Cuando el guionista Jeb Stuart comenzó a trabajar en el guión de «Duro de matar» en 1987, Fox se fue a cortejar. Sylvester Stallone fue la primera pregunta obvia. Haciendo nada. ¿Qué tal Clint Eastwood? ¿Qué tal su rara vez rota lealtad al estudio de su casa, Warner Bros? ¿Burt Reynolds? No. ¿Mel Gibson? Se estaba preparando para su segunda aparición como Martin Riggs.

La lista de rechazos era larga y se hacía menos destacada cuanto más duraba el proceso de selección. Paul Newman, Harrison Ford, Richard Gere, Nick Nolte… el estudio evidentemente llegó hasta el MacGyver de televisión (y orgulloso casi graduado de la Universidad de Ohio) Richard Dean Anderson cuando se encontraron preparando una película de acción a gran escala sin una estrella de acción. Evidentemente, nadie vio las ventajas de asumir un papel originado por Sinatra en un policía programador casi olvidado.

Fox estaba desesperado y todos los agentes de la ciudad lo sabían. Si querían lo que constituía un «gran nombre» en 1987, iban a tener que pensar fuera de lo común y pagar mucho por ello. Tomaron una decisión brillantemente audaz, pero en ese momento fueron vilipendiados por ello.

[Warning: The below contains MAJOR spoilers for The Way Home Season 2 finale “Bring Me to Life.”]

Los finales de temporada suelen ser una sorpresa tras otra e incluyen grandes momentos para las relaciones, y con su último, El camino a casa ofrece ambos. Sin duda, coloca a Kat (Chyler Leigh) y Elliot (Evan Williams) en un camino esperanzador en el futuro.

Pero antes de llevar a los dos a ese lugar, Kat viaja al año 1814 para despedirse de Thomas (Kris Holden-Ried) después de descubrir que está a punto de ser asesinado. Ella se culpa a sí misma, pero él se niega a dejarla, y se besan antes de que ella se vaya, y cree que lo mataron antes de descubrir que fue salvado por una armadura. Luego, en el presente, Elliot le dice a Kat que viajó en el tiempo con Alice (Sadie Laflamme-Snow) y tuvo sus cinco minutos con Colton (Jefferson Brown), por lo que ahora comprende por lo que ella ha pasado y tiene que evitar intentarlo. cambiar el pasado. “Quiero que me elijas”, le dice.

A continuación, los productores ejecutivos Heather Conkie y Alex Clarke explican cómo incluir ese momento con Kat y Thomas, el viaje de Kat y Elliot, y mucho más. (Además, obtenga información sobre el regreso de Jacob a casa y la revelación de que Colton es un viajero en el tiempo aquí).

¿Por qué Kat y Thomas se besan dada la complicada relación de Kat y Ellie?

Heather Conkie: Porque somos malos, muy malos. [Both laugh]

Alex Clarke: Adoro el personaje de Elliot y creo que la relación que Kat y Elliot tuvieron en el pasado pero que también tuvieron durante la temporada 1 y la temporada 2, sí, ha sido tumultuosa, pero también ha sido increíblemente solidaria e increíblemente necesaria. Y creo que el personaje de Thomas fue realmente interesante de explorar porque es una especie de antítesis de Elliot en muchos sentidos. Elliot es alguien muy cerebral, piensa antes de actuar, siente muy, muy profundamente y es increíblemente empático. Y aquí está este hombre del siglo XIX que actúa antes de pensar, es un poco salvaje, y realmente no le importa lo que piensen los demás y dice lo que piensa y las cosas son muy blancas y negras para él. Y eso es todo lo contrario de Elliot. Y nos encanta la idea de que estos polos opuestos existan en estas diferentes eras casi como representativos de la era en la que viven.

Que Thomas y Kat se besaran al final, creo que fue un momento de desesperación para ambos, o eso creemos. Y creo que es un beso que surge, nuevamente, sin pensar, solo actuar, lo cual es lo opuesto a cualquier beso que surge entre Kat y Elliot.

¿Dónde querías dejar a Kat y Elliot para instalar la próxima temporada? ¿Y están ahora en mejor posición que nunca para hacer que una relación funcione?

Conkie: Creo que en realidad lo son. Creo que tuvieron que pasar por lo que pasaron en las dos primeras temporadas para verse con mucha, mucha claridad. Elliot es una persona que analiza y piensa demasiado, y Kat es mucho más impulsiva de lo que obviamente es. Y creo que se van dando cuenta de que esas son fortalezas para ambos, que eso no tiene por qué ir en contra del otro y que, de hecho, pueden formar un todo muy unido.

Y con ese fin, en el episodio 5, Kat dijo: “No tienes idea de lo que hago. Puedes hablar de reglas, pero en realidad no has hecho lo que yo hago, es decir, viajar en el tiempo”. Y en el episodio 10, cuando se le da la oportunidad de viajar en el tiempo y conoce al propio Colton y se encuentra en una posición muy similar a la de Kat: «Quería advertirle, quería decirle que no fuera al carnaval. Quería decirle que tuviera cuidado con su hijo”. De repente, finalmente se pone en el lugar de Kat y se da cuenta de lo difícil que fue para ella todo este tiempo porque tiene razón. Él es el que habla las reglas, pero no las ha vivido. Y en el momento en que lo vive, creo que se produjo un gran cambio de perspectiva para él. Y como resultado, al final de ese episodio, al final de la temporada, creo que están en un lugar mucho mejor para comenzar algo.

Y a la inversa, creo que Kat ha terminado su búsqueda. Ella trajo a Jacob a casa. Eso esta terminado. Y entonces, esa obsesión que ha tenido con el estanque que él ha mantenido contra ella hasta ahora no es necesariamente algo que ella vaya a tener. Ella ha hecho lo que tenía que lograr. Lo que sea que surja de eso es otra cosa. Pero en esencia, ella ha completado el viaje y tal vez ahora esté lista para concentrarse más en el presente y en él.

¿Por qué Elliot viaja en el tiempo con Alice y lo comparte con ella y no con Kat? ¿Alguna vez consideraste que fuera Kat quien trajera a Elliot de regreso?

Clarke: No, es gracioso. Nunca lo hicimos porque era perfecto: la temporada 2 trata sobre imágenes reflejadas y todo se basa en Alicia a través del espejo. Y nuestra temporada 1 es Elliot como Giles para la Buffy de Alice, una especie de maestro para el estudiante. Y que Alice cambiara las cosas esta temporada y fuera la guía, fuera quien llevara a un novato a lo que ella sabe, que es el viaje en el tiempo, nos pareció muy bien por su relación, por su amistad. Toda la temporada es realmente ella cuestionando su amistad basándose en lo que ha visto en el pasado de lo que hace el joven Elliot, y la recompensa final es que ella se da cuenta de que él hizo las cosas que hizo en el pasado sin querer lastimarla y Alice se da cuenta de lo que hizo. perdió al cometer estos errores. Y creo que su gesto de “Ven conmigo, te daré este regalo” fue un momento muy catártico y realmente encantador en el que Alice le dijo: “Todo está perdonado y ahora déjame guiarte. Sí, déjame ser Giles”.

Y por supuesto tenemos que hablar del descubrimiento de Alice sobre el anillo que lleva Casey (Vaughan Murrae) [that looks like Kat’s engagement ring]. ¿Qué puedes decir sobre lo que eso significa para la temporada 3?

Conkie: [Both laugh] Muchas dudas.

Clarke: Obviamente, esa es una de las nuevas preguntas que estamos abriendo para explorar en la temporada 3, sin duda. Creo que Casey es un personaje realmente interesante y nos encanta hacia dónde creemos que los llevaremos. Y estoy muy emocionado de que la audiencia presente todas sus teorías porque diré que una de las mayores alegrías, especialmente esta temporada, es ver las teorías en línea, ver a la gente realmente tan involucrada hasta el punto de estar crear salas de chat grupales para hablar sobre estas cosas, y es un descubrimiento realmente encantador que la gente esté tan comprometida. Creo que muchas de las teorías que surgirán en la temporada 3 se basarán en el personaje de Casey, sin duda.

Mencionaste que Kat se propuso hacer lo que quería. Entonces, ¿deberíamos preguntarnos si podrá volver a viajar en el tiempo?

Conkie: Oh, supongo que nos lo preguntaremos, pero lo lleva en la sangre.

¿Volveremos a ver a Thomas o Susanna (Watson Rose)?

Conkie: Tendremos que esperar y ver. Es interesante porque esa historia ya ha sido contada, pero nuevamente dejamos este pequeño momento de «eh» en la revelación de que Thomas todavía está vivo. Así que no creo que esa puerta esté 100 por ciento cerrada, pero sí, tendremos que esperar y ver.

¿Qué más puedes decir sobre la temporada 3?

Conkie: Creo que estamos muy interesados ​​en estos personajes y en los misterios del pasado. Creo que nuestro programa siempre se centrará en la idea de que el pasado nunca desaparece y que todo lo que hacemos en el presente está informado por lo que nos precedió, especialmente cuando se trata de la familia. Y eso no va a cambiar en la temporada 3. Vamos a descubrir nuevos misterios sobre los Landry, los Goodwin, los Agustinos, nuestras tres familias fundadoras de esta ciudad, y nos daremos cuenta de que esos misterios continúan profundizándose e informando las cosas de maneras que nosotros nunca hubiera esperado. Creo que veremos personajes queridos bajo una luz muy nueva en la temporada 3, y esperamos que eso deje a la gente sin aliento.

Clarke: Tenemos la intención de profundizar más en la madriguera del conejo.

El camino a casaTemporada 3, por confirmar, Hallmark Channel

Un próximo juego de rol de acción envía a un criminal condenado a las profundidades de una tierra abandonada para obtener un botín y salvar y/o destruir el mundo. Into the Necrovale aparece como Próximamente en Steam, pero tiene una demostración bastante saludable que puedes probar de inmediato.

Into the Necrovale se basa en el tipo de mazmorra procedimental basada en habitaciones que has visto en juegos como Hades, pero tiene el aire más desesperado y sombrío de un juego de fantasía de FromSoftware. De hecho, Hope es literalmente una mecánica de juego: cuanto más tiempo dura la inmersión en una mazmorra, más pierdes. Si mueres con todas tus esperanzas, perderás un objeto de forma permanente.

Sara Menai, editado por Alexandre Dalifard / Crédito de la foto: HENRY NICHOLLS / AFP
7:57 am, 31 de diciembre de 2023

El sábado, debido a la inundación de las vías del Eurotúnel, se cancelaron todos los trenes hacia y desde Londres. Para la ocasión, Europa 1 se dirigió a la estación de Saint Pancras, en Londres, donde los pasajeros intentan, a regañadientes, cambiar sus planes.

Digo «extraño» porque recuerdo haberlo visto en vivo y haberme sorprendido un poco por lo que estaba sucediendo en una comedia televisiva. En el artículo, la productora ejecutiva Cheri Steinkellner dijo que este episodio en particular tuvo que ser reescrito varias veces y que simplemente no lo lograban. Entonces algo hizo clic. Steinkellner dijo:

«Hubo un episodio que giraba en torno a la hermana de Rebecca y simplemente no pudimos hacerlo bien. En nuestra cuarta reescritura de toda la noche, alrededor de las 3 am, Billy se rindió y dijo: ‘¡Hagamos que Rebecca le dispare a su maldita hermana!’ Y todos dijimos ‘Heeey’, y esa fue la reescritura. Ese acto de desesperación nos valió nuestro primer Emmy».

En el episodio, aparece la hermana de Rebecca, Susan (Marcia Cross). Es una reina de belleza y Rebecca no se lleva bien con ella porque Susan siempre le robaba los novios. Sam logra conseguir una cita con Susan y Rebecca, celosa, dice caparazón En su lugar, sale con él, a pesar de que a ella no le gusta mucho Sam.

Susan llega primero a la barra y besa a Sam en su oficina. Rebecca aparece y los encuentra. toma un arma … sí, leíste bien … y le dispara a su hermana una y otra vez. Luego le pide a Sam que la ayude a arrastrar el cuerpo fuera de la habitación para esconderlo, diciendo que todos han hecho algo loco en sus vidas mientras él se asusta. Por supuesto, todo fue una broma y el resto de los personajes principales están esperando que se revele que Susan estaba bien y que lo hicieron a propósito.

Supongo que es gracioso en retrospectiva, pero era muy joven cuando lo vi y me asustó. Oye, obtuvieron un Emmy por esto, así que eso es todo.

Cualquiera que haya sufrido una depresión grave probablemente conozca la experiencia extrañamente reconfortante de encontrar a alguien o algo que refleje directamente su propia tristeza. La depresión lleva a la mente por caminos oscuros. La depresión, una entidad casi invasiva, convence a su anfitrión de que no valen nada, que los esfuerzos humanos son inútiles y que la decadencia y el olvido son lo mejor para todos. «Ella muere mañana», entonces, sirve como un apretón de manos. Es contacto visual con el abismo dentro del espectador. Y es la comprensión extraña y reconfortante que surge de ese reconocimiento. La tristeza tiene texturas reconocibles, texturas variadas, que los realizadores quieren mirar. Sobre ese punto, Seimetz dijo:

«Todo lo que Jane realmente quería era que alguien validara sus sentimientos durante toda la película, y de repente son estos extraños los que dicen: ‘Sí, nos estamos muriendo’, y ella dice: ‘Gracias’. Cuando describo la forma en que dirijo las cosas en términos de un arco narrativo, siempre vuelvo a cómo se siente una rabieta, donde es la aceleración de la rabieta, el estallido completo de emoción y luego esa extraña calma que sucede. después de la tormenta. Está casi tan silencioso porque se ha vuelto muy ruidoso, y esto sigue ese formato. Ya nos volvimos locos y todavía estamos aquí, ¿ahora qué hacemos?

Las últimas líneas de «She Dies Tomorrow», dijo Seimetz, reflejaron un enorme «Estoy bien, no estoy bien» que vio irrumpir en la humanidad. Fue una mera coincidencia que tantas vidas se vieran sacudidas por el COVID-19 cuando se estrenó la película de Seimetz. Cualquiera que diga «Estoy bien», pensó, no está bien.

«She Dies Tomorrow» trata sobre la geografía matizada (la rueda de colores de los estados de ánimo) que rodea la mente de uno cuando no está bien.

La literatura está llena de niños salvajes, anárquicos y malvados. Rompen las convenciones de la vida burguesa. Juegan con el lenguaje. Sacan a relucir lo profundo y el subconsciente de una vida adulta supuestamente recatada. Y, absurdamente, precisamente, provienen de adultos. Al igual que la “feminidad” o el “orientalismo”, el “niño malo” es también una superficie de proyección social. Sin embargo, uno que ha recibido poca atención hasta el momento. Ahora el Strauhof de Zúrich dedica una exposición al «niño terrible» literario.

Los niños de la revuelta literaria retozan en el Strauhof. Pippi Calzaslargas presenta su caricatura carnavalesca de la fiesta burguesa del café, en Alicia en el país de las maravillas las costumbres victorianas se transforman en un disparate y el inquieto Philip destruye el orden de la familia burguesa. Además de muestras audiovisuales de literatura y películas infantiles, la exposición también revela la notable historia detrás de la figura del «niño terrible».

La invención de la infancia.

En el clásico teórico de 1960 “Historia de la infancia”, el historiador francés Philippe Ariès argumentó que la “infancia” no era un fenómeno biológicamente definido, sino más bien una construcción del pensamiento burgués del siglo XVIII. Antes, los niños eran simplemente “pequeños adultos”. Ahora se les dio su propio pensamiento, sentimiento y percepción. Surgieron la literatura infantil y los libros ilustrados. La habitación infantil también es un invento de esta época. “Estos nuevos fenómenos siempre tienen que ver con niños de clase media”, afirma la literaria Christine Lötscher, que es comisaria de la exposición junto con Klaus Müller-Wille. A otros niños no se les dieron estos espacios de desarrollo.

Con el nuevo interés por el fenómeno de la “infancia”, también surgieron fantasías educativas. Los adultos pensaban que los niños aprenderían mejor con imágenes. Para ayudar a los niños ingenuos a pensar de forma más inteligente, se crearon libros ilustrados educativos. Por otro lado, sin embargo, surgió todo un espectro de literatura infantil que se interesaba principalmente por los aspectos negativos de la literatura educativa: la perturbación de los mundos de fantasía de los niños, el pensamiento mágico, la creatividad desenfrenada y la libertad anárquica.

Uno de los personajes principales que más disfrutó el “enfant terrible” en la literatura es E. T. A. Hoffmann. En el cuento “El cascanueces y el rey ratón” de 1816 queda clara la doble cara de los niños que surgieron en el siglo XIX. Por un lado, un angelito delicado e ingenuo, por otro, un demonio: con gran horror, los protagonistas descubren “qué ha sido de la hermosa y tierna niña”. En lugar de la «cabeza de ángel con rizos dorados» había una «cabeza gorda e informe sentada sobre un cuerpo diminuto y encorvado, los ojos azules se habían convertido en ojos verdes, saltones y fijos, y la boquita se había torcido de una oreja a otra». el otro.»

Inquietantes mundos de fantasía infantiles

A finales del siglo XIX, la infancia se volvió científica. El psicoanálisis se dedica a la naturaleza instintiva del niño y cuestiona su inocencia. La medicina, la antropología y las ciencias de la educación también están descubriendo la infancia como campo de investigación. Los primeros estudios exotizan la infancia y proyectan formas de pensar “otras” y “primitivas” en las percepciones de los niños. Esto llegó tan lejos que los Estudios sobre la Infancia, que surgieron alrededor de 1900, ahora se comparan con las prácticas coloniales.

Mientras que algunas investigaciones se interesan por conceptos educativos y etapas de desarrollo estandarizadas, otras áreas de investigación abordan la infancia como un “concepto abierto”. El juego salvaje, el uso indisciplinado del lenguaje y los deseos de la primera infancia pasan a primer plano. La idea de que los niños todavía tienen una creatividad libre y desenfrenada está particularmente arraigada. Antes de la llegada de los estudios sobre la infancia, los dibujos infantiles tenían un estatus similar al graffiti. “Eran percibidos como sucios”, dice la historiadora del arte Barbara Wittmann en un vídeo de la exposición. Sin embargo, en la pedagogía reformista de principios del siglo XX, los dibujos de los niños fueron estetizados y utilizados como herramienta para acceder al subconsciente del niño.

El eterno anhelo del ser auténtico

«Para poder soñar con cómo una vez aprendí a caminar. Pero eso no me ayuda. Ahora puedo irme; Aprender a caminar ya no es posible”, escribió Walter Benjamin en los años 30 en “La infancia de Berlín en torno a mil novecientos”. Benjamin describe el profundo anhelo de los adultos de poder regresar al espacio liminal de la infancia. Es el anhelo de una forma prelingüística de pensar y de ser. Pero los adultos sólo pueden soñar con cómo pudo haber sido alguna vez. El anhelo por la perspectiva infantil, que se nota claramente en la exposición, produce una increíble riqueza literaria.

«Queríamos tomarnos muy en serio la literatura infantil», afirma Christine Lötscher. A los comisarios les interesa menos el aspecto educativo que los experimentos estéticos desencadenados por el descubrimiento de la infancia. Y concretamente el “niño malo” libera una gran cantidad de energías.

Hoy en día, el debate en torno a “lamentar la maternidad” resalta el hecho de que los sentimientos de los padres no siempre son color de rosa. Los niños pueden ser monstruos. Y el embarazo provoca una variedad de sentimientos, desde estados de euforia hasta la sensación de que un parásito está creciendo en el estómago. Pero sigue prevaleciendo la imagen altamente idealizada de los niños y las familias. «Hasta el día de hoy nos sentimos profundamente perturbados cuando vemos niños malos», afirma Klaus Müller-Wille.

De modo que el “niño malo” sigue dando miedo. Todavía representa los límites de la omnipotencia. Hoy en día quizás represente algo que ni siquiera los padres helicópteros pueden entender. Especialmente en una época en la que se espera que los niños respondan a un mundo altamente complejo como pequeños adultos, la exposición es un fantástico alegato para los desenfrenados.

“Enfants Terribles – Uncanny Children’s Stories”: la exposición en Strauhof estará abierta hasta el 7 de enero de 2024.

El 18 de junio, Bebe Rexha estaba realizando un espectáculo local en The Rooftop at Pier 17 en Manhattan. Durante la actuación, un miembro de la audiencia arrojó un iPhone a la cantautora pop, que la golpeó justo sobre el ojo derecho. El impacto terminó inmediatamente con el espectáculo y Rexha requirió tres puntos después, dejándola con una moretón desagradable alrededor de su ojo. Nicolás Malvagna, de 27 años, fue arrestado rápidamente como el presunto culpable del ataque. Según una denuncia penal obtenida por el correo de nueva yorkMalvagna le arrojó su teléfono a Rexha porque «pensó que sería divertido».

En su comparecencia, Malvagna culpó a TikTok por sus acciones. Malvagna le dijo a la policía que estaba intentando participar en una tendencia de TikTok en la que los asistentes al concierto arrojan su teléfono al escenario para que el artista se tome selfies o grabe un video. Afirma que calculó mal la trayectoria del teléfono y golpeó la cara de Rexha. Malvagna enfrenta una cita en la corte el 31 de julio y una orden de restricción. Sus supuestas acciones el 18 de junio son solo un ejemplo de una tendencia exasperante en la asistencia a conciertos: el intento desesperado en un momento viral.

Dos días después, la cantante pop albanesa de Rexha, Ava Max, se presentaba en el Fonda Theatre de Los Ángeles. Allí, un fan subió al escenario y, mientras era escoltado por la seguridad, abofeteó a Max, según lo informado por Cartelera. máx. tuiteó su frustración después del espectáculo, afirmando que la bofetada tuvo tal impacto que «raspó el interior de [her] ojo.»

En un encuentro no violento, la cantante P!nk detuvo su show en Hyde Park este fin de semana después de que un fan arrojara las cenizas de su madre al escenario.

«¿Esta es tu mamá?» P!nk le pregunta al miembro de la audiencia mientras sostiene una bolsa de plástico aparentemente llena de restos cremados. “No sé cómo me siento acerca de esto”. Otro fan más tarde le daría un rueda de queso brie.

Mientras tanto, Harry Styles es un artista que ha recibido una cantidad injusta de proyectiles catapultados en su camino mientras estaba en el escenario. Durante los compases finales de su canción «As It Was» en su actual serie de conciertos Love on Tour, un fan azotó Skittles a Styles mientras lanzaba besos a la multitud, solo para que él se desplomara de dolor antes de reanudar su agradecimiento. Tenga en cuenta que los fanáticos de Styles tienen como lema: «Tratar a las personas con amabilidad». Como GQ británico informesStyles también ha sido blanco de nuggets de pollo, mientras que aplastamiento pop señala que ha sido rociado con agua en el pasado.

Es fácil pintar este problema como un problema generalizado de alboroto en los conciertos, pero claramente ese no es el caso, como lo demuestran dos de los conciertos más grandes que se realizarán este verano: «The Eras Tour» de Taylor Swift y «Renacimiento World Tour» de Beyonce. A lo largo de ambas giras hasta el momento, Swift y Beyonce han generado y/o se han apoyado en momentos virales con la ayuda y participación de sus audiencias que no han llegado a expensas de su propia seguridad. El Eras Tour ha despertado la intriga de La cohorte dedicada de Swift de «Swifttokers» sobre qué dos canciones sorpresa ella cantará cada noche como parte de su setlist rotativo. Los fanáticos de Beyoncé son parodiando juguetonamente los brazos roboticos que aparecen durante la gira de Queen Bey, emulando su coreografía y babeando por los nuevos atuendos que presenta para cada lugar. Cierto temor y respeto acompaña a cada estrella del pop —quizás por la supuesta rabia de sus fans— y no se ve a nadie arrojando objetos pesados ​​sobre sus escenarios. Quizás estos conciertos son demasiado caros para que los fanáticos en el foso sean otra cosa que fanáticos que nunca arrojarían nada a sus favoritos.

Aun así, arrojar cosas al escenario oa los artistas no es un fenómeno nuevo. “Embotellado” (puedes adivinar fácilmente lo que eso implica) se ha grabado desde la década de 1970, siendo AC/DC uno de los primeros objetivos registrados. El saco de boxeo musical favorito de todos, Nickelback, terminó un espectáculo en Portugal después de solo dos canciones después de que le arrojaran piedras y botellas en 2002. Si bien el embotellado era sinónimo de las escenas arenosas del rock y el punk de la década de 1970 hasta principios de la de 2000, una cosa cambió claramente en la década de 2010: la búsqueda de influencia. La moneda social se convirtió en sinónimo de las redes sociales a medida que aplicaciones como TikTok, Twitter e Instagram se convirtieron en vías vitales y omnipresentes para la autoexpresión y la conexión. Dentro de la cultura de esas aplicaciones, se requiere una constante superación para volverse viral. No busques más que “síndrome del personaje principal”, mejor ejemplificado que en Malvagna creyendo que su cámara valía la pena detener un concierto a expensas de otros fanáticos y de la propia intérprete.

A medida que el listón para sorprender y entretener a los extraños en Internet subía más y más, los usuarios tocaron techo durante la pandemia de covid-19, ya que todos se vieron obligados a entrar. Una vez que se reanudaron los conciertos después de los cierres y las vacunas masivas, esos espacios se convirtieron en crisoles para la ansiedad reprimida de las personas reprimidas. Lo que vimos fue derechos, comportamiento grosero y videos de teléfonos celulares—especialmente entre las generaciones más jóvenes que experimentarían sus primeros conciertos más tarde en sus vidas que aquellas generaciones que asistieron a espectáculos antes del covid. Las consecuencias de una tendencia en el comportamiento como esta es obviamente que pone en riesgo a los artistas, pero también pone en riesgo a los miembros de la audiencia, quienes también pagaron dinero para estar en el espectáculo que alguien acaba de arruinar.

Es difícil evaluar cómo los artistas manejarán el comportamiento agresivo de la audiencia en el futuro, si es que lo hacen. Si bien no apunta directamente con el dedo a los fanáticos que arrojan cosas, Miley Cyrus no expresó interés en recorrer estadios en el corto plazo, citando problemas de seguridad.. Styles, por otro lado, regaña en broma a los miembros de la audiencia detrás de sus ligeros intentos de asesinato. Eso no quiere decir que esté bien arrojarle cosas a Styles durante sus giras de años, pero está lejos de poner su pie en el suelo. Si bien los propios artistas tienen cierta responsabilidad en el manejo de sus multitudes y fomentar la seguridad de todos durante los conciertos, los fanáticos, algunos de los cuales continuarán atacando a los mismos artistas que defienden con teléfonos, cenizas, Skittles o sus propias palmas descubiertas, necesitan un ajuste de cuentas.

El drama iraní de Behrooz Karamizade “Empty Nets”, que tiene su estreno internacional en la competencia Crystal Globe en el Festival de Cine de Karlovy Vary, ofrece una mirada aleccionadora a las vidas cada vez más difíciles, a veces desesperadas, de los jóvenes de clase trabajadora en Irán mientras luchan por vidas mejores

Ambientada en la costa norte del Mar Caspio de Irán, la película sigue a Amir (Hamid Reza Abbasi), un joven que, desesperado por casarse con su novia Narges (Sadif Asgari), busca trabajo en una pescadería local con la esperanza de ganar suficiente dinero para una vida adecuada. dote y conquistar a sus padres de clase alta. Una vez allí, se presentan oportunidades ilícitas y pronto se ve envuelto en el peligroso pero lucrativo negocio de la caza furtiva de esturiones y el comercio de caviar en el mercado negro.

El director iraní-alemán, que creció en Alemania, dice que siempre quiso rodar su primer largometraje en Irán. “Estoy muy impresionado con el cine iraní y crecí con el cine iraní. Pensé que mis raíces cinematográficas están en Irán y tengo que ir allí y filmar mi primera película allí”.

Si bien su familia es del sur de Irán, Karamizade viajó a la región norte del país y encontró inspiración en la costa del Caspio. “Estoy muy conectado con el mar; Soy una persona muy adicta al mar. Amo el mar y amo las diferentes caras del mar. Siempre me interesaron los pescadores, esta masculinidad muy fuerte y gente arcana muy jerárquica. Una de mis historias favoritas era la del Capitán Nemo: ‘Veinte mil leguas de viaje submarino’. Me encantan estas historias”.

Antes de realizar la película, Karamizade pasó un tiempo con los pescadores de la zona mientras trabajaba en un ensayo fotográfico. Fue entonces cuando se enteró de la caza furtiva.

Al querer explorar la sociedad iraní, el cineasta desarrolló un relato alegórico ambientado en la comunidad pesquera.

“Nuestra sociedad está muy dominada por los hombres, lo que deja muy poco espacio para que otras personas, de otros géneros, respiren y se desarrollen”, señala.

Se le ocurrió la idea de traer a una persona joven, inocente, ingenua y romántica, todavía intacta por las dificultades de la vida, a este mundo dominado por hombres y gobernado por el poder, un papel que Abbasi encarna perfectamente. La pesquería en sí es una parábola de una dictadura, agrega Karamizade.

Además de subrayar la creciente brecha entre los ricos y la clase trabajadora de Irán y las dificultades económicas exacerbadas por las sanciones estadounidenses que dañan a los pobres mucho más que a las élites, la película también examina el alarmante daño ambiental a los ecosistemas marinos causado por la basura, residuos plásticos y pesca ilícita en aguas del Mar Caspio.

A medida que la naturaleza que alguna vez fue prístina se destruye cada vez más, el joven Amir también se corrompe por las decisiones equivocadas que toma mientras trabaja con los hombres oportunistas y codiciosos que administran la pesca, señala Karamizade.

Hay una gran élite en Teherán que disfruta de una muy buena vida pero, lamentablemente, la brecha es cada vez mayor y mucha gente sufre, dice Karamizade. “Esa es también la razón por la que hice la película. Quería entender a los pescadores y también a los cazadores furtivos y por qué lo hacen. … Pero también quería criticarlos y quería mostrar que a veces, cuando llevas a las personas al límite, pueden hacer muchas cosas que no son buenas para ellos ni para el mundo. Pero no podemos juzgarlos. Tenemos que seguir y ver cuál era la ruta hasta este borde. Quería seguir esto: por qué Amir va al límite y cuál fue su camino para llegar al límite”.

Karamizade también destaca la difícil situación de los jóvenes de Irán, que son los que más sufren por la situación económica del país. La falta de empleo y buenos salarios, por ejemplo, limita gravemente las perspectivas de matrimonio, hijos y prosperidad. La multitud de problemas a los que se enfrentan (dificultades económicas, tradición, deudas) los mantienen atrapados en una situación aparentemente desesperada mientras se acumulan capa tras capa, explica.

“Todos estos jóvenes son como peces en una red, jadean por aire pero no lo consiguen. … Realmente están sufriendo mucho”.

Al mismo tiempo, también quiso presentar otra imagen de Irán, de jóvenes con mucha esperanza a pesar de la terrible situación, “para mostrar al mundo estos hermosos rostros jóvenes”.

Karamizade filmó “Empty Nets” en locaciones de las ciudades costeras del norte de Irán de Rasht y Bandar Anzali, una región cuyo clima húmedo y cielos nublados evocaban una atmósfera melancólica y opresiva que el director y director de fotografía Ashkan Ashkani (“There Is No Evil”) encontró ideal. para la película

Comentando sobre su propio estilo visual, la importancia de las imágenes y su uso de las locaciones, Karamizade dijo que se inspiró en su mentor, Thomas Mauch, el DOP que colaboró ​​con Werner Herzog en muchas de las películas del director, incluyendo “Aguirre, the Wrath of Dios” y “Fitzcarraldo”.

Actualmente, Karamizade tiene un proyecto alemán en fase inicial de desarrollo, una película histórica ambientada en la Segunda Guerra Mundial que está escribiendo con Heide Schwochow («La lección alemana»).

Con sede en Kassel y Berlín, Karamizade es uno de los cuatro fundadores de Living Pictures Production, que coprodujo la película con Basis Berlin Filmproduktion, Rainy Pictures, ZDF/Kleines Fernsehspiel y Arte. Port au Prince Pictures estrenará “Empty Nets” en Alemania el 18 de enero.

Pluto Film está vendiendo “Empty Nets” a nivel internacional. La compañía, que fue adquirida el año pasado por Benjamin y Daniela Cölle, dice que la nueva adquisición representa perfectamente su enfoque «en involucrar al cine global a través de la identificación de talentos emergentes».