Título: A una tierra desconocida
Sección: Quincena de Realizadores
Director: Mahdi Fleifel
Línea de registro: Después de huir de un campo en el Líbano, dos primos palestinos quedan varados en Atenas, viviendo en un limbo subterráneo. Buscando desesperadamente una forma de llegar a Alemania, se encuentran atrapados en una espiral incontrolable.
Distribuidor: eurozoom
Panelistas: Mahdi Fleifel (Director), Mahmood Bakri (Actor), Aram Sabbah (Actor), Angeliki Papoulia (Actriz)
Citas clave: “Nuestras historias son realmente necesarias hoy más que nunca. Muchas veces, los palestinos o los árabes son retratados, especialmente en Hollywood, como… Bueno, no vayamos a eso, pero es un poco un estereotipo, y realmente lo único que quería era mostrarnos como somos un pueblo con una cultura, tenemos sueños. , esperanzas, miedos como cualquier otra persona y creo que fue muy importante para nosotros dejar esta huella este año”. — Madhi Fleifel… “Sentí que era un gran honor representar a estos muchachos, los refugiados de los que nadie habla. Tenemos nueve millones de refugiados palestinos en todo el mundo y no escuchamos muchas historias sobre estas personas y me siento responsable, por supuesto”. – Mahmood Bakri
Agente de ventas: Salaud Morisset

Haga clic en el vídeo de arriba para ver la entrevista completa.

The Deadline Studio es presentado por Neom.

Si las primeras críticas son una indicación, George Miller tiene otro clásico entre manos con Furiosa: Una saga de Mad Maxy puede que no sea el último, ya que el director dice que aún le quedan más Mad Max historias para contar.

Durante la conferencia de prensa en Cannes (vía Deadline), donde furiosa se estrenó y recibió una ovación de pie de ocho minutos, se le preguntó a Miller sobre futuras películas de Mad Max. “Ciertamente hay más historias allí… Tal vez porque para contar la historia de Camino de furia, necesitábamos saber sobre furiosa y Max en los años anteriores”, dijo.

El hecho de que Miller tenga más Mad Max o Mad Max-Las historias adyacentes que contar no deberían ser una gran sorpresa. El director comenzó su carrera en la franquicia en 1979 y, de una forma u otra, ha estado trabajando en ella desde entonces. De hecho, convenció a Charlize Theron para protagonizar Camino de furia mostrándole el guión de furiosa, que coescribió para construir el mundo de esa película. También sabemos que el director tiene lo que supuestamente es otra película precuela ya escrita llamada Mad Max: El páramo. Esa película, insinuó una fuente a Deadline, es la historia del origen de Immortan Joe. Camino de furiaEl villano que también juega un papel importante en furiosa.

Sin embargo, por cómo habla aquí, parece que tiene muchas otras ideas para la franquicia. Por supuesto, hay muchas cosas buenas, pero si Miller dirige y desarrolla las películas, es difícil imaginar cuándo llegaría ese momento. Mad Max. Ahora bien, que veamos o no alguna de estas películas dependerá de qué tan furiosa lo hace en taquilla. El Mad Max Las películas son notoriamente difíciles y costosas de hacer, lo que significa que tienen que aplastar en taquilla para tener verdadero éxito.

Todos veremos si Miller ha construido otra obra maestra cuando Furiosa: Una saga de Mad Max lanzamiento el 25 de mayo.

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Chad Michael Murray está abierto a regresar a la Extraño Viernes secuela y retomando su papel de Jake junto a Jamie Lee Curtis y Lindsay Lohan.

En una nueva entrevista, el actor dijo que le gustaría participar en la secuela que actualmente está desarrollando Disney.

«Si Jake tiene una historia que contar, estaría ahí en un abrir y cerrar de ojos», dijo Murray. ¡MI! Noticias mientras promociona Madre de la novia. «¿Me estás tomando el pelo? Sólo para ver a Jamie y Lindsay, volver al trabajo… Para ver toda esa energía que Jamie aporta al set… La realeza de Hollywood, punto».

Murray dijo que «aprendió mucho» de Curtis en el set de la película de 2003 y añadió: «Si tuviera la oportunidad, simplemente llamaría».

Nisha Ganatra ha sido elegida para dirigir la secuela, que se rodará este verano en Los Ángeles. Jordan Weiss escribió el guión, con Andrew Gunn del original como productor junto a Kristin Burr.

Extraño Viernes está basada en una novela de 1972 de Mary Rodgers sobre una madre y una hija cuyos cuerpos cambian después de una mágica galleta de la fortuna china. Curtis y Lohan formaban el dúo de madre e hija, y Harmon interpretaba al prometido de Curtis en la película.

La película de 2003 protagonizada por Lohan y Curtis fue la tercera adaptación cinematográfica de la novela, después de una película de 1976 protagonizada por Barbara Harris y Jodie Foster y una película para televisión de 1995 con Shelly Long y Gaby Hoffmann. Disney Channel adaptado más recientemente Extraño Viernes en una película musical en 2018 protagonizada por Cozi Zuehlsdorff y Heidi Blickenstaff.

En menos de una década, el mercado XR del NewImages Festival se ha convertido en una cita internacional clave, emergiendo como el evento de propósito único más grande de la industria inmersiva y una base de la identidad de NewImages. La programación y el posicionamiento fueron de la mano en el festival de este año, que mostró obras inmersivas diseñadas para museos y espacios culturales para el público en general, al tiempo que invitó a curadores y delegados de museos a sentirse más bienvenidos y como en casa como delegados de la industria.

Muchos paneles profesionales se centraron en la inclusión, buscando formas de integrar las nuevas tecnologías de los medios en los escenarios augustos y las prácticas artísticas del viejo mundo, con la pieza de danza “Collective Body” encargada por el Lincoln Center citada como un ejemplo ilustrativo. Otras charlas recogieron las ideas de los nuevos participantes sobre la integración de tecnología inmersiva en los sitios del Patrimonio Mundial y el desarrollo de métodos para preservar las obras de XR para la posteridad.

Conceptualmente, los museos ofrecen una especie de permanencia, con la promesa de aislar y consagrar artefactos seleccionados fuera del paso normal del tiempo. En términos más sencillos, estos espacios existen más allá de un circuito que clama por exclusividad, lo que los convierte en un nuevo mercado singularmente prometedor para catálogos anteriores.

“Estas instituciones no necesitan un estatus de primer nivel”, afirma Ellen Kuo, directora del mercado de XR. “Podemos ofrecerles una biblioteca de contenidos mucho más amplia porque no siguen los mismos ciclos y tienen mandatos curatoriales muy diferentes. A menudo vemos proyectos increíbles caer y desaparecer después de terminar sus giras por festivales, y eso es una lástima increíble. Esperamos que la incorporación de estos nuevos socios pueda ayudar a resolver el problema de distribución, porque si no lo hacemos nuestra industria no irá más lejos”.

Teniendo esto en cuenta, el mercado de este año vio una biblioteca XR ampliada, con más de 50 experiencias presentadas en el mercado de distribución y catálogos completos en oferta de Kaohsiung Film Archives y FFF Bayern, el fondo cinematográfico bávaro. Aún así, el mercado de desarrollo XR ascendente del festival todavía representa la mayor parte de la actividad del mercado. La selección de este año mostró 46 títulos en desarrollo, de los cuales casi un 25% provienen de asociaciones con NewImages y residencias internacionales.

Una asociación con la Fundación Makor de Tel Aviv, por ejemplo, generó cuatro proyectos de desarrollo unidos en torno al tema del cambio climático, impulsando un enfoque ecológico que Kuo notó en muchos proyectos seleccionados este año.

Kuo también se deleitó con una pequeña pero creciente inclinación por explorar posibilidades de inmersión más allá de los auriculares tradicionales, señalando el muy incipiente “Amassonic” como un proyecto emblemático en este campo. Co-creada por Maria Cecilia Oliveira, académica brasileña con especialidad en política ambiental, la experiencia construye un paisaje sonoro inmersivo para explorar las capas y voces del río Amazonas.

«Tratamos de pensar fuera de lo común y fuera de los auriculares», dice Kuo. “NewImages es un festival inmersivo que impulsa todas las formas de creatividad en la narración. La narración inmersiva puede ir más y más lejos y queremos [to be there alongside.]»

Un extranjero llega al Japón feudal, se convierte en samurái y cambia para siempre la trayectoria de la nación insular. Esa es la premisa básica de las series limitadas de FX. Shōgunsin embargo, también describe el éxito de taquilla de 2003. El último samuraitambién.

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Pero aquí está la cuestión: Shōgun es ampliamente (y con razón) aclamado como un brillante drama histórico, mientras que El último samurai ahora se descarta en gran medida como una reliquia obsoleta. Entonces, ¿cómo Shōgun salirse con la suya contando prácticamente la misma historia que El último samurai en 2024?

La diferencia clave entre Shōgun y El último samurái

https://www.youtube.com/watch?v=yAN5uspO_hk

Ciertamente, Shōgun no se distingue por la elección del material original. Al igual que la novela de James Clavell de 1975 en la que se basa, Shōgun es un recuento ficticio de las hazañas de la vida real del marinero inglés William Adams en Japón durante el siglo XVII. El protagonista inventado del libro y el programa, John Blackthorne, tiene muchas de las mismas experiencias que Adams, e incluso se convierte en samurái. El último samuraiNathan Algren se basa de manera similar en otros dos personajes históricos, Eugène Collache y Jules Brunet, que también se integraron en la sociedad del Japón feudal, aunque unos 200 años después.

Como tal, Shōgun y El último samurai se superponen de muchas maneras. Ambos presentan escenas en las que sus respectivos protagonistas aprenden japonés, se someten a un brutal entrenamiento con la espada y llegan a apreciar la cultura local. Incluso comparten la misma trama romántica básica del “amor prohibido”. Y lo que es más, Shōgun y El último samurai Ambos enfatizan la verosimilitud en sus enfoques del diseño de producción. Sus decorados, vestuario, ubicaciones (aunque ninguno de ellos se rodó en Japón) y el entorno en general reflejan una enorme cantidad de investigación y cuidado.

Entonces, en el papel, Shōgun y el último samurái son practicamente identicos. Pero a pesar de todas sus similitudes, las dos producciones difieren en un aspecto clave: la perspectiva.

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El último samurái está demasiado enamorado del Japón feudal

No me malinterpretes: El último samurai Es innegablemente una película bien hecha y bien intencionada. Diablos, cuenta con un elenco mayoritariamente japonés, algo inaudito a mediados de la década de 2000. Más que eso, es simplemente entretenido. Si entro en la habitación y la película está encendida, hay muchas posibilidades de que me siente y la mire hasta el final. Pero no se puede escapar del hecho de que El último samurai es claramente el producto de un cineasta occidental, el coguionista y director Edward Zwick, que aborda una historia oriental.

Principalmente, El último samurai presenta al samurái de una manera tan romántica que roza la fetichización. Así es como vemos a los samuráis en Occidente: como nobles guerreros bidimensionales. ¿Tienen los propios japoneses un historial de representar ocasionalmente a los samuráis bajo una luz igualmente halagadora? Seguro. Pero también son mucho menos ciegos ante los defectos de los samuráis. Después de todo, en su apogeo, los samuráis eran efectivamente la clase dominante del Japón feudal y actuaban en consecuencia. Shōgun – con sus intrigantes regentes y sus traicioneros señores – abraza plenamente esta verdad.

Por el contrario, El último samurai No está en absoluto interesado en esos matices. En cambio, se niega rotundamente a ver el Japón feudal a través de lentes que no sean color de rosa. Todo está expresado en términos binarios. Los samuráis y sus armas tradicionales son buenos y abnegados. Los modernizadores vestidos con ropas occidentales y armas occidentales están equivocados en el mejor de los casos y malvados en el peor.

De nuevo, Shōgun rechaza esta posición por considerarla ahistórica y reduccionista. Muchos samuráis estaban motivados por el interés propio y Shōgun muestra esto. Muchos de ellos tampoco estaban en contra del uso de armas de fuego o cañones; Shōgun muestra esto también. ¿Y el sistema de castas? No tan bueno para el campesino promedio – ya que ShōgunLa subtrama del faisán podrido al menos habla de labios para afuera. No es que los showrunners Rachel Kondo y Justin Marks quieran arrastrar la cultura japonesa o dar a entender que la invasión occidental no fue tremendamente explotadora. Simplemente quieren que entendamos que el Japón feudal no era perfecto.

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Shōgun permite que sus personajes japoneses compartan el protagonismo

Pero más que la perspectiva de quienes están detrás de la cámara, lo que en última instancia separa Shōgun y El último samurai es el punto de vista de sus respectivas historias. El último samurai se desarrolla completamente desde el punto de vista de Algren. Sí, hay mucho crecimiento para su amigo samurái Katsumoto y su futuro amigo Taka, pero en realidad se trata de que Algren supere sus demonios y encuentre un propósito nuevamente, lo cual lo hace reuniendo al último samurái para una batalla épica final. Es algo conmovedor. También es una bonita narrativa de libro de texto sobre el “salvador blanco”. Pero bueno, “tiempo diferente” y todo eso.

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El Shōgun La novela era muy parecida; Experimentamos todo a través de los ojos de Blackthorne. Sin embargo, para el programa, Kondo y Marks han ampliado la perspectiva del material original para abarcar a quienes rodean a Blackthorne. Habría sido fácil para ellos exagerar de una manera angustiosa aquí, minimizando (o incluso vilipendiando) la participación de Blackthorne en el proceso. Sin embargo, Kondo y Marks tomaron una ruta más inteligente, convirtiendo a personajes como Yoshii Toranaga y Toda Mariko en personajes POV iguales. Estamos recibiendo su versión de los hechos, no sólo la de Blackthorne.

Está equilibrado y, en última instancia, así es como Shōgun se sale con la suya El último samuraiLa historia de 2024.

Shōgun se transmite actualmente en FX y los nuevos episodios se lanzan los martes.

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Dinastía de pato La estrella Willie Robertson muestra un nuevo lado del padre Phil Robertson en El ciego, transmitiendo exclusivamente en Great American Pure Flix. Para Willie, contar la increíble historia de vida de su padre y el amor que comparte con su esposa de toda la vida, Kay Robertson, fue «importante» para Dinastía de pato fans para ver en pantalla.

“[Duck Dynasty] es realmente el resultado de algo”, le dice Willie a TV Insider. “Es el resultado de su matrimonio, de permanecer juntos y de que nuestra familia permanezca unida. Realmente sentimos que es una historia increíble. Es una historia de redención y fe. Y ahora, después de 50 años, has visto lo que ha resultado de eso, especialmente con el programa de televisión”.

Willie fue productor ejecutivo de la película junto a su esposa Korie Robertson a través de su productora Tread Lively. Fueron directamente a la fuente para asegurarse de retratar la honestidad de la relación de Phil y Kay.

«Es difícil volver atrás y revivir todo eso», admite Willie. “En el cristianismo, incluso en la vida, pensamos, oye, eso es el pasado y tenemos que mirar hacia adelante. A menos que hagan una película sobre ello, que luego vivirá a perpetuidad para que todos puedan verla. Pero creo que Phil estaba interesado en hacerlo para poder ayudar a otras personas, si pudiera ayudar a alguien como él, o alguien que se encuentra en una situación en la que parece que no hay esperanza alguna. Gracias a Dios llegó el Evangelio y pudieron cambiar sus vidas por completo”.

El ciego no rehuye los momentos más oscuros de la vida de Phil, incluido su problema con la bebida, que causó complicaciones con Kay. «Creo que fue triste para él mirar atrás», dice Willie sobre cómo reaccionó Phil cuando vio la película por primera vez. “Papá estaba avergonzado. Lo vimos una vez y mencionamos verlo nuevamente en algunas otras áreas. Phil dijo: «Creo que una vez es suficiente para ver eso». Él dijo: ‘Lo tenemos, lo tenemos cubierto’”.

Después de casi perder a su familia, Phil encontró la redención y la sanación a través del amor de Jesús. El ciego lleva a los espectadores a través de todo el viaje de Phil, desde la niñez hasta la edad adulta. Abordar el turbulento pasado de Phil sólo ha fortalecido a la familia Robertson.

«Donde estamos ahora es la combinación de lo que surgió, por lo que hubo mucha curación», dice Willie. Señala que Phil y Kay siempre usaban “términos amplios” cuando hablaban de ese período difícil de sus vidas. «Creo que verlo en el estado en el que se encontraba y hacia dónde se dirigían fue, supongo, aleccionador para todos nosotros», añade Willie.

A pesar de El ciego Nos guía a través de la vida de Phil, Kay es el corazón de la película. «Creo que pensamos que se trata de Phil y este gran cambio de vida, pero creo que en realidad se trata más de Kay porque si ella no lo perdona, o dice, se acabó, entonces la familia aún no permanece unida», Willie. Señala. “Estamos arruinados, por lo que la vida allí es completamente diferente. Entonces, en realidad son ambos, pero en realidad ella simplemente se mantiene firme y se mantiene firme en los tiempos difíciles. Diablos, cuando vi la película pensé, creo que simplemente habría dicho: ‘Está bien, tienes que seguir adelante’. Es muy doloroso verlo”. Y piensas: ‘¿Por qué seguiste ahí?’ Pero, hombre, me alegro de que lo haya hecho”.

Aron von Andrian y Amelia Eve interpretan a Phil y Kay en El ciegoque se estrenó originalmente en 2023. La película sigue siendo el estreno más exitoso en la historia de Fathom Events.

El ciegoStreaming, Gran American Pure Flix

Joey King no tiene nada en contra del método de actuación, simplemente no es para ella.

Especialmente para proyectos como su último, la serie sobre el Holocausto “We Were the Lucky Ones”.

Basada en la novela más vendida de Georgia Hunter sobre la lucha de su familia por sobrevivir al Holocausto, Logan Lerman interpreta al abuelo de Hunter, Addy, junto a King como su hermana menor, Halina. Completan el reparto Sam Woolf, Robin Weigart, Lior Ashkenazi, Hadas Yaron, Amit Rahav y Eva Feiler.

«Creo que cualquiera que sea un actor de método es verdaderamente valiente y sorprendente, pero yo personalmente no soy un actor de método», me dice King en el episodio de esta semana de «Just for Variedad» podcast. “Y cuando grabo un programa como este, no sé cómo podría ser porque tener esos momentos de liberación entre montajes y tomas con tus amigos [is needed].”

«A veces necesitas esa liberación en la mesa de refrigerios juntos… porque se puso muy oscuro», continúa. “Se ponía muy triste y había momentos en los que simplemente no sabías cuándo te iba a golpear. Todos tuvimos diferentes momentos en los que estábamos sentados pasando un buen rato juntos, simplemente filmando una escena y luego alguien hiperventilaba y lloraba porque era una ola que te inundaba”.

Hulu también puso a disposición terapeutas de trauma para el elenco y el equipo en el set. “Vinían y controlaban mucho a cada uno de nosotros, lo cual me pareció genial”, dice King.

Pero al final del día, King cree que fue el elenco apoyado el uno en el otro lo que hizo soportables los días más difíciles. Las noches de cine de King con sus coprotagonistas fueron particularmente útiles: «Veíamos ‘Buscando a Nemo’ porque simplemente lo necesitábamos».

King, de 24 años, dice que experimentó antisemitismo por primera vez cuando se unió a Instagram a los 12 años. “En los primeros dos meses recibí mi primer comentario antisemita y disminuía en términos de la frecuencia o la frecuencia con la que ocurría, y en cierto modo Fue una montaña rusa en términos de la frecuencia con la que la experimentaría, pero eso fue impactante cuando tenía esa edad”, recuerda. “Ahora simplemente lo espero porque el antisemitismo no es lo único que experimento en términos de acoso en línea. Por eso casi parece uno de los muchos síntomas de un gran diagnóstico de personas horribles en Internet. Me entristece, pero en realidad no me sorprende”.

La carrera de King ha abarcado muchos géneros, desde liderar la fantasía de acción “The Princess” y la trilogía “Kissing Booth” de Netflix con Jacob Elordi y Taylor Zakhar Perez hasta su trabajo nominado al Emmy como Gypsy Rose Blanchard en “The Act”. Una de sus próximas películas es la comedia romántica dirigida por Richard LaGravenese “A Family Affair” con Nicole Kidman y su amor platónico de la infancia, Zac Efron.

“Decir que era un [‘High School Musical’] fan sería quedarse muy corto”, dice King. «Decir que estaba obsesionado sería un poco más exacto».

El año pasado, King protagonizó su segundo video musical de Taylor Swift, siendo el primero el video “Mean” de la superestrella de la música en 2012. Swift dirigió a King y Taylor Lautner en el video de su sencillo “I Can See You”.

«Ella tenía su visión, pero también le encantaba ver lo que los actores inventaban y hacían por su cuenta y quiere asegurarse de que lo entendiera», dice King sobre Swift. “Pero ella hace algunas tomas y cuando lo tiene, lo tiene. Es una directora segura de sí misma”.

Puedes escuchar mi conversación con King en “Just for Variety” arriba o donde descargues tus podcasts favoritos.

Los cineastas Farah Nabulsi y Darin J. Sallam se reunieron recientemente para discutir cómo la violencia actual en Gaza ha impactado a la comunidad creativa palestina, las dificultades que han soportado al contar sus historias, las preocupaciones sobre la censura de Hollywood y las esperanzas de que el cine pueda «preservar» la historia palestina para el episodio debut del podcast Muslim Girl Code “¿Salvará Palestina la narración de historias?”

En una conversación con la fundadora de MuslimGirl.com, Amani Al-Khatahtbeh, para el primer episodio de Ramadán del podcast, Nabulsi y Sallam compartieron cómo sus identidades como mujeres palestinas han influido en las historias que destacan, y si la identidad o el género ha sido una barrera para ellas en la película. industria.

Nabulsi, una cineasta británico-palestina cuyos trabajos recientes incluyen los cortometrajes nominados al Oscar “The Present” y “The Teacher”, señala que las dificultades que ha enfrentado con mayor frecuencia se deben a que el cine independiente es un desafío en sí mismo y que las historias quiere decir que son palestinos y están ambientados en Palestina, en lugar de que ella misma sea palestina.

“Triunfar en el cine independiente, independientemente de si eres palestino o no, es extremadamente difícil y difícil”, dice Nabulsi en la entrevista, y agrega que el acto de realizar cine independiente es “una prueba de resistencia”, especialmente en una industria dominada por los hombres. pero finalmente ha aprendido “cómo maniobrar” a través de esos elementos.

“Soy británico-palestino, pero incluso como palestino, eso nunca ha sido un problema para mí; es más bien que las historias que estoy contando son historias palestinas ambientadas en Palestina”, continúa. “Hay una gran mayoría de la industria cinematográfica que no necesariamente está particularmente emocionada o interesada en apoyar películas sobre ese tema, ya sea desde la etapa de desarrollo hasta la etapa de producción o hasta la etapa de distribución. Y yo sé que [reality] en cada película que hago, y eso está bien. Eso es autoinfligido porque elijo contar esas historias particulares ambientadas en ese lugar sobre ese tema. Así que entro con los ojos bien abiertos”.

Sallam, que es jordana y palestina, dice que mientras trabajaba en su película de 2021 “Farha”, enfrentó dificultades no tanto por su identidad palestina sino por el contenido de la película.

“Farha”, el largometraje internacional de Jordan nominado al Oscar para la 95ª edición de los Premios de la Academia, está ambientado durante la Nakba de 1948 y se centra en una niña palestina de 14 años llamada Farha mientras observa cómo la catástrofe consume su hogar. Las fuerzas israelíes entran en su ciudad como parte de una acción militar que desplazó a más de 700.000 palestinos.

“Con la financiación de la película, una de las razones por las que fue realmente difícil es que las personas, los individuos y las organizaciones estaban aterrorizados de asociar sus nombres con una película de Nakba. Estaban tan asustados. Pero, además, otra razón [was] que, según ellos, Palestina no está de moda, sino Siria”, relata Sallam, señalando que la película fue escrita en 2016 y filmada en 2019. “Para ellos, era como, ‘Haz que sea una chica siria ahora. Siria está más de moda’”.

Tanto Sallam como Nabulsi mencionaron sentir que sus películas fueron objeto de acoso selectivo en línea cuando debutaron inicialmente.

“El clímax de la lucha del viaje de ‘Farha’ se produjo justo antes del estreno de la película en Netflix. Fue al mismo tiempo cuando la película fue nominada para representar a Jordania en la carrera por los Oscar, y cuando el gobierno israelí lanzó este ataque y esta campaña contra la película para dañarla y bajar la calificación en IMDb”, dice Sallam.

Nabulsi añade que su película “The Present”, que sigue a un padre y su hija en Cisjordania mientras compra un regalo de aniversario de bodas para su esposa, experimentó un escenario similar en IMDb.

«Fue como si todas estas maravillosas calificaciones de la gente, y de repente, un montón de calificaciones 1 aparecieran de la noche a la mañana, muchísimas», agrega Nabulsi.

Los dos también discutieron cómo la violencia actual en Gaza, que ha causado más de 30.000 muertes hasta ahora, los ha afectado tanto personal como profesionalmente, así como sus preocupaciones compartidas sobre la creciente censura en Hollywood cuando los creativos hablan en apoyo de un alto el fuego.

“Creo que el 7 de octubre y las primeras semanas siguientes, hubo una reacción instintiva en algunos aspectos que no era necesaria. Estaba liderado por pura indignación, emoción, ira e incluso elementos de venganza”, dice Nabulsi. “Desafortunadamente, obviamente varias personas fueron las víctimas de eso. Y eso es absolutamente incorrecto. Y de alguna manera, desde entonces, han sido reivindicados por cualquier cosa que hayan dicho en ese momento. Así que es una pena que hayan tenido que pagar ese precio, que en primer lugar fue injusto”.

Nablusi continúa diciendo que desde entonces ha estado “inmersa en el dolor” por la crisis actual que enfrentan los palestinos y le ha resultado difícil concentrarse en su trabajo.

“Me veo obligado a centrarme en ‘The Teacher’, porque es mi proyecto actual que está en proceso de lanzamiento, así que no puedo abandonarlo. Pero se siente ridículo publicarlo mientras esta cruel masacre y crisis humanitaria deliberadamente infligida se desarrolla en nuestras pantallas. Al mismo tiempo, nunca me he sentido más orgulloso de ser palestino y me siento muy orgulloso de haber hecho esta película. Es una historia profundamente humana que se sitúa básicamente en esta realidad violenta, brutal e injusta que han soportado los palestinos durante décadas y que ha llegado a un momento crucial en el discurso sobre Palestina. Y realmente me siento muy agradecido de poder comenzar a compartir esta película en este momento. Para mí, este es mi cine de resistencia en este momento”.

Sallam enfatiza cómo el cine puede ser un “medio importante” para educar y crear conciencia, lo que considera una labor esencial en una época de sufrimiento masivo para los palestinos.

“Como cineastas, llevar estas voces e historias de los palestinos a la pantalla es crucial para mantener nuestra existencia porque es una poderosa forma de resistencia. Por ejemplo, con ‘Farha’, generó conciencia de una manera que no esperaba, [so much so] que la gente saldría del cine, buscaría en Google la Nakba y aprendería sobre la Nakba”, dice Sallam. “Así es como preservamos nuestra historia y nuestra cultura. Es simplemente nuestro deber abrir los ojos del mundo a través de nuestro arte y de lo que podemos hacer y en lo que somos buenos”.

Al mirar hacia el futuro, tanto para lo que les espera a los palestinos como para su trabajo, que a menudo ha enaltecido sus historias, Nabulsi espera que “realmente podamos ver el fin de esta opresión e injusticia y, en última instancia, alcanzar un lugar de liberación” y futuras películas. por los palestinos puede incluir “temas e historias más esperanzadoras y sanar de alguna manera”.

Nabulsi y Sallam también enfatizan la importancia de que la industria cinematográfica en su conjunto “sea valiente y visionaria y apoye realmente estas historias”.

“Me mata ver a los artistas tener miedo, y por eso mencioné ser valiente, porque como artista, necesitas tener humanidad”, añade Sallam. “No se trata sólo de luchar por Palestina; es luchar por la humanidad, por la justicia y por los derechos humanos básicos. La causa palestina no es política; es una causa humana. Y es por eso que pregunto [artists] estar en el lado correcto de la historia”.

Escuche la conversación completa con Nabulsi y Sallam en el podcast Muslim Girl Code.