En momentos de mal humor, y admito que tuve algunos, a veces me quedo mirando una ilustración enmarcada en mi escritorio de trabajo. Titulado “HOLLYWOOD 1988”, es un mapa caprichoso del negocio cinematográfico tal como existía en aquel entonces. El concepto y muchos de los chistes visuales fueron míos; pero Nancy Ohanion fue la artista que lo hizo funcionar para la sección Calendario del Los Ángeles Times. (Puede encontrar su firma escondida justo encima de The Cave of Studio Accounting).

Casi todo estaba ahí. Vacaciones en Las Hadas. El Mar de Tinta Roja. Cataratas de Puttnam. El desierto del desarrollo. El sol del optimismo eterno. Piratas con clasificación X. Tu dilo.

Pero lo que mantuvo unido el truco fue la noción de una división geográfica –marcada por el Río de la Bancabilidad– que separaba a los grandes estudios y sus aliados, por un lado, de las Independent Movie Companies, docenas de ellas, y algunos productores renegados por el otro. el otro.

Esa era, más o menos, la arquitectura de la industria. Los jugadores individuales podrían ir y venir. Pero las independientes y las majors dividieron el mundo y quedaron atrapadas en una tensión inquebrantable que de alguna manera produjo cientos y cientos de imágenes que se podían ver.

Era un sistema loco, pero funcionó.

Y ahora, en esos momentos de mal humor antes mencionados, de vez en cuando me pregunto: ¿Cómo sería un mapa de la industria hoy en día?

Ciertamente, nuestras pintorescas imágenes medievales (castillos, caballeros, esos cascos emplumados y desgastados de Lorimar y De Laurentiis) nunca funcionarían para el mundo cinematográfico contemporáneo. Normalmente me imagino algo post-apocalíptico, con zombis y muchas ruinas humeantes.

En cuanto a la arquitectura del mundo del cine, supongo que todavía estaría bifurcada, pero de una manera muy diferente. La gran división probablemente separaría a las élites cinematográficas del público masivo. (Como han opinado los observadores, entre ellos Sasha Stone en Awards Daily). Las élites morarían en la cima de una montaña en algún lugar, disfrutando unos de otros y de una ronda incesante de festivales, paneles de discusión y premios. Y muy por debajo, las masas se arrastrarían a través de un triste pantano de propiedad intelectual: un pantano pegajoso de propiedad intelectual informe y repetitiva que ocasionalmente produce un golpe.

Entre ellos se levantaría un Muro de Indiferencia, sin que a ninguno de los lados del universo cinematográfico le importara mucho lo que sucede en el otro. En la mayoría de los años, una imagen o dos…Barbie, oppenheimer, Disidente— podría atravesar la pared, llamando la atención de arriba y de abajo.

Pero en otros años –quizás en este– nada en absoluto vincula a las elites cinematográficas con las masas. Simplemente se alejan más. Megalópolis, un evento en Cannes, está diseñado con un momento de ‘cuarta pared’ que provoca escalofríos en los asistentes al festival, pero que nunca podría duplicarse todas las noches en el AMC Dine-In. La Academia de Cine, hasta ahora sostenida por una enorme audiencia nacional para su entrega de los Oscar, ahora está buscando financiación de élite en todo el mundo. La taquilla del fin de semana es otra competencia entre débiles y más débiles. garfield? furiosa? ¿Dónde diablos está? Campamento de verano? –con una respuesta del público tan tibia que apenas llega a la indiferencia.

Algo en el programa del año aún podría estrellarse contra la pared, atrayendo a espectadores de élite y una gran audiencia general a los mismos cines. Pero nada se ha acercado más que Duna: Segunda partey ya es junio.

No, el mundo del cine, en este momento, no es muy divertido. Ni siquiera Ohanion pudo hacer que HOLLYWOOD 2024 fuera adecuado para enmarcar.

Hasta el viernes, Patrick’s Roadhouse todavía estaba cerrado. En el interior había platos y jarras apilados. La cafetera antigua parecía lista para funcionar, e incluso había algunas luces verdes brillantes brillando a lo largo del techo. Pero el lugar parecía una versión radiactiva de la Cocina Española, congelada en el tiempo, además de dinosaurios, duendes y la Estatua de la Libertad encima.

De todos modos, el aviso de desalojo pegado entre las pegatinas y los tréboles contaba la historia: desde finales de abril desapareció otra parada en el antiguo circuito de charlas de Hollywood, y seguirá así a menos que el propietario pueda pagar el alquiler atrasado y renegociar el contrato de arrendamiento de un restaurante que está marcó el final costero del Cañón de Santa Mónica desde 1973. (Hay una campaña de GoFundMe para ayudar).

Tal vez sea sólo parte del restaurante Apocalipsis general. A cien metros de Patrick’s, Tallula’s, Mason y The Hungry Cat están todos cerrados y vacíos. Covid, la inflación de los precios de los alimentos, el aumento de los costos laborales y los gustos cambiantes han estado acabando con los restaurantes, tanto en las altas como en las bajas.

En un recorrido matutino por Santa Mónica y el lejano oeste de Los Ángeles, conté 20 víctimas recientes, entre ellas Ingo’s, Lotus, Margo’s (intentando regresar), Dagwood, Bagelworks Café, Casa Escobar, Pacific Dining Car (ahora un centro de salud para mascotas). spot), 800 Degrees Pizza, Saviola Seafood Bar e Izzy’s (que seguía prometiendo revivir después del cierre, pero nunca lo hizo). Sweet Lady Jane en Montana Ave. cerró abruptamente, pero volvió a abrir con nuevos propietarios. Marmalade, después de 17 años, dejó Montana para mudarse a un vecindario menos elegante. Kalaveras en Wilshire Blvd. parece haber durado aproximadamente un año; pero esta semana estaban pintando sobre el mural de la tienda.

La mortalidad en los restaurantes, por supuesto, no es nada nuevo. Mi esposa, mientras era editora de Los Angeles Magazine, preparó un ingenioso memorial titulado “Ellos también sirvieron”. Enumeró docenas de lugares de reunión que se recuerdan con cariño, como Chasen’s, Jack’s at the Beach y The Broken Drum («No puedes superarlo»). Y se abren nuevos lugares, aunque a menudo parecen ser del tipo que te ofrecen un número, sugerir una propina a partir del 20 por ciento y señalarle un taburete donde pueda comer con un malestar semicomunal.

Aquí en el mundo del cine, lo que todavía queda, sin embargo, los cierres actuales son un poco más profundos. Creo que marcan el fin de una cultura de charlatanería que, más que cualquier otra cosa, definió a Hollywood.

Es una palabra divertida, «chismorrear». Proviene del yiddish, shmuesny antes de eso del hebreo, aproximadamente shemuothsegún mi Webster.

Leo Rosten, en Las alegrías del yiddish, dice que se refiere a una “charla amistosa, chismosa, prolongada, de corazón a corazón”. Ninguna otra palabra, afirma, «transmite una ‘charla de corazón a corazón’ con tanta calidez».

No os equivoquéis, es cosa judía, traída aquí desde shtetels que ya no existen. Quizás lo expliquen en el Museo de la Academia, en esa nueva exposición, Hollywoodland: fundadores judíos y la creación de una capital cinematográfica. Tendré que comprobarlo.

En cualquier caso, para sobrevivir en el pueblo de Hollywood, el resto de nosotros tuvimos que aprender el fino arte de charlar. Y no es tan simple como parece.

Para empezar, la charla es táctil. Puedes bromear por teléfono todo el día, pero en realidad no estás charlando a menos que lo hagas en persona, casi siempre en un restaurante y, por lo general, no en uno con estrellas Michelin. Puede cenar en Citrin. Pero si quieres conversar con Peter Chernin, por ejemplo, es mejor hacerlo con un plato de sopa de repollo en Factor’s Famous Deli.

Más importante aún, la charla no es transaccional. Es, como escribió Rosten, una charla «amistosa y chismosa», destinada a formar vínculos pero no compromisos. Harvey Weinstein, según mi experiencia, nunca fue un gran charlatán; siempre estaba tratando de comprar o vender algo, nunca dispuesto a dejar que la conversación derivara hacia los callejones desocupados de la vida del pueblo. En el apogeo de los años 80 y 90, se hablaba principalmente de escuelas, médicos, remodelaciones, lugares de vacaciones, tráfico y, por supuesto, golf. Los charlatanes de primera línea de Castle Rock mencionaron citas a la hora de salida de la tarde con el ‘Dr. Verde.’

Sí, hubo charlas de la industria. Inevitablemente, alguien preguntaría: «¿Has visto algo que te guste?» Y a veces compartías confidencias menores. «No puedo leer los intercambios», confesó una vez Mike White.

«¿Por qué no?»

“Porque me dan inanición”, dijo. Leer sobre el éxito (a menudo inflado) de otros escritores le dificultaba el trabajo.

¿Chisme? Claro, pero era mejor no forzarlo; todo lo que dijiste seguramente se difundiría. En aquel entonces, me encontraba charlando con Irving Azoff, un maestro de la forma, en un restaurante de Nueva York. Un abogado de la industria musical se acercó a la mesa para saludarlo amistosamente. De alguna manera, se mencionó a David Geffen. A la mañana siguiente, en mi hotel, recibí una fría llamada de Geffen. «Eres nunca decir mi nombre en presencia de Irving Azoff”, dijo.

Los charlatanes empedernidos solían dar lo mejor de sí en su propio territorio, y se suponía que uno conocía las reglas de la casa. Los porteros de Patrick’s intentaron desalojarme de una mesa sin marcar que, resoplaron, El favorito de Jim Wiatt. «Pero soy reunión Jim Wiatt”, me lamenté. Supongo que no parecía un cliente. Ned Tanen y Arnold Schwarzenegger solían aparecer allí. También Lucille Ball y Johnny Carson, o eso dicen.

El mejor charlatán que he conocido es el productor Larry Mark. Te deja riendo, te hace sentir inteligente y se aleja de la mesa de la comisaría después de haber limpiado tu cerebro y nunca sentiste nada.

El más divertido era Ray Stark, con aire de anciano. A Ray le gustó especialmente el Hamburger Hamlet en Sunset Blvd. (desaparecido, por supuesto). Puedo recordarlo mirando a alguien allí, dos mesas más allá, justo antes de que una ronda de cirugía le arreglara la visión. «Dios mío, ella es hermosa», seguía diciendo. Nadie quería avergonzarlo diciéndole que “ella” era un chico o estaba en camino de convertirse en uno. «Ella es hermosa», suspiró finalmente Stark. «Pero ella necesita un afeitado».

Rayo.

Incluso con los cambios de hábitos, el trabajo desde casa, las reuniones de Zoom y una ley fiscal menos amigable, todavía se pueden encontrar lugares, aquí y allá, para el tipo de charla ociosa que solía mantener unida a la comunidad cinematográfica.

Como corresponde, uno de los más cómodos es Fanny’s, en el Museo de la Academia, justo debajo de esa exposición sobre Hollywood y los judíos. La comida es buena. Los precios no están mal. Y lleva el nombre de la suegra de Ray Stark, Fanny Brice.

Aún puedes pasar tiempo allí, intercambiando charlas ociosas y no te apresurarán a salir.

Pero no los martes. Porque el circuito de charla está más cerrado que antes. Los martes están cerrados. Y ciertamente no en Patrick’s, porque, al menos por el momento, sin importar los trabajadores que limpiaban las molduras desintegradas del edificio el viernes por la tarde, ya no está.

Dentro de dos semanas, finalmente, el Museo de la Academia de Cine abrirá su nueva exposición permanente, Hollywoodland: fundadores judíos y la creación de una capital cinematográfica. Para muchos, equivale a un acto de consumación. Un museo de cine de Hollywood sin un homenaje especial a las raíces judías se ha sentido durante los últimos dos años y medio como una iglesia sin tabernáculo, una historia hecha de notas a pie de página sin texto.

Faltaba algo grande.

Al llegar ahora, en medio de conflictos por Gaza, un creciente antisemitismo y amenazas a la existencia de Israel, la exposición nace en un momento de sensibilidades agudizadas, por decirlo suavemente. Las universidades son una zona de guerra para las protestas relacionadas con Gaza. Las convenciones políticas se preparan para problemas este verano. No hace dos meses, la retransmisión del Oscar de la Academia de Cine se retrasó (ligeramente) por la acción antiisraelí en las calles.

Así que es un momento delicado para un testimonio tardío de la influencia judía en el mundo del cine. Mucho mejor si a la exhibición le llegaran tiempos mejores.

Aún así, el museo, hay que reconocerlo, parece estar tomando un rumbo correcto, aunque cauteloso.

No, no habrá semigala de inauguración, como para el debut del Regeneración exhibición de películas negras en 2022, cuando las Nicholas Sisters, que bailaban claqué, entretuvieron a los jefes de la Academia Bill Kramer, Janet Yang y Ted Sarandos. Tampoco hay señales todavía de una Balabusta La hora del cuento (cf. Leo Rosten, Las alegrías del yiddish) para coincidir con la Drag Queen Story Hour que se programó brevemente (luego se reconsideró) en relación con la exposición del museo. John Waters: el Papa de la basura exposición el año pasado.

Y sí, es posible que algunos funcionarios de la Academia todavía estén en Francia cuando se inaugure la exposición, luego de una recepción de miembros el 17 de mayo en Cannes.

Pero habrá un avance de prensa de dos horas, desde las 10 am hasta el mediodía del jueves 16 de mayo. Los avances de los miembros del museo están programados durante todo el día 17 y 18 de mayo. El domingo 19 de mayo, a las 4:30 pm, llega una conversación. y firma de libros con la curadora asociada Dara Jaffe y el autor Neal Gabler, cuyo Un imperio propio: cómo los judíos inventaron Hollywood Pistas colocadas para la exposición.

Se espera que la directora ejecutiva del museo, Jacqueline Stewart, asista a todo lo anterior. Con el tiempo, seguirán más eventos asociados. ¿Quién sabe? Tal vez incluso un Balabusta Hora del cuento. En las circunstancias actuales, una apertura orgullosa y tranquila será suficiente.

Al principio, me sorprendió la noticia de que Participant Media estaba muriendo. Una empresa tan atractiva. Elegante. Consciente de. Vibrante. Con visión de futuro. El productor de películas inteligentes como Destacar y Libro Verdecon un mensaje claramente progresista.

¿Cómo podría ser esto?

Entonces finalmente me di cuenta. Independientemente de lo que haya sucedido (al anunciar el cierre, el propietario Jeff Skoll citó cambios “revolucionarios” en el negocio del entretenimiento), creo que Participant se hundió porque la mayor parte del Hollywood de alto nivel se subió al barco de la compañía, básicamente sólido pero de tamaño modesto. El nicho de las películas con un propósito se vio inundado.

Es casi difícil recordar que hace 20 años, cuando se fundó Participant, la noción de una compañía cinematográfica activista y conscientemente orientada a mensajes era en realidad novedosa.

Pero, cinematográficamente hablando, el mundo era muy diferente en 2004. La película más importante de ese año fue shrek 2—No hay mucho mensaje allí. Culturalmente, la gran historia fue una película religiosa, La pasión de Cristo. Eso no ha sucedido desde entonces. La mayoría de las fotografías de palomitas de maíz del año.El cuaderno, Matar a Bill: vol. 2, Escalera 49, Más barato por docena, Rayo—buscabamos más la venta de entradas que el cambio social.

De manera un tanto increíble, en aquel entonces se sospechaba que Disney y Pixar transmitían mensajes conservadores levemente subversivos en Los Increíbles. (Es probable que la historia resuene más en los estados ‘rojos’ de tendencia conservadora que en los ‘azules’ de tendencia liberal”, opinó Los New York Times.) La ganadora a la Mejor Película en los Oscar de ese año fue El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey. La fantasía gobernaba.

En ese contexto, el experimento Participant parecía atrevido, pero no temerario. Skoll y compañía disponían de un cómodo espacio en las estanterías para películas como bola asesina, Buenas noches y buena suerte, siria o Una verdad inconveniente.

Era fácil escribir sobre películas de ideas como esa y a los festivales les encantaban. Además, siempre fue divertido conocer a la gente de Participant. Incluso cuando sus esfuerzos parecían un poco etéreos (pienso en el Índice de Participantes, un intento basado en datos para precisar qué elementos del entretenimiento estimulan un cambio social concreto), la compañía logró una buena copia.

Pero si nos fijamos en Hollywood tal como es ahora, Participant, el estudio que hace el bien, se convierte en una voz más en un coro cultural bastante uniforme y algo de tendencia izquierdista. Dos de los últimos nueve ganadores de Mejor Película, Destacar y Libro Verde, vino de Participante; pero los otros siete, con el mensaje inclusivo de un luz de la luna o las liberales notas de advertencia de un oppenheimer, fácilmente podría haberse ajustado a la fórmula del Participante. Todos están involucrados en el juego. Atrás quedaron los días en que las excentricidades del mundo del espectáculo como hombre pájaro o El artista o una fiesta como chicago podría llevarse el gran premio.

Los ganadores ahora tienen un mensaje, incluso una imagen tan extraña como Todo en todas partes y a la vez se trataba, en esencia, de luchas de inmigrantes reconocibles.

De hecho, incluso Barbie tenía un hacha sociopolítica que moler. La Academia de Cine lo exige a los contendientes, ya sea en contenido o en prácticas de contratación.

Entonces la empresa se unió a Participant. Cada año trae una nueva tanda de películas con conciencia, que honran lo que les gusta llamar el doble resultado, el comercio y las buenas intenciones.

Y de repente el Participante, que ya no es especial, desaparece.

No me gusta demasiado la política. Si tengo la opción, prefiero hablar de comida o de lugares lejanos.

Pero tengo debilidad por las películas políticas o, más precisamente, las películas sobre campañas políticas.

Los mejores han sido agudos, a menudo ingeniosos y conscientes de sí mismos hasta el punto del cinismo. Bulworth. La campaña. menear al perro. Colores primarios. dave.

Como género, tienden hacia la sátira, si no hacia la comedia general. En uno de mis favoritos, David Gordon Green Nuestra marca es crisis, dos consultores políticos estadounidenses hostiles corrompen la política boliviana al trasplantar nuestros peores hábitos a costas extranjeras. Es algo dolorosamente divertido.

Cuando es serio, el género de la campaña tiende a ser confesional. Con Los idus de marzoel cineasta progresista George Clooney, adaptando una obra de Beau Willimon, desenmascaró los pactos fáusticos detrás de los brillantes ideales de un “buen” político en unas reñidas primarias en Ohio.

¿Deberíamos mostrarlo en la Casa Blanca?, preguntó Barack Obama. “Por supuesto que no”, le dijo Clooney. La imagen era demasiado real para ser de alguna ayuda para un político real.

Imágenes como esa nunca fueron un gran éxito. El más grande y probablemente el más tonto de ellos, el de Jay Roach. La campaña, recaudó 86,9 millones de dólares en la taquilla nacional, según BoxOfficeMojo.com. Eso no reescribió los libros de récords. Pero de alguna manera ayudó a mantener las cosas en perspectiva.

Está bien jugar a la política. Simplemente no te tomes demasiado en serio, parecían decir las películas.

Bueno, eso fue entonces, esto es ahora. El viernes se estrenará lo que actualmente se considera una película política, el thriller de acción distópico de Alex Garland. Guerra civil. Se trata de la división en la política estadounidense, llevada al extremo. Se podría argumentar que es simplemente una proyección paranoica. Pero, como dijo Clooney a una audiencia en Toronto al presentar el claramente desconcertante idus de Marzo: Las películas no lideran la cultura política, la siguen..

Con Guerra civil, el cine sigue la cultura hasta el lugar oscuro en el que ahora habita. El ingenioso tira y afloja de los juegos de campaña: la materia de El distinguido caballero o Hombre del año – ha sido reemplazado por un fanatismo mutuo, casi religioso, cuyo objetivo es la destrucción de los oponentes.

La semana pasada, el candidato al Senado de California, Adam Schiff, dijo al Los Ángeles Times que realmente teme que Donald Trump intente encarcelarlo si Trump vuelve a ser elegido presidente. Un número no pequeño de demócratas ya están intentando encarcelar a Trump.

Un deporte sangriento de ese tipo no genera esperanzas para el género cinematográfico de campaña (aunque provocó risas en la película de Armando Iannucci). La muerte de Stalin).

Así que tal vez sea hora de hacer una buena foto del cambio de cuerpo. O zombis. O una película de amnesia. Lo que sea que nos permita pasar noviembre.

Es una realidad, la gente ama más los Oscar cuando la Academia de Cine o sus miembros hacen alguna tontería. Abofetear a un anfitrión. Nombrar al ganador equivocado. Cantando sobre pechos desnudos. Esa clase de cosas.

Así que fue una buena semana para la entrega de los Premios de la Academia del 10 de marzo. Los desaires colosalmente poco inteligentes de Margot Robbie y Greta Gerwig dieron millones de Barbie fans algo de qué hablar. Will Gerwig, nominado como escritor, y Robbie, nominado como productor, de la nominada a Mejor Película. Barbie, ¿quemar la alfombra roja con comentarios sobre su exclusión como director y estrella? ¿Aparecerán Ryan Gosling y America Ferrera, nominados para papeles secundarios, vestidos de rosa y ondeando banderas de juguete en apoyo a sus colegas?

Gosling ya está haciendo ruido sobre los desaires. Las cosas están mejorando.

Además, tenemos un Desafío de Diversidad bueno y sólido. ¿Será Lily Gladstone la primera nativa americana en ganar un Oscar competitivo (o el segundo, si estás entre los que todavía cuentan a Buffy Sainte-Marie) por su actuación en Asesinos de la luna flor? ¿O se la mantendrá entre bastidores como el jefe Dan George, eclipsada por, digamos, la brillante pero menos subrepresentada Emma Stone por su actuación en Cosas pobres?

Otra razón más para ver otro bloque de audiencia.

Ahora necesitamos un escándalo de campaña jugoso, como el de alguien que habla mal de otra persona en aparente violación de las reglas, lo que lleva a una carta escrita con severidad y a la promesa de la junta de revisar las prácticas y procedimientos la próxima vez, con seguridad. Sucede todos los años. Eso es lo que mantiene el interés de los conocedores.

Y nos vendría bien al menos una indignación más antes del Oscar por parte del maestro de ceremonias Jimmy Kimmel, quien hizo agitar la sangre hace diez días con una perorata anti-Trump especialmente vibrante en su programa nocturno. Después de New Hampshire, Trump está en racha. Pero la mafia del cable está inquieta. Los estados fronterizos están aumentando. Las fechas de la corte están apareciendo por todas partes. El Supermartes llega el 5 de marzo, cinco días antes de los Oscar. Con todo ese calor político, Kimmel seguramente atacará a Trump antes de que termine la ceremonia; en realidad, en los primeros tres minutos. Eso debería entusiasmar a la mitad de la audiencia y recordarle a la otra mitad cuánto les encanta odiar los Oscar.

Así que no importa esa caída en las calificaciones de los Emmy. Las cosas van bien para los Oscar. De hecho, este podría ser un año prácticamente perfecto para la principal entrega de premios de Hollywood.

Estoy tratando de mantenerme optimista. Requiere algo de esfuerzo, ya que casi todo el mundo parece pensar que el negocio del cine es un desastre: una agenda reducida por huelgas, un caos cultural y modelos de streaming en constante cambio. Pero bueno, la audiencia de los Globos de Oro aumentó a la mitad, sin mencionar la reacción crítica al programa. Todavía hay señales de vida por ahí.

Así que me quedaré con una predicción anterior: este será un gran año de regreso para la entrega de los Oscar.

Es más, sugeriré con cautela que podemos esperar lo que podríamos llamar un “golpe intersticial” entre ahora y el próximo diciembre.

Son películas que parecen salidas de la nada. Llegan con expectativas bajas o nulas, de empresas que apenas están en el mapa. Pero se abren camino hacia algún vacío conceptual o temporal en el calendario de estrenos, provocando que los espectadores se sientan entusiasmados. je ne sais quoiY de repente están ahí arriba en el Top Ten, al lado de las secuelas respaldadas por el estudio, los superhéroes, las fantasías de dibujos animados y las estrellas altamente compensadas.

Entre los cientos de fotografías oscuras publicadas en un año determinado, no se puede predecir cuál, si es que alguna, se convertirá en un fenómeno popular de este tipo. Si se pudiera, los estudios encontrarían una manera de aspirarlos y explotarlos con una campaña de marketing de cuatro alarmas, y ya no serían sorpresas.

Así que no especularé sobre los títulos. Pero la tan esperada caída en los estrenos de los grandes estudios este año casi seguramente dejará espacio para que lo llene algún éxito intersticial.

Recuerde, eso sucedió el año pasado con El sonido de la libertadque Angel Studios inauguró en julio frente a Disney’s Indiana Jones y el dial del destino. En las semanas siguientes, la película, sobre el rescate de niños secuestrados, superó la taquilla nacional de Indy, con 184,2 millones de dólares en ventas de entradas, no debido a alguna conspiración promocional de la derecha (sí, hubo una poco convencional Pay-It -Campaña de ventas anticipadas), sino porque cerró una brecha narrativa para una audiencia muy hambrienta.

Un éxito externo de ese tipo (un folk cinematográfico en ascenso, si se prefiere) no había entrado en el Top Ten desde 2004, cuando La pasión de Cristode Newmarket Films, ocupó el tercer lugar en la taquilla nacional, con alrededor de 370,3 millones de dólares en ventas.

Durante los 18 años transcurridos, los principales estudios y competidores casi importantes como Lionsgate no dejaron espacio para respirar en la cima para un verdadero éxito popular.

Pero tal ruptura se había producido sólo dos años antes, en 2002, cuando Mi gran boda griega recaudó 223,9 millones de dólares para IFC Films (y otros 17 millones aproximadamente el año siguiente), para quedar en quinto lugar en taquilla. Y tres años antes, en 1999, Artisan’s proyecto de la bruja de Blair quedó décimo en el año, con 140,5 millones de dólares en ventas. En particular, el recuento general de imágenes era menor en aquel entonces, lo que dejaba algo de espacio a los forasteros.

El arquetipo de estos éxitos fuera de la red, al menos en la era moderna, fue probablemente el de AIP. Terror en Amityvilleque sorprendió con más de 86 millones de dólares en taquilla, para situarse en el puesto número dos, justo detrás de Warner Superhombreen 1979.

Pero entre las sorpresas intersticiales de taquilla, el muy querido cartel infantil es baile sucio. Casi nadie lo vio venir. MGM dio un giro al guión, liberándolo para convertirse en el primer largometraje de Vestron y el comienzo de una franquicia en 1987. Curiosamente, la película terminó en el puesto 16 en la clasificación de ese año, pero sólo porque, después del estreno de Dog Days en agosto, jugó hasta bien entrado el año siguiente. Si sus 63,4 millones de dólares en ventas (mucho dinero en ese momento) se hubieran contado en su totalidad en 1987, baile sucio habría quedado décimo, en la clasificación de BoxOfficeMojo.com, superando Depredador.

Esas sorpresas surgidas de la nada, raras y un poco misteriosas, alegran las cosas. Vimos uno el año pasado, con El sonido de la libertad. Apuesto a que aparecerá otro en 2024.

La semana pasada tuve otro almuerzo muy ocasional con un amigo que era un poder en el cine independiente cuando eso significaba algo. Resolvimos las cosas habituales: dolores y molestias, colegas muertos, restaurantes favoritos cerrados. Luego vino la pregunta cinematográfica cada vez más difícil: «¿Has visto algo que te haya gustado?»

el amigo fue con Wonka. Fue una sorpresa, seductora y digna de ver en la pantalla grande. La música fue un plus, completamente inesperado, dijo mi acompañante.

aterricé en Farmacia junio. La película aún no se ha estrenado, pero por casualidad le eché un vistazo. Es pequeño, divertido y aterriza justo en el medio de un género favorito: un encantador descentrado pone el mundo patas arriba. Sabes, Criar al bebé, ¿Lo que hay de nuevo viejo?, Despistado, esa clase de cosas. Esther Povitsky es encantadora, Nick Goossen el director y ambos la escribieron.

De todos modos, la conversación me llevó uno o dos días después a darme cuenta de algo tan obvio que lo había pasado por alto. Las dos películas más importantes de 2023:Barbie y La película de Super Mario Bros.con unas ventas combinadas de entradas en el país de unos 1.200 millones de dólares—fueron, sobre todo, comedias.

Según mis cuentas, eso no ha sucedido desde 1988, cuando ¿Quién mató a Roger Rabbit? y Viniendo a America encabezó la taquilla, con ventas combinadas de alrededor de 384 millones de dólares. (Y fueron seguidas de cerca por cuatro comedias, Buen día, Vietnam, Grande, Cocodrilo Dundee II y Tres hombres y un bebé.)

Así que mi amigo y yo claramente no estamos solos. Cuando miramos una película en este momento, no pretendemos reconstruir la sociedad o corregir los errores de la historia en la pantalla. Lo que queremos, desesperadamente, es algo de diversión. Risas. Canción. Un respiro de las agobiantes presiones de una sociedad que se ha vuelto extrañamente incómoda consigo misma.

Wonka. Farmacia junio. Barbie. mario. Cualquier cosa, grande o pequeña, que aligere la vida durante unas horas.

Lo que, pensándolo bien, trae consigo un deseo para la ceremonia de los Globos de Oro de esta noche (en la que Penske Media, propietario de Deadline, tiene una participación). Que sea divertido. Ríete a carcajadas. Fiesta como si fuera 1988.

Podemos lidiar con nuestros problemas por la mañana.

Como ha señalado mi colega Anthony D’Alessandro, la taquilla nacional de películas, privada de producto por la superposición de huelgas, probablemente se verá recortada en mil millones de dólares en 2024.

Así que he aquí una pregunta que vale la pena reflexionar: ¿Sería más saludable la industria cinematográfica si la mayor parte de esa poda se produjera en lo más alto?

Hay un caso que defender.

Una de las distorsiones más notables que acompañaron la llegada simultánea de los bloqueos de Covid y una revolución del streaming en los últimos años fue la aceleración de una tendencia hacia una carga máxima extrema en la taquilla.

En 2023, las tres películas más taquilleras fueron Barbie, La película de Super Mario Bros. y Spider-Man: A través del Spider-Verse, con alrededor de 1.600 millones de dólares en ventas de entradas entre ellos. Calculando que la recaudación de taquilla del año fue de aproximadamente 9 mil millones de dólares, según las primeras estimaciones de Anthony, sólo tres películas representaron el 17,8 por ciento del total en cines nacionales.

Para poner esto en perspectiva, esa cifra es un poco menor que la participación devorada por los tres primeros en los tres años anteriores distorsionados por Covid, cuando las tres películas más vendidas representaron una participación promedio del 22,5 por ciento, según cifras compiladas por BoxOfficeMojo. com.

Pero sigue siendo notablemente superior a la participación de taquilla de los tres primeros en años anteriores y más saludables.

En los cinco años “normales” entre 2015 y 2019, un período que incluyó éxitos monstruosos como Pantera negra y mundo Jurasicolos tres primeros promediaron solo alrededor del 14,5 por ciento de la taquilla, y en ninguno de esos años igualaron la participación de 2023, sin importar la de los enormes años de Covid.

Y, nuevamente según los totales de venta de entradas de BoxOfficeMojo.com, en los cinco años anteriores, de 2010 a 2014, estuvieron los tres primeros, incluso con el impulso de Avatar y Los vengadores – promedia sólo el 10,9 por ciento de la taquilla total. Así que los tres primeros del año pasado tuvieron una participación combinada un 63 por ciento mayor que los tres primeros de hace una docena de años.

Por alguna razón (la evaporación de las películas de rango medio y bajo, la desaparición de los espectadores de mayor edad, la concentración extrema de interés a través de las redes sociales), la audiencia se ha visto impulsada hacia un pequeño número de películas en lo más alto, mientras que las de rango inferior se marchitan. .

Si hacemos un poco más de cálculos arcanos, descubriremos que el año pasado (después de restar lo que se llevaron los tres primeros) alrededor de 580 películas se repartieron los 7.400 millones de dólares restantes, para un promedio de 12,7 millones de dólares cada una. Si bien ese número no significa mucho individualmente, dada la amplia gama de presupuestos y ventas de entradas en todo el campo, es instructivo ver que en, digamos, 2010, un grupo más grande de aproximadamente 650 películas tuvo una taquilla promedio. de unos 14,5 millones de dólares. Eso es aproximadamente un 14 por ciento más que el promedio del año pasado, incluso sin tener en cuenta la inflación.

Entonces la taquilla se deformó: es mucho más pesada arriba y mucho más liviana abajo.

Esto hace que sea más difícil para casi todos hacer negocios, a pesar de los ingresos por transmisión. Y si ahora es necesario recortarlo, sería mejor que las partes demasiado grandes recortasen un poco más.

¿Es demasiado pronto para un deseo de Año Nuevo? Bueno, voy a hacer uno de todos modos.

Ojalá el Museo de la Academia de Cine apurara su tan prometida Hollywoodlandia exhibición.

Titulado oficialmente Hollywoodland: fundadores judíos y la creación de una capital cinematográfica, la exposición pretende, finalmente, reconocer que los judíos (especialmente los inmigrantes entre ellos) hicieron más que poco para establecer el negocio cinematográfico en Los Ángeles, que comenzó hace más de un siglo. Su inauguración está prevista para el domingo 19 de mayo de 2024 y, en el sitio web del museo, se dice que será la «primera y única exposición permanente» de la institución.

Muchos observadores pensaron que algo como esto sería parte del paquete cuando el Museo de la Academia abrió por primera vez, allá por septiembre de 2021. Parecería imposible contar la historia del negocio cinematográfico sin rendir un homenaje especial a los miles de ejecutivos, cineastas y ejecutivos judíos. y estrellas que ayudaron a construir los estudios aquí. Esa historia aún perdura, desde el edificio Thalberg en Culver City, hasta el sitio del salón de Salka Viertel en el Cañón de Santa Mónica, hasta los restos de Poverty Row en Gower y donde sea.

Pero hizo falta tiempo y cierta presión por parte de los donantes del museo antes de que el personal pudiera enfocar las cosas. «Nunca tuvimos el deseo de excluir o no representar a los fundadores judíos», explicó a Bill Kramer, ex presidente del museo y ahora director ejecutivo de la Academia de Cine. El delantero, que advirtió desde el principio el control cultural. «Hace tiempo que planeamos tener una exposición temporal que los destaque, pero ahora vamos a hacerla permanente».

Lo cual es grandioso, o lo sería, si tan solo esa exhibición estuviera en su lugar ahora, ya que los judíos aquí, como en otros lugares, enfrentan agresiones físicas, vandalismo, ataques SWAT en las sinagogas y protestas hostiles tras el ataque de Hamas del 7 de octubre a Israel y el consiguiente ataque. respuesta. Sería un bienvenido recordatorio de que los judíos (muchos de ellos pobres y tan oprimidos en sus países de origen como cualquier grupo de víctimas hoy en día) a menudo crearon películas que te hacían reír, llorar, maravillarte y sentirte feliz de estar vivo.

Pero las cosas avanzan lentamente en el mundo de los museos. Hasta el lunes pasado todavía no había señales de Hollywoodlandia en el Museo de la Academia: solo mucho desorden mientras Netflix se preparaba para su Maestro estreno, y algunas risas y charlas mientras un autobús lleno de escolares se alejaba del escatológico, blasfemo y sexualmente caleidoscópico John Waters: el Papa de la basura instalación. (Es bastante duro; salí del carrete chisporroteante cuando se ensució con caca de perro).

Abajo, en la tienda de regalos, había un pequeño escaparate de Hanukkah. Un libro sobre comediantes judíos, algunas tarjetas de felicitación de Adam Sandler. Pero no mucho.

Así que desearía que se dieran prisa. Tal vez lanzar una promoción en la ceremonia de los Oscar del 10 de marzo, o lanzar uno o dos carteles publicitarios temprano. Necesitamos algunos Hollywoodlandia—un pensamiento tardío para los judíos—ahora mismo.