Toranos fue convocado por Gea, el espíritu de la Tierra, un dios anciano y la madre de Thor, con la esperanza de destruir a los humanos que la envenenan. Después de una charla entre madre e hijo, Thor se propone enfrentarse una vez más a Agger. Aquí es donde se afianza el metatexto de «Immortal Thor».

Ewing utilizó anteriormente a Agger como villano en su serie «Immortal Hulk». A mitad de esa serie de 50 números, Bruce Banner decide salvar el mundo aplastando el capitalismo. Agger, que proclama que la narrativa es el «producto más poderoso» de Roxxon, sólo se alarma cuando Hulk destruye los servidores de las plataformas de redes sociales de la compañía, ya que estas son las herramientas que introducen su agenda en la mente de las masas. (Uno de los temas más aterradores de «Immortal Hulk» es el número 28, donde un guardia de seguridad de mediana edad, radicalizado por la propaganda de derecha en Internet, dispara a su propia hija cuando la ve en una protesta contra Roxxon, diciéndose a sí mismo que el «El diablo se arrastró dentro de ella.»)

En su breve papel como el gran villano de «Immortal Hulk», Agger reclutó al alienígena Xemnu, un monstruo parecido a un Yeti de pelaje blanco con poderes psíquicos, para que fuera «su» Hulk. Con el alcance de la televisión, Xemnu transmitió recuerdos falsos a todo el mundo de sí mismo como el héroe más querido de la Tierra, alentando a las masas a dejar que la nostalgia gobierne sus mentes y volver a caer en el letargo del que Hulk había estado tratando de despertarlos.

La participación de Agger revela «Immortal Thor» como una secuela temática de «Immortal Hulk». Demostrando una vez más que los multimillonarios no suben a la cima con imaginación, su plan es básicamente el mismo, sólo que reorientado de Hulk a Thor. Compra Marvel Comics en el universo, que todavía publica las aventuras de Thor (pero como registros de la historia) y las reinicia para que sean más amigables con Roxxon. Y no se limita a la propaganda.

Lo que MacKay tenía era caza de sangre, un libro de eventos de cinco números que une diferentes partes del Universo Marvel en una megahistoria donde los vampiros pasan a la ofensiva, liderados por un villano inesperado: el mismísimo Señor Oscuro de Transilvania. “Si les digo a mis amigos: ‘Oye, estoy trabajando en Drácula’, ellos dicen: ‘¡Está bien, genial, es Drácula!’”, dice MacKay sobre su infame gran villano. “Es como poner a Papá Noel en un cómic. Todo el mundo sabe automáticamente cuál es su problema”. Entonces, el siguiente paso lógico fue lanzar una bola curva y poner a Blade a cargo de los vampiros merodeadores.

la premisa de caza de sangre es que la magia de Darkhold surge repentinamente de personas asociadas con ella (como Cloak y Silhouette), oscureciendo los cielos y allanando el camino para un asalto vampírico. Los héroes son atacados en todo el mundo (los Vengadores en su base de naves espaciales en órbita, la Ciudad Imposible, el Doctor Strange en su Sanctum Sanctorum, Hunter’s Moon y Tigra fuera de la Misión de Medianoche) y son abrumados por las poderosas fuerzas vampíricas. Y la persona que los dirige no es otro que el vampiro más astuto de la ciudad. «El Blade que vemos no es en absoluto el Blade que conocemos», dice MacKay sobre el principal cazador de vampiros de Marvel. “El Blade que conocemos es muy genial, muy lacónico, simplemente el tipo más genial de la sala… este Blade parece [have] mucha más fanfarronería, mucha más grandilocuencia. Y creo que es muy divertido trabajar con eso”.

Si bien es posible que queramos autocensurarnos, resulta que MacKay y su equipo artístico de primera categoría, Pepe Larraz y Marte Gracia, no tienen por qué hacerlo. Por primera vez, Marvel está publicando ediciones de banda roja de sus libros de eventos: ediciones sin censura y ligeramente ampliadas disponibles sólo en tiendas de cómics, con la sangre y el horror elevados a 11. “Estamos viendo a Pepe realmente soltarse y Marte realmente empapándolo de sangre”, bromea MacKay. “No puedes poner cosas [in the red band edition] que si el lector de la edición regular se perdiera, su experiencia de lectura disminuiría. Así que esto es algo extra”. Por ejemplo, al final del número 1, hay una escena en la que Blade apuñala al Doctor Strange. “Estoy haciendo la banda roja”, dice MacKay, “y dije: ‘Probablemente haya espacio si quieres hacerlo más retorcido, Pepe’. Y luego, volvió la edición de banda roja con Doctor Strange cortado a la mitad. Yo estaba como, santo cielo, está bien”.

El combo Larraz/Gracia hace muchas cosas bien, pero lo mejor es lo… grande que se siente todo. La historia de los cómics de Larraz está plagada de imágenes icónicas, ya sea la puesta de sol detrás de Magneto en Casa de X #1 o cualquiera de sus increíbles Gato negro cubiertas. Aquí también tiene mucho espacio para trabajar. “Soy muy consciente de intentar mantener bajo el recuento de paneles”, se ríe MacKay. “Solo sus ilustraciones de La Ciudad Imposible, la sede de los Vengadores en el número uno. Parece increíble y es simplemente Iron Man parado en un lugar”.

caza de sangre llega como el último de una larga cadena de eventos muy exitosos de Marvel, y resulta que hay un poco de continuidad interna de Marvel que ayuda con eso. MacKay nos dice: “Kieron Gillen [the architect of two of Marvel’s most recent successes] Tenía un gran documento sobre cómo organizar un evento… y una de las cosas más importantes es que todo lo que importa tiene que estar en la serie de eventos principales porque habrá personas que simplemente comprarán esta serie de eventos principales. Y necesitas que sea una historia completa”.

Por supuesto, se trata de cómics de superhéroes, por lo que siempre hay un «y luego» adjunto a cada historia. MacKay también tiene planes para el futuro. «Si caza de sangre es Invasión secretahay bastante Reinado oscuro planeaba venir tras ello”. Palabras siniestras para los Vengadores, Hunter’s Moon, Tigra, X-Men, Doctor Strange y todos los demás personajes que MacKay dirige hacia el futuro del Universo Marvel.

«The Art and Soul of Dune: Part Two», que traza el proceso creativo de Villeneuve durante la realización de «Dune: Part Two», se aventura en el arte ambiental que contribuye al mundo táctil expansivo de la película, incluidos diseños de vestuario, accesorios pasados ​​​​por alto, y efectos digitales que ayudaron a Arrakis a cobrar vida. Entre estas ideas se encuentra una mirada más cercana a la base Harkonnen en la fortaleza Arakeen, donde el Conde Rabban (Dave Bautista) hace un berrinche mientras su control sobre el planeta desértico se desvanece gradualmente. La pieza central de estas escenas es una enorme consola holográfica, denominada Consola Solido, donde Rabban rastrea la posición de su flota en tiempo real para monitorear el progreso en Arrakis.

La productora de «Dune: Part Two», Tanya Lapointe, autora del libro, explica cómo Villeneuve se inspiró en una tecnología particular de «Los 6 viajes de Lone Sloane» que se diseñó en la tecnología facial de aspecto siniestro que usaron los operadores de la consola Harkonnen. :

«Denis quería desarrollar aún más la extrañeza de estas escenas agregando operadores de consola Harkonnen que hipnóticamente gritaban coordenadas geográficas, como si accedieran a la información desde un estado de trance profundo. La inspiración para el accesorio facial que usan proviene de ‘Los 6 viajes de Lone Sloane’, del dibujante de cómics francés Philippe Druillet.»

Villeneuve amplió la naturaleza espeluznante de la tecnología original, que «parece pegada a la piel», evocando una fusión de carne y máquina, y la erosión gradual de la humanidad. «Esta imagen me ha perseguido durante los últimos 45 años. Me encanta su complejidad y cómo transforma a los humanos en insectos», dijo el director, que capta acertadamente cómo los Harkonnen funcionan como sociedad, reduciendo a las personas a engranajes. en una máquina incluso fuera de la capital fuertemente industrializada de Giedi Prime.

Sonnenfeld dijo:

«[T]a inspiración siempre estuvo en los dibujos de Charles Addams. Y hay imágenes reales que robé directamente de su trabajo y las convertí en imágenes en movimiento bidimensionales. Por ejemplo, hay un dibujo de Charles Addams de alguien jugando con un tren de ancho HO, y muestra a un viajero mirando por la ventana y viendo a un hombre jugando con los controles de su tren. Y lo robé y lo usé exactamente. De hecho, ¡soy el chico del tren!».

Sin embargo, esa tira no se publicó en el New Yorker. O, al menos, no pude encontrarlo en mi enorme compendio «Caricaturas completas del neoyorquino», un libro de mesa que no debería faltar en ningún hogar.

Sin embargo, la filmación inicial de los villancicos seguramente fue en el New Yorker, y Sonnenfeld comentó al respecto, diciendo:

«[T]La primera toma de la familia Addams vertiendo aceite de un caldero sobre los villancicos también es un dibujo que había hecho Charles Addams. Así que me inspiré mucho en esas imágenes; ¡Crecí con ellos! Yo leo El neoyorquino todas las semanas, o mejor dicho, mi papá lo hacía, y yo buscaba los dibujos de Charles Addams».

También se imprimió en el New Yorker, específicamente en 1947, una tira cómica que sirvió de inspiración para el primer avance de «La familia Addams». En el teaser, una mujer muy maquillada está angustiada por una relación que está yendo mal. Luego se vuelve hacia la cámara, se estremece y grita. La cámara retrocede para revelar que la mujer es sólo un personaje en una pantalla de cine y el cine que la mira está agotado. Toda la multitud se da vuelta y mira a la cámara.

Ésa es la imagen que tomó prestada Sonnenfeld.

ENTRETENIMIENTO

10 de mayo de 2024 a las 10:45

«Suicide Squad» no es particularmente buena, pero es un éxito. Por lo tanto, Warner Bros. estaba muy interesado en un spin-off, pero Margot Robbie llevó la aventura de Harley Quinn en una dirección completamente diferente.

«Suicide Squad» fue tan adaptada por Warner Bros. antes de su estreno que ni siquiera el director David Ayer está satisfecho con la versión estrenada de su película. A pesar de las malas críticas, el equipo de villanos de DC se convirtió en un éxito y los disfraces de Harley Quinn tuvieron una gran demanda en Halloween.

La actriz Margot Robbie apreciaba a Harley Quinn como personaje, pero no por el diminuto vestuario, que estaba destinado principalmente a atraer a los espectadores masculinos. En «Birds of Prey», Harley Quinn luce completamente diferente, pero no menos loca y recibe el apoyo de varias heroínas del universo DC.

Aunque la película recibió críticas significativamente mejores, «Birds of Prey» no obtuvo lo suficiente en taquilla como para ser considerada rentable. Luego, Robbie regresó como Harley Quinn en “The Suicide Squad”, pero tuvo más voz bajo la dirección de James Gunn.

De eso se trata «Aves de presa»

La búsqueda de Harley Quinn comienza cuando su explosiva ruptura con el Joker la convierte en un objetivo. Mientras huye, Quinn se enfrenta a la ira del narcisista jefe criminal Black Mask, su mano derecha Victor Zsasz y todos los demás criminales de la ciudad.

Pero las cosas pronto mejoran para Harley cuando se une a tres mujeres letales: Huntress, Black Canary y Renee Montoya.

Información general sobre “Aves rapaces”

El elenco de «Birds of Frey» brilla con Margot Robbie como Harley Quinn, Mary Elizabeth Winstead como Helena Bertinelli alias Huntress, Jurnee Smollett-Bell como Dinah Lance alias Black Canary, Rosie Perez como Renee Montoya y Ella Jay Basco como Cassandra Cain.

• Birds of Prey es la octava película del Universo Extendido de DC y es una adaptación de Birds of Prey de DC Comics.
• Particularmente populares son las escenas de acción, que fueron filmadas por el dos veces nominado al Oscar Matthew Libatique («Black Swan», «A Star Is Born»).

Con ingresos de taquilla de 201,86 millones de dólares, la película es la décima película más exitosa de 2020. Fue dirigida por la directora Cathy Yan. Los críticos elogiaron «Birds of Prey» por su humor, escenas de acción y la actuación de Margot Robbie.

Transmisión de “Aves de presa”

Incluso después de la transmisión televisiva, puedes encontrar la adaptación cinematográfica de cómic llena de acción en la transmisión. La película está incluida de forma gratuita en la oferta de Amazon Prime Video. La película también se puede encontrar en Google Play Store y en Apple TV+ pagando una tarifa.

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Consejo de lectura: En nuestra guía «Televisión por Internet» le ofrecemos una visión completa de los mejores proveedores legales de televisión por Internet en Alemania. Allí también podrá averiguar cómo se comportaron cada uno de los servicios en nuestra prueba, qué paquetes son gratuitos y quién transmite qué canales.

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Desde el asado de Netflix de Tom Brady, los espectadores han especulado sobre cuánto estaba realmente molesto la estrella de la NFL por la broma de Jeff Ross que aludía al propietario de los Patriots, Robert Kraft, siendo acusado de solicitar prostitución después de una investigación sobre salones de masajes en Florida.

Ahora, el comediante Andrew Schulz, que participó en el asado, dice que cree que ese momento incómodo “fue 100 por ciento real”.

«La razón por la que creo que es real es porque no nos contaron chistes sobre finales felices con Bob Kraft», dijo Schulz en su Flagrante podcast.

Schulz explicó que tenía una broma acerca de que el ex receptor de los Patriots, Randy Moss, recibió un “final feliz” de Kraft. “Dijeron: ‘Tom nos pidió que no hiciéramos nada con los masajes’”, recordó el comediante. “Yo estaba como, ‘Está bien, genial. El tipo viene aquí por esto. No lo van a asar’”.

También afirmó que Brady estaba «listo para cerrar todo» después de que el primer cómico que lo asó en el escenario no siguió las reglas.

«La mayoría de la gente quedaría atrapada en ese momento y diría: ‘No quiero arruinarlo’ y [Brady] es como, ‘Esta mierda no importa’. Lo que importa es que le dije a ese tipo que no se iban a hacer esas bromas y él accedió a venir y luego rompiste la regla’”, dijo Schulz.

Otro tema que estuvo prohibido en el asado, según Schulz, fueron los hijos de Brady.

Durante el asado de Brady, Ross bromeó: «Así que Tom se convirtió en Patriot y se mudó a Nueva Inglaterra, y en el primer día del campo de entrenamiento, ese novato flaco entró en la oficina del propietario Robert Kraft y dijo: ‘Soy la mejor decisión'». su organización alguna vez haya hecho. ¿Quieres un masaje?’”

Luego, Brady se levantó de su asiento y le dijo a Ross que no «volviera a decir esa mierda».

El chiste hacía referencia al incidente de 2019 en el que la policía captó a Kraft en un vídeo supuestamente pagando por sexo en un salón de masajes. Se declaró inocente y los cargos fueron desestimados después de que el tribunal de apelaciones de Florida prohibiera el uso de imágenes de vigilancia en el juicio.

Desde entonces, Ross ha negado que Brady y Kraft estuvieran realmente molestos por su broma. En El show de Rich Eisen, dijo que “no había manera” de que Brady estuviera enojado; en cambio, Brady simplemente estaba “mostrando su amor por Kraft” con su respuesta.

Añadió que a Kraft “le encantó” y tuvieron una “gran charla después”.

Cuando preguntado por El reportero de Hollywood Si hubo bromas prohibidas durante el asado, Robbie Praw, vicepresidente de formatos de comedia y stand-up de Netflix, dijo: «No que yo sepa». También dijo que la reacción de Brady y su equipo al asado fue “positiva”, ya que estaba “muy claro que fue una noche muy especial, tanto en el mundo del fútbol como en el mundo de la comedia, y el ambiente después del espectáculo”. Estaba bastante jubiloso”.

Netflix aún no ha respondido El reportero de HollywoodSolicitud de comentarios.

«Shōgun» es más un drama político que un programa de acción. Como explicó Michael Boyle de /Film, el final de «Shōgun» es un anticlímax deliberado para el público que espera una epopeya bélica. Hay una razón por la que muchos (incluidos nosotros) hemos comparado el programa con los primeros «Game of Thrones», incluso si el showrunner de «Shōgun» cuestiona la comparación.

Hay muchas películas geniales de acción de samuráis para ver si ese es tu ritmo, y si es así, deberías leer «Blade of the Immortal» también. Una escena, donde una serie de paneles adoptan el punto de vista de un espadachín que corta a los oponentes que cargan hacia él, se siente como si el cómic adoptara el lenguaje de acción del cine.

El manga no solo ofrece una gran cantidad de acciones que hacen girar espadas y cortan extremidades, sino que atraviesa el decoro vacío del Japón feudal. Los villanos y (los objetivos de venganza de Rin) son los Ittō-ryū, un grupo de guerreros que rechazan el código Bushido de los samuráis por la filosofía de supervivencia del más apto. Pero la acción es la que lleva «Blade of the Immortal». Como cualquier serie de manga de larga duración (Samura la escribió/dibujó de 1993 a 2012), la narrativa a veces flaquea bajo el peso de la serialización. Cuando comencé a leer, esperaba algo más episódico; ¿Cada capítulo sería Manji cazando un nuevo villano para tacharlo de la lista de 1000?

No. En todo caso, el gol de Manji pasa a un segundo plano. Este es un cómic sobre la búsqueda de Rin, y él la acompaña para salvaguardarla y enseñarle. Al final de la historia, te preguntarás junto con Manji si realmente se puede obtener la redención matando. Dicho esto, el arte y la acción de «Blade of the Immortal» te cautivarán y mantendrán tu atención incluso si la historia no siempre lo hace.

Durante años, varios productores han propuesto hacer algo así como una locura. Es un mundo loco, loco, loco y locosolo poblado por un elenco épico de estrellas de la comedia contemporánea, tal como lo hizo la supercomedia de Stanley Kramer durante su época en 1963. Por lo tanto, probablemente no sea una coincidencia que Jerry Seinfeld haya seleccionado ese mismo año para establecer su debut cinematográfico de acción real. sin congelar, como una amenaza cuádruple de estrella, director, coguionista y productor.

Situándolo en Battle Creek, Michigan, y tomando la historia de la vida real de la rivalidad de los capos de los cereales Kellogg’s y Post en su carrera para crear un pastel de desayuno revolucionario, Seinfeld y su compañero de escritura de toda la vida Spike Feresten, junto con su pelicula de la ABEJA Los colaboradores Andy Rubin y Barry Marder optaron por utilizar algunas personas de la vida real, inventaron varias otras, lo salaron todo con algunas verdades básicas y, básicamente, dejaron que las risas y la comedia guiaran el camino en la narración. Primero los chistes, después los hechos. Es la receta perfecta para un viaje nostálgico, alegre y encantador, de una película, de colores brillantes y recubiertos de caramelo como las grandes comedias de la época, como Mad World, Cómo tener éxito en los negocios sin intentarlo realmente, una guía para el hombre casado, y revuélvalo todo en un dulce más ligero que liviano pero más divertido que divertido que sin duda atraerá a los fanáticos de Seinfeld (que acaba de cumplir 70 años) y a aquellas audiencias mayores que obtendrán todas las referencias y huevos de pascua de aquellos tiempos más inocentes antes de los años 60. se volvió oscuro.

Las “películas de productos”, como se las ha llamado, ciertamente abundaron en 2023 con BlackBerry, Tetris, The Beanie Bubble, Flamin’ Hot, Aire, incluso la película número uno del año, Barbie. El enfoque de Seinfeld aquí es menos una película biográfica del producto y más, arrojemos todo contra la pared y veamos qué se mantiene. Está destinado a ser un entretenimiento tonto y afable, a veces una comedia amplia, pero refrescantemente no. demasiado amplio ya que el personaje de Seinfeld, el ejecutivo de Kellogg, Bob Cabana, es básicamente un hombre heterosexual aquí a pesar de todos los locos que lo rodean.

Los ejecutivos de Plotwise Kellogg, incluidos Bob y sus colegas, Donna “Stan” Stankowski (Melissa McCarthy) y el director ejecutivo Edsel Kellogg III (Jim Gaffigan), se encuentran en una carrera con su archirrival Post, en particular Marjorie Post (el nombre y la persona son reales, pero como Amy Schumer interpreta a ella, nada más lo es) y su leal títere, Rick Ludwin (Max Greenfield), quienes están planeando ser más astutos que Kellogg’s y lo que su espionaje corporativo ha confirmado como la creación de la próxima gran novedad en alimentos para el desayuno, un pastelito envasado que finalmente llegaría a ser conocido como Pop Tarts. Los celos que Post tiene por su rival salen a la luz al principio de la película cuando Kellogg’s hace lo que siempre hace: arrasar con todos los trofeos en la entrega anual de premios Spoon And Bowl mientras Post se va a casa con las manos vacías pero decidido a cambiar las cosas venciéndolos. al puñetazo.

Todo esto es sólo un montaje para muchos chistes y personajes divertidos que viven en este mundo. Está el panel de catadores de celebridades, por ejemplo, que incluye al gurú del fitness Jack LaLanne (un enérgico James Marsden), el chef Boy Ardee (Bobby Moynihan), la leyenda de la bicicleta Steve Schwinn (Jack McBrayer), el gigante de los helados Tom Carvel (Adrian Martinez) y el resbaladizo Harold Van Braunhat (Thomas Lennon).

En el camino hay conferencias con Isaiah Lamb, frustrado y perpetuamente ignorado, también conocido como el tipo Quaker Oats (Andy Daly), incluso un General Mills. Hugh Grant aparece hilarantemente como el esnob actor británico Thurl Ravenscroft (en realidad un nombre real) que está frustrado por verse relegado a expresar e interpretar a Tony The Tiger, el famoso símbolo de Frosted Flakes de Kellogg. También buscan entrar en toda la acción el trío de Rice Crispies, Snap (Kyle Mooney), Crackle (Mikey Day) y Pop (Drew Tarver). El lechero del vecindario Friendly Farms también se acerca aquí en forma de una especie de misterioso coro griego dirigido por Mike Diamond (Christian Slater), cuya presencia parece sugerir que algo desagradable está sucediendo.

Íconos de la época como JFK (Bill Burr), Nikita Kruschev (Dean Norris), Walter Cronkite (Kyle Dunnigan) e incluso Andy Warhol (Dan Levy) también aparecen y salen, al igual que un par de niños comunes y corrientes: todo el público. esto está destinado a atraer, interpretado de manera atractiva por los recién llegados Eleanor Sweeney y Bailey Sheetz.

El reparto, en su mayoría estrellas cómicas, es tan numeroso que parece mundo loco, Es casi imposible enumerarlos todos, pero felicitaciones a la directora de casting Kristy Carlson por trabajar con Seinfeld para ensamblarlos todos. En cuanto a Seinfeld, por supuesto mejor conocido por sus comedias clásicas y de stand-up, esta es la primera vez que desempeña un papel importante en una película de acción real (fue una voz y un actor clave en la película animada). Pelicula de la ABEJA) y básicamente se mantiene cómodo con su conocido personaje, recordándome lo que Bob Hope solía hacer parecer tan fácil en sus comedias cinematográficas, un ancla para toda la locura. Loco está definitivamente a la orden del día, con muchos fragmentos divertidos por todas partes, incluido un delicioso ravioli creado por CGI y Johnny Carson y Ed McMahon, de alrededor del 63, envejecidos, dando la bienvenida a Bob de Seinfeld como invitado en El programa de esta noche.

En cuanto a producción,sin congelar Se ve genial con un trabajo especialmente fino en la ambientación del diseñador de producción Clayton Hartley. y una alegre partitura de Christophe Beck. Netflix ha pedido que no se mencione una escena antes del estreno, por lo que cumpliremos y no la estropearemos, pero basta con decir que hay un par de cameos sorpresa de cierta serie de televisión que hicieron rugir a la audiencia que la vi. Al ser una película de Netflix, la mayoría de la gente la verá en casa, pero sin congelar es exactamente el tipo de comedia que prácticamente pide ser vista teatralmente con sala llena. Hay tantas cosas metidas en esta que verla probablemente no sea suficiente. Esperamos que Jerry Seinfeld tenga otras buenas ideas para películas.

Los productores son Seinfeld, Feresten y Beau Bauman.

Título: sin congelar

Distribuidor: netflix

Fecha de lanzamiento: 3 de mayo de 2024 (transmisión)

Director: Jerry Seinfeld

Guión: Jerry Seinfeld, Spike Feresten, Andy Rubin, Barry Marder

Elenco: Jerry Seinfeld, Melissa McCarthy, Jim Gaffigan, Amy Schumer, Hugh Grant, Max Greenfield, Christian Slater, Bill Burr, James Marsden, Daniel Levy, Jack McBrayer, Thomas Lennon, Bobby Moynihan, Sarah Cooper, Adrian Martinez, Fred Armisen, Mikey Day , Kyle Mooney, Drew Tarver, Dean Norris, Tony Hale, Andy Daly, Kyle Dunnigan, Eleanor Sweeney, Bailey Sheetz

Clasificación: PG13

Tiempo de ejecución: 1 hora y 33 minutos

Warner Bros. está cerca de cerrar un acuerdo cinematográfico de siete cifras para la adaptación cinematográfica de la serie de cómics Avengelyne de Rob Liefeld, con Margot Robbie considerando el papel principal.

La noticia vino de un Fecha límite informe de hoy, que IGN entiende que es exacto. La actriz y directora de Don’t Worry Darling, Olivia Wilde, dirigirá Avengelyne, y el escritor de Poor Things, Tony McNamara, escribirá el guión. Deadline también informa que Avengelyne será producida por la productora de Robbie, LuckyChap, que también produce La próxima película de Monopoly de Robbie.

Supimos por primera vez sobre la adaptación cinematográfica de Avengelyne hace un mes a través de Variedad, aunque no se informó en ese momento que Robbie podría interpretar a Avengelyne. Cuando IGN lo contactó, Warner Bros. no hizo comentarios sobre el informe Deadline de hoy. Los representantes de Robbie no respondieron de inmediato a una solicitud de comentarios.

Avengelyne es una serie de Image Comics serializada por primera vez en 1995 por Leifeld y Cathy Christian. La serie sigue a un ángel caído que lucha contra los demonios en la Tierra con su súper fuerza para evitar el Armagedón.

El viaje de Liefeld para conseguir una adaptación de Avengelyne a la pantalla grande ha sido un esfuerzo de una década. Según un artículo de The Hollywood Reporter de 2013, la ex actriz mandaloriana Gina Carano estaba siendo considerada para el papel. Aunque el proyecto no había confirmado un escritor o director, se informó que el tono de la película sería similar a la oscura franquicia Underworld de Kate Beckinsale.

En una declaración a VariedadLeifeld contó con entusiasmo su encuentro con Wilde y Robbie para esta versión actual del proyecto y expresó su gratitud por haber adaptado su serie de cómics a la pantalla grande.

“Este viaje increíblemente humilde para darle vida a Avengelyne en la pantalla comenzó a través de mi relación con el superproductor Simon Kinberg, quien me dijo que encajaba perfectamente con el material y me pidió que confiara en él”, dijo Liefeld. “¡Lo siguiente que hice fue reunirme con Margot Robbie y Olivia Wilde y la conexión fue eléctrica! Me dijeron que querían que Tony McNamara lo escribiera y, después de un par de reuniones, Tony está de acuerdo y las cosas no podrían ser más emocionantes. ¡Todo es el resultado de que Margot, Olivia y Simon hicieron su magia para reunir este increíble equipo de creativos, todos decididos a crear una experiencia cinematográfica como ninguna otra!

Isaiah Colbert es escritor independiente para IGN. Puedes seguirlos en Twitter @ShinEyeZehUhh.

El videojuego «Star Wars: Battlefront II» (ambientado durante las Guerras Clon) presenta una misión en Felucia. El narrador clon dice sobre Aayla y su traición hacia ella: «Cuando llegó su muerte, espero que fuera rápido. Ella se había ganado eso. […] Fue bueno que lleváramos cascos porque ninguno de nosotros podía soportar mirarla a los ojos».

«Star Wars: Republic» (del escritor John Ostrander) también desarrolla la relación de Aayla con sus tropas, especialmente con Bly. Cabe señalar que Ostrander es quien creó Aayla junto al artista Jan Duursema; Debutó en el número 19 de «Star Wars: Republic» (publicado en 2000) como aprendiz del Maestro Jedi Quinlan Vos. (Ostrander y Duursema quitaron el diseño de Vos de un extra de «Phantom Menace», que retroactivamente se convirtió en Vos). Duursema originalmente imaginó a Aayla como un pez alienígena antes de rehacerla como una twi’lek más sexy de piel azul. Es probable que este cambio sea lo que convirtió a Aayla en una estrella de cine y, finalmente, firmó su sentencia de muerte.

George Lucas se fijó en Aayla y la incorporó a las películas. Durante el final de «El ataque de los clones», donde cientos de Jedi luchan en el planeta Geonosis, Lucas quería tener Jedi de apariencia «exótica», no solo humanos. Dado que el equipo ya tenía abundantes disfraces y maquillaje Twi’lek (la raza son personajes de fondo frecuentes) y un diseño/personaje preexistente con Aayla, la pusieron en «El ataque de los clones» para completar las filas Jedi. También puedes escuchar a Obi-Wan mencionar un «Maestro Vos» en «La venganza de los Sith», pero Quinlan no volvió a aparecer en pantalla.