El panorama montañoso del Rigi, una enorme bandera suiza está efectivamente sujeta a una roca por algunos escaladores colgados de cuerdas. Impresionantes imágenes de este mundo en el que durante mucho tiempo se han infiltrado motivos de postales. En la banda sonora se escuchan sonidos arcaicos de la trompa alpina y del Büchel de Hans Kennel, inmediatamente te sientes transportado a este paisaje. “Mi primera montaña” (2012) es el título de esta película de Erich Langjahr, que el sábado celebra su 80 cumpleaños.

Langjahr, nacido en 1944 en el cantón de Zug, ha realizado doce largometrajes desde los años 1970 y el decimotercero se estrenará este otoño. Es uno de los cineastas más destacados de Suiza.

Toda la complejidad de su visión cinematográfica se puede encontrar en las tomas del paisaje montañoso, de las personas que trabajan en él y del turismo, que cada vez se hace más visible. Su cine nunca se inclina ante simples lecturas, sino que crea un juego dialéctico de diferentes elementos que componen la vida.

Tan pronto como quieres atribuir a tus películas una visión nostálgica de modos de vida arcaicos, aparecen los ravioles enlatados y los supermercados; tan pronto como crees reconocer un posicionamiento político claro, una afirmación complica verdades que parecen demasiado simples; Tan pronto como sientes patetismo, entra en juego el humor. Sus películas muestran que la vida no es tan fácil como algunos discursos políticos quieren hacer creer.

Él lucha con el mundo.

La mayoría de las películas de Langjahr, que trabaja con su compañera Silvia Haselbeck desde hace casi cuarenta años, están ambientadas en Suiza; cabe reconocer en él a un cronista y preservador de la cultura suiza; En la entrevista, él mismo describe lo que más le interesa: “Si hubiera estudiado, habría estudiado etnología. El folklore es lo que me preocupa. Intento explorar a la gente junto con el paisaje”.

En sus películas se aprende sobre los agricultores de montaña, los días conmemorativos patrióticos en el centro de Suiza, las posadas rurales y la existencia de los pastores a principios del milenio. Las películas de Langjahr trabajan y la interacción entre el paisaje y las personas. Por supuesto, se encuentra con condiciones y cambios que amenazan la existencia de determinadas comunidades y paisajes. Sus películas luchan con el mundo.

En “Ex Voto”, su búsqueda de casi siete años para descubrir qué podría significar la cargada palabra hogar, combina la mirada etnográfica con una necesidad interior. Se trata, dice, de estar cómodo en un lugar. Busca comunidad porque para él es importante hacer algo significativo dentro de una comunidad. Todo esto es lo que constituye un hogar, y eso es lo que hay que defender.

El hecho de que Langjahr sea menos conocido que otros cineastas de su calibre se debe en última instancia a la distinción predominante entre largometrajes y documentales, que el propio cineasta no utiliza mucho: “Los largometrajes y los documentales no se diferencian en absoluto en este sentido. sentido. Determino el fragmento, recopilo el material, selecciono para que surja una estructura narrativa. La realidad te da regalos. Se trata de destilar una historia de esta realidad.»

Su magnífica película “Hombres en el ring” (1990) demuestra, entre otras cosas, cuánto se puede contar. En él acompaña a la última comunidad masculina de Hundwil. La cámara muestra repetidamente el absurdo patriarcal, pero también la belleza de los innumerables hombres de pie en un prado para votar sobre el futuro sufragio femenino. En el medio, se repiten cortes en los rostros de jóvenes y mujeres que observan los acontecimientos desde la barrera. No hay ningún comentario que interprete lo que ves. Tienes que mirar y formarte tu propia opinión.

“Men in the Ring” es una película sobre política de identidad avant la lettre. Pero no uno que te diga la verdad, sino uno que capture las dudas e inseguridades de la gente entre tradición y progreso. Aunque el término parezca un poco anticuado, Langjahr puede describirse como un gran humanista. Las personas son más importantes que las ideas que dan. Es sorprendente lo raro que esto se ha vuelto hoy en día.

El humanismo también se aplica de manera especial a sus numerosas obras con los montañeses, como “Sennen Ballad” o “La herencia de los montañeses”. En las películas, como suele hacer, explora una existencia que es lo opuesto a la vida moderna. Al registrar rituales, vestimentas, métodos de trabajo, lenguas y paisajes amenazados por la agitación, Langjahr, en cierto sentido, los preserva para el futuro.

Lo que llama especialmente la atención es su uso del tiempo, porque muchas de las películas de Langjahr no sólo se rodaron durante largos periodos de tiempo, sino que también da al público y a las personas delante de la cámara el tiempo necesario para poder ver realmente algo. . «Si corto, entonces los ojos se quedan en un único motivo principal, entonces sólo quiero decir una cosa y nada más. Pero si tengo una imagen más larga que dice algo dentro de sí misma, entonces puedo ver más. Podría ser simplemente el viento en un paisaje”.

El mencionado viento y su efecto sensual en el cine también señalan un hilo bastante sutil en la obra del todavía ocupado cineasta: el de la espiritualidad. Con su nueva película “The Taboo Breaker”, que realizó junto con Haselbeck, continúa su trabajo “Birth” (2009). En esta última película sigue de cerca un embarazo y un parto, pero ahora lidia con la muerte.

La película acompaña a Michèle Bowley, ex psicóloga sanitaria del cantón de Zug, en la última etapa de su vida. Hasta el día de hoy, Langjahr no rehuye las grandes preguntas: ¿Qué significa vivir? ¿Cómo deberíamos vivir? El hecho de que las respuestas contenidas en sus películas siempre puedan redescubrirse es su gran regalo para nosotros.

Con motivo del 80 cumpleaños de Erich Langjahr, SRF 1 transmitirá la película “Mi primera montaña” el 27 de abril de 2024 a las 14:10 horas.

Norman Jewison hizo películas que importaban.

“El tiempo lo es todo”, me dijo el director la única vez que nos conocimos. Me habían reclutado para presentar una larga sesión de preguntas y respuestas con Jewison en la Cinemateca Estadounidense, y me sentí más que un poco intimidado.

Desde “The Russians Are Coming, the Russians Are Coming” en 1966 hasta “Other People’s Money” en 1991, Jewison tuvo un sorprendente cuarto de siglo detrás de la cámara, dirigiendo películas que impactaron la cultura cuando se estrenaron (ninguna más que “ In the Heat of the Night”), muchas de las cuales todavía se siguen viendo en la actualidad.

A Jewison le gustaba contar la historia de cómo conoció a Bobby Kennedy antes de hacer la emblemática película de Sidney Poitier (Jewison era de la vieja escuela y siempre se refería a los proyectos como “imágenes”). Él y Kennedy se cruzaron durante unas vacaciones de esquí, donde sus hijos terminaron en el hospital.

Aún desarrollando «In the Heat of the Night» en ese momento, Jewison se encontró explicándole la trama a RFK: un detective negro de la gran ciudad va a Mississippi para investigar un asesinato, chocando con las actitudes racistas en todas partes de la ciudad, incluso entre los policías locales. (Rod Steiger ganó un Oscar por su papel; Poitier ni siquiera fue nominado).

Kennedy escuchó el discurso del director y luego pronunció la frase que Jewison me repitió todos esos años después: «El tiempo lo es todo». Era 1967. La lucha por los derechos civiles estaba en pleno apogeo. Y tanto Kennedy como Jewison creían que la imagen podría marcar la diferencia.

Muchas de las películas de Jewison lo hicieron. El director comenzó en la televisión, dirigiendo películas para televisión y especiales (en particular, el programa “The Judy Garland” de 1962), antes de que Tony Curtis le diera un respiro que lo llevó a un contrato en Universal. Jewison tuvo la suerte de trabajar con Steve McQueen en “The Cincinatti Kid” (asumió el cargo después de que Sam Peckinpah fuera despedido del proyecto) y pasó a dirigir algunas de las estrellas más importantes en el apogeo de su fama: Burt Reynolds (“Best Friends ”), Jane Fonda (“Agnes of God”), Sylvester Stallone (“FIST”).

El momento jugó más a su favor cuando Jewison apostó por actores sobre los que la industria se mostraba escéptica. Básicamente, descubrió a Alan Arkin en «The Russians Are Coming», convenció a Cher para que interpretara a una viuda italiana en «Moonstruck» e insistió en que Denzel Washington actuara en «A Soldier’s Story» (que sigue siendo una poderosa declaración en la representación afroamericana una década y media después). «En el calor de la noche»).

Jewison tenía un notable instinto para el casting, pero también apreciaba la textura de una comunidad, adoptando los detalles étnicos que hacían que sus personajes fueran tan específicos. Jewison insistió en rodar en exteriores tanto como fuera posible (filmando “Jesucristo Superstar” en Israel y “Fiddler on the Roof” en Europa del Este, lo más cerca que pudo de Rusia).

Jewison no era judío, aunque lo entendió mucho debido al nombre. A decir verdad, era un niño protestante de Toronto y demostró una especie de civismo concienzudo a lo largo de su carrera que es más consistente con nuestros vecinos del norte. Jewison era de voz suave en vida, pero siempre activista en su trabajo.

Incluso la menos temática de sus películas, el especial de 1975 “Rollerball”, hace una declaración política. Al verlo ahora, se ve a Jewison anticipando una cultura dirigida por corporaciones, donde los deportes sangrientos televisados ​​sirven para distraer a las masas. Ambientada en 2018, se encuentra entre las películas de ciencia ficción más proféticas de su época.

Aún así, Jewison prefirió hacer películas firmemente basadas en el presente, golpeando el sistema, desde su retrato de Hoffa, ligeramente ficticio, «FIST», hasta la imagen de Al Pacino echando espuma por la boca y gritando «¡Estás fuera de servicio!». en “…Y Justicia para Todos”.

Al igual que sus colegas cronistas sociales Sidney Lumet y Stanley Kramer, Jewison trabajó en todos los géneros, minimizando su huella personal en el material (excepto en el caso de estilo vanguardista de “El caso Thomas Crown”) en favor de los personajes y sus preocupaciones.

A pesar de su amplitud, su filmografía se resume mejor en una bofetada y un beso: el momento histórico en el que el personaje de Poitier devuelve el golpe en “In the Heat of the Night” y la escena en la que Nicolas Cage, manco, voltea la mesa de la cocina y abraza a Cher en “Moonstruck”.

Esas dos películas aterrizaron precisamente en el momento adecuado, y lo harán para siempre.