Wim Wenders recibe el Gran Premio Franco-Alemán de los Medios de Comunicación

(dpa) El cineasta Wim Wenders (78) recibirá este año el Gran Premio de Periodismo Franco-Alemán por su trayectoria. El premio le será entregado el 17 de septiembre en París, como anunció el miércoles (12 de junio) en Saarbrücken el presidente del premio y director de la Saarländischer Rundfunk, Martin Grasmück.

La carrera del cineasta está estrechamente ligada a Alemania y Francia y ha contribuido significativamente a mejorar el entendimiento entre ambas naciones. Wenders es conocido por películas como “Paris, Texas” y “The Sky Over Berlin”.

El Premio Franco-Alemán de Periodismo, dotado en total con 30.000 euros, se concede desde 1983. Entre sus socios se encuentran ZDF, Arte, Deutschlandradio, Saarbrücker Zeitung, Google, France Télévisions y Radio France. El premio se entrega alternativamente en París y Berlín. Los trabajos periodísticos son premiados en cinco categorías diferentes. Los ganadores anteriores incluyen a Simone Veil, Alfred Grosser, Valéry Giscard d’Estaing y Helmut Schmidt.

La salida de Sally Buzbee en plena campaña presidencial fue una sorpresa

(dpa) La editora jefe del renombrado periódico estadounidense “Washington Post”, Sally Buzbee, ha dimitido de su cargo. Su dimisión fue una sorpresa y se debió a un cambio de editor en enero, según informó el propio periódico el domingo (hora local). El nuevo editor y director general William Lewis anunció el domingo por la tarde el cambio de personal al frente de la redacción. Matt Murray, ex editor jefe del Wall Street Journal, ocupará el lugar de Buzbee hasta las elecciones presidenciales de noviembre.

Buzbee fue la primera mujer en dirigir el galardonado periódico de casi 150 años de antigüedad. Anteriormente fue editora en jefe de la agencia de noticias Associated Press hasta 2021. No fue posible contactarla de inmediato para comentar sobre su renuncia, escribió el Washington Post. El anuncio en la fase final de la campaña presidencial y antes de las elecciones de noviembre, tradicionalmente un acontecimiento importante para el periódico, sorprendió a muchos en la redacción.

También llega en un momento ya turbulento para el periódico, que Lewis admitió recientemente que perdió 77 millones de dólares el año pasado. El Washington Post distribuye noticias desde 1877 y ha recibido numerosos premios Pulitzer, entre otros premios. Lewis anunció recientemente, entre otras cosas, un modelo de pago de suscripción nuevo y más centrado en el contenido para aumentar los ingresos. A finales de 2023, se ofreció a varios cientos de empleados una indemnización por despido para reducir costes, continúa el periódico.

Muere la actriz Ruth María Kubitschek

(dpa) Ha muerto la actriz Ruth Maria Kubitschek. Según una portavoz, falleció el sábado a la edad de 92 años en Suiza. «La gran dama del cine y la televisión alemanes se ha despedido tranquilamente de la vida en su país de adopción, Suiza, después de una breve y grave enfermedad», dijo el domingo. Murió en un hospital, dijo su portavoz a la agencia de noticias dpa. Sus últimas palabras fueron: “La tierra me dio un hermoso hogar en este mundo. Con profunda gratitud me muevo al otro mundo. Existen, créanme”. El funeral debe realizarse en el círculo familiar más inmediato.

Kubitschek marcó durante muchos años la televisión alemana. Estuvo a bordo del “Dream Ship” del ZDF, actuó en el ARD “Tatort” o en la serie “El legado de los Guldenburg” en la Segunda. Kubitschek alcanzó un estatus de culto junto a Helmut Fischer como Annette von Soettingen alias “Spatzl” en la serie de televisión de Bayerischer Rundfunk “Monaco Franze – The Eternal Stenz”.

La actriz nació en 1931 en Komotau (actualmente República Checa), al borde de los Montes Metálicos. Al final de la Segunda Guerra Mundial, la familia huyó a Sajonia-Anhalt. Después de asistir a escuelas de teatro en Halle y Weimar, debutó como Fina en “El señor Puntila y su sirviente Matti” de Brecht en Halle. En pocos años se convirtió en una estrella de la televisión de la RDA y de las películas de la DEFA. En 1959 se fue a Occidente con su hijo. Su marido, el director de ópera y teatro Götz Friedrich, permaneció en la RDA, pero también se le permitió montar producciones en Occidente.

La carrera de Kubitschek en Alemania Occidental comenzó en el Schlosstheater de Celle. Pronto le siguieron papeles en producciones televisivas: apariciones en “Lysistrata” (1961), “Die Powenzbande” (1973) y el papel principal en “Melissa” (1966). En 1985 también filmó con Helmut Dietl la serie de culto “Kir Royal”, en la que se burlaban del público chic de Munich. En 2013 interpretó su último papel en la película “Frau Ella”. Desde 2013 era suiza y vivía en Ascona.

La ex presentadora de ESPN Katie Nolan podría haber revelado que está «en la conversación» para presentar la próxima ¡Peligro de la cultura pop! spin-off, que se estrenará en Prime Video en los próximos meses.

Nolan, desde hace mucho tiempo ¡Peligro! fan que terminó como subcampeón en ¡Peligro de celebridades! 2023, apareció en el último episodio del ¿Qué es… un peligro! Podcastdonde se le preguntó sobre la posibilidad de presentar la tan esperada serie derivada.

«Ha habido algunas especulaciones en línea sobre usted como el posible anfitrión de ¡Peligro de la cultura pop!”, preguntó la presentadora del podcast Emily Heller, según El sol de EE.UU. “¿Puedes responder a esos rumores?”

«No puedo», respondió Nolan, haciéndose el tímido. «Pero diré que me encantaría y que sería algo sobre lo que me interesaría tener una conversación».

Luego pareció insinuar la posibilidad cuando agregó: “Ya sea que haya tenido la conversación o no, simplemente diré que no puedo responder. Pero diré que fue un honor incluso ser mencionado”.

En mayo se anunció que ¡Peligro de la cultura pop! llegaría a Prime Video, marcando la primera incursión del programa de juegos de larga duración en la transmisión.

Según la descripción oficial, en el spin-off “los concursantes jugarán en equipos de tres… y deberán ser expertos en categorías desde Rock Alternativo hasta Los Vengadores; Broadway a MMA; Gen Z a Zendaya mientras compiten en un evento estilo torneo por el gran premio y el máximo derecho a fanfarronear”.

En el momento del anuncio, Nolan retuiteó la noticia, lo que llevó a muchos fanáticos a especular sobre ella como presentadora. además de ella ¡Peligro! fandom, Nolan trabajó anteriormente con el showrunner Michael Davies y recientemente realizó una gira con el programa de juegos como parte de Dentro de ¡Peligro! Vivir.

Nolan reveló que está consciente de las especulaciones y se siente honrada cada vez que ve su nombre mencionado. «Estoy en el Peligro subreddit, y un día vi que alguien me mencionaba y dije: ‘¡Ese soy yo! ¡Eso es increíble!'»

“Nadie sabe lo que puede pasar. Lo que está destinado a llegar a ti, llegará a ti”, continuó. «Así que simplemente esperaremos y veremos».

Nolan es quizás mejor conocida por su trabajo con ESPN, donde presentó el podcast semanal. ¿Deportes? Con Katie Nolan y Siempre tarde con Katie Nolan en ESPN2. También se desempeñó como comentarista de Friday Night Baseball de Apple TV+ y fue anfitriona. Tiempo de basura con Katie Nolan en Fox Sports, este último le valió un premio Sports Emmy en 2016.

¿Te gustaría ver a Nolan como el presentador del próximo spin-off? Háganos saber su opinión en la sección de comentarios a continuación.

Con reminiscencias del enorme éxito de taquilla chino que alguna vez disfrutó cierto género de películas de Hollywood (piense en “Los mercenarios 3”, Pacific Rim” y “Transformers: La era de la extinción”), algunas películas de anime japonesas ahora están ganando más en China que en su Japón natal.

El año pasado, “Suzume” (en la foto de arriba) ganó 117 millones de dólares en China, superando el total de 104 millones de dólares de la película en Japón.

Y este año, la ganadora del Oscar “El niño y la garza”, a pesar de su estreno tardío en China, disfrutó de ingresos brutos en el Reino Medio de 109 millones de dólares, eclipsando los de Japón, donde la película fue recibida de manera más tibia y recaudó sólo 57 millones de dólares.

La escala del mercado teatral chino ha arrojado ocasionalmente otros ejemplos de éxito descomunal: en 2016, “Dangal” ganó 190 millones de dólares en China, en comparación con sus ya enormes 77 millones de dólares en India; el mismo año, “Bad Genius” ganó 41 millones de dólares en China, en comparación con los 3,3 millones de dólares en su Tailandia natal; “Valerian y la ciudad de los mil planetas” de Luc Besson recaudó 62 millones de dólares en China, casi el doble de sus 36 millones de dólares en Francia, pero el volumen de películas japonesas que ingresan al Reino Medio hace que este sea un fenómeno recurrente.

Los títulos de anime hacen de las películas japonesas la segunda categoría más grande de importaciones en China por nacionalidad, después de las del servicio de seguimiento de taquilla de EE. UU. Maoyan calcula que 75 películas de anime japonesas se han estrenado en los cines de China desde principios de 2015.

De ellos, el 40% ha ganado cada uno más de 100 millones de RMB (14 millones de dólares). Y seis han tenido ingresos brutos de 300 millones de RMB o más (42 millones de dólares). La firma calcula que unos 53 de los 75 están basados ​​en algún tipo de propiedad intelectual, como programas de televisión, mientras que 15 son obras totalmente originales.

Las razones de su éxito en China son una mezcla de conexiones culturales; otras desconexiones culturales; cambios generacionales; y los altibajos políticos.

Comenzando con “Taro the Dragon Boy” y “Astro Boy”, las series de televisión animadas japonesas han disfrutado de una posición destacada en las pantallas chinas desde mediados de los años 1980. Le siguieron otras series, como “Slam Dunk”, “Doraemon” y “Saint Seiya”.

Estas condiciones crean un efecto de nostalgia para las personas que eran niños de la década de 1980, y su presencia continua en la televisión china y en las plataformas de streaming también brinda a las generaciones más recientes una profunda familiaridad.

Tal exposición probablemente contribuyó a impulsar a «The First Slam Dunk» (parte de una franquicia de televisión a cine) a su sensacional recaudación de 75,8 millones de dólares el año pasado, y a que «Doraemon the Movie: Nobita’s Earth Symphony», la película número 34 en la franquicia Doraemon, un fin de semana de estreno que encabezó las listas a principios de este mes.

“Con la Generación Z convirtiéndose en el principal cinéfilo, muchas series animadas japonesas están atrayendo cada vez a más jóvenes en China, incluidas IP clásicas como ‘Detective Conan’ y ‘One Piece’, así como nuevas series como ‘Spy x Family’ y ‘ ¡Haikyuu!’”, dice Zhang Tong, analista senior del Instituto de Investigación Maoyan. Variedad.

No siempre fue tan sencillo. El gobierno chino ha intervenido en múltiples ocasiones para regular el sector por razones industriales y políticas.

En 2000, en respuesta a las afirmaciones de que los proveedores japoneses estaban abandonando sus programas en el floreciente sector televisivo de China y perjudicando la producción china, los reguladores tomaron medidas drásticas contra los programas japoneses. Cuando eso no tuvo el efecto deseado, emitieron dos regulaciones más, primero prohibiendo el acceso del anime japonés al horario de máxima audiencia en 2006, y luego, en 2008, del propio horario de máxima audiencia.

Cuando el sector teatral de China comenzó a acelerarse, se permitió el estreno de películas animadas japonesas en los cines chinos. “Detective Conan: The Raven Chaser” fue el primero en 2010. Pero las importaciones se detuvieron durante dos años, 2013 y 2014, debido a una disputa diplomática sobre las disputadas Islas Diaoyu o Senkaku, que tanto Japón como China reclaman como su territorio.

A pesar de los comentarios de los nacionalistas chinos, las relaciones políticas chino-japonesas se han reparado y se han reiniciado las importaciones de películas japonesas. Esa situación contrasta con las tensas relaciones políticas entre China y Corea, que alcanzaron su punto más bajo en 2016 debido al despliegue de defensas antimisiles estadounidenses en la región. Las importaciones de películas coreanas quedaron suspendidas y ninguna se ha estrenado en los cines chinos en los últimos ocho años.

Numerosos comentaristas señalan la superposición de la historia de Japón y China y las duraderas conexiones y similitudes culturales como razones adicionales para la comprensión y aceptación china del contenido japonés. Ambas sociedades se caracterizan cada vez más por matrimonios tardíos, un gran número de solteros, hogares con doble ingreso y sin hijos y poblaciones que envejecen.

“La sociedad china y la sociedad japonesa son aún más tradicionales que, por ejemplo, la francesa. Sus sistemas de valores son bastante parecidos”, dice Julien Favre, ejecutivo de Road Movies, el distribuidor chino detrás de “Slam Dunk” y “Suzume”. «Con ‘Slam Dunk’ y películas como ésta, se trata de estar en un equipo y ganar juntos».

Eso contrasta con las historias estadounidenses de superhéroes y actos individuales de valor o venganza. Favre también sugiere que el campo ha quedado abierto debido a las crecientes diferencias políticas y sociales que están surgiendo entre China y Occidente, y Hollywood en particular.

“No hemos visto las mejores películas de Marvel. [in recent years] y hay fatiga de franquicia. La gente se ha sentido decepcionada por las últimas encarnaciones de aquellos [Hollywood] películas de franquicia”, dice Favre. “La gente que va a ver películas a los cines chinos en este momento, la mayoría entre 18 y 25 años, creció en los últimos 10 años. Experimentaron mucho menos contenido occidental en los cines. Luego estuvo el impacto del COVID cuando no se liberaba nada. Por lo tanto, hay una desconexión creciente en China con el contenido occidental, y tal vez incluso con los valores occidentales. Pero la misma gente sigue siendo una generación que lee manga y mira anime japonés”.

Tras el anuncio de la disolución de la Asamblea Nacional, se celebrarán nuevas elecciones legislativas los días 30 de junio y 7 de julio. Muchas figuras culturales han pedido una unión de fuerzas de izquierda para bloquear la manifestación nacional.

“Muerte a Estados Unidos” resonó en el cañón de Wall Street en Manhattan. El 15 de abril, el Día de los Impuestos, los participantes en una manifestación pro Palestina frente a la bolsa de valores querían que Estados Unidos fuera incendiado. En suelo estadounidense, en la metrópolis creativa y multicultural, no lejos del monumento al 11 de septiembre, los extremistas elogiaron a Usama bin Laden y quemaron banderas estadounidenses.

Vídeos en las redes sociales identificaron a un número significativo de manifestantes como angloamericanos blancos estadounidenses, la casta privilegiada que se beneficia particularmente de la libertad de los mercados y de las personas en la ciudad de Nueva York. Sobre todo para poder expresar protestas políticas.

Peligroso como la xenofobia

La responsabilidad de esta autocontradicción a menudo se atribuye a influencias como el posmodernismo y sus variedades relativistas y poscoloniales. Sin embargo, se olvida un elemento psicoemocional: el conflicto interno de los manifestantes, que denuncian las mismas condiciones que hacen posible su propia identidad. Estamos hablando de autocrítica, exagerada como autodesprecio y autodesprecio.

Una persona que arroja una luz refrescante sobre este fenómeno es Benedict Beckeld. En su libro “Western Self-Oathing – Oikophobia in the Decline of Civilizations” (2022), el filósofo, nacido en Suecia y residente en Nueva York, describe y explica la situación. La oikofobia es el miedo y el disgusto hacia la propia cultura. Contrasta con la xenofobia, el miedo a los extraños y a los demás.

El término en sí tiene relativamente pocos prejuicios. En el siglo XIX se utilizó ocasionalmente para la pasión por los viajes romántica en el sentido de la pasión por los viajes alemana. Sólo el filósofo conservador inglés Roger Scruton (fallecido en 2020) lo popularizó. En el ensayo de 1993 “Inglaterra y la necesidad de naciones”, Scruton describió a los oikofóbicos como intelectuales y élites. Como “defensores del universalismo ilustrado contra el chauvinismo local”, estos “Oiks” británicos denigraron sus propias tradiciones y cultura nacionales en favor de valores más elevados, internacionales y más transnacionales. Scruton advirtió contra un contrarreflejo y, hasta cierto punto, previó el Brexit.

Decadencia moral y cinismo entre los atenienses

Benedict Beckeld va más allá del Reino Unido y Europa. Eleva la oikofobia al estatus de constante histórico-cultural en Occidente: es, por tanto, una característica de una sociedad decadente que ha superado su cenit. Como lo demuestra utilizando ejemplos de la antigüedad griega y romana, de la modernidad inglesa, francesa y estadounidense, a los éxitos militares o a los logros económicos y políticos les sigue la saciedad y el aburrimiento. Anhelas algo nuevo, algo exótico, pruébalo, empieza a comparar, relativizar y dudar para rechazar tus propias costumbres y hábitos.

Los griegos dieron un buen ejemplo. Después de las victorias en las guerras persas en el siglo V a. C., los guerreros barbudos y los heroicos hoplitas se convierten en ciudadanos pacíficos en ciudades-estado ricas, afeminadas y gobernadas protodemocráticamente como Atenas. Ahí es donde comienza la oikofobia: cada vez más derechos civiles e igualdad (como se queja Platón en La República), la diversidad demográfica, la extravagancia filosófica y estética, la decadencia moral y el cinismo dividen y debilitan a los atenienses.

Te cuestionas hasta el odio a ti mismo, como Diógenes de Sínope. El cínico desprecia todo lo griego, renuncia a la vida griega en el barril, mientras se autodenomina “cosmopolita”. Al mirarse el ombligo oikofóbico, Atenas pasó por alto la amenaza planteada por el macedonio Filipo II, padre de Alejandro Magno, y fue derrotada en la batalla de Queronea (338 a. C.). Ni siquiera críticos como Aristófanes cambiaron esto, quien en la comedia “Los pájaros” denunció las condiciones corruptas en Atenas y en “Lisístrata” no sólo las mujeres fuertes sino también el abandono de la guerra contra Esparta.

Afinidad con el conservadurismo de valores reaccionario

El patrón oikofóbico se repite a lo largo de la historia cuando un imperio se desmorona. Según Beckeld, la creciente diversidad de la población (por ejemplo, a través de esclavos y cristianos en Roma o inmigrantes de zonas coloniales en Inglaterra) siempre lleva a cuestionar la propia tradición. La inclusión de personas que piensan o creen diferente alimenta el relativismo cultural y termina con la alienación de uno mismo y la transfiguración del otro.

El arte y la cultura, los movimientos positivistas religiosos o científicos también se convierten en campos de experimentación para los oicófobos. Llevado al extremo, esto nos devuelve al presente: los ideales de diversidad, inclusión, igualdad e igualdad de derechos socavan el orden existente. Volvidos contra uno mismo, resultan en desprecio por todo lo que era la base de la propia posición. El furor poscolonial que está estallando actualmente en las calles y en las universidades tiene mucho que ver con la identificación con culturas, naciones y religiones extranjeras.

Por supuesto, la teoría de la oikofobia de Beckeld es compatible con un conservadurismo de valores reaccionario. Los antiguos gorgoteos de la guerra, los agricultores con los pies en la tierra y la buena gente corriente no son susceptibles al autodesprecio y la decadencia occidentales. Si se siguiera su ejemplo, sugiere el autor, las civilizaciones no se desmoronarían. Se podrían hacer varias objeciones a esto, desde la importancia de bienes generales como la justicia y la libertad hasta el progreso dialéctico en el espíritu de la oikofobia. Después de todo, Beckeld sigue siendo ambivalente y se limita a una consideración descriptiva –y fatalista– del fenómeno. Así que vale la pena considerar sus pensamientos sobre el autodesprecio occidental.

Benedict Beckeld: Autodesprecio occidental: oikofobia en el declive de las civilizaciones. Cornell University Press, Ithaca 2022, 264 págs., 51,90 fr.

Allen, un dato científico y Massachi, ingeniero de software, trabajaron durante casi cuatro años en Facebook en algunos de los aspectos más feos de las redes sociales, la lucha contra las estafas y la intromisión electoral. No se conocían, pero ambos renunciaron en 2019, frustrados por sentir la falta de apoyo de los ejecutivos. “El trabajo que equipos como el que yo estaba, la integridad cívica, estaba siendo desperdiciado”, dijo Massachi en una conferencia reciente. «Peor que un crimen, fue un error».

Massachi concibió por primera vez la idea de utilizar una experiencia como la que había desarrollado en Facebook para atraer una mayor atención pública a los peligros de las plataformas sociales. Lanzó el Integrity Institute, una organización sin fines de lucro, con Allen a fines de 2021, después de que un ex colega los conectara. El momento era perfecto: Frances Haugen, otra ex empleada de Facebook, acababa de filtrar una gran cantidad de documentos de la empresa, catalizando nuevas audiencias gubernamentales en Estados Unidos y otros lugares sobre problemas con las redes sociales. Se unió a una nueva clase de organizaciones tecnológicas sin fines de lucro, como el Center for Humane Technology y All Tech Is Human, iniciadas por personas que trabajaban en las trincheras de la industria y que querían convertirse en defensores públicos.

Massachi y Allen infundieron a su organización sin fines de lucro, inicialmente financiada por Allen, una cultura de startups tecnológicas. El personal inicial con experiencia en tecnología, política o filantropía no ganaba mucho, sacrificando el salario por el bien común, ya que rápidamente produjeron una serie de guías prácticas detalladas para empresas de tecnología sobre temas como la prevención de la interferencia electoral. Los principales donantes de filantropía tecnológica comprometieron colectivamente unos pocos millones de dólares en financiación, incluidas las fundaciones Knight, Packard, MacArthur y Hewlett, así como la Red Omidyar. A través de un consorcio liderado por una universidad, el instituto recibió un pago para brindar asesoramiento sobre políticas tecnológicas a la Unión Europea. Y la organización colaboró ​​con medios de comunicación, incluido WIRED, para investigar problemas en las plataformas tecnológicas.

Para ampliar su capacidad más allá de su reducido personal, el instituto reunió una red externa de dos docenas de expertos fundadores a los que podía recurrir en busca de asesoramiento o ayuda para la investigación. La red de los llamados “miembros” del instituto creció rápidamente hasta incluir en los años siguientes a 450 personas de todo el mundo. Se convirtió en un centro para los trabajadores tecnológicos expulsados ​​durante los despidos generalizados de las plataformas tecnológicas, que redujeron significativamente la confianza y la seguridad, o integridad, roles que supervisan la moderación y la política de contenido en empresas como Meta y X. Aquellos que se unieron a la red del instituto, que es gratuita pero implica pasar una evaluación, obtener acceso a parte de su comunidad Slack donde podían hablar sobre negocios y compartir oportunidades laborales.

Grandes tensiones comenzaron a generarse dentro del instituto en marzo del año pasado, cuando Massachi dio a conocer un documento interno en Slack titulado «Cómo trabajamos» que prohibía el uso de términos como «solidaridad», «radical» y «libre mercado», que, según dijo, parecer partidista y nervioso. También alentó a evitar el término BIPOC, un acrónimo de “negros, indígenas y personas de color”, que describió como proveniente del “espacio activista”. Su manifiesto parecía hacerse eco de los principios laborales que el intercambio de criptomonedas Coinbase había publicado en 2020, que prohibían discusiones sobre política y cuestiones sociales que no fueran fundamentales para la empresa, lo que provocó la condena de algunos otros trabajadores y ejecutivos de tecnología.

“Somos un proyecto de código abierto con enfoque internacional. No somos una organización liberal sin fines de lucro con sede en Estados Unidos. Actúe en consecuencia”, escribió Massachi, pidiendo al personal que tome “acciones excelentes” y utilice “palabras pasadas de moda”. Al menos un par de empleados se sintieron ofendidos y consideraron que las reglas eran atrasadas e innecesarias. Una institución dedicada a afrontar el espinoso desafío de moderar el discurso ahora tenía que lidiar con esos mismos problemas en casa.

En “Francia se mueve”, Elisabeth Assayag recorre Francia con iniciativas positivas e innovadoras. Trabajo, educación, salud… Trabajan en los cuatro rincones del país para mover las líneas y romper los códigos: ¿quiénes son estos ciudadanos, estas empresas, estas comunidades que se implican e inventan el mundo del mañana?

Según varios medios de comunicación, varios artistas consideraron no participar inmediatamente antes del inicio de la final de la ESC: Grecia, Gran Bretaña, Portugal, Irlanda, Noruega y Suiza con Nemo.

El guitarrista noruego Magnus Børmark, que participó en la ESC con su banda Gåte, describe su perspectiva al periódico noruego “VG”. Según él, la participación de Israel con el cantante Eden Golan jugó un papel decisivo en las consideraciones sobre el boicot. El guitarrista también afirmó que no pudo asistir al desfile de la bandera debido a una reunión de emergencia con la Unión Europea de Radiodifusión (UER), el organizador de la ESC. Nemo, la cantante griega Marina Satti y la representante irlandesa Bambie Thug tampoco estuvieron presentes. Oficialmente se dijo que Nemo estaba “emocionalmente agotado” y por eso no participó.

El jefe de la delegación, Yves Schifferle, confirmó a «Blick» que «algunos artistas han solicitado conversaciones con la UER sobre determinadas normas de etiqueta en el backstage». La “VG” también afirmó que las naciones mencionadas habían aceptado participar sólo 25 minutos antes del inicio de la final. Schifferle afirma: «No se discutía que la delegación suiza quisiera retirarse del CES». Nemo le dijo a “Spiegel” que no quería hacer comentarios por el momento. «No creo que eso vaya a ayudar en este momento».

Sean Baker gana la Palma de Oro en Cannes

(dpa) El director estadounidense Sean Baker ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes con su película “Anora”. Así lo anunció el jurado el sábado por la noche. La película ganó frente a otras 21 películas en competencia. La decisión la tomó un jurado presidido por la directora Greta Gerwig.

El jurado reconoció «Anora» como una «película increíblemente humana», afirmó Gerwig. Es una película “que capturó nuestros corazones, que nos hizo reír, que nos dio una esperanza infinita, que nos rompió el corazón y nunca perdió de vista la verdad”.

“Anora” cuenta la historia de una bailarina de striptease llamada Ani que conoce al hijo de un oligarca ruso. En su descuido juvenil, el chico se casa con Ani pocos días después, para gran disgusto de sus padres, que hacen todo lo que está en sus manos para revertir la situación. La atención se centra siempre en Ani (Mikey Madison), quien persigue con confianza sus objetivos. La trepidante película es una mezcla de comedia y drama e impresiona con grandes actores, giros inesperados y mucho humor.

«Ese ha sido literalmente mi único objetivo como cineasta durante los últimos 30 años», dijo Baker. “Así que no estoy seguro de qué voy a hacer con el resto de mi vida”, bromeó el hombre de 53 años en el escenario.

El Gran Premio del Jurado, el segundo galardón más importante del festival, recayó en “All We Imagine as Light”, del director indio Payal Kapadia. El francés Jacques Audiard recibió el premio del jurado por su musical “Emilia Pérez”. El director Mohammed Rassulof, que recientemente huyó de Irán, recibió un premio especial del jurado por “La semilla del higo sagrado”.

Este año, el premio a la mejor actriz lo compartieron cuatro mujeres: recayó en las actrices Karla Sofía Gascón, Zoe Saldana, Selena Gómez y Adriana Paz por sus papeles en “Emilia Pérez”.

Jesse Plemons fue nombrado mejor actor por su papel en “Kinds of Kindness” de Giorgos Lanthimos. Miguel Gomes ganó el premio al mejor director por “Grand Tour”. Coralie Fargeat ganó el premio al mejor guión por “The Substance”.

“Super Size Me”: Muere el director estadounidense Morgan Spurlock

(dpa) El director estadounidense Morgan Spurlock, que durante un mes sólo comió en la cadena de comida rápida McDonald’s y se hizo mundialmente famoso con el documental «Super Size Me», ha muerto. Spurlock tiene sólo 53 años. A consecuencia de ello murió de cáncer, según su dirección. anunciado el viernes (24 de mayo) a petición de la Agencia de Prensa Alemana en Nueva York. Spurlock murió el jueves “pacíficamente rodeado de familiares y amigos”, dijo su familia. «El mundo ha perdido un verdadero genio creativo y un hombre especial», dijo el hermano de Spurlock, Craig.

Nacido en Virginia Occidental en 1970, Spurlock estudió cine en Nueva York después de la escuela y escribió obras de teatro y series. Su gran avance se produjo en 2004 con el documental «Super Size Me», por el que recibió numerosos premios. Durante un mes, Spurlock comió en McDonald’s tres veces al día: hamburguesas con queso, patatas fritas, Coca-Cola, Big Macs o empanadas de manzana. Condición: si en una sucursal le ofrecen una porción especialmente grande, es decir, “supersize”, debe aceptarla.

Con el autoexperimento cinematográfico, Spurlock quería llamar la atención sobre la obesidad generalizada en los EE.UU. Terminó ganando 12 kilogramos en 30 días y también sufría dificultad para respirar, fatiga, dolor en el pecho y dolores de cabeza. Los médicos diagnosticaron a Murlock con un aumento del colesterol y un empeoramiento de las pruebas de función hepática e incluso le aconsejaron que suspendiera el experimento.

Desde entonces, Spurlock no ha podido igualar el éxito de “Super Size Me” con muchas otras películas. En 2017, el director, que estuvo casado tres veces y tuvo dos hijos, se retiró de su productora después de admitir sus propias irregularidades en medio de informes #MeToo. «Soy parte del problema», escribió Spurlock en un comunicado en ese momento. «Todos deberíamos encontrar el coraje para admitir nuestros errores».

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Sean Baker gana la Palma de Oro en Cannes

(dpa) El director estadounidense Sean Baker ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes con su película “Anora”. Así lo anunció el jurado el sábado por la noche. La película ganó frente a otras 21 películas en competencia. La decisión la tomó un jurado presidido por la directora Greta Gerwig.

El jurado reconoció «Anora» como una «película increíblemente humana», afirmó Gerwig. Es una película “que capturó nuestros corazones, que nos hizo reír, que nos dio una esperanza infinita, que nos rompió el corazón y nunca perdió de vista la verdad”.

“Anora” cuenta la historia de una bailarina de striptease llamada Ani que conoce al hijo de un oligarca ruso. En su descuido juvenil, el chico se casa con Ani pocos días después, para gran disgusto de sus padres, que hacen todo lo que está en sus manos para revertir la situación. La atención se centra siempre en Ani (Mikey Madison), quien persigue con confianza sus objetivos. La trepidante película es una mezcla de comedia y drama e impresiona con grandes actores, giros inesperados y mucho humor.

«Ese ha sido literalmente mi único objetivo como cineasta durante los últimos 30 años», dijo Baker. “Así que no estoy seguro de qué voy a hacer con el resto de mi vida”, bromeó el hombre de 53 años en el escenario.

El Gran Premio del Jurado, el segundo galardón más importante del festival, recayó en “All We Imagine as Light”, del director indio Payal Kapadia. El francés Jacques Audiard recibió el premio del jurado por su musical “Emilia Pérez”. El director Mohammed Rassulof, que recientemente huyó de Irán, recibió un premio especial del jurado por “La semilla del higo sagrado”.

Este año, el premio a la mejor actriz lo compartieron cuatro mujeres: recayó en las actrices Karla Sofía Gascón, Zoe Saldana, Selena Gómez y Adriana Paz por sus papeles en “Emilia Pérez”.

Jesse Plemons fue nombrado mejor actor por su papel en “Kinds of Kindness” de Giorgos Lanthimos. Miguel Gomes ganó el premio al mejor director por “Grand Tour”. Coralie Fargeat ganó el premio al mejor guión por “The Substance”.

“Super Size Me”: Muere el director estadounidense Morgan Spurlock

(dpa) El director estadounidense Morgan Spurlock, que durante un mes sólo comió en la cadena de comida rápida McDonald’s y se hizo mundialmente famoso con el documental «Super Size Me», ha muerto. Spurlock tiene sólo 53 años. A consecuencia de ello murió de cáncer, según su dirección. anunciado el viernes (24 de mayo) a petición de la Agencia de Prensa Alemana en Nueva York. Spurlock murió el jueves “pacíficamente rodeado de familiares y amigos”, dijo su familia. «El mundo ha perdido un verdadero genio creativo y un hombre especial», dijo el hermano de Spurlock, Craig.

Nacido en Virginia Occidental en 1970, Spurlock estudió cine en Nueva York después de la escuela y escribió obras de teatro y series. Su gran avance se produjo en 2004 con el documental «Super Size Me», por el que recibió numerosos premios. Durante un mes, Spurlock comió en McDonald’s tres veces al día: hamburguesas con queso, patatas fritas, Coca-Cola, Big Macs o empanadas de manzana. Condición: si en una sucursal le ofrecen una porción especialmente grande, es decir, “supersize”, debe aceptarla.

Con el autoexperimento cinematográfico, Spurlock quería llamar la atención sobre la obesidad generalizada en los EE.UU. Terminó ganando 12 kilogramos en 30 días y también sufría dificultad para respirar, fatiga, dolor en el pecho y dolores de cabeza. Los médicos diagnosticaron a Murlock con un aumento del colesterol y un empeoramiento de las pruebas de función hepática e incluso le aconsejaron que suspendiera el experimento.

Desde entonces, Spurlock no ha podido igualar el éxito de “Super Size Me” con muchas otras películas. En 2017, el director, que estuvo casado tres veces y tuvo dos hijos, se retiró de su productora después de admitir sus propias irregularidades en medio de informes #MeToo. «Soy parte del problema», escribió Spurlock en un comunicado en ese momento. «Todos deberíamos encontrar el coraje para admitir nuestros errores».