T. C. Boyle sabe manejar muy bien los cuentos. La forma breve parece hecha a medida para el don de Boyle para la observación precisa y su burbujeante imaginación. En su nuevo volumen de cuentos, el autor estadounidense también apunta a los desequilibrios del presente. “Voy a meterme contigo” – Voy a meterte contigo, te confundiré: la cita del músico Willie Dixon comienza el libro, y eso es exactamente lo que Boyle hace en las trece historias del volumen de una manera segura y entretenida. forma.

Como era de esperar, la naturaleza suele desempeñar un papel importante. En un pueblo, los habitantes sufren de repente horribles alucinaciones provocadas por cereales contaminados, un estudiante de medicina entabla una estrecha relación con uno de sus animales de experimentación, un beagle, una pareja huye de los desprendimientos de tierra en su ciudad: «Las enormes precipitaciones provocaron un deslizamiento de tierra , que empujó todo lo que se encontraba en su camino hacia el mar: casas, carros, árboles, rocas y veintitrés de mis vecinos. . .»

La perturbada relación entre las personas y la naturaleza se hace especialmente evidente cuando Boyle habla de un hombre que, a regañadientes, participa en una prueba de natación natural por el bien de su novia: “La idea de que necesitas un experto que te lleve quinientos metros a una reserva natural conduce para que puedas sentarte allí durante dos horas y mirar un periódico es completamente ridículo».

El amigo del pistolero

Un poco más tarde, el hombre conoce el otro lado de la naturaleza cuando es mordido por una serpiente de cascabel en su jardín y pierde un dedo, por lo que convierte el jardín en una fortaleza a prueba de serpientes y cuenta con el experto en piscinas naturales que lo transforma. Cuando uno quiere convencerlo de seguir participando, sólo queda el desprecio: “La naturaleza está en todas partes a tu alrededor. Nos estamos bañando en él ahora mismo». Aquí Boyle aborda una vez más su mantra: que todos los intentos humanos de reinterpretar la naturaleza como un amigable Jardín del Edén son, en el mejor de los casos, ridículos y, en el peor, potencialmente mortales.

Pero hace tiempo que T. C. Boyle se ha convertido en algo más que un simple autor con una única misión, por lo que también apunta a otros aspectos del presente. Un crucero se convierte en prisión cuando un pasajero enferma de Corona, un hombre no tan joven se niega a mudarse de casa hasta que sus padres lo obligan a hacerlo ante el tribunal, una mujer conoce a un compañero de viaje en el tren que resulta ser amigo de un pistolero.

A veces Boyle mira hacia un futuro demasiado posible cuando habla de coches autónomos que deciden por sí solos quién puede entrar y quién no, o de una sociedad que se somete voluntariamente a un sistema de evaluación social, por lo que voluntariamente que el protagonista saque a su propia amiga de Kicks del apartamento porque no tiene suficientes puntos de recompensa en su cuenta.

Perdido en el mundo

Es un brillante caleidoscopio literario creado por T. C. Boyle. Con sombría ironía analiza nuestro mundo, destacando fenómenos sociopolíticos como el fenómeno de la apropiación cultural: “¿Qué tipo de música debería tocar?”, pregunta un músico blanco, ¿tal vez “Nights in White Satin”? O le da la vuelta al #MeToo contando sobre un maestro que observa los asuntos de sus colegas con estudiantes menores de edad.

Los personajes de Boyle son personas motivadas. Perdidos en un presente complejo, intentan encontrar su camino a través de la maraña de pautas sociales y de sus propios deseos. Te pueden gustar o no, pero todos son auténticos en sus deseos y esperanzas. Incluso el abogado, que – en una de las historias más divertidas y maliciosas del volumen – realmente quiere el enorme apartamento de una señora muy mayor.

Rápidamente se llega a un acuerdo por el que paga a la anciana una pensión mensual y, a cambio, hereda el apartamento tras su muerte. Desgraciadamente, la anciana está a punto de batir un nuevo récord como la persona más anciana del mundo, mientras que el abogado se desanima cada vez más: «Se había imaginado envenenando su vino, empujándola escaleras abajo, sentándose en su regazo y besándola. El cuerpo de un pájaro (solo pesaba cuarenta kilos) se aplastaría como un huevo, pero como era una persona civilizada, naturalmente no ponía en práctica sus fantasías.

Quizás el aspecto más encantador de las historias de Boyle es la falta de moraleja. Al final, los personajes suelen volver al principio y tienen que darse cuenta de que la vida no es justa: “La selección darwiniana, la mutación, la fusión de genes y los talentos distribuidos de manera desigual, no es justa, nunca lo fue y nunca lo será. ser.» Una vez más, T. C. Boyle demuestra ser un gran maestro literario con su visión clara y poco romántica de la vida.

T. C. Boyle: Camino entre las gotas de lluvia. Cuentos. Traducido del inglés por Dirk van Gunsteren y Anette Grube. Hanser-Verlag, Múnich 2024. 272 ​​páginas, p. 34,90.

[Warning: The following contains MAJOR spoilers for Star Wars: Tales of The Empire Episodes 4, 5 and 6.]

El paradero de Barriss Offee (con la voz de Meredith Salenger) después de la caída de la República ha sido durante mucho tiempo un tema debatido entre los fanáticos de Star Wars. Algunos pensaron que había logrado escapar de la prisión y salvar a Grogu… pero resultó que no era el caso. Algunos pensaron que ella aparecería en Ahsoka como antagonista de su ex amiga para luchar… lo cual resultó no ser el caso. Otros, aún así, plantearon la hipótesis de que el ex Jedi caído en desgracia podría haberse convertido en un Inquisidor… y tenían razón. Pero Cuentos del imperio demostró que recurrir al Lado Oscuro era sólo una parte de la historia de Barriss.

Al final del episodio final, tenemos conflictos sobre Barriss y, nuevamente, no estamos seguros de si sobrevivió. Analicémoslo.

¿Murió Barriss Offee?

Esa es la pregunta que la mayoría de los fanáticos de Star Wars seguramente se harán una vez que hayan terminado. Cuentos del imperioLos seis episodios cortos. Cuando dejamos a Barriss, la sacan de una serie de cuevas laberínticas en un planeta helado en los brazos de Lyn (con la voz de Rya Kihlstedt), la ex Cuarta Hermana que trabajó con Barriss durante su breve mandato en la Inquisición. Antes de que te pongas demasiado sentimental acerca de que Lyn siga el ejemplo de Barriss al renunciar al Lado Oscuro y dejar atrás su sable de luz de doble hoja, recuerda que ella apuñaló a Barriss en el estómago. Realmente, sacarla de las cuevas era lo mínimo que Lyn podía hacer.

Para crédito de Lyn, parece arrepentirse de haber lastimado a Barriss en el momento en que la espada la atraviesa. Ella le promete a una Barriss moribunda que la sacará de allí, y lo hace, momentos después de que dejen de aparecer bocanadas blancas de aliento debajo de las fosas nasales de Barriss. Parece una configuración común para una escena de entierro emocional, pero por alguna razón, Cuentos del imperio decide dejar a los dos ex Inquisidores en la nieve, sin que se conozca su destino. No hay ninguna escena post-créditos que dé indicios del destino de Barriss o Lyn. Incluso los cómics son vagos sobre el estado de supervivencia de Lyn; Si bien un Comandante de la Alianza Rebelde aparece con su armadura en un momento, no se menciona si mató o no a Lyn para obtenerla.

¿Podría haber sobrevivido Barriss?

En Star Wars, los personajes han regresado de cosas peores que una puñalada con un sable de luz en el estómago (pregúntale a Darth Maul). Kylo Ren (Adam Driver), de hecho, sobrevivió a una herida extremadamente similar después de que Rey (Daisy Ridley) usara la Fuerza para curarlo. También vale la pena señalar que Barriss vivía en el exilio como sanadora, por lo que podría haber tenido materiales en su vivienda para que Lyn los usara para salvar su vida.

Si los creativos de Disney quisieran revivir a Barriss o incluso llevarla al live-action en una hipotética segunda temporada de Ahsoka, la puerta ha quedado sospechosamente abierta de par en par. Sin embargo, incluso si Barriss muriera, Lyn sobrevivió, y también apareció antes en acción real en Obi Wan Kenobi. Cualquiera de los antiguos Inquisidores, o ambos, podrían aparecer nuevamente en la pantalla. Incluso si no lo hacen, la suya fue una historia conmovedora sobre la redención y el perdón que suena fiel a los temas centrales de Star Wars.

Guerra de las Galaxias: Cuentos del imperioTransmitiendo ahora, Disney+

En Doriath, Beren se encontró con la hija del rey, Lúthien, bailando en un claro del bosque y se enamoró perdidamente de ella, dándole el sobrenombre de Tinúviel, que significa ruiseñor. Pero su padre Thingol no quería que se casaran porque Beren era mortal, por lo que, presumiblemente para evitar las constantes molestias de su hija, le encargó a Beren lo que pensaba que era una tarea imposible y le dijo que Beren podría casarse con su hija sólo si lo cumplía.

El Señor Oscuro Morgoth, predecesor y superior de Sauron y uno de los Ainur (seres angelicales inmortales), básicamente la versión de Tolkien de Satán, estaba en ese momento escondido en su fortaleza de Angband, en el norte de la Tierra Media. Había robado los tres Silmarils, hermosas joyas hechas por el elfo Fëanor que contenían la Luz de los ahora destruidos Dos Árboles de Valinor (la luz de la Creación, esencialmente). Morgoth ahora llevaba los Silmarils en su Corona de Hierro, por lo que Thingol le dijo a Beren: “Tráeme en tu mano un Silmaril de la corona de Morgoth; y luego, si así lo desea, Lúthien podrá poner su mano en la tuya.

Sin inmutarse, Beren se dispuso a hacer lo que le pedían, y cuando su amigo y compañero Finrod murió en el proceso, Lúthien se unió a él en la búsqueda. Muchas desventuras después, lograron hacerse con un Silmaril, aunque tanto la joya como la mano de Beren fueron arrancadas y tragadas por un lobo gigante y él y Lúthien tuvieron que ser rescatados por Águilas gigantes (una de las historias favoritas de Tolkien). Sin embargo, a su regreso a Thingol, señalaron que Beren efectivamente tenía uno de los Silmarils en su mano, incluso si la mano en cuestión ya no estaba en su persona, y se les permitió casarse. Tuvieron un hijo, Dior, y vivieron juntos durante algún tiempo, hasta que el lobo gigante apareció de nuevo y Beren y Thingol fueron a cazarlo. Mataron al lobo y recuperaron el Silmaril, pero Beren resultó mortalmente herido en el proceso y, tras su muerte, Lúthien también murió de pena. Volvieron a la vida gracias a la simpatía de Mandos, el guardián de las Casas de los Muertos, pero finalmente ambos murieron mortalmente.

Aragorn describe la historia de Beren y Lúthien como “triste” en La comunidad del anillo, aunque según las historias de la Tierra Media, en realidad es bastante alegre. Afortunadamente, la propia historia de amor de Tolkien fue aún más feliz, aunque no carecía de dramatismo, e inspiró directamente sus creaciones ficticias.

El padre de Tolkien murió cuando él tenía cuatro años y su madre murió cuando él tenía 12. Ronald (era conocido por su segundo nombre) y su hermano menor Hilary quedaron bajo la tutela de un amigo cercano de su madre, el padre Morgan, un sacerdote católico. en el Oratorio de Birmingham. Cuando Tolkien tenía 16 años, él y su hermano vivían en una pensión dirigida por una feligresa del Oratorio llamada Sra. Faulkner, bajo la tutela legal del padre Morgan.

Fue aquí, en 1908, donde Tolkien conoció a la pianista Edith Bratt. Edith había sido criada por su madre soltera Frances, quien había muerto cuando ella tenía 14 años. Edith, que ahora tenía 19 años, había terminado la escuela y estaba bajo la tutela legal de un abogado llamado Stephen Gateley. Se alojaba en casa de la señora Faulkner mientras pensaba cómo continuar su carrera como pianista o profesora de piano.

El Star Wars: Cuentos La serie de antología animada está lista para abrazar el Lado Oscuro con su próximo lote de episodios. Cuentos del imperio. Entonces, ¿cuándo Star Wars: Cuentos del Imperio ¿salga?

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¿Cuándo se estrena Tales of the Empire en Disney+?

Los seis episodios de Cuentos del imperio debutará en Disney+ el sábado 4 de mayo de 2024. Esto marca un descanso del horario de los martes que Lucasfilm y Disney+ normalmente reservan para programas ambientados en una galaxia muy, muy lejana. Dicho esto, también es consistente con que tanto la productora como la plataforma de transmisión le den mucha importancia al 4 de mayo, que muchos fanáticos celebran como el «Día de Star Wars». (Es una obra de teatro sobre “May the Force Be With You” – ¿geddit?)

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Otros animados Guerra de las Galaxias Las producciones que cayeron el 4 de mayo incluyen El lote malo Temporada 1, Aventuras de los jóvenes Jedi Temporada 1, y Star Wars: Visiones Temporada 2. No está claro por ahora si Lucasfilm y Disney tienen algo más especial planeado para el Día de Star Wars, aunque parece probable. Incluso podremos echar un vistazo a proyectos de alto perfil como El acólito, El mandaloriano y Groguy Tripulación esqueleto. Aunque por ahora esto es pura especulación.

¿De qué se trata Star Wars: Cuentos del Imperio?

Pero independientemente de qué más estén (o no) tramando Disney y Lucasfilm, definitivamente lo conseguiremos. Cuentos del imperio el 4 de mayo. ¿Qué debemos esperar de él cuando finalmente llegue? Un montón de travesuras oscuras, si el funcionario Cuentos del imperio la sinopsis es todo lo que hay que tener en cuenta. Compruébalo a continuación.

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“Star Wars: Cuentos del Imperio es un viaje de seis episodios al temible Imperio Galáctico a través de los ojos de dos guerreros con caminos divergentes, ambientados en épocas diferentes. Después de perderlo todo, la joven Morgan Elsbeth navega por el mundo imperial en expansión hacia un camino de venganza, mientras que la ex Jedi Barriss Offee hace lo que debe para sobrevivir en una galaxia que cambia rápidamente. Las decisiones que tomen definirán sus destinos”.

Star Wars: Tales of the Empire debuta en Disney+

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Cuentos de es una de las series JRPG más conocidas, que se ha ido construyendo continuamente desde 1995. Con esa historia, puede resultar un poco abrumador saber qué Cuentos de Vale la pena jugar estos juegos, por eso lo hemos simplificado con este resumen de lo mejor de lo mejor.

Cuentos de fue iniciado por Wolf Team, que luego se convirtió en Namco Tales Studio antes de ser absorbido por Bandai Namco. El primer juego, Cuentos de fantasía, lanzado en 1995. Cada juego, con algunas excepciones, tiene su propio mundo e historia, lo que hace que sea bastante fácil ingresar a la franquicia sin preocuparse por tener que comprar todos los juegos. Hay 17 juegos principales en total, pero sólo unos pocos eclipsan al resto. Aquí están los 5 mejores Cuentos de juegos.

5. Cuentos de Xillia

Cuentos de Xillia fue el primero de la franquicia en presentar a una protagonista femenina, Milla, quien comparte el papel con Jude. Con dos protagonistas, los jugadores podían elegir con quién jugar al principio y seguir su perspectiva en todo momento. Jugar como algo añadido longevidad y valor de repetición al juego. Actualmente sólo está disponible en la PS3, pero definitivamente vale la pena desempolvar la antigua consola. La música es genial, las imágenes son impresionantes y la historia llevará a los jugadores a una montaña rusa de emociones.

Jude es un estudiante de medicina que se ve envuelto en el conflicto en curso de un imperio del mal. Milla es un espíritu cuyo propósito es salvar al mundo de una entidad poderosa llamada el Señor de los Espíritus. Los dos se conocen y, junto con la típica pandilla de inadaptados, cambian el curso del destino del mundo. Y para aquellos que realmente aman el mundo, este es uno de los pocos juegos con una secuela directa, Cuentos de Xillia 2.

4. Cuentos de sinfonía

Historias de sinfonía es uno de los títulos más antiguos de la franquicia, pero genera muchos sentimientos nostálgicos para los jugadores veteranos. Se lanzó originalmente como exclusivo de GameCube, pero su popularidad significó que se relanzara en 2023 para PS4, Switch y Xbox One. Historias de sinfonía A menudo se anuncia como uno de los juegos más emblemáticos de la franquicia. También fue el primer 3D. Cuentos de juego, e introdujo a muchos jugadores a la franquicia.

Historias de sinfonía tiene un gran desarrollo de personajes y una historia que aún se mantiene después de 20 años, además la versión remasterizada se ve fantástica. Las imágenes tienen esa sensación de principios de la década de 2000 que mantiene intacto el factor nostálgico. Definitivamente vale la pena intentarlo y ver por ti mismo por qué se le tiene en tan alta estima.

3. Cuentos de Vesperia

Cuentos de Vesperia se lanzó originalmente en 2008 en Xbox 360 y PS3, pero fue exclusivamente en Xbox 360 para jugadores occidentales. Al igual que Historias de sinfonía, una versión remasterizada posterior lo lanzó en más plataformas: PC, PS4, Switch y Xbox One. La versión remasterizada incluye un personaje que anteriormente solo se incluía en la versión japonesa del juego para PS3.

El protagonista de este juego es Yuri, un personaje refrescantemente cínico y maduro que hará lo que sea necesario, independientemente de que infrinja la ley o no. Él, junto con el resto del elenco, tiene un gran diseño de personajes y la historia sigue siendo una de las mejores de la franquicia.

2. Cuento de Levántate

Cuentos de levantarse es el último juego de la franquicia y está diseñado para llegar a nuevos jugadores. Se lanzó en 2021 para PC, PS4, PS5, Xbox One y Xbox Series S|X. Tiene algunas de las mejores imágenes de la serie y una banda sonora increíble para enganchar a los jugadores. También tiene un gran elenco de personajes y una historia en la que es fácil dejarse atrapar. Este es un gran juego para presentar a los jugadores el Cuentos de franquicia.

Cuentos de levantarsecomo muchos de los Cuentos de juegos, explora los temas de la esclavitud, los prejuicios y la opresión. Cuenta la historia de extraños que aprenden a confiar unos en otros y a superar nociones preconcebidas basadas en prejuicios que les enseñaron o que experimentaron. La historia está bien hecha y tiene una gran conclusión que dejará satisfechos a los jugadores.

1. Cuentos de Berseria

Cuentos de Berseria toma todos los tropos y ritmos de la historia de los demás Cuentos de tiene el juego y los lanza al aire. Atrás quedó el protagonista masculino optimista que quiere salvar el mundo. En cambio, los jugadores obtienen una de las protagonistas femeninas más geniales de todos los tiempos, empeñada en vengarse y con razón. Este es uno de los juegos más oscuros de la franquicia, en el que todos los personajes son moralmente grises. Al completar este juego, me quedé sentado en mi sofá mirando los créditos en silencio, sentado en mis sentimientos. Explora ideas de dolor e individualidad que enviarán a los jugadores a un viaje emocional.

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Cuentos de Berseria lanzado en 2017 para PC y PS4. Es una lejana precuela de Cuentos de Zestiria, que tiene lugar en el mismo mundo con tradiciones y conexiones de personajes vagas. Cada juego se puede jugar como un juego independiente, pero jugar a ambos proporciona un poco más de profundidad y diversión.

Eso es todo por el Cuentos de juegos que debes probar, pero si buscas más recomendaciones, echa un vistazo a nuestra lista de los mejores JRPG de 2023.

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Varios nombres importantes del mundo del cine y la televisión del Reino Unido y de otros lugares han donado artículos (y su propio tiempo) a una subasta para recaudar fondos para Gaza.

Organizada por Cinema for Gaza en apoyo de la Ayuda Médica para los Palestinos, la subasta ha atraído obsequios de personas como Tilda Swinton, Ken Loach, Asia Kapadia, Ramy Youssef, Peter Capaldi, Imelda Staunton, Brian Cox, Joseph Quinn, Mike Leigh, Misan. Harriman, Joanna Hogg, Aimee Lou Wood y Josh O’Connor.

Entre los lotes en juego cuando la subasta comience el 2 de abril se encuentra la oportunidad de que Swinton «le lea un cuento relajante (o no, lo que prefiera) antes de dormir en Zoom», una clase magistral de gachas con O’Connor, quien «enseñará aprenderás a hacer el plato perfecto” (y aparentemente vislumbrarás su receta secreta de gachas), una charla sobre astrología con la estrella de “Sex Education” Wood, una “bebida reconstituyente” con Oliver de “Saltburn” y entradas para ver y conocer Youssef en un espectáculo de monólogos y una fiesta posterior.

Otros artículos incluyen recuerdos firmados de “Downton Abbey” y “Doctor Who”, y carteles firmados por Mike Leigh, Ken Loach y Asif Kapadia, incluido el cartel de Leigh para su producción teatral original de 1977 de “Abigail’s Party”. Mientras tanto, hay oportunidades para tomar una taza de té (a través de Zoom) con Joseph Quinn y Paapa Essiedu.

“A medida que entramos en el sexto mes del asedio militar de Gaza por parte de Israel, nunca ha sido más vital recaudar fondos para el trabajo humanitario urgente realizado por Ayuda Médica para los Palestinos. Sus esfuerzos no sólo son esenciales sino que salvan vidas, ya que el bombardeo de Israel ha destruido la infraestructura sanitaria de Gaza”, dijeron las organizadoras de Cinema For Gaza Hanna Flint, Julia Jackman, Leila Latif, Sophie Monks Kaufman y Helen Simmons.

“Creemos que el arte y la política están inextricablemente vinculados y estamos llamados a actuar de palabra y de hecho para ayudar a quienes sufren horrores indescriptibles en todo el territorio palestino ocupado. Cinema For Gaza es un espacio de recaudación de fondos apasionado e inclusivo impulsado por la generosidad de personas de todos los rincones de la industria cinematográfica que no se quedarán de brazos cruzados mientras los palestinos son deshumanizados y atacados con impunidad”.

Fundada en la década de 1980 y con oficinas en Cisjordania, Gaza, Jerusalén, Líbano y Londres, Medical Aid for Palestinas dice que trabaja «por la salud y la dignidad de los palestinos que viven bajo ocupación y como refugiados». Actualmente está respondiendo a la emergencia en Gaza.

La actual guerra entre Israel y Hamás estalló tras los ataques del 7 de octubre perpetrados por Hamás, el organismo gobernante de Gaza, en el sur de Israel.

La sección Industria de Contenidos MAFIZ-Proyecciones Españolas del Festival de Málaga, en su tercera edición, volvió a poner el foco en la impresionante producción cinematográfica española, presentando un total de 222 producciones españolas.

Incluyeron cuatro estrenos de mercado, cuatro títulos en la selección oficial del festival, 21 vendidos internacionalmente como remakes, 38 en proyecciones de mercado y 11 trabajos en proceso, de los cuales cinco fueron presentados en el Animation Hub.

Además, se proyectaron 65 cortometrajes como parte del Centro de Cortometrajes de Málaga, una selección ecléctica de obras de cineastas consagrados y prometedores que dejarán su huella en el ya musculoso sector cinematográfico español.

A continuación presentamos seis cortos destacados que deslumbraron y, en ocasiones, desconcertaron al público:

“Largo viaje” (Héctor Herce)

Encantadora, alocada e inventiva, con usos esporádicos de secuencias animadas, “Long Journey” recuerda los queridos programas infantiles y el estrafalario entretenimiento familiar que alguna vez adornaron la televisión de los sábados por la mañana. Un niño se despierta en su cumpleaños número 12 con un mensaje urgente de su madre. Tiene que emprender un viaje de un día con una serie de tareas que realizar. En el camino, vive extrañas aventuras: derrota a un vendedor de baguettes que practica kung-fu y luego escala una cómoda alta con la ayuda del piolet de su abuelo montañero, antes de llegar finalmente a su destino en lo que resulta ser un viaje conmovedor y clímax sincero. EM

“Los Chicos” (Jaime Dezcallar)

Una película inquietante sobre un grupo de amigos amantes de la diversión que celebran el cumpleaños de su amigo Jabato. Para su gran regalo sorpresa, contratan a una prostituta. El hermano de Jabato, Gon, cree que es la única forma en que su hermano tendrá la oportunidad de tener relaciones sexuales. Sara, la escolta, llega confiada y en control. Aunque tímido e incómodo, Jabato es un juego. Cuando ocurre un aparente accidente, Sara resulta herida y la situación cambia. “Los Chicos” logra entrelazar temas de amistad y juventud con un lado más feo de posibles e inesperados abusos, desigualdad y explotación. EM

“De noche caminamos solos” (Rafa Alberola)

Un mensajero sin su bicicleta vaga por la noche y conoce a una mujer interpretada por Olivia Declan (“Isla Bonita”). No está claro si es un ángel, un vampiro o un sueño. La historia avanza a través de escenas: Estamos en una especie de madriguera de conejo. Nos encontramos con un escritor y un mensajero, ya sea ángel, vampiro o soñador, permanece agradablemente opaco. En el papel del escritor está el director y guionista madrileño Rafa Alberola. Es una realización cinematográfica segura con un estilo pulposo al estilo de “Twilight Zone”. CM

“Felina” (María Lorenzo)

Lorenzo, nominado al Goya (“La noche del océano”), maneja una gran intriga de vodevil en un corto negro que cuenta la historia de una mujer, mitad pantera, que intenta escapar de las garras de un malvado médico y del cobarde espectáculo secundario que la explota lucrativamente. . Las texturas hábilmente animadas se reproducen en blanco y negro, y el diálogo se reemplaza con una partitura suave en esta narrativa de alto riesgo que refleja la bestia que todos llevamos dentro. hj

“Pura” (Carmen Méndez)

En su debut como directora, Méndez explora su trauma al regresar a casa en medio de discusiones francas y estallidos de alegría templada de una manera purificadora y profundamente personal que sólo el cine documental puede ofrecer. Mientras pasan las horas rurales, la familia habla de la batalla perdida para detener una autopista invasora, cuidar de nuestros mayores y escapar de las dolencias y la pérdida de aquellos a quienes apreciamos. Un retrato de la directora a través del estudio de sus allegados que aborda el duelo, la obligación, el arrepentimiento y el duelo a través de momentos cotidianos de gran sentimiento. hj

“Mapa de la geografía emocional” (Julu Marínez, Candela Megido)

«León. No te pierdas”. Esta línea también parece un desafío para el espectador. Codirigido por Julu Martínez y Candela Megido, este corto toma la incoherencia de la existencia de Leo y crea una trama en torno a su singular estado de ser. No tiene una construcción lineal de su realidad. La película juega con su fascinación por la textura, el sonido y el folclore. Pescador de profesión, su percepción de su novia se fusiona con la de la historia de las Nereidas, las mujeres del mar que son amables con los marineros caídos. La incoherencia como trama es ambiciosa pero aquí, en resumen, la ambigüedad es una amiga. CM

El ganador de la Palma de Oro, Cristian Mungiu, y su compañía Mobra Films, con sede en Bucarest, unirán fuerzas con la polaca Kijora Films en “Tales of the Golden Age – The Varsovia Pact”, una continuación de su sketch cómico de 2009 que hace referencia a leyendas urbanas del régimen de Ceausescu. .

Se ampliará para dar cabida a historias de diferentes países excomunistas de Europa del Este, incluida Polonia, y será escrita por Mungiu y dirigida por Ioana Uricaru. La francesa Les Films du Worso también participa.

“Quizás la función más importante de la comedia sea ayudarnos a enfrentar emociones negativas y acontecimientos terribles, y darnos una manera de hablar de ellos que los haga menos aterradores. Las comedias más efectivas están ambientadas en situaciones trágicas”, dijeron Mungiu y Uricaru en un comunicado.

«Las historias presentadas en el guión tienen lugar en un momento oscuro de la historia y hablan de temas muy sombríos de esa manera cómica y absurda, una que los rumanos y otros europeos del este han perfeccionado, a lo largo de los años, como su forma de supervivencia», afirman. añadió, prometiendo recrear “la atmósfera única e inconfundible de los años 80, que algunos espectadores reconocerán con nostalgia y otros, los más jóvenes, con curiosidad”.

El director de “4 meses, 3 semanas y 2 días” y “RMN” continuará su colaboración con Kijora también en “El incidente” de Tomasz Wolski. Marcará la primera incursión de Wolski en la ficción después del ganador de Visions du Réel “1970” o del estreno en la Berlinale “In Ukraine”.

“Hay cierta frescura y audacia que proviene de los cineastas que están empezando. Les animamos a pensar en el público y a elegir ideas que tengan el potencial de interesar al mayor número posible de espectadores”, dijo Mungiu. Variedad.

Fotografía de Tudor Vladimir Panduru, director de fotografía habitual de Mungiu, “The Incident”, que se rodará en la primavera de 2025, está coproducida por Vernes (República Checa).

“Apreciamos la creatividad, la singularidad y la coherencia con el género o estilo elegido. El realismo de la Nueva Ola rumana es algo que nos proporciona un terreno común [with Wolski]. También importa que Tudor, un colaborador cercano que apreciamos, filme la película”, añadió Mungiu.

Mobra Films ya está desarrollando otras coproducciones internacionales, desde “Transit” de Ana-Felicia Scutelnicu –realizada con Weydemann Bros. (Alemania) y la moldavia Youbesc– hasta la próxima miniserie “Escaping Heaven”.

Wolski observó: “He estado pensando en contar una historia de ficción desde 2012. Fue entonces cuando llegué por primera vez a la conclusión de que necesitaba crecer y explorar nuevos desafíos. También comencé a sentir las limitaciones del cine documental”.

“Quiero hablar de lo que nos duele y lo que se esconde. Las cosas que no pude, o tal vez no quise, capturar con una cámara documental por respeto a mis protagonistas”.

En la película, también escrita por Wolski, tres historias separadas se unirán gracias a un evento: el incidente titular.

“Cuento la historia a través de tres personajes. Una madre que se entera de que su hija adolescente atropelló a un perro mientras andaba en scooter. Un policía –y el dueño del animal– que es citado al lugar. En el último, descubrimos que incluso antes, el perro fue atropellado por un adolescente cuyo padre le estaba enseñando a conducir”.

Sin embargo, no se encontrarán en la película.

“Llevan vidas separadas, una al lado de la otra. La película abordará temas de responsabilidad, paternidad y culpa”, explicó.

“Junto con Tudor, buscamos su lenguaje visual. A ambos nos gusta contar historias a través de tomas largas. Me recuerda a los documentales y hace que este universo cinematográfico artificial sea más real y natural”.

“A diferencia de los documentales, los largometrajes de ficción ofrecen la posibilidad de creación plena. Pero en Kijora Films queremos aunar ambas cosas, manteniéndonos siempre cerca del cine de autor”, señaló la productora Anna Gawlita.

La compañía también está trabajando en “La Manche” de Damian Kocur, su continuación de la premiada “Bread and Salt”.

“Me apasiona encontrar un equilibrio, pero no entre documental y ficción: entre la visión artística de los cineastas con los que trabajamos y las expectativas de los espectadores”, añadió.

«Me gustaría que nuestras películas no sólo conmovieran e inspiraran, sino que también fueran accesibles a una audiencia razonablemente amplia sin tener que hacer concesiones».

Calavera y huesos finalmente ha llegado a las costas después de más de una década de desarrollo, habiendo pasado por muchas incertidumbres y retrasos. Ubisoft cumple algunas de sus promesas de un juego de rol de capa y espada de mundo abierto con características de MMO, pero está bastante lejos del concepto de «AAAA», como lo denominó recientemente el CEO de Ubisoft, Yves Guillemot. La jugabilidad de ritmo lento y una inevitable sensación mediocre en lo que respecta a la exploración terrestre y el combate dan como resultado un juego que no es el tesoro escondido que muchos jugadores esperarían.

Plantilla pirata

Incluso si no has seguido atentamente este juego o no has participado en la beta abierta, no es difícil imaginar la idea que impulsa Skull and Bones. Lejos de ser original o intrincada, la esencia de esta aventura son las misiones de búsqueda y el saqueo bajo la apariencia de compañía pirata y disparos de cañones. ¡Recuerdos persistentes de los Piratas de Sid Meier! Surgen de repente, con el atractivo de abordar barcos y saquearlos después de emocionantes peleas con espadas difíciles de resistir. Sin embargo, Skull and Bones tiene mucho más que ofrecer y, sin embargo, se olvida de elementos tan cruciales como este, abandonando el combate cuerpo a cuerpo y la emoción inherente a cambio de breves escenas con bucaneros sin vida levantando cajas de vino.

tu saga comienza después de una batalla desastrosa mientras tu barco se convierte en restos, con nuestro pizarra en blanco de una Avatar golpeado, mirando su reflejo en un charco. Aquí es donde puedes personalizar tu apariencia. de manera muy limitadapero el juego ignora el hecho de que te pedirá algunas opciones corporales como el peso. y tatuajes, que no tienes forma de ver hasta más tarde en la primera ciudad central. Puede que sea un pequeño detalle, pero una prueba como cualquier otra de que existen alguno descuidos de diversa importancia para ser encontrado por el camino.

Pero a medida que se desarrolla la historia, una sensación decepcionante comienza a invadirlo. Las largas horas de navegación y descubrimiento de territorios inexplorados se entrelazan con la recolección obligatoria de botín, tanto en mar como en tierra, este último a través de un minijuego de cronometraje básico, que imita una plantilla que puede Se puede ver en muchos otros juegos, en su mayoría MMO, pero con una ambientación pirata. Las islas y las olas se ven fantásticas, algunas vistas son impresionantes y contrastan fuertemente con la mayoría de los NPC con apariencia de muñecos que navegan contigo o que conocerás a lo largo de la aventura. Es un juego de contrastes en ese sentido, personajes que necesitan mucha más atención de la que se les dio, incluso tus primeros compañeros supuestamente importantes.

Cuando navegas en primera persona, con las manos en el timón del barco, la atmósfera está ahí y por un momento te sientes como el capitán andrajoso de esta banda de inadaptados. Cuando tus marineros comienzan su chabola increíblemente sincronizada mientras navegas hacia tu próximo objetivo con el viento soplando en tu cara, la inmersión alcanza niveles máximos. Pero poco después recuerdas los defectos y limitaciones del juego, la falta de opciones de gestión de tripulación o incluso la capacidad de caminar sobre cubierta, la tarea que representan algunas de las misiones (incluso con la presencia de puertos para viajes rápidos) y cómo el La recompensa por hacer algo es hacer algo muy similar inmediatamente después.

El progreso es lento, las primeras horas están lejos de ser emocionantes y solo te preparan con un mejor barco y armas. Para desbloquear los más avanzados opcionesdebes buscar planos y reunir materiales para crearlos, tal como lo harías en cualquier otro juego de rol. Y luego te diriges a la bolsa de trabajo, ansioso NPC u otros lugares para desencadenar misiones que te llevarán a alta mar, trazando tu camino hasta el marcador en el mapa o cerca. A menudo, puedes elegir la forma pacífica del trueque o la forma cruel de disparar y saquear todo y a todos. Esta es una opción buena pero obvia, diferentes enfoques que pueden ser adecuados para esto o ese jugador.

Navegando los mares de la guerra

La sensación de controlar un gran barco contra el viento y las fuertes olas es una sensación lograda y seguramente lo más destacado del juego. Es maravilloso ver cómo los mares pasan de la calma a la calma, las hermosas puestas de sol y los cielos nocturnos le dan al conjunto una atmósfera relajante, con la lluvia y la tormenta enfatizando la sensación de peligro. Navegar contra los elementos de la naturaleza afecta la velocidad y el control, e incluso la visibilidad, algo que se vuelve aún más importante durante el combate y, a menudo, juega un papel crucial en el resultado.

Skull and Bones le da un giro inteligente a la guerra naval, con la elección de armas correspondiente a la posición en la que te encuentras en relación con tus enemigos. Puedes configurar diferentes tipos de cañones en tu nave dependiendo del daño, el alcance y el tiempo de recarga, y la forma en que navegues en combate tendrá toda la importancia. Sin embargo, no se siente físicamente preciso, ya que las balas de cañón no hacen mella en las velas, cuando en realidad harían grandes agujeros o las destruirían por completo; Las velas rotas que ves son el resultado del sistema general de salud del barco y no del trabajo de tu puntería, además no hubo ningún cambio notable en la maniobrabilidad y la velocidad después de haber sido gravemente dañado por el fuego enemigo.

Cuando las defensas del barco enemigo están bajas, puedes hundirlo o acercarte a él para abordarlo, algo que puede recompensarte con botín y armas adicionales, junto con una sensación de decepción. Ya estaba patente que no puedes caminar sobre cubierta, pero ahora te darás cuenta de que tampoco tienes combate cuerpo a cuerpo. Sin combates de capa y espada, sin peleas por el control de un barco, nada más que una breve escena en la que tu fea (en el sentido literal de la palabra) tripulación salva lo que queda del barco enemigo; Eres un capitán pirata que ni siquiera sabe nadar en aguas poco profundas ni dar órdenes a los miembros de su tripulación. Cuando estás en el mar, Skull and Bones no solo te pone al timón del barco; tú son el barco, y este es un juego de combate naval que implica caminar un poco cuando llegas a algunas ciudades, y ni siquiera a todas.

El abordaje de la tripulación en sí es torpe y funciona aleatoriamente a medida que te acercas al barco, y las cuerdas de agarre a veces no se activan, a menudo traspasando el barco con resultados visuales extraños. Entre hacer zoom para disparar y cronometrar el abordaje, solo puedes hacer mucho y el resultado es un desastre que puede tener consecuencias nefastas al luchar contra barcos más fuertes.

A veces puedes optar por saquear ciudades, que es cuando te lanzan a esta especie de arena naval, luchando contra los barcos entrantes y atacando el asentamiento, con recompensas crecientes a medida que avanzas. Puedes pedir ayuda a otros jugadores en estos casos y en algunas otras misiones cooperativas especiales, que es cuando el juego está en su mejor momento: navegar y luchar dentro de un grupo es una buena sensación y te permite olvidarte momentáneamente de los graves problemas. limitaciones en otros lugares, desde la falta de actividades terrestres aparte de la búsqueda ocasional del tesoro siguiendo pistas del mapa (y un rayo de luz brillante que muestra la ubicación exacta), o la búsqueda constante de mejores equipos que rápidamente se vuelve repetitivo.

Destruye tu barco y tu valiosa carga quedará flotando en ese lugar, esperando a que tú u otro jugador la agarren. Muere por segunda vez y desaparecerá para siempre, al estilo Dark Souls.

Olas de potencial hundido

En lugar de defender con orgullo el arriesgado estilo de vida de valentía y travesura en alta mar, Skull and Bones toma atajos donde no debería y no logra ser el juego que los fanáticos de Assassin’s Creed: Bandera Negra esperábamos que así fuera. A diferencia del propio Ubisoft Avatar: Fronteras de Pandora que utilizó con éxito la plantilla probada de Far Cry y otros juegos de acción de mundo abierto pero lo hizo emocionante y divertido, este se ciñe a lo básico y no se aventura más allá de aguas poco profundas, yendo a lo seguro e ignorando aspectos eso lo convertiría en un éxito rotundo, un juego para hacer mar de ladrones regresar a su guarida pirata.

No está exento de encantos. cuando una flota navega en sincronía, rompiendo olas y saqueando barcos mercantes u otros jugadores. Hay algo de emoción, pero el inconveniente es que hay bastante monotonía y visible La limitación se encontrará en medio de estos momentos. Hay potencial y margen de mejora. sin embargo; Skull and Bones parece ser el tipo de juego que recibirá una gran cantidad de contenido en los próximos años, por lo que esperamos ver mejoras significativas para convertirlo en una notable aventura marítima.

Puntuación: 6,5/10

Ventajas:

• Navegación contra el clima tormentoso puede ser divertido
• El combate es emocionante, especialmente con más jugadores alrededor.

Contras:

• El aspecto MMO se siente añadido
• No hay forma de gestionar a los miembros de la tripulación.
• Sin combate terrestre o de abordaje
• Los personajes son bastante feos.

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El código de revisión de Skull and Bones fue proporcionado por el editor. Puede lea la política de revisión y puntuación de MP1st aquí.

Un viernes a la hora del almuerzo, decenas de niños acuden en tropel al Teatro am Hechtplatz, cerca del Bellevue de Zúrich. Se quitan los abrigos, se dejan caer en las sillas tapizadas de rojo y apenas pueden quedarse quietos debido a la emoción.

Los 25o asientos están ocupados. Las puertas dobles al principio de cada fila de asientos están cerradas. Se apagan las luces, se levanta el telón rojo y comienza la historia de Blancanieves y los siete enanitos.

Tan romántico como el cuento de hadas que ahora se cuenta en el escenario es la historia que se desarrolla detrás de escena: hace treinta años, los teatrales Erich Vock y Hubert Spiess se conocieron y juntos asumieron la dirección del Escenario de los Cuentos de Hadas de Zúrich. Desde entonces han transitado la vida juntos tanto a nivel personal como profesional. El año pasado celebraron su boda y el sexagésimo aniversario del escenario de cuento de hadas en el Teatro am Hechtplatz.

Con el cuento de hadas favorito de Erich Vock, el «cuento de hadas de todos los cuentos de hadas», como él lo llama «Blancanieves y los siete enanitos», la pareja de teatro se despide del escenario de los cuentos de hadas.

Aunque los cuentos de hadas puedan parecer anticuados para algunos, el número de visitantes aumentó durante la temporada de Vock y Spiess, y las historias clásicas siguen siendo populares.

Los predecesores ya eran pareja de teatro.

El Teatro de Cuentos de Hadas de Zúrich fue fundado en 1961 por el fotógrafo teatral Edi Baur. La pieza inaugural fue “El sastre valiente” con Jörg Schneider en el papel principal y duró más de tres horas. En aquel momento la representación se desarrollaba todavía en el Teatro Bernhard de Zúrich. En 1963, el escenario de cuento de hadas se trasladó a su ubicación actual en el Teatro Hechtplatz, donde se representó por primera vez “Rumpelstiltskin”.

Como resultado, cada año durante los meses de invierno se representaba un cuento de hadas en alemán suizo. Aparecieron conocidos actores folclóricos; Margrit Rainer interpretó a la señora Holle, Ines Torelli interpretó a Pechmarie, Bella Neri interpretó al gato Schnurrdiburr y Vincenzo Biagi interpretó al ladrón Hotzenplotz.

Edi Baur dirigió el teatro de cuentos de hadas de Zurich durante casi treinta años hasta que su esposa, la actriz Ines Torelli, asumió el cargo en 1989. En 1994, Torelli decidió dejar los escenarios a Erich Vock y Hubert Spiess. Ella y Baur se mudaron a Canadá.

Torelli dijo una vez, ella prefiere jugar a las brujas – mejores que las princesas, son demasiado aburridas. A Vock, en cambio, le hubiera gustado interpretar a Blancanieves, como él mismo dice. En la producción actual está en el escenario como el enano principal Baba. Hubert Spiess es el enano gruñón Chnuusi.

Teatro como en un libro ilustrado.

“¡Camaradas, hombres, enanos!”, le gusta gritar a Baba. Ahora se canta en el túnel donde los siete diablillos tallan piedras preciosas. «Schufle, encurtir, reflexionar, cavar cosas en la montaña. Se ha corrido la voz de que para mí son enanos”. (Música: Matthias Thurow) Unas piernas cortas de enano cuelgan delante de las piernas de los actores, que están cubiertas con una tela oscura, con la que se abren repetidamente. Una vez finalizado el trabajo, en la siguiente escena se paran en tamaño de actor frente a su casa y poco después frente a Blancanieves. “Te imaginaba más pequeña”, dice.

El escenario de un cuento de hadas es teatro en su forma original, afirma Vock. “El teatro es una afirmación y nadie participa mejor que los niños”. Así, si un actor dice que es enano, el niño también lo creerá, aunque mida 1,70 metros.

Por eso no importa si los enanos barbudos son interpretados por mujeres. Ya en 1969, las actrices Bella Neri e Ines Torelli interpretaron a Kasperli y Seppli en el escenario. “Los niños están mucho menos tensos que los adultos. En el teatro no les importa si el títere es una mujer o un hombre, es sólo el títere”, dice Vock. Los adultos podrían aprender mucho de esto.

Entre las escenas del cuento de hadas se cierra un telón intermedio y detrás de él tiene lugar la reconstrucción. Y como pasar las páginas de un libro, aparece una nueva imagen tan pronto como se abre de nuevo el telón.

Erich Vock y Hubert Spiess se hicieron cargo del Teatro de Cuentos de Hadas de Zúrich con la idea de continuarlo como un teatro de libros ilustrados. Los creadores del teatro entienden que se trata de una escenografía suntuosamente decorada, similar a un libro infantil abierto, que consta de varios niveles.

El espacio escénico forma parte de la fantasía, afirma Vock. Por eso nunca representaron El libro de la selva, por ejemplo. «Entonces tendrían que venir los elefantes». Pero el teatro de Hechtplatz es demasiado pequeño para este tipo de vestuario y escenografía. Y Hubert Spiess añade: «Nuestro concepto es una escenografía muy realista».

Durante los últimos treinta años, Vock y Spiess han puesto en escena principalmente cuentos de hadas clásicos de los hermanos Grimm, pero también han grabado libros infantiles más recientes como «Pippi Calzaslargas», «Sams» y «Urmel del hielo». Vock dice: «Estos son los libros infantiles de nuestra generación, pero también clásicos que todavía están en la habitación de los niños».

Desde que se fundó el Teatro de Cuentos de Hadas de Zúrich hace 60 años, se han realizado 70 producciones con 4.131 representaciones. 173 actores y actrices actuaron en estas producciones. Se diseñaron 89 decorados, se cosieron 594 disfraces y se anudaron 530 pelucas.

Para estar a salvo en el escenario de los cuentos de hadas, se necesitan muchas actuaciones y títulos de cuentos de hadas conocidos; Los experimentos están reservados al teatro subvencionado, afirma Vock.

Él y Spiess han liderado el escenario de cuento de hadas hacia la independencia financiera durante los últimos treinta años. Hoy se las arregla sin subsidios. «El teatro se mantiene únicamente gracias a la entrada de espectadores», afirma Vock. Ya no son sólo niños y sus acompañantes, sino familias enteras que han hecho de ir al teatro una tradición. Por eso, uno o dos chistes lingüísticos («Soy de Turgovia, no, guía turístico») hacen reír, sobre todo a los espectadores mayores.

No hay sustituto para la actuación en vivo.

En la casa de los enanos, Blancanieves le abre la puerta a la reina. Se ha disfrazado hasta quedar irreconocible y le ofrece a la niña una manzana de color rojo intenso. Un niño entre el público grita: “¡Es venenoso!” Otro dice en voz baja: «Oh, oh».

En los treinta años en los que Erich Vock y Hubert Spiess transformaron el escenario de Hechtplatz en bosques mágicos y castillos reales, el bien y el mal se enfrentaron una y otra vez. Y el bien siempre ganó gracias a las fuerzas unidas.

«Los cuentos de hadas son parte de la cultura infantil», dice Vock. Son el primer encuentro de los niños con los cuentos. “Y estas historias no sólo inspiran la imaginación, también ayudan a educar el corazón”. Con sus historias, él y Spiess querían transmitir esperanza, la creencia de que todo podría salir bien. Es decir, cuando te comprometes, te esfuerzas y tratas a los demás como te gustaría tratarte a ti mismo.

Los niños de hoy son mucho más conscientes que antes de la situación política mundial o de la situación climática, dice Vock. «Es todo más deprimente que cuando era mayor». “Blancanieves” de Trudi Gerster fue su primer disco. «Lo he escuchado miles de veces». Los misteriosos enanos, la chica fundamentalmente buena que luchaba contra la reina profundamente malvada, eso ya le había impresionado en aquel entonces.

Los personajes de cuentos de hadas experimentaron el mal y el mal, dice Spiess, pero no lo transformaron en agresión o venganza, sino en esperanza. Al final de la obra, Blancanieves no tiene encerrada a la reina malvada, sino que baila sobre brasas. Los saltos provocan risas en el público y quizás incluso algo de lástima.

A pesar del sobreestimulación de los juegos y los ordenadores, el teatro sigue inspirando a los niños, afirma Spiess. Y Vock añade: “Es una señal de que el teatro nunca se extinguirá”. Cuando se hicieron cargo del escenario del cuento de hadas, se predijo que duraría otros tres o cuatro años. «Pero la actuación en directo no puede sustituirse», afirma Vock.

Ya se conoce la nueva gestión

Gestionar un negocio, escribir producciones, gestionar una relación: todo esto aporta mucho, dice Spiess. Pero también te exige mucho.

«Cuando cumplí cincuenta años, nos fuimos de viaje durante tres meses. Durante ese tiempo nos dimos cuenta de que no podemos ni queremos seguir trabajando a este nivel hasta los setenta años», afirma Vock. “La etapa del cuento de hadas es el trabajo, el amor, la vida, pero todo tiene un final”. Después de treinta años era un buen momento para ceder la dirección. Cocinar, leer, viajar, repasar idiomas y simplemente sentarse un rato a la mesa del desayuno: eso es lo que planea hacer una vez finalizadas sus producciones teatrales actuales.

Poco a poco un capítulo del teatro de cuentos de hadas está llegando a su fin y comienza uno nuevo. Erich Vock y Hubert Spiess todavía podrán verse en el escenario hasta el final de la temporada en marzo. Luego asumirá el cargo la actriz Ramona Fattini. Debutó en el escenario de los cuentos de hadas en 2016 como Jutta en “El pequeño fantasma” y hoy, por supuesto, interpreta a Blancanieves.