Los finales cuestionables de algunas de las obras más importantes de Stephen King se encuentran entre los elementos más dignos de debate de la literatura de terror. Y las discusiones tampoco terminan en la página, con algunos de los peores adaptaciones de acción real de sus libros e historias llegando a conclusiones fallidas. Frank Darabont La niebla tiene la distinción de tener una de las resoluciones más polarizadoras de cualquier esfuerzo de Hollywood, que se hace aún más notable por ir en una dirección completamente diferente al material original. Pero resulta que King en realidad fue indirectamente responsable de inspirar el severo desenlace de la película de 2007.

Para aquellos que no lo saben, la novela de Stephen King La niebla culmina con una especie de final abierto, con los protagonistas supervivientes dirigiéndose en dirección a Hartford con la esperanza de encontrar la salvación. La película, por otro lado, presenta un final mucho más concreto, en el que el ejército llega para salvar el día y matar a todas las criaturas mortales, aunque no antes de que el David de Thomas Jane haya matado por piedad a su hijo y a otros. Es extremadamente oscuro y deprimente, pero ciertamente encaja con el ambiente de la película.

Para celebrar el 25.° aniversario de «Shawshank» en 2019, Deadline entrevistó a Frank Darabont, quien recordó sus recuerdos de la realización de la película durante el verano de 1993. Cuando se le preguntó qué escena encapsulaba el espíritu del rodaje, era la escena en en el que Andy Dufrense (Tim Robbins) y Red (Morgan Freeman) están sentados contra la pared hablando sobre una posible vida fuera de la prisión. «Es solo esta secuencia de diálogo de cinco o seis minutos entre estos dos amigos. Fue un gran placer filmar eso», dijo Darabont.

La escena llega después de un terrible punto de inflexión en la vida de Andy, donde Warden Norton (Bob Gunton) ha eliminado cualquier posibilidad de que él vea el exterior de una celda de raíz. Andy sueña con operar un pequeño hotel en las hermosas costas de Zihuatanejo, México, y toma una decisión crucial en su discusión con Red que impactará el arco de la película. Darabont le explicó a Deadline que sabía que Robbins y Freeman podrían llevar la emoción de esta escena sin su aporte:

“Recuerdo estar sentado en mi caja de manzanas y simplemente, ya sabes, dejar que ese momento me inundara porque ambos eran muy buenos. Me senté allí y pensé: ‘Está bien, creo que tenemos la película’. Esta es la escena clave de la película, realmente, donde toda la verdad está fuera entre ellos. Es solo la honestidad y la amistad que fluye entre ellos».

Puede que Darabont haya desaparecido del mundo del cine, pero el trabajo que ha compartido con nosotros ha perdurado por una razón. «Shawshank» se basa en las emociones de las personas en deuda con un sistema roto y, en el proceso, nos convierte en simpatizantes radicales.

«The Shawshank Redemption» se transmite actualmente en HBO Max.

En una entrevista de diciembre de 2019, Deadline le preguntó a Frank Darabont si las vistas recientes de «Shawshank Redemption» se alinearon con su recuerdo del rodaje. En lugar de resaltar un aspecto de la realización de la película o la narración, señala la actuación de Tim Robbins como perfectamente calibrada para la película:

«Lo único que me llama la atención cuando reviso la película es cuán grandioso, sutil y perfecto es el trabajo de Tim Robbins a lo largo de la película. Quiero decir, es realmente la película de Red, por lo que es Morgan Freeman quien está interactuando con la audiencia en todo momento mientras Andy sigue siendo un poco un enigma. Su viaje emocional a través de la cosa tenía que ser muy, muy sutil y justo en el dinero para trabajar. Y Tim realmente cumple… Creo que es su carrera- mejor actuación. Esa es solo mi opinión».

Debido a que «Shawshank Redemption» fue un fracaso de taquilla, recaudando solo $ 28 millones en un presupuesto de $ 25 millones durante su primera presentación en cines, la película fue subestimada en gran medida en ese momento. Aunque la película estaría nominada a Mejor Película y más, con Freeman nominado a Mejor Actor y Darabont a Mejor Guión Adaptado, Robbins no sería reconocido. Solo con su papel secundario en la película de 2003 «Mystic River», ambientada en Boston, que dramatiza poderosamente el trauma intergeneracional, Robbins corregiría el descuido de la Academia.

Brindar actuaciones de apoyo memorables para elevar una película en general convierte a Robbins en un arma secreta en otras películas de principios de la década de 2000, como «Mission to Mars», «High Fidelity» y «War of the Worlds». Robbins es más a menudo un ladrón de escenas, y quizás esa sea la razón por la que muchos pasan por alto su contribución central a «Shawshank Redemption». Pero cuando el escritor que adaptó el personaje de King para la película dice que su visión cobró vida perfectamente, es seguro decir que la actuación de Robbins es algo especial.

Frank Capra, para quienes no lo conocen, fue uno de los cineastas más destacados de Estados Unidos durante las décadas de 1930 y 1940. Sus películas están marcadas por un optimismo fresco y, a menudo, cuentan historias de personas que encuentran esperanza frente al odiado capitalismo y la codicia. En el mundo de Capra, los ideales positivos de los pueblos pequeños siempre triunfarán sobre los sistemas corruptos y complejos diseñados para proteger a los ricos. Casi todas las películas navideñas sentimentales de Hallmark sobre alguien que deja la gran ciudad para encontrar una pintoresca adoración en un pequeño pueblo estadounidense deben su existencia al precedente establecido por Capra. En la filmografía del director hay varias películas imperdibles que incluyen «Mr. Smith Goes to Washington», «It Happened One Night», «Arsenic and Old Lace», «Mr. Deeds Goes to Town», «You Can’t Take it With You», «Lady for a Day» y «It’s a Wonderful Life».

Frank Darabont, como muchos cineastas, adora a Capra, y uno puede ver la influencia en cada cuadro de «The Majestic». Incluso vio en Jim Carrey un paralelo con uno de los colaboradores más famosos de Capra. Como le dijo a IGN:

«Esta película realmente es para mí, personalmente, una carta de amor a Frank Capra […] Me encanta su trabajo, significa mucho para mí, ha sido una gran influencia para mí. Empiezo a llorar durante los créditos iniciales de ‘It’s a Wonderful Life’. [… And] si es una carta de amor a Capra, necesitábamos a nuestro Jimmy Stewart».

James Stewart y Capra trabajaron juntos en tres largometrajes, y cualquiera de esos tres a menudo aparece en las listas de las mejores películas estadounidenses de todos los tiempos.

«Hay pequeños momentos en los que piensas, ‘Ooh, si llevo este ritmo un poco demasiado lejos, va a ser espantoso'», dijo Darabont, «Y ciertamente, para algunas personas, ya es eso… Pero, para la mayoría de la gente, si consigues ese equilibrio correcto, entonces hay gratitud por parte de la audiencia».

Puedes ver esta actitud a lo largo de la película: las cosas van a lugares increíblemente emotivos, pero la película nunca se detiene en ellos por mucho tiempo. Obtenemos algunos puntos bajos devastadores, como cuando Andy (Tim Robbins) ve que le quitan su oportunidad de limpiar su nombre para siempre. Pero luego la vida sigue. La película pasa a la siguiente viñeta. En parte gracias al formato ligeramente distante de apegarse principalmente al punto de vista de Red, la película no tiene la tentación de insistir demasiado en el dolor inimaginable por el que pasa Andy. Si lo hiciera, probablemente cruzaría la línea que preocupaba a Darabont.

«Quería que me lo entregaran honestamente, ¿sabes?» explicó Darabont. «No quería que se convirtiera en una versión de Hallmark Card de una película de prisión». Atribuye gran parte de su éxito a las actuaciones de Robbins y Freeman, y dice que los actores «siempre interpretaron las cosas con tanta honestidad», pero, por supuesto, gran parte del mérito se debe a la capacidad del guión para hacer que te preocupes por estos personajes, incluso los personajes más pequeños. como Brooks (James Whitmore), quien nunca se enfoca mucho antes de su escena final. Con «The Shawshank Redemption», Darabont nos hizo animar a estos personajes desde el momento en que aparecieron por primera vez en la pantalla; si puede lograrlo temprano, caminar por esa línea fina se vuelve un poco más fácil.

Después de papeles más pequeños como «Buffy the Vampire Slayer» y la extravagancia cyberpunk de Albert Pyun «Nemesis», Jane encontró trabajo en películas con más exposición pública y aclamación de la crítica. Los papeles sustanciosos en «The Thin Red Line» y «Magnolia» a finales de los 90 elevaron el perfil del actor estadounidense, pero el trabajo que más disfrutó Darabont, y la interpretación que lo convenció de que Jane era su David Drayton, fue la revelación de Paul Thomas Anderson. función, en la que Jane juega un cañón suelto que claramente está buscando problemas desde el salto (como se ve en su memorable escena de introducción aquí). Darabont revela a /Film:

«Tiene una cualidad muy arraigada en la pantalla, incluso cuando interpreta a ese personaje extremo maravillosamente amplificado en ‘Boogie Nights’. Un actor menor se habría pasado de la raya de una manera no creíble, pero Tom mantuvo la sensación de real. Tom tiene una gran cualidad de hombre común y corriente de la clase trabajadora que sentí que encajaba perfectamente con el mundo de Steve King y con ese personaje. Y, vaya, Tom entregó. Me encantó su actuación. El hombre es un profesional incansable, un placer en el set, y él realmente lo logró».

Hablando con Eric Vespe, Jane agrega que al conocer a Darabont, se unieron por un «amor mutuo por el arte de los cómics clásicos». Sería útil más tarde, cuando el director de «The Green Mile» creara el personaje de David Drayton basándose en el legendario artista de carteles de películas Drew Struzan, quien también diseñó varios carteles rechazados para «The Mist». Jane, una lectora constante que lideraría otra adaptación de King en 2017, devoró el guión inmediatamente cuando llegó a su puerta. Para /Film, resume el momento en que se inscribió en la función de la criatura: «Es una de esas cosas en las que no tengo nada que decir, excepto: ‘Sí, hagámoslo'».

Tal vez nunca hayas visto «Time Enough At Last», pero es casi seguro que lo hayas visto mencionado en alguna parte, ya que personajes como «Los Simpson» y «Family Guy» han rendido homenaje al episodio. Protagonizada por Burgess Meredith, a quien quizás reconozcas como el Pingüino en la versión de Adam West de «Batman» o como Mickey de la franquicia «Rocky», cuenta la historia de un ratón de biblioteca que sobrevive a una bomba de hidrógeno gracias a haber quedado atrapado en un bóveda de un banco. Se encuentra solo en un infierno apocalíptico al emerger, pero hay un lado positivo: por fin, tendrá tiempo para leer todos los libros que quiera. Luego, sus anteojos se le caen de la cara, se rompen y lo dejan prácticamente ciego.

Es una ironía terrible, y una que resonó con Darabont mientras hacía «La Niebla». Darabont habló con Yahoo! sobre su decisión de desviarse del final original de King, y la influencia de este episodio clásico de «Twilight Zone» en el nuevo clímax, mucho más oscuro:

«Cuando se me ocurrió, se sintió como el tipo de final de ‘La dimensión desconocida’ que realmente se queda contigo. Ya sabes, ‘Time Enough at Last’ donde Burgess Meredith se rompe las gafas, ese tipo de final, donde estás como ‘¡Oh, no, si hubiera esperado dos minutos más!’ Me gustó la horrenda ironía de eso».

Por supuesto, dado que estaba adaptando la historia de uno de nuestros autores más queridos y prolíficos de todos los tiempos, sabía que necesitaba obtener la luz verde de King. Después de todo, King ha odiado anteriormente, y es bien sabido, las adaptaciones que se desviaban demasiado de su material original. Como recuerda Darabont:

«Si Stephen King lee mi guión y dice: ‘Amigo, ¿qué estás haciendo? ¿Estás loco? No puedes terminar mi historia de esta manera’, entonces en realidad no habría hecho la película. Pero él la leyó». y dijo: ‘Oh, me encanta este final. Desearía haberlo pensado’. Dijo que, una vez por generación, debería aparecer una película que realmente cabreara a la audiencia. Señaló la original.Noche de los muertos vivientes’ como uno de esos finales que simplemente te marcan».

Darabont logró cabrear al público. Al hacerlo, también creó un final que fue deprimente, divisivo, pero sobre todo, increíblemente memorable.

La Fundación ZBS fue un colectivo de drama de audio que se formó en el norte del estado de Nueva York en 1970 por un hombre llamado Thomas Manuel López. Escribiendo bajo el seudónimo de Meatball Fulton, López buscó inyectar nueva vida al medio, sintiendo que, a fines de la década de 1960 y principios de la de 1970, toda la energía se había drenado de él. Basado en gran parte en la espiritualidad de la Nueva Era y en una racha saludable de escepticismo hacia la creciente ola de comercialismo, López escribió una serie de obras brillantes y sorprendentes protagonizadas por actores carismáticos completos y con efectos de sonido y música electrónica de última generación. por Tim Clark. La Fundación ZBS todavía está en funcionamiento hasta el día de hoy. ZBS significa «zero bull****».

La Fundación ZBS fue brevemente un gran negocio en el mundo de la radio pública, y uno podía escuchar sus programas en NPR a lo largo de la década de 1980. Los espectáculos protagonizados por un viajero espiritual intrépido pero ingenuo, Jack Flanders (Robert Lorick), estaban al frente del catálogo del estudio. Recomiendo «Moon Over Morocco». Al igual que las epopeyas de ciencia ficción protagonizadas por Ruby, the Galactic Gumshoe (Laura Esterman) , que resolvió misterios inusuales que distorsionaban la conciencia en el distante planeta Summa Nulla, mucho después de que Disney comprara la Tierra. Recomiendo «Ruby 3» y «Ruby Four».

Para 1984, ZBS, una cantidad conocida ahora, había comenzado a experimentar con nuevas técnicas de grabación de audio. Descubrieron el maravilloso mundo del micrófono binaural Kunstkopf, que se dice que graba programas en sonido 3-D. Los micrófonos binaurales de aspecto extraño tenían forma de cabezas humanas, con dispositivos de grabación ubicados dentro de cada una de sus orejas con forma humana. Los actores podían moverse alrededor de la cabeza humana, grabando sus líneas desde varios ángulos.

Cuando se escuchaba con auriculares, sonaba como si estuvieras en la habitación. De ahí el término «sonido tridimensional».

Durante sus entrevistas para la historia oral de «La niebla», Eric Vespe se enteró por Thomas Jane de que tenía que convencer a Frank Darabont para que se quedara con la toma del enorme monstruo. «Una de las cosas que recuerdo que Frank había cortado inicialmente del guión original fue cuando escuchan el ruido y el Jeep comienza a temblar y miran hacia arriba y ven esta enorme criatura brontosaurio», dice. «Tenía pequeños pájaros volando a su alrededor para darte esta sensación de escala».

Lo visual, especialmente cuando se experimenta en una pantalla de cine, es inexplicable. La vista de la criatura es a la vez impresionante y horrible, lo que ilustra cuán pequeños son los humanos en comparación. «Ese fue el momento en el que fue como, ‘Oh, joder, este mundo nunca volverá'», dice Jane. «Este es un mundo de monstruos y somos algunos, si no los únicos humanos que quedan. Este ya no es nuestro mundo».

El momento se cortó originalmente como un medio para ahorrar dinero en el presupuesto, y Darabont creyó que estaba bien ir porque la película ya había incluido muchos monstruos. Jane recuerda haberle suplicado a Darabont que lo mantuviera, diciendo que la única forma de lograr el final desgarrador es exhibir al enorme monstruo. «Afortunadamente, no me costó mucho convencerme», dice Jane. Thomas Jane se esforzó por «proteger» el momento, creyendo que haría que la escena final fuera lo mejor posible. Y tenía razón.

«Además, es una imagen increíble», dice. «¿Pensaste que esas criaturas en el supermercado eran malas? Bienvenido al mundo real».

En una entrevista con Charlie Rose (obviamente, esto fue hace más de unos años), Darabont reveló que King se había acercado a él sobre «The Green Mile» antes de que comenzara a escribirlo:

«[H]e dijo… He estado jugando con esta idea que estoy pensando en escribir, déjame contarte al respecto. No vas a querer hacerlo, es otra cosa de la prisión’, y le dije: ‘Tienes razón, Stephen, no voy a querer hacerlo, pero dímelo de todos modos’. Y él me contó esta idea, y yo estaba lo suficientemente intrigado como para decirle: ‘Oh, bueno, está bien, tienes razón’. No voy a querer hacerlo, pero dame la primera oportunidad si alguna vez escribes la cosa'».

King era un hombre de palabra, lo que funcionó sensacionalmente bien para Darabont. Después de que el director leyera la primera entrega, supo que tenía que hacer la película. «[W]uando leí ese primer libro», recordó haber pensado: «Oh, Dios mío, voy a volver a la cárcel». No tengo otra opción.’ Pude ver dónde está Steve aquí. Sabes, conozco muy bien su trabajo, sabía que iba a un lugar muy especial con esto».