El multiguionista búlgaro Stephan Komandarev completa su trilogía sobre los problemas sociales y los males morales en la Bulgaria contemporánea con «Blaga’s Lessons», que se estrena mundialmente en la competición Crystal Globe del Festival de Cine de Karlovy Vary. Hereje es el agente de ventas.

Después de «Directions» (2017), que se centra en los tiempos difíciles para algunos taxistas de Sofía durante una larga y agitada noche, y «Rounds» (2019), sobre policías que patrullan la capital, Komandarev y su coguionista Simeon Ventislavov utilizan un mujer mayor engañada por una estafa telefónica para investigar los problemas que aquejan a la generación de sus padres. Komandarev dice: “Los jubilados búlgaros resultaron ser las verdaderas víctimas de la llamada ‘transición’ (desde 1989 hasta hoy). Estas personas, que han trabajado y creado persistentemente toda su vida, han perdido la seguridad y la protección básicas. , alimentación normal, atención médica adecuada, calefacción, etc.”

La protagonista Blaga (Eli Skorcheva) es una profesora de lengua y literatura búlgara jubilada. Recientemente viuda, le preocupa cómo pagará la tumba y la lápida de su esposo. Su hijo adulto vive en el extranjero y lucha por ganarse la vida. Ella complementa su exigua pensión dando clases particulares de idiomas. Al principio parece que puede estirar sus finanzas, pero luego la estafan con casi todo su dinero.

Helmer Komandarev señala que él y muchos de sus amigos tienen seres queridos que han sido víctimas de este tipo de estafas. Él dice: “Sucede muy a menudo. Hicimos una investigación seria, conocimos a muchas víctimas, hablamos con los oficiales de policía que trabajan en estos casos, incluso logramos ver a un estafador telefónico real. Esperamos que nuestra película apoye seriamente la prevención”.

Mientras que las películas anteriores de la trilogía del director tuvieron lugar en Sofía, «Blaga’s Lessons» se desarrolla en Shumen, una ciudad antigua con sus propias tradiciones culturales y un paisaje urbano único ideal para el cine, incluido el impresionante monumento conocido como «1300 años de Bulgaria». .” Komandarev dice: “También decidimos salir de Sofía, porque en el campo, la situación con los jubilados es aún más difícil en comparación con Sofía. Allí hay más ancianos solitarios; el campo se está despoblando mucho más rápido que la capital”. Además, la orquesta local es la sinfónica más antigua de Bulgaria y su directora, Kalina Vasileva, compuso la música de la película.

Skorcheva, el líder expresivo, se convierte en una actuación que es a la vez vulnerable y acerada. Komandarev señala: “Eli fue una estrella en los años 80 en Bulgaria. Todos los adolescentes de entonces estábamos enamorados de ella. Hubo películas de culto con su participación. Después de 1989, dejó deliberadamente de actuar en cine y televisión, frustrada por la excesiva comercialización en este ámbito”. La conoció por casualidad durante la pandemia y ella accedió a leer el guión y le gustó mucho. Continúa: “Pocas veces en mi carrera como director he tenido la suerte de trabajar con una actriz de tal clase, con una sensibilidad increíble y un ojo para la interpretación detallada”.

El título “Lecciones de Blaga” tiene múltiples significados. En cierto sentido, se trata de la precisión de su uso del idioma búlgaro, una práctica tan arraigada que continúa corrigiendo automáticamente el uso descuidado. Komandarev dice: “Uno de los signos de una crisis en una sociedad es el declive espiritual, un declive en la educación, también en la calidad del habla y del habla escrita”. Los maestros más importantes de su infancia fueron los de lengua y literatura búlgara. “Me hicieron leer libros que desarrollaron mi imaginación y me dieron una cultura general. Me enseñaron a expresarme de manera significativa ya desarrollar mis ideas. Tenían un alto prestigio social en los tiempos de mi infancia. Hoy en día, este no es el caso”.

Si uno considera las obras de Komandarev, así como las películas de Kristina Grozeva y Petar Valchanov (cuya «El padre» ganó el Globo de Cristal de Karlovy Vary en 2019), y Ralitza Petrova («Godless»), parece que hay una escuela de Críticas sociales búlgaras. Komandarev está de acuerdo. Él dice: “También hay otros colegas que hacen buenas películas en esta dirección. En tiempos de crisis moral, espiritual, social y económica, el cine, en mi opinión, debería intentar ‘curar’ a una sociedad enferma. No podemos pretender no ver lo que sucede a nuestro alrededor, sería cínico. Desgraciadamente, en Bulgaria hay una campaña contra este tipo de cine. Es denigrado como cine de «festival», «de arte» o «social». Hay intentos de imponer un modelo para películas más orientadas al mercado y de entretenimiento. Esa negación de mirar los problemas reales de las personas es también una señal del declive de una sociedad”.

Como ex médico, Komandarev está especialmente preparado para hacer diagnósticos. Él dice: “Mi experiencia de vida como médico es de gran ayuda para mí cuando hago mis películas. Trato de usarlos para diagnosticar nuestro tiempo y nuestra sociedad. Porque, como nos enseñaron en la Facultad de Medicina, un diagnóstico correcto es el primer paso más importante para un buen tratamiento”.

Komandarev también continúa dirigiendo y produciendo documentales. Pueden ayudar a escribir sus guiones de largometrajes, o las ideas desarrolladas en un largometraje pueden convertirse en la base de un futuro documental. Él dice: “Me encanta hacer documentales, meterme en temas y eventos reales que me interesan, conocer gente interesante, ganarme su confianza. Salir de mi zona de confort. Para aprender cosas e historias nuevas. Para crear documentales que sean a la vez emotivos, cuenten historias interesantes e informen sobre las injusticias”.

Komandarev se está preparando para filmar un quinto proyecto escrito con Ventislavov. Es una coproducción alemana llamada «Made in EU» y fue uno de los 15 proyectos seleccionados para L’Atelier 2022 en Cannes.

Puede ser difícil para los cinéfilos devotos imaginarse a alguien que no sea Nicole Kidman, Meryl Streep y Julianne Moore como las tres protagonistas de “The Hours”, pero confíen en que The Metropolitan Opera encontró a sus contrapartes en el mundo clásico. La novela de Michael Cunningham de 1998 tiene una tercera vida, adecuada para su estructura de historia tripartita, en la adaptación poética del Met de la conmovedora historia de tres mujeres que viven el mismo día durante décadas. Renée Fleming, Kelli O’Hara y Joyce DiDonato lideran la hermosa nueva producción de The Met, reuniendo a tres de las divas más veneradas del mundo del canto en un escenario para una colaboración excepcional.

Esto por sí solo es motivo suficiente para verlo, que las audiencias podrán ver el 10 de diciembre gracias a The Met Live en HD. Para los amantes del cine que no están seguros de la ópera, deje que la entrada a un precio razonable sea una puerta de entrada a nuevas experiencias. La puesta en escena creativa de Phelm McDermott y el ingenioso diseño de decorados y vestuario de Tom Pye deberían leerse maravillosamente en la pantalla, creados para ser vistos desde lejos. El compositor Kevin Puts y el libretista Greg Pierce dejan solo la esencia de la historia, eligiendo líneas familiares de repetición como estribillos guía.

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Oportunamente, la ópera comienza con la famosa primera línea de “Mrs. Dalloway”, la novela que su personaje (DiDonato) está escribiendo en “The Hours”. «Sra. Dalloway dijo que ella misma compraría las flores”, resuena melodiosa el coro, un enjambre maleable de cantantes que se transforman en varios escenarios, sobre todo en un macizo de flores gigante que casi engulle a la acosada Clarissa (Fleming). La soleada cocina de la década de 1950 que pertenece al ama de casa de los suburbios, Laura (O’Hara), es una delicia para los amantes del diseño, y su alegría opresiva desmiente su agitación interior.

Con su estructura de tres partes y su historia sobre la vida interior de las mujeres, “The Hours” funciona sorprendentemente bien en el escenario. Los tres mundos y eras distintos se sientan uno al lado del otro antes de eventualmente girar juntos en un hipnotizante trío final.

“Lo mejor que puede hacer la ópera es la simultaneidad”, dijo a IndieWire el dramaturgo de The Met, Paul Cremo. “Puedes tener tres personas en tres décadas diferentes cantando en el escenario al mismo tiempo. Y eso es algo que realmente no puedes hacer de la misma manera en una película, a menos que tengas una pantalla dividida. Así que presentó muchos desafíos musicales y dramáticos realmente emocionantes”.

Evan Zimmermann

Aunque eran fanáticos de la película, el equipo creativo trabajó principalmente a partir del libro como material fuente original. Como exejecutivo de bandas sonoras de Sony que descubrió «El pianista» en Cannes, Cremo ve similitudes únicas entre el cine y la ópera.

“En la ópera, el director está dirigiendo cada momento”, dijo Cremo. “Existe esta fuerza impulsora, que es la música y el director que empuja la pieza hacia adelante. De la misma manera que el ritmo de la edición y la música de la película empujan la película hacia adelante y te dan pistas sobre cómo reaccionar y apoyar lo que está pasando en la vida emocional de los personajes de la historia. Y estoy firmemente convencido de que si Verdi o Puccini o incluso Mozart estuvieran vivos hoy, seguramente estarían escribiendo bandas sonoras para películas. En su día, la ópera fue para el público. Era entretenimiento de masas, tal como son nuestras grandes películas de gran éxito hoy en día”.

A medida que instituciones como The Met y The New York City Ballet miran hacia el futuro, deben inventar nuevas formas de devolver estos medios clásicos a la gente. A principios de este año, el público acudió en masa a escuchar una nueva composición de Solange Knowles, quien se convirtió en la segunda mujer negra en recibir una partitura encargada por la NYCB con el nuevo ballet “Play Time”. Así como los estudios de cine confían en la propiedad intelectual existente, The Met está encargando nuevos trabajos con la esperanza de atraer nuevas audiencias.

“Las compañías de ópera estadounidenses en particular están interesadas en desarrollar nuevas óperas porque descubrieron que el público estadounidense responde muy bien a algo que está en inglés”, dijo Cremo. “Y si se basa en una película, un libro o una historia conocida, algo histórico o una noticia extraída de los titulares de hoy, la gente puede emocionarse mucho. Y la ópera no les parece tan remota”.

“The Hours” toca The Met Live en HD el viernes 10 de diciembre y el miércoles 14 de diciembre. Boletos disponibles aquí.

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MARRAKECH – No hace mucho tiempo que los cineastas Maba Ba y Mamadou Dia estaban de gira por Senegal con una pantalla inflable para que los lugareños pudieran ver el galardonado debut cinematográfico de Dia, “Nafi’s Father”.

Explorando el fundamentalismo a través de esta historia sobre una pelea entre un imán y su hermano por el matrimonio de sus hijos, el drama ganó el premio a la mejor ópera prima en Locarno en 2019 y se convirtió en la entrada al Oscar de Senegal.

El segundo largometraje de Dia, “Demba”, ha traído a los graduados de la NYU Tisch School of the Arts y a los socios de producción de la productora estadounidense-senegalesa, JoyeDidi, a Marrakech para el programa de mentores e industria Atlas Workshops de esta semana, que finaliza el 17 de noviembre.

Mostrando su actitud positiva, “Demba”, que es parte de la sección de proyectos en desarrollo del programa con el objetivo de recaudar los 900 000 euros restantes (927 000 dólares) necesarios para filmar el proyecto en un mes, comenzará a filmarse de cualquier manera. “Sí, probablemente vamos a gastar todos nuestros ahorros nuevamente”, bromea Dia con una sonrisa.

El dúo ya ha asegurado el apoyo del gobierno de Senegal y dos financieros independientes en casa.

“Estamos aquí buscando socios a largo plazo”, agrega Ba. “¿En qué otra industria funciona así que financias un proyecto a la vez?”

Con ese fin, la compañía está lanzando el fondo cinematográfico J7 para recaudar $3 millones en una primera ronda de financiamiento. La idea es ayudar a financiar una gran cantidad de sus proyectos en proceso, así como los de terceros.

“Hemos estado viajando, recaudando fondos para crear un ecosistema no solo para nosotros, sino también para otros cineastas para contar historias auténticas y sin disculpas”, dijo Ba.

El primero de la lista es “Keep Dancing”, el título provisional de un documental que están completando sobre Germaine Acogny, descrita como la madre de la danza africana contemporánea. Dirige Dia.

Creadora de la técnica Germaine Acogny, también es cofundadora de la escuela de danza Ecole des Sables en Senegal, que se dedica a enseñar a bailarines de la diáspora africana y estudiantes internacionales danza africana tradicional y contemporánea, así como la técnica Acogny.

Filmado en 2020, el dúo sigue a algunos estudiantes de último año en el programa de capacitación de tres años de la escuela.

En fase de montaje, “No es un retrato de ella. Está hablando de su legado”, dijo Dia. Siguiendo a algunas de las jóvenes bailarinas africanas en sus últimos años.

Otro próximo proyecto destacado, «Augustus» (un título provisional), trata sobre el célebre fotógrafo afroamericano Augustus Washington (1820/21-1875). Washington era hijo de un antiguo esclavo. Dejó los Estados Unidos para una nueva vida en Liberia. Establecería estudios temporales en Senegal donde creó un cuerpo de trabajo célebre. El presupuesto se estima entre $ 5 millones y $ 10 millones.

Si bien la compañía se lanzó con dos de los esfuerzos de dirección de Dia, Ba se está poniendo al día.

Está escribiendo y dirigirá su ópera prima “Searching for Home”, sobre su propia infancia turbulenta en Senegal. Después de que su madre lo sacara de la cama en la noche cuando tenía cinco años para llevarlo a una nueva vida sin su padre, unos años más tarde se encontró robando y conduciendo peligrosamente autos robados. “Tenía un deseo de muerte”, dijo.

“En última instancia, todo el mundo está buscando el amor. Es un estudio personal tomado de mi experiencia entre los 10 y los 17 años cuando era adicto a la adrenalina y robaba y corría autos. estaba buscando el amor No sabía cómo sentir nada”.

También está escribiendo una película para Netflix, pero mantiene el tema en secreto.

Él sí sabe cómo sentir algo hoy. Recuerda la gira por Senegal en furgoneta con el “Padre de Nafi”

“Soy un hombre y soy un hombre africano, así que no lloro”, dijo. “Pero los niños de las aldeas estaban sentados en las paredes para poder ver la película y se engancharon mucho. Es una imagen tan hermosa en mi mente”.

En cuanto a su visión general de la compañía, dijo Dia: “Tratamos de hacer muy buenas películas sin gastar dinero loco. No solo hacemos películas que creamos. Acabamos de terminar otro documental en julio cuando nos contrataron. Somos cineastas y nos encantan las historias. Tenemos un modelo diferente a Europa donde eres productor o director. Lo hacemos todo y mantenemos los costos del proyecto ajustados”.

“Demba” IS se basa en una experiencia personal, dice Dia, quien perdió a su madre a los 13 años. “Toda la comunidad se unió para cuidarnos”.

El duelo o la depresión siguen siendo temas tabú en casa. La historia sigue a una viuda que se jubila de su trabajo en el servicio civil y sufre la pérdida de su esposa. “Incluso hoy en día no existe una palabra para depresión en nuestra cultura”, dijo.

Muchos de nosotros que hemos tenido o hemos tenido gatos deberíamos poder identificarnos con el lema de la novela para adultos jóvenes de 1972 Las brujas de gusano como lo apareció en el sitio web de su difunto autor: “Jessica adopta a regañadientes un gatito que puede ser, o no, un demonio malvado”. Algún mal no tiene que volver a casa, ya está allí, «resbaladizo y silencioso, delgado como un gusano y gris como un gusano».

Las brujas de gusano cumplió 50 años a principios de este año, y es una opción sólida si está buscando una lectura espeluznante y alegre esta temporada de Halloween. Es un libro que me asustó muchísimo cuando era niño (su línea final se quedó conmigo desde la primera vez que lo leí). Con una mano sutil que respeta la inteligencia de su audiencia YA, la autora Zilpha Keatley Snyder evoca un thriller psicológico a partir de una práctica tonta y común:El acto de hablar con (y fabricar respuestas de) la mascota de uno.

Cuando la conocemos al final de las vacaciones de verano, Jessica Ann Porter, de 12 años, es una niña solitaria que recientemente ha sido abandonada por varios amigos y es ignorada en gran medida por su madre soltera, que tenía 18 años cuando tuvo a Jessica y mantiene una vida social ocupada. El mundo exterior de la cabeza de Jessica coincide con la desolación del interior: incluso en agosto, los días son «fríos» y el aire sabe «gris y venenoso». En una cueva dentro del «acantilado para un patio trasero» fuera del edificio de apartamentos de Jessica (un toque alucinante), donde Jessica se esconde y lee su libro sobre los juicios de brujas de Salem, se encuentra con un pequeño gatito con ranuras para los ojos. Aunque no le gustan los gatos, los adopta de todos modos y se adapta al riguroso horario de alimentación que requiere un animal tan pequeño. El gato no es lindo. Su mamá dice que le recuerda a un gusano. “Me gustan los gusanos”, responde Jessica. “Me gustan mucho más los gusanos que los gatitos”. Jessica es una niña extremadamente rara.

En ese sentido, ella y su gato, a quien llama Worm después de la conversación con su madre citada anteriormente, son una buena pareja. Worm es un abisinio, según la estimación de la vecina de Jessica, la dama de los gatos, la Sra. Fortune. Pero más que nada, Worm es un monstruo cuyas «orejas eran cuernos de diablo y sus ojos encapuchados y malvados», y que observa a Jessica «en silencio a través de los ojos entrecerrados». Jessica tiene conversaciones A/B en su cabeza al principio del libro, y luego con Worm:

«¿Por qué no lloras?» Jessica preguntaría y luego respondería por él. “¿Por qué debería llorar como un gato común?” ella se lo imaginaba diciendo. «Soy Worm, y soy diferente».

Muy pronto las cuerdas dejan de mostrarse y su imaginación activa se convierte en realidad. Worm comienza a decirle a Jessica que destruya cosas: la trompeta de su antiguo amigo Brandon, el vestido caro de su madre. Worm es, para decirlo de manera sucinta, un rudo. Cuando Worm sale y termina en el patio trasero, rodeado por los gatos intimidados de la Sra. Fortune, Jessica lo rescata y nota que los gatos a los que acaba de enfrentar probablemente estarán demasiado asustados para volver a salir durante una semana. Luego, «los bigotes de Worm parpadearon, y Jessica pensó que estaba diciendo: ‘Deberían estar asustados'».

Si bien Snyder hace un buen trabajo manteniendo las cosas ambiguas como el puchero de un gato, parecía claro en mi lectura más reciente que Worm no es un «gato de brujas», como sugiere Jessica, inspirada por su lectura sobre Salem. Él es su salida para el rabia acumulada en su aislamiento. Y así como Jessica finge tener problemas de memoria después de ser confrontada por su transgresiones, su madre tiene un error similar al aceptar la responsabilidad por la actuación de su hija. Después de que Jessica destruye el vestido de su madre, Jessica escucha a su madre hablando por teléfono con su novio sobre «escuelas especiales para niños con ese tipo de problema», como si la madre, Joy, no fuera una gran parte del problema. (Otros lectores han supuso que Jessica está en el espectro del autismo.)

Aunque en su corazón Las brujas de gusano es una historia sobre la incipiente comprensión de una preadolescente del alcance (y los límites) de su propio poder y su lucha contra una identificación vengativa, Snyder mantiene las cosas extrañas siempre que puede. Este es especialmente el caso del personaje de la Sra. Fortune, que «parecía terriblemente vieja, más vieja que siempre», y dice cosas extrañas como: «Esta bien puede ser tu última oportunidad», cuando Jessica decide que criará a la criatura que ella acaba de encontrar y desprecia inmediatamente. La Sra. Fortune, experta tanto en gatos como en brujas, también es a veces extremadamente sabia. Ella le dice a Jessica: “La falla es una palabra vacía. Es una moneda de una sola cara. No es una razón ni una excusa”.

Aunque sombrío, Las brujas de gusano nunca cruza hacia lo verdaderamente violento o peligroso, y el arco de Jessica es, en última instancia, redentor. Ella aprende a amar al gato que es capaz de verse «tan increíblemente malvado». (Ella también recupera a su amigo Brandon, aunque dadas sus peleas anteriores, incluido un incidente en el que él «casi le rompe la mandíbula», no estoy seguro de que este sea el final feliz que pretendía ser). es psicológico en extremo: nunca vio una adaptación cinematográfica o televisiva y parece haber sido olvidado en gran medida a pesar de obtener muy buenas críticas en el New York Times y Kirkusasí como el reconocimiento de Newbery Honor (eso significa que esencialmente hizo la lista corta para el premio anual Medalla Newbery premio de literatura infantil). Eso supuestamente tiene sido prohibido”con frecuencia” por la adyacencia de su tema a la brujería (y probablemente porque la palabra “brujas” está en el título).

Pero Las brujas de gusanoEl examen bastante cuidadoso del mundo interior de Jessica es inusualmente sensible y preciso para un personaje que hace cosas de mierda a otras personas con regularidad, mientras evoca las posibilidades de una actividad sobrenatural en marcha. El espíritu del libro parece alineado con otra de las perlas de la sabiduría de la Sra. Fortune: «Creer en misterios, todo tipo de misterios, es el único lujo duradero en la vida».

Intelectuales, líderes empresariales, artistas, políticos… Frédéric Taddeï recibe personalidades de todos los ámbitos de la vida para arrojar nueva luz y dar un paso atrás de las noticias de la semana pasada el sábado. Misma receta el domingo para anticipar la semana que viene. Un encuentro emblemático para comprender mejor el espíritu de los tiempos y la complejidad de nuestro mundo.