El veterano actor de Hong Kong Tony Leung será el presidente de la competencia internacional en el Festival de Cine de Tokio de este año.

“Me siento inmensamente honrado de formar parte del equipo del jurado del TIFF este año. Japón está cerca de mi corazón en más de un sentido y participar en la celebración del cine de esta manera es muy importante para mí”, dijo Leung sobre este nombramiento esta mañana.

“Desde los 12 años, cuando crecí en Hong Kong, recuerdo haber ido a ver todas las películas japonesas clásicas de esa época. Estos emocionantes viajes al cine fueron el comienzo de una gran historia de amor entre el cine japonés, la gente y su cultura, que para mí ha ido creciendo y creciendo. Ya estoy esperando que el festival esté lleno de sorpresas y que sea muy divertido presidirlo, estoy seguro. Lo que espero es que sea un poco una aventura, con un cartel audaz de películas de calidad. Simplemente ‘siento’ que, cuando se trata de juzgar, confiar en los sentimientos de los demás miembros del jurado, así como en los míos propios, hará una contribución positiva al proceso de selección”.

Leung participó por primera vez en el 13º Festival de Cine de Tokio en 2000, cuando En el estado de ánimo para el amor se mostró en la sección Proyección especial. Luego visitó el festival con Acantilado Rojo: Parte 1 e impartió una masterclass en la edición del año pasado tras la proyección de 2046 en la sección Enfoque Mundial.

Los extensos créditos de Leung incluyen l: A City of Sadness (1989), dirigida por Hou Hsiao-hsien, Cyclo (1995), dirigida por Tran Anh Hung, y Lust, Caution (2007) del director Ang Lee. Leung también protagonizó la película nominada al Premio de la Academia Hero (2002), Infernal Affairs (2002) y Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos de Marvel (2021). En 2023, recibió el León de Oro a la trayectoria en el 80º Festival de Cine de Venecia.

Ando Hiroyasu, presidente del Festival de Cine de Tokio, dijo sobre el nombramiento de Leung: «Estamos muy contentos y profundamente honrados de que el Sr. Tony Leung se desempeñe como presidente del jurado de la competencia internacional en un momento en que TIFF está mejorando su presencia como película líder». fiesta en Asia. El Sr. Leung, que tiene una ilustre carrera como uno de los actores asiáticos más alabados por la crítica y admirados internacionalmente, ha participado en TIFF varias veces en el pasado y tiene muchos admiradores en Japón. Será una gran incorporación al festival de este año.

El Festival de Cine de Tokio se celebrará del 28 de octubre al 6 de noviembre.

Rithy Panh ha dedicado la mayor parte de su carrera a interrogar la era genocida de los Jemeres Rojos en su Camboya natal, y no es una obsesión trivial. Panh huyó de Phnom Penh cuando tenía sólo 11 años, y después de que su familia quedó devastada en los Campos de la Exterminación, escapó a un campo de refugiados tailandés a los 15. Ahora, con 60 años, Panh se ha comprometido a mantener la memoria del impacto del régimen tiránico de Pol Pot. vivo en el cine documental, narrativo y animado.

Su largometraje de 2013 La imagen perdida Mezcló imágenes de archivo con figuras de arcilla que recreaban las atrocidades del genocidio, y la película fue nominada a un Premio de la Academia después de obtener el máximo premio en la sección Una Cierta Mirada de Cannes. Su regreso a Cannes este año con Encuentro con Pol Pot (Cita con Pol Pot), en la programación de Premiere, devuelve esa mezcla a la pantalla, entretejiéndola en una narrativa sobre tres periodistas franceses que vuelan a Kampuchea Democrática, como el régimen llamaba al país, en 1978 con la esperanza de una entrevista exclusiva con Pol Pot.

Adaptado libremente del relato de la periodista Elizabeth Becker sobre su visita a Phnom Pehn con el académico Malcolm Caldwell y el periodista Richard Dudman en Cuando terminó la guerra, la historia de Panh sigue a Lise (Irène Jacob), Alain (Grégoire Colin) y Paul (Cyril Gueï) en un recorrido cuidadosamente organizado por las políticas del régimen en acción antes de una entrevista exclusiva con Pol Pot. Alain, como la cifra de Caldwell, está ideológicamente alineado con los Jemeres Rojos, pero los intentos de sus colegas de ver más allá del giro son tratados con sospecha y, en última instancia, con violencia.

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No es la primera vez que Panh coquetea con el trabajo de Becker en la región. Su documental de 1996 Bophana: una tragedia camboyana También adaptó un extracto de su experiencia. Pero el singular examen que hace Panh de este capítulo oscuro de la historia de su país, y las formas en que aún se siente su impacto, a lo largo de una larga carrera en el cine, ha mantenido viva la memoria de este genocidio, y Cita con Pol Pot Se siente particularmente picante a medida que la era de la posverdad continúa impactando la política occidental.

Los tres protagonistas interpretan bien sus papeles, pero no hay nada abiertamente cinematográfico en la ejecución de esta historia por parte de Panh. No importa; en cambio, la película reside en la forma en que las ideologías de Pol Pot flotan en el aire, tanto en la tensión entre los periodistas y sus “cuidadores” autoritarios como en las palabras que el hombre mismo utiliza en su intento de ofrecer una entrevista limpia. es un sonido de sirena para un mundo que corre el riesgo de perpetuar mentiras en lugar de verdad.

Los periodistas de la película de Panh no son superhéroes; su búsqueda de esa verdad tiene sus propias motivaciones. Sin embargo, no se puede subestimar la importancia de su viaje para encontrarlo, especialmente cuando las redacciones buscan reducir la cobertura terrestre de la guerra y los regímenes continúan restringiendo el acceso. Cuando el fotoperiodista de Gueï toma una fotografía ilícita de cuerpos demacrados medio enterrados en el barro, Panh intercala fotografías reales de los Campos de la Muerte y no se puede negar su impacto.

Cita con Pol Pot Puede que no sea un camino completamente nuevo para Panh, pero hay un poder real en la dedicación de un cineasta a reexaminar el horror del mundo real desde muchos ángulos durante muchos años.

Título: Rendez-vous avec Pol Pot (Encuentro con Pol Pot)
Festival: Cannes (Estreno)
Director: Rithy Panh
Guionista: Pierre Erwan Guillaume
Elenco: Irène Jacob, Grégoire Colin, Cyril Gueï
Agente de ventas: Tiempo de juego
Tiempo de ejecución: 1 hora 53 minutos

El destacado actor de Hong Kong, Tony Leung, ha sido designado presidente del jurado que decidirá los principales premios de la competición en el Festival Internacional de Cine de Tokio a finales de este año.

“Japón está cerca de mi corazón en más de un sentido. Y participar en la celebración del cine de esta manera es algo muy importante para mí. Desde los 12 años, cuando crecí en Hong Kong, recuerdo haber ido a ver todas las películas japonesas clásicas de esa época. Estos emocionantes viajes al cine fueron para mí el comienzo de una gran historia de amor entre el cine japonés, la gente y su cultura, que ha ido creciendo y creciendo. Ya estoy esperando que el festival esté lleno de sorpresas y que sea muy divertido presidirlo, estoy seguro. Lo que espero es que sea un poco una aventura, con un catálogo audaz de películas de calidad. Simplemente ‘siento’ que, cuando se trata de juzgar, confiar en los sentimientos de los demás miembros del jurado, así como en los míos propios, hará una contribución positiva al proceso de selección”, dijo Leung, en una declaración preparada.

La estrella, también conocida como Leung Chiu-wai, asistió al festival el año pasado donde dio una clase magistral y asistió a la proyección de la película clásica de Wong Kar-wai “2046”.

Anteriormente lo visitó en 2000, cuando otra película de Wong, “In the Mood for Love”, se proyectó en la sección de proyección especial del festival. Regresó con la película de John Woo de 2008 “Red Cliff: Part 1”.

Leung cuenta con una extensa lista de premios a lo largo de una carrera que comenzó en los años 80 en la TVB de Hong Kong. Obtuvo reconocimiento internacional por sus colaboraciones con Wong, con quien ha trabajado en siete películas.

También apareció en tres películas que ganaron el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia: “Una ciudad de tristeza”, de 1989, dirigida por Hou Hsiao-hsien; “Cyclo”, de 1995, dirigida por Tran Anh Hung; y “Lust, Caution” de 2007, del director Ang Lee. Y en 2023, el festival le otorgó un premio a la trayectoria.
Leung también protagonizó la película nominada al Premio de la Academia «Hero», los éxitos de taquilla «Infernal Affairs» y «Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings» de Marvel. Entre sus próximos proyectos, se espera que se una al elenco de “Silent Friend” de Ildiko Enyedi.

“Estamos muy contentos y profundamente honrados de que el Sr. Tony Leung se desempeñe como presidente del jurado de la competencia internacional en un momento en el que [the Tokyo festival] está reforzando su presencia como festival de cine líder en Asia. El Sr. Leung, que tiene una ilustre carrera como uno de los actores asiáticos más alabados por la crítica y admirados internacionalmente, ha participado en [Tokyo] varias veces en el pasado y tiene muchos fans en Japón. Será una gran incorporación al festival de este año”, dijo el presidente del festival, Ando Hiroyasu.

Quienes le apodaron “el rey de la serie B” se equivocaron. Porque Roger Corman, fallecido el jueves 9 de mayo a los 98 años, en Santa Mónica (California), llegó al cine cuando lo que llamábamos el películas de serie B comenzó a desaparecer de las pantallas de cine. Pequeñas producciones con presupuestos modestos producidas por empresas independientes o por departamentos de estudios especializados, ofrecidas como complemento de programación antes de las «grandes películas», las series B desaparecerían progresivamente a mediados de los años 1950 y verían su estética absorbida por la televisión. No, Roger Corman es más bien producto de una época en la que surgió una nueva categoría de espectadores y una nueva forma de ver, producir y distribuir películas.

A finales de los años cincuenta, los adolescentes constituían un segmento reciente del público. EL conducir en, se multiplican los lugares al mismo tiempo para el consumo rápido de películas rodadas a toda velocidad, para la evasión de la vida familiar y para los coqueteos en el segundo plano. Este fue el caldo de cultivo propicio para el nacimiento y el desarrollo de una carrera extraordinaria, y para el viaje de un fabricante de películas llamadas de “explotación” que sacudiría los márgenes de la industria cinematográfica de Hollywood pero también inventaría un laboratorio de formas y un caldo de cultivo para los talentos.

“Maquinista/conductor/productor”

Nació el 5 de abril de 1926 en Detroit, Michigan. Su familia se mudó a Los Ángeles a finales de la década de 1930 e inicialmente estudió ingeniería (la profesión de su padre). Después de dos años en la marina, obtuvo un diploma de ingeniero. Renunció dos días después de ser contratado en US Electrical Motors y encontró, en 1948, un trabajo como mensajero en Twentieth Century Fox antes de convertirse en lector de guiones para el estudio. Este trabajo, que considera burocrático, le aburre. Obtuvo una beca, estudió en Oxford y luego se instaló en París durante varios meses.

De regreso a Estados Unidos, comenzó de nuevo desde lo más bajo de la escala de producción, pero logró vender un guión a la compañía Allied Artists. Angustiado por el resultado final, Corman creó una pequeña productora y convenció a una empresa de construcción de submarinos para que utilizara uno de ellos de forma gratuita en una película. Consigue que le presten la máquina gratuitamente y escribe un guión. Recauda laboriosamente unos cuantos miles de dólares para producir Monstruo del fondo del océano (1954), dirigida por uno de sus amigos Wyott Ordung, una historia sobre un pulpo gigante mutante, la primera aparición de ciencia ficción en su obra. “Yo era probablemente el único tramoyista/conductor/productor en toda la ciudad”dirá en sus memorias, Cómo hice 100 películas sin perder ni un centavo (ed. Capricci, 2018).

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Barry Keoghan sonrió de oreja a oreja cuando la última película de Andrea Arnold, «Bird», obtuvo una ovación de siete minutos en su estreno en el Festival de Cine de Cannes el jueves.

Arnold, la favorita del festival, que llevó a Cannes “American Honey” protagonizada por Shia LaBeouf en 2016 y su documental “Cow” en 2021, se deleitó con el agradecimiento mientras el público aplaudía el drama. “Gracias, esto es realmente encantador, pero tengo muchas ganas de ir de fiesta ahora mismo”, dijo mientras estallaban las risas en la habitación.

Si bien Keoghan fue el nombre más importante en “Bird”, los aplausos más fuertes fueron para sus jóvenes compañeros de reparto, incluidos Jason Buda y Jasmine Jobson. Algunos miembros del elenco, aunque pudieron haber estado en la alfombra roja, eran demasiado jóvenes para asistir a la proyección.

La cineasta austriaca Jessica Hausner será presidenta del jurado de la sección de competición internacional del 77º Festival de Cine de Locarno en agosto, supervisando el jurado que decidirá el ganador del Pardo d’Oro o Leopardo de Oro.

El festival se llevará a cabo del 7 al 17 de agosto. Su alineación se anunciará el 10 de julio.

“Jessica Hausner, una cineasta vital e inquieta, ha creado una obra diversa que refleja los aspectos más ocultos de la sociedad contemporánea con extraordinaria profundidad. Con claridad, firmeza y progresión impecable, ha imaginado mundos espirituales y fantásticos que reflejan la riqueza convincente de una experiencia humana compleja y contradictoria”, dijo Giona A. Nazzaro, directora artística de Locarno. «Tener a Jessica Hausner como presidenta del jurado del Concorso Internazionale del Festival de Cine de Locarno es un honor extraordinario y una garantía de que las películas serán discutidas por un jurado encabezado por uno de los cineastas más extraordinarios que trabajan en la actualidad».

«Es un gran honor y también un gran placer para mí presidir el jurado principal», respondió Hausner.

“La responsabilidad que siento es escuchar respetuosamente las diversas opiniones de mis compañeros del jurado, ya que realmente creo que cada persona ve una película diferente y que es interesante discutir cada perspectiva”.

El director de “Lourdes” no es ajeno a los eventos de primer nivel. Recientemente, fue premiada en Cannes por su debut en inglés «Little Joe», mientras que «Club Zero», protagonizada por Mia Wasikowska, se convirtió en una de las películas más controvertidas (y acaloradamente debatidas) del festival francés del año pasado.

En su reseña, VariedadOwen Gleiberman lo calificó de «audazmente inquietante».

“Sí, utilicé las palabras ‘trastorno alimentario’ y ‘thriller’ en la misma frase; ese es el tipo de película que traspasa los límites. […] ‘Club Zero’ no será para todos, pero Hausner, canalizando una combinación de Hitchcock y Cronenberg y ‘Village of the Damned’ y el Todd Haynes de ‘Superstar: The Karen Carpenter Story’, ahora ha hecho una película aún más apasionante y provocativa mierda mental”.

En 1997 también obtuvo el premio principal en la sección Pardi di Domani de Locarno por su cortometraje “Flora”.

“Para mí, Locarno es un festival que valora los enfoques artísticos y originales en el cine y, por lo tanto, refuerza la vanguardia del cine mundial. Estoy feliz de contribuir a esta agenda porque, en mi opinión, hacer cine consiste en desafiar nuestras perspectivas y encontrar formas nuevas e inusuales de ver las cosas”, señaló.

Hausner también cofundó la productora coop99 junto con Barbara Albert, Antonin Svoboda y Martin Gschlacht, que produjo “Toni Erdmann” de Maren Ade y “Quo Vadis, Aida?” de Jasmila Žbanić.

Mientras tanto, el evento suizo también confirmó la proyección de dos clásicos recién restaurados: “Samba Traoré” de Idrissa Ouédraogo –galardonada con el Oso de Plata de la Berlinale– y “Faces of Love” (“Repérages”) de Michel Soutter con Delphine Seyrig y Jean-Louis Trintignant.

Se proyectarán en la sección Histoire(s) du Cinéma.

Mientras que “Samba Traoré” se está restaurando en colaboración con Waka Films y el laboratorio cinematográfico Cinegrell con sede en Zurich y Berlín, la Cinémathèque suisse se centra en “Faces of Love”, como se reveló durante el panel de Cannes “Reviving the Classics: Restoring and Releasing Cinematic”. Patrimonio en Suiza y más allá” hoy. Este año Suiza es el país de honor del Marché du Film.

El año pasado, “Mulher de Verdade” de Alberto Cavalcanti de 1954 fue destacada gracias al lanzamiento del Concurso de Restauración del Patrimonio, una convocatoria abierta a solicitudes de películas clásicas y de biblioteca internacionales que necesitan una restauración total o parcial. El proceso de restauración por parte de Cinegrell se encuentra actualmente “en pleno desarrollo”, según afirmó, y la versión restaurada de la película también se estrenará en el festival.

Para vivir el Festival de Cine de Cannes no basta con leer sobre él. Tienes que ver Las vacaciones del Sr. Bean, también. En serio amigos, la vorágine mediática de Cannes es salvaje, y este festival es particularmente conocido por descontrolarse de una manera particular: ovaciones extrañamente largas. (También abucheos, pero ahora nos centramos en lo positivo). Algunos piensan que es una tradición divertida y una buena manera para que los cineastas obtengan sus flores antes de morir. Otros sienten que la industria de la observación de ovaciones de pie es una “tontería total”. Sea como fuere, marcar las O en los estrenos de Cannes se ha convertido en un pasatiempo de cinéfilos, una estadística más para incluir en Cinematrix. Según IndieWire, la ovación más larga hasta la fecha fue la asombrosa cifra de 22 minutos para El laberinto del fauno. ¿Cómo les irá a las ofertas de este año? Hemos clasificado las ovaciones registradas, de la más corta a la más larga. cannes ¿usted lo cree?

En Gorjeo, VariedadEl ovalogista residente de pie, Ramin Setoodeh, marcó la O de pie para El segundo acto (una comedia francesa sobre una película invasora de IA) a 3,5 minutos “robóticos”. ¡Este es el comentario de color que necesitamos! ¿Se sintió superficial o la gente intentaba voltear sus asientos en un frenesí de cinefilia?

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Beta Cinema ha cerrado una serie de ventas en territorio internacional de su épica de resistencia “William Tell”, la adaptación de Nick Hamm de la obra de Friedrich Schiller. WME Independent representa los derechos nacionales.

La película, que está en posproducción, está protagonizada por Claes Bang (“The Square”, “Dracula”), Golshifteh Farahani (“Paterson”, “Extraction”), Connor Swindells (“Barbie”, “Sex Education”), Jonah Hauer- King (“La Sirenita”, “El tatuador de Auschwitz”) y Ben Kingsley, junto a un elenco que incluye a Ellie Bamber, Rafe Spall, Emily Beecham y Jonathan Pryce.

Beta Cinema ha cerrado acuerdos con SF Studios (Suecia, Dinamarca, Noruega, Finlandia, Islandia), Beta Fiction (España), Eagle Pictures (Italia), Dutch Filmworks (Benelux), Pris Audiovisuais (Portugal), Monolith Films (Polonia), Cinemart (República Checa), Blitz (Antigua Yugoslavia), ADS (Hungría y Rumanía), Beta Film (Bulgaria), TFG (Grecia), Ucrania (Top Film) y Plot Pictures (Oriente Medio y Turquía).

La historia se desarrolla en el siglo XIV, en medio de los últimos días del Sacro Imperio Romano, cuando las naciones de Europa compiten ferozmente por la supremacía y los ambiciosos austriacos, que desean más tierras, invaden Suiza, una nación serena y pastoral.

En medio de este telón de fondo, William Tell, un antiguo cazador pacífico, se ve obligado a tomar medidas mientras su familia y su patria se ven amenazadas por el opresivo rey austríaco y sus despiadados señores de la guerra. Liderando a sus compatriotas, Tell se embarca en una valiente rebelión, buscando defender su libertad y enfrentarse a las fuerzas tiránicas que buscan subyugarlos.

Piers Tempest (“La esposa”, “Emily”) y Marie-Christine Jaeger-Firmenich (“Gigi & Nate”) producen. Los productores ejecutivos incluyen a Hamm, David Nichols y Francesco Marras.

La película es una producción de Freeturn/Tempo en asociación con Beta Cinema, WME Independent, Primefocus Studios, Grøenlandia, Cineroma y IDM Film Commission.

Hamm es un director ganador del premio BAFTA que comenzó su carrera como director residente de la Royal Shakespeare Company. Su trayectoria cinematográfica y televisiva incluye “Driven”, que fue la película de clausura del Festival de Cine de Venecia, “White Lines” de Netflix y “The Journey”, que se estrenó en Venecia y Toronto.

Al final de la nueva película, muy entretenida y esclarecedora, de HBO Documentary Films sobre la vida y carrera de Faye Dunaway, aprendemos cuánto le encanta a esta icónica estrella venir al Festival de Cine de Cannes. “Casi todos los años”, dice, no sólo para ver las mejores películas del mundo sino también para sumergirse en todos los aspectos del cine. La he visto muchas veces empapándose de todo cinematográficamente tanto aquí en Cannes como en Telluride, por nombrar dos festivales.

Así que parece apropiado que la sección Clásicos de Cannes sea el lugar para el estreno mundial el miércoles por la noche (en presencia de Dunaway, como les gusta llamarlo a los franceses) de este fantástico nuevo documental en el que Dunaway cuenta prácticamente todo claramente sobre su vida. , amores, deseos, ambiciones, películas, coprotagonistas, depresión, controversias, familia y esperanzas para el futuro en una profesión en la que dice que no se imagina sin trabajar.

Al empezar no sabía qué esperar, pero lo que obtuve fue un relato sorprendente, franco y honesto de alguien, como se dice en la película, que “comenzó como una persona normal que quería ser famosa y terminó «Me presento como una persona famosa que quiere ser normal». No entendí la parte de que ella quería ser «famosa». Está claro que lo que realmente quería era actuar, y sus ambiciones iniciales no incluían Hollywood, sino trabajar bajo la dirección de Elia Kazan en el Lincoln Center y luego en Broadway antes de conseguir su primera gran oportunidad cinematográfica con la ganadora de múltiples premios Oscar. El productor Sam Spiegel en esta peculiar película de los años 60. El evento, frente a Anthony Quinn. La sacó de Nueva York y la llevó de regreso a su estado natal de Florida, donde se rodó. Bonnie y Clyde apareció apenas dos años después, consolidándola inmediatamente como una estrella de cine importante y ganando su primera nominación al Oscar.

El director Laurent Bouzereau es un veterano de varios documentales orientados al cine, incluido uno excelente sobre Natalie Wood y muchas películas crónicas de Steven Spielberg, cuya Amblin Productions también está detrás de esta. Él no está tratando de reescribir las reglas de esta forma de biodoc de estrellas, ni tampoco HBO, que ha tenido éxito reciente con películas que narran a estrellas que van desde Mary Tyler Moore hasta Rock Hudson. Lo que lo hace tan convincente es que permite a Dunaway, muy cooperativa, contar su propia historia, desde la sopa hasta las nueces, con la ayuda de su hijo Liam O’Neill, a quien ella y su entonces esposo y fotógrafo de renombre mundial, Terry O’Neill, adoptaron cuando tenía menos de una semana. Mientras se sientan juntos en el sofá, él saca una foto tras otra de un álbum de recortes para incitar a Dunaway a comentar lo que cada una significa para ella en diferentes momentos de su vida. Y que vida.

Nacida como Dorothy Faye Dunaway, creció como hija de un alcohólico (algo que admite haber heredado) en una familia que también incluía a un hermano menor a quien adoraba. Hay historias de sus días escolares, de sus intentos de ganar concursos de belleza y, finalmente, de su giro hacia el teatro en obras como harvey y Medea. Pero es su recuerdo notablemente nítido de los acontecimientos de su vida, su carrera y especialmente las películas lo que crea algunas de las mejores historias.

En Bonnie y Clyde: Warren Beatty, quien también produjo, no estaba seguro de su casting, pero el director Arthur Penn dijo que se iría si Dunaway no fue elenco. Jane Fonda, Tuesday Weld y la entonces novia de Beatty, Leslie Caron, fueron las primeras favoritas.

En barrio chino: un mechón de su peinado con permanente para la película siguió apareciendo y arruinando tomas hasta que el director Roman Polanski tomó el asunto en sus propias manos, literalmente, y trató de quitárselo. Eso envió a su estrella a un ataque cargado de palabrotas y directamente a su tráiler hasta que finalmente accedió a regresar y reanudar la filmación, y gracias a la diseñadora de vestuario Theodora Van Runkle con un sombrero colocado directamente sobre su cabeza.

En Red: Ganar el Oscar a la Mejor Actriz y luego, por sugerencia de O’Neill, posar temprano a la mañana siguiente en la piscina del Hotel Beverly Hills (ver arriba), sola con su Oscar sobre la mesa y los periódicos encabezando los premios esparcidos a su alrededor como ella se tumba en un papel de seda en el sillón. Ella dice que está inspirada en la canción «Is That All There Is?» Esta imagen es una de las primeras que vemos en el documental y se considera una de las tomas más emblemáticas de Hollywood.

En Mami querida: Sobrevivió a los golpes y flechas de los críticos por su vívido retrato de Joan Crawford y ofreció que hizo lo que el guión y el director querían, pero cuando se le preguntó sobre los arrepentimientos menciona haber hecho esa película, pero inmediatamente defendió la decisión debido a su admiración por Crawford. Ahora es un éxito de culto, lo he visto varias veces y nunca pasa de moda.

Se habla de sus matrimonios con el rockero de J. Geils Band, Peter Wolf, luego con O’Neill y de un romance con Marcello Mastroianni, a pesar de que él estaba casado. Ella dice que probablemente el amor de su vida. También se habla mucho de su trastorno bipolar diagnosticado y de episodios de depresión maníaca, la razón que ella cree que es la causa de lo “difícil” que podría ser en los sets.

Entré en esta película preguntándome si abordaría este problema de frente o simplemente intentaría endulzarlo. Bueno, Bouzereau se pone manos a la obra casi de inmediato, mostrando un infame Espectáculo de esta noche clip donde Johnny Carson le pregunta a Bette Davis si había algún coprotagonista que no pudiera soportar. «Sí. Faye Dunaway”, respondió Davis de inmediato. “¡Y puedes preguntarle a cualquier otra persona y te dirán lo mismo!” Dunaway no aborda específicamente su experiencia con Davis (fue para una película para televisión), pero envía esa imagen de sí misma al mostrar lo “difícil” que podría ser simplemente sentarse para esta entrevista. Muy entretenido.

El autor Mark Harris, Mickey Rourke (su coprotagonista en Barfly), Barry Primus, los directores James Gray y Jerry Schatzberg (con quien tuvo una relación romántica), el muy divertido Hawk Koch y Sharon Stone se encuentran entre los entrevistados ante la cámara sobre Dunaway, y esta última ofrece información fascinante sobre cómo es ser alguien. en la posición de Dunaway en Hollywood.

Te encontrarás con un respeto renovado por esta gran estrella después de ver esta película sobre su vida. Si ella era de hecho difícil o “complicado”, como lo expresó un entrevistado, los resultados finales están todos en la pantalla: una verdadera estrella que realmente prosperó en los años 70 pero que podría haberlo hecho con la misma facilidad en los primeros años de Hollywood, su Edad de Oro. encontré mí mismo querer volver a ver muchas de sus películas, incluso El evento, que es mejor conocido hoy por la canción principal de Diana Ross and the Supremes. Dunaway dijo que se divirtió muchísimo haciéndolo. Suficientemente bueno para mi.

Es hora de hacer una retrospectiva de Faye, y esta excelente película es el motivo perfecto para hacerlo.

Título: fay
Sección: Clásicos de Cannes
Distribuidor: Películas documentales de HBO
Director: Laurent Bouzereau
Tiempo de ejecución: 1 hora, 31 minutos

Para vivir el Festival de Cine de Cannes no basta con leer sobre él. Tienes que ver Las vacaciones del Sr. Bean, también. En serio amigos, la vorágine mediática de Cannes es salvaje, y este festival es particularmente conocido por descontrolarse de una manera particular: ovaciones extrañamente largas. (También abucheos, pero ahora nos centramos en lo positivo). Algunos piensan que es una tradición divertida y una buena manera para que los cineastas obtengan sus flores antes de morir. Otros sienten que la industria de la observación de ovaciones de pie es una “tontería total”. Sea como fuere, marcar las O en los estrenos de Cannes se ha convertido en un pasatiempo de cinéfilos, una estadística más para incluir en Cinematrix. Según IndieWire, la ovación más larga hasta la fecha fue la asombrosa cifra de 22 minutos para El laberinto del fauno. ¿Cómo les irá a las ofertas de este año? Hemos clasificado las ovaciones registradas, de la más corta a la más larga. cannes ¿usted lo cree?

En Gorjeo, VariedadEl ovalogista residente de pie, Ramin Setoodeh, marcó la O de pie para El segundo acto (una comedia francesa sobre una película invasora de IA) a 3,5 minutos “robóticos”. ¡Este es el comentario de color que necesitamos! ¿Se sintió superficial o la gente intentaba voltear sus asientos en un frenesí de cinefilia?

¡Oooh, las chicas (las oficios) están peleando! Fecha límite, variedad, y El reportero de Hollywood todos dieron tiempos diferentes para la duración del furiosaLa ovación. A Fecha límite, La épica precuela de George Miller obtuvo «casi 8». Setoodeh puso la ovación a apenas 6 min. Y THR dividir la diferencia en 7 minutos. Entonces, ¿cuál es la verdad?