como “Off With Her Tags”, un himno bailable y angustiante que seguramente resonará en cualquiera que haya experimentado disforia en torno a su imagen corporal: “John and Johnathan”, “Black Eye” y “Staying Power”. «

club tímido, Chica tímida — Esta es sólo una colección de éxitos directos. No dura ni 16 minutos, pero realmente impacta. Si necesitas un impulso instantáneo para mejorar tu estado de ánimo antes de salir por la noche, este álbum es el indicado.

Estampida: Volumen 1Orville Peck — El primer lanzamiento de Orville Peck en su era sin márgenes es un álbum de duetos, cuya primera parte se lanzó el viernes y presenta a artistas como Willie Nelson, Noah Cyrus y Elton John. No he tenido mucho tiempo para pasar con Estampida: Volumen 1 todavía, pero estoy en esto hasta ahora. “Conquer the Heart” con Nathaniel Rateliff y “¿Hasta dónde lo llevaremos?” con Noah Cyrus siento que combinan los mejores elementos de Poni (2019) y Potro cerril (2022). Potro cerril vino en dos oleadas, así que espero que veamos una Volumen 2 para Estampida en poco tiempo también.

— Cheyenne MacDonald, editora de fin de semana

Hannah Jadagu- Abertura

Cada vez que escucho las palabras «banger» o «bop», no pienso en artistas como Taylor Swift. Pienso en el nebuloso género musical conocido como pop de dormitorio. Bop, después de todo, está ahí en el nombre. Hannah Jadagu es una maga del pop de dormitorio del más alto nivel. Su primer EP se hizo íntegramente en un viejo iPhone y todavía golpea, aunque desde entonces se graduó en estudios de grabación reales. El último largometraje de Jadagu en Sub Pop, Abertura, está lleno de éxitos y bops, y mi favorito es el enamorado «Say It Now». Escuche esto. Puede que sea la canción pop perfecta y está pidiendo a gritos algunas canciones de viaje por carretera. “What You Did”, adyacente al shoegaze, es otro clásico y estaría como en casa en cualquier lista de reproducción decente de verano.

— Lawrence Bonk, reportero colaborador

Justicia – hiperdrama

El primer lanzamiento completo de Justice Cruz de 2007 es uno de mis álbumes favoritos de todos los tiempos. No solo definió el sonido electrónico crujiente de la era blog house a finales de los 2000 y principios de los 2010, sino que también se sintió como si un nuevo dúo francés hubiera retomado donde lo dejó Daft Punk después de 2005. Humano después de todo. Ahora Justice está de regreso con su cuarto álbum en hiperdrama. Pero en lugar de inspirarnos en un género musical específico como el que escuchamos en Audio, Vídeo, Discotecas pistas de rock de estadio o de mujer Con ritmos impulsados ​​por la música disco, este álbum se siente más como la banda sonora de un thriller de ciencia ficción de mal humor, casi como si esta fuera la realidad alternativa de Justice. Tron: Legado banda sonora.

“Generator” es un éxito certificado y probablemente la canción que más se parece al clásico Justice. “Neverender” y “One Night/All Night” también son aspectos destacados, aunque creo que Justice puede haberse apoyado demasiado en Tame Impala para darle personalidad a este álbum. “Dear Alan” ofrece vibraciones súper suaves y Thundercat hace una apariencia encantadora y termina con fuerza en “The End”.

Lo único que realmente extraño es al menos una pista verdaderamente bailable como la que obtuvimos en todos los álbumes anteriores de la banda. También tengo que admitir que algunas de las canciones del medio se mezclan de una manera poco memorable. Así que mientras hiperdrama ¿No es la obra maestra de arriba a abajo que Cruz Como era hace una década y media, más justicia no es algo malo.

— Sam Rutherford, reportero principal

Utada Hikaru- Ciencia ficción

Durante las últimas semanas, he estado escuchando principalmente canciones de Ciencia ficción, el primer álbum de grandes éxitos del artista de J-Pop Utada Hikaru. Soy fan desde que lanzaron su álbum debut. Primer amor allá por 1999, cuando era mucho más probable que la gente se sintiera extrañada por el hecho de que sí, puedes disfrutar de la música con letras en un idioma que no entiendes. Utada ha estado entrando y saliendo de la escena J-Pop desde entonces, y hubo largos períodos de tiempo en los que no escuché nada sobre ellos. Cada lanzamiento de música nueva es un regalo, especialmente este álbum, ya que está vinculado a una próxima gira de conciertos, que solo hacen una vez en una luna azul.

Utada experimentó un resurgimiento en 2022 cuando sus canciones “First Love” y “Hatsukoi”, que también se traduce como “primer amor”, aparecieron en una exitosa serie dramática japonesa en Netflix llamada (lo adivinaste) Primer amor. Esas pistas están, por supuesto, en Ciencia ficciónque también incluye canciones de varios puntos de la carrera de Utada.

El álbum te llevará en un viaje desde cuando escribían principalmente pop inspirado en el R&B hasta una era en la que su música se volvió más experimental, y te presentará su sonido actual, que es a la vez convencional y único. Si bien algunas de las versiones regrabadas de sus canciones más antiguas, como “Traveling”, no dan en el blanco, sigue siendo una buena representación de quién es Utada como músico. Sin embargo, como fan desde hace mucho tiempo, este álbum no es sólo una colección de canciones para mí, sino una colección de recuerdos de diferentes etapas de mi vida.

— Mariella Moon, reportera colaboradora

Caroline Polachek – «Quemada por las estrellas y sin besar»

Hay algunas razones por las que “Starburned and Unkissed” se destaca frente a la Vi brillar la televisión banda sonora, que está repleta no sólo de temas queridos como “Anthems For A Seventeen-Year Old Girl” de Broken Social Scene, así como otras canciones originales de luminarias como Phoebe Bridgers y Frances Quinlan de Hop Along. Si me acorralan, diría que lo más brillante de “Starburned and Unkissed”, su mayor punto fuerte, es que es demasiado lento.

Cada nota se estira y anhela con la impaciencia de la adolescencia, al borde de quedarse sin aire, de partirse en dos. Muy parecido a la escena de la absoluta e igualmente brillante Vi brillar la televisión para el que fue escrito, captura la ansiedad somnolienta de una escuela secundaria demasiado cálida, superpoblada y aislada. El peso de sus aplastantes guitarras fluye y refluye de manera inestable, imitando la experimentación de manos inexpertas. (Se necesita un segundo intento con el estribillo para que la batería y las guitarras entren en el momento justo.)

Es inestable, esperanzador. La voz de Caroline, suavemente destrozada por cambios intencionales de tono en el autoajuste, pierde tono en los últimos estribillos de la canción, amenazando con descarrilar la belleza de ensueño de los últimos tres minutos. Termina abruptamente, pidiendo otra escucha, otro regreso a un tiempo que no se puede recuperar.

Menciones honoríficas:

“La saliva del amante suena de fondo”, Claire Rousay – Rousay’s sentimiento Es un álbum perfecto para leer al aire libre en un día nublado. No estoy seguro de poder elegir una canción destacada, ya que la experiencia consiste realmente en dejar que todo te invada, pero esta se acerca bastante.

«Pegatinas de Brian», Hot Mulligan – Tema clásico del pop punk (“mi trabajo apesta y odio a todos”), pero Dios mío, qué gusano.

«Sobre la marca», Ekko Astral – Niveles de prepotencia que antes se consideraban inalcanzables. Es difícil no amar el hermoso desastre que hacen estas personas.

«Viene la tormenta», Alto en llamas – La mayor parte de los más de 20 años de producción de High on Fire suena como (y líricamente probablemente trata sobre) un bárbaro con un hacha arrancando una pipa de agua, o cualquier otra tontería de D&D que estén tramando. (Digo esto con cariño. Adoro High on Fire.) La canción principal del nuevo es… ¿inusualmente parecida a un canto fúnebre? Al principio me sentí como una “banda vieja que muestra su edad”, pero se ha convertido en un cambio intencional y bienvenido. Sin embargo, no están libres de usar IA para el video musical «Burning Down». Vamos chicos.

— Avery Ellis, editor adjunto, Informes