Sergei Loznitsa se encontró con un “enfrentamiento inmediato” tras el estreno de “Babi Yar”. Contexto”, reveló en el Festival de Cine Documental de Ji.hlava.

La película se centró en la masacre de casi 34.000 judíos en Babi Yar en Kiev, Ucrania, en 1941.

“Con este me encontré en el centro del ciclón. Ucrania fue el único país donde esta película fue duramente criticada. Es una historia dolorosa y un metraje peligroso. Estuve editándola durante mucho tiempo, esperando a que mis emociones disminuyeran”, añadió, describiendo la película como la “más difícil” hasta el momento.

“No sé cómo me ha transformado, pero tal vez sea simplemente mi destino tocar este tipo de temas”.

Dirigiéndose a la audiencia de forma remota durante la Conferencia sobre Ética en el Cine Documental, Loznitsa, quien también presentó su estreno de 2020 “Una noche en la ópera”, comentó: “Si consideramos el cine como arte, no hay ética en el arte. La ética existe en nuestra vida. Sólo podemos hablar de ello cuando hablamos de cómo hacemos documentales”.

Dicho esto, todavía hay cierto tipo de metraje que simplemente no usará.

“Cuando estaba haciendo ‘Babi Yar’, había material que no podía ver ni utilizar. Hay límites a nuestra percepción. Si vemos algo también [shocking]nos saca inmediatamente de la película”, señaló.

“Les daré un ejemplo sencillo: si alguien ha filmado a otra persona suicidándose delante de su cámara, ¿qué pasa cuando lo veo? Soy simplemente otra persona que no interfirió. De alguna manera estoy participando en ello. Para mí, es una posición amoral”.

Loznitsa, que lleva años trabajando con material de archivo, lo compara con una “máquina del tiempo”.

“Tienes la posibilidad de volver a un momento en el que sucedió algo importante, pero no lo entendimos en ese momento. Tomemos como ejemplo ‘El juicio de Kiev’ [depicting one of the first post-war trials convicting German Nazis and their collaborators]. Filmaron la ejecución, muy meticulosamente, y luego la escondieron en los archivos. Decidieron no usarlo y luego lo encontré”.

“No quiero contar estas historias con narradores, con alguien que esté explicando todo. No. Quiero capturar la atmósfera, mostrar cómo la gente [used to] hablar, vestir y cómo se comportaban. Cómo fue, más o menos”.

Más o menos, también porque tratar de capturar la historia “clara” es una empresa inútil.

«Imposible. Siempre es la opinión de alguien y su punto de vista. Intento mantener la distancia en cada película, pero al final soy yo quien decide qué mostrar. Creo estas narrativas, estos significados. Lo que significa que soy responsable de ello”, dijo.

«Asumes la responsabilidad de todo lo que usas y de todo lo que haces».

También se puede “deconstruir” el material existente, dijo a la audiencia.

“¿Qué opinas de las películas de Dziga Vertov? Es pura propaganda, porque era un comunista honesto, pero también es un documento de esa época. La propaganda es el resultado. Siempre puedes volver a editar este metraje y usarlo como quieras”.

En 2008, realizó “Revue”, basada en noticieros de propaganda de archivo producidos en la URSS en los años 1950 y 1960.

«Fue una experiencia muy interesante. Me deshice de la música, de la narración y solo miré las imágenes. Después de eso decidí hacer una película sobre propaganda. Haz que funcione para mí, porque luché con esto. [material] y ganó. Creé un nuevo significado”.

Sin embargo, es de esperar encontrarse con “cuestiones irresolubles”, especialmente cuando se trata de imágenes con carga política.

“No te estoy obligando a tomar una postura como espectador. Quiero que reflexiones sobre estos temas. Ahora nos enfrentamos a muchos enigmas. No sabemos cómo terminará la invasión rusa de Ucrania. ¿Qué significaría esta victoria y cómo la defines? ¡¿Qué se debe hacer en Gaza?!

“Es como el dilema hamletiano. No podía quedarse callado y olvidarlo todo, pero al tratar de proteger su dignidad terminó cruzando muchas líneas”.

Sicario

Sección: Presentaciones Especiales

Director: Richard Linklater

Escritores: Richard Linklater y Glen Powell

Línea de registro: El prolífico autor independiente Richard Linklater se reúne con ¡Todos quieren algo!de Glen Powell para un thriller de comedia criminal casi real sobre juegos de roles, romance y la precaria búsqueda del autoconocimiento. Linklater elabora una de sus exploraciones más divertidas del individuo y la forma en que la filosofía moral se refleja en la vida cotidiana y en momentos aparentemente pequeños. La película también está protagonizada por Adria Arjona (morbio) y Austin Amelio (Los muertos vivientes).

Ventas: CAA Media Finance, Cinetic Media (EE. UU.), AGC International (internacional)

Fecha de estreno: 11 de septiembre de 2023

Miembro del jurado: Richard Linklater

Citas clave: “Siempre es algo tan difícil de alcanzar, quién es un personaje, qué historia o situación te haría querer hacer una película. De todas las historias, ficción y no ficción, que nos llegan todo el tiempo, ¿por qué eso? Me pregunto: ‘¿Por qué encontré ese personaje tan interesante?’ … ¿Vale la pena explorar algo durante años de tu vida y dedicar todo el tiempo y esfuerzo? Es una pregunta difícil de responder, aparte de que supongo que me sentí obligado por el personaje y la situación subyacente de esta película”. —Richard Linklater

“Todo esto es una especie de examen de uno mismo, la idea de: ‘¿Somos quienes pensamos que somos? ¿Es el yo mutable? ¿Estamos fijos? ¿Qué significa eso?’ Las nociones de identidad son bastante inestables hoy en día y eso lo convierte en un tema interesante de abordar”. —Richard Linklater

“La película es sólo una deconstrucción del mito del sicario visto desde una perspectiva encubierta. Hay pandillas y cárteles de la droga, definitivamente hay asesinatos, pero el sicario minorista… eso es lo que es un poco ridículo”. —Richard Linklater

Alrededor de dos tercios del camino a través Oppenheimer, la película muestra la infame prueba Trinity, la primera detonación de una bomba atómica. Tradicionalmente, las representaciones de detonaciones nucleares se fijan en la idea de «el botón», la noción de que algún individuo en algún lugar tendrá que presionar un botón para desplegar esta arma de destrucción masiva. La implicación es que, en última instancia, la decisión la tomará la persona cuyo dedo o mano pase por encima de ese botón.

Así no es como funciona en Oppenheimer. Hay un gran botón rojo, como se espera de cualquier película sobre bombas nucleares. El escritor y director Christopher Nolan y la editora Jennifer Lame siguen cortándolo, recordándole a la audiencia su existencia. Sin embargo, ese botón no provoca la detonación, que está en cuenta atrás. En cambio, J. Robert Oppenheimer (Cillian Murphy) indica que se debe presionar para cancelar la prueba si el voltaje cae por debajo de un nivel específico. En Oppenheimerel botón es no presionado, pero la bomba aún detona

Existe una teoría de larga data de que la historia está formada por individuos excepcionales. El filósofo Thomas Carlyle argumentó que “la historia del mundo no es más que la biografía de grandes hombres”. Hay un atractivo comprensible para esta idea, la noción de que el arco de la historia puede ser guiado por seres humanos con una visión o perspicacia única. Este es también el modo predeterminado de la clásica película biográfica hagiológica de Hollywood, de gandhi a la lista de Schindlercontando historias de un mundo formado por personas excepcionales.

Oppenheimer es una deconstrucción de esta idea. Christopher Nolan ha creado una película que aparentemente funciona como una película biográfica clásica, adaptada de Prometeo americano: el triunfo y la tragedia de J. Robert Oppenheimer, Kai Bird y Martin J. Sherwin, la biografía ganadora del Premio Pulitzer del hombre conocido como “el padre de la bomba atómica”. La película es notablemente fiel a los detalles de la vida de Oppenheimer, y Bird la describe como «un logro artístico impresionante».

Oppenheimer presenta a su protagonista como un individuo verdaderamente excepcional, capaz de dar una conferencia sobre mecánica cuántica en holandés después de solo seis semanas con el idioma. Es inteligente, erudito y perspicaz. Es intelectualmente curioso sin ser ingenuo. Oppenheimer hace un argumento convincente de que el físico del mismo nombre era realmente el solo científico que podría haber supervisado el desarrollo de la bomba atómica en el tiempo disponible.

El segundo acto de la película es una historia bastante sencilla sobre Oppenheimer liderando la carrera contra los nazis para desarrollar el arma de destrucción masiva, utilizando sus habilidades únicas para resolver problemas para lograr una tarea aparentemente imposible. Es fácil imaginar una versión mucho más corta y convencional de Oppenheimerúnicamente sobre la planificación y prueba de la bomba en Los Álamos que fue supervisada por un gran hombre.

Oppenheimer es un trabajo fenomenal porque se extiende más allá de esa narrativa simplista para contar una historia más complicada. En efecto, Oppenheimer se cuenta en gran parte a través de flashbacks. Más que eso, es una historia explorada a través de dos conjuntos de flashbacks en competencia que ofrecen interpretaciones algo diferentes de eventos clave. La película alterna entre los flashbacks en color de J. Robert Oppenheimer y los recuerdos en blanco y negro del almirante Lewis Strauss (Robert Downey Jr.). No hay una historia verdadera, ni una narración única.

Oppenheimer está a la vanguardia de lo que Niels Bohr (Kenneth Branagh) describe como “una nueva ciencia”, que se extiende más allá de la teoría de la relatividad propuesta por Albert Einstein (Tom Conti). Esta no es una ciencia de certeza absoluta, sino de probabilidad. En esta ciencia, la luz puede ser ambos una ola y una partícula, el universo unido por cuerdas invisibles. Es una cosmovisión que Einstein rechazó porque creía que “Dios no juega a los dados” con el universo.

Oppenheimer une esta comprensión de la física con una revolución más amplia en la cultura y la política. Oppenheimer estudia a Picasso, lee “La tierra baldía” y medita sobre El Capital, entendiendo que todos son quizás expresiones de la misma comprensión cambiante del universo. La película en sí hace una afirmación similar, argumentando que la historia puede entenderse de la misma manera que estos movimientos científicos, culturales y políticos.

Rechazando la formulación tradicional de biopics tradicionales, Oppenheimer sostiene que la historia no es la biografía de grandes hombres, sino narraciones contradictorias y en competencia que a menudo existen más allá del control de los individuos. La grandeza y la intención tienen poco que ver con cómo se desarrollan los acontecimientos. El mundo es caótico, arbitrario y aleatorio. Cualquier intento de creer lo contrario es vanidad y ego, un intento de afirmar la importancia de uno frente a una gran fuerza cósmica.

Oppenheimer medita sobre la cuestión de la responsabilidad del personaje principal por el uso del arma que desarrolló. Después de todo, siempre entendió que el arma tendría que ser utilizada. Hablando de los políticos y oficiales militares que controlarán la bomba, Oppenheimer les explica a sus compañeros científicos que la muerte de Hitler no les impedirá desplegarla. “No le temerán hasta que lo entiendan”, aconseja a sus colegas. “Y no lo entenderán hasta que lo usen”. Sin embargo, todavía está horrorizado por la realidad de la bomba.

Repetidamente a lo largo de la película, Oppenheimer disfruta de la gloria de la adulación pública. El presidente Truman (Gary Oldman) lo describe como «la persona más famosa del planeta», ya que su retrato adorna la portada de Tiempo. Strauss habla de cómo Oppenheimer se ve a sí mismo como “la persona más importante del mundo”. En repetidas ocasiones a lo largo de la película, la esposa de Oppenheimer, Kitty (Emily Blunt), reprende sus engreídos intentos de martirio autocompasivo.

Oppenheimer lucha por comprender cuán impotente es en el gran esquema de las cosas, incluso cuando se trata de su propia invención. Es rechazado cuando ofrece consejos a la Fuerza Aérea sobre la altura ideal para la detonación. Se queda despierto toda la noche antes de que caiga la bomba, esperando una llamada telefónica que nunca llega para avisarle que se llevará a cabo. Hay una sensación de autosuficiencia sofocante al respecto. En su conversación, Truman descarta la autocompasión de Oppenheimer, «Hiroshima no se trata de tú.”

Nolan se inspira en la iconografía del western, más que en cualquiera de sus películas desde Recuerdo o Insomnio. Oppenheimer es dueño de un rancho en Nuevo México. Monta a caballo, usa un gran sombrero y va a acampar en el desierto. Supervisa la construcción de una ciudad fronteriza en un cementerio de nativos americanos, convirtiéndose en el «fundador, alcalde, sheriff» de una comunidad conectada con el resto del país por ferrocarril. En un momento, Truman pregunta qué deberían hacer con Los Álamos después de la guerra. “Devuélvelo a los indios”, sugiere con seriedad Oppenheimer. Su petición es ignorada.

Esta iconografía occidental tiene sentido. Oppenheimer está ligado al mito del excepcionalismo estadounidense, la noción romántica de los individualistas duros que dan forma a la historia por pura fuerza de voluntad. «¿Sabes cuándo los rusos tendrán una bomba?» Truman le pregunta retóricamente a Oppenheimer. Oppenheimer tartamudea a la mitad de una respuesta, antes de que Truman lo interrumpa: “Nunca”. Por supuesto, esto es una falacia. Era inevitable que Rusia desarrollara una bomba atómica. Estados Unidos nunca fue tan especial como para mantener un monopolio.

La importancia personal de Oppenheimer se refleja en otros personajes. Truman descarta su sentimiento de responsabilidad por la destrucción de Hiroshima y Nagasaki argumentando que a los japoneses solo les importa quién dio la orden de lanzar la bomba. «Hice eso», afirma Truman. Esto se siente como un alarde del hombre que afirmó: «La pelota se detiene aquí», y que descarta a Oppenheimer como un «llorón». La ironía es que el propio Truman es visto como un pasajero en la historia, y solo toma esa decisión debido a la muerte del presidente Franklin D. Roosevelt.

Cuando las decisiones clave son tomadas por personas dentro del mundo de Oppenheimer, a menudo son arbitrarios y solipsistas. Estos hombres pueden dar forma a la historia a su manera, pero ciertamente no son grandes hombres. Henry Stimson (James Remar) elimina ostensiblemente Kioto de la lista de objetivos potenciales debido a su “importancia cultural para el pueblo japonés”, pero luego confiesa: “Mi esposa y yo estuvimos de luna de miel allí. Bella ciudad.» Eso es, en última instancia, lo que salva a Kioto del horror atómico. Es tan mezquino. De manera similar, el programa atómico nazi sufre debido al prejuicio personal de Hitler contra “la ciencia judía” de la física cuántica.

Después del lanzamiento de la bomba atómica, Oppenheimer es víctima del Terror Rojo. Sin embargo, la película señala que este ataque a su reputación no tiene nada que ver con la política o la seguridad. En cambio, está impulsado por la animosidad personal de personas como Lewis Strauss y Edward Teller (Benny Safdie). Las audiencias sobre el pasado comunista de Oppenheimer son, en última instancia, solo un intento de Strauss de controlar la narrativa de la historia, hasta el punto de filtrar citas directamente a Tiempocolocándose en la portada.

El ánimo de Strauss no tiene sus raíces en ninguna ideología mayor. Está anclado en una amalgama de trucos sociales menores, algunos reales y otros imaginarios. Se enfada con Oppenheimer describiendo su pasado como “un humilde vendedor de zapatos”. Es humillado públicamente cuando Oppenheimer descarta sus argumentos sobre la exportación de isótopos para uso médico. Strauss también está obsesionado por una conversación entre Oppenheimer y Einstein en Princeton, después de la cual Einstein no pudo mirarlo a los ojos. Es asombrosamente patético, pero funciona. Es suficiente para destruir a Oppenheimer.

La ironía de esto es que la piedra angular del resentimiento de Strauss hacia Oppenheimer —la conversación con Einstein— se había nada que hacer con él. Como pregunta un asistente anónimo del Senado (Alden Ehrenreich): “¿Alguna vez pensaste que tal vez ni siquiera estaban hablando de ti? ¿Quizás estaban hablando de algo más importante? Resulta que lo eran: el miedo a que la aniquilación nuclear fuera inevitable. Sin embargo, Strauss carece de la conciencia y la comprensión para ver más allá de sí mismo, para considerar cualquier cosa que no sea su propia importancia.

En Oppenheimer, la ambición y los planes a menudo se ven frustrados por la mezquindad y el azar. Oppenheimer construye la bomba para usarla contra los nazis, pero Alemania es derrotada sin ella. Él imagina un orden atómico global construido alrededor de los planes de Roosevelt para las Naciones Unidas, pero la muerte de Roosevelt pone a Truman a cargo. Eisenhower recomienda a Strauss para un puesto en el gabinete, pero el senador John F. Kennedy lo bloquea. Como presidente, Kennedy toma la decisión de otorgar a Oppenheimer el Premio Fermi, pero su asesinato significa que es otorgado por Lyndon B. Johnson (Hap Lawrence).

En las escenas finales de la película, Einstein reflexiona sobre la idea de que la historia marcha sobre individuos del pasado. Después de todo, la historia dejó atrás a Einstein. Sugiere que lo mismo eventualmente ocurrirá con Oppenheimer, algo que la película confirma. Oppenheimer es un rechazo del mito del gran hombre, lo que sugiere que la historia es una fuerza mucho más complicada.

Un rincón tranquilo de la escena de los juegos de lucha está explotando gracias al lanzamiento de Your Only Move Is Hustle. Yomi Hustle, como lo llaman sus adeptos, es un juego independiente que desarma brutalmente el género Fighting y lo vuelve a armar en un formato por turnos que aún tiene todas las características y características que esperarías.

En esencia, nada cambia, este sigue siendo un juego sobre movimientos y contramovimientos, interacciones centradas en el marco entre personajes distintos y dominio de conjuntos de movimientos. Yomi Hustle, sin embargo, lo hace por turnos con ejecución simultánea. Todavía tienes que planificar y elegir lo que quieres hacer, pero no hay que memorizar combos porque todo lo que ejecutas es perfecto como lo planeaste.

El éxito de «Knives Out» de 2019 ha dado paso a una ola de proyectos whodunit con personajes que conocen muy bien las reglas y tendencias del género, desde películas como «See How They Run» hasta la serie «Only Murders in the Building». Pero en cierto modo, eso no es nada inusual para el género, al menos en un sentido histórico. De hecho, como señala Rian Johnson en un video donde analiza sus películas para GQ, la legendaria Agatha Christie estaba escribiendo novelas sobre personas que saben que están en una historia de misterio mucho antes de que Johnson apareciera en escena:

«Creo que había una percepción de que ‘Knives Out’ era como una deconstrucción de la novela policíaca o el género o algo así. Para mí, ese no es el caso, porque soy una gran fan de Agatha Christie. Eso es de donde viene todo esto es de mi amor por sus libros. Y si retrocedes y miras lo que Agatha Christie estaba haciendo desde el principio, si quieres llamarlo deconstrucción, ella estaba deconstruyendo desde el principio. Estaba desarmando el género. Incluso el aspecto meta de que los personajes se dieran cuenta de que están en una historia de detectives, eso estuvo ahí desde el principio».

Sobre la base de esto, se podría argumentar que una gran parte de por qué el clásico de Christie de 1934 «Asesinato en el Orient Express» fue tan exitoso desde el principio fue que su final aún impactante cambió lo que los lectores esperaban después de los libros anteriores de Hércules Poirot de Christie. . ¿Quién hubiera pensado que un género que vive o muere parcialmente en su capacidad para sacar la alfombra debajo de los pies de las personas sería tan intrínsecamente autorreflexivo? Bromeo, por supuesto, pero es menos obvio de lo que podrías suponer.