“Légua” de Filipa Reis y João Miller Guerra tiene su estreno mundial en la Quincena de Realizadores. Reis y Miller Guerra codirigieron previamente el primer largometraje ambientado en Cabo Verde, «Djon Africa» ​​(2018), y varios documentales.

“Légua” está producida por la compañía Uma Pedra no Sapato, que Reis fundó en 2008 y se ubica como una de las principales productoras independientes de Portugal.

La foto está ambientada en el pueblo rural de Légua en el norte de Portugal, entre Amarante y Marco de Canaveses. Uno de los personajes principales es una antigua casa de campo abandonada por sus herederos y atendida por la anciana y enferma ama de llaves Emilia, asistida por Ana (interpretada por Carla Maciel («Diamantino»), cuyo marido emigra para trabajar en Francia , dejándola al cuidado de Emilia y su propia hija adolescente inquieta, Mónica.

La película explora un mundo en decadencia, encarnado por tres mujeres de diferentes generaciones.

Varias escenas prescinden del diálogo para centrarse en una dimensión sensorial y corporal, que van desde una temprana escena de sexo, entre Ana y su marido, hasta la coacción física asociada al cuidado de Emilia.

Miller Guerra pasó parte de su infancia en la casa representada en la película, y Reis, nacido en Lisboa, se ha ido encariñando poco a poco con ella.

El proyecto se presentó en el CineMart 2021 de Rotterdam y se filmó a fines de 2021 durante el apogeo de la pandemia.

Está coproducida por Catarina Mourão en Laranja Azul de Portugal, Alexandre Gavras en KG Productions de Francia y Jon Coplon en Stayblack Productions de Italia. Las ventas mundiales están representadas por Luxbox, una señal de una propuesta artística de alto perfil. Los directores hablaron con Variedad

¿Cuál fue la inspiración inicial para la película?

joão miller guerra: Tengo una fuerte conexión personal con la casa y este pueblo en el norte de Portugal, que visité a menudo durante mi infancia, que es un mundo en proceso de desaparición. La casa que se muestra en la película ha pertenecido a mi familia durante varias generaciones, curiosamente siempre propiedad de mujeres. La película está inspirada en la historia real del ama de llaves. Es una película de ficción arraigada en la realidad. Queríamos mantener la sensación del norte, en cuanto a los acentos, la presencia de granito y la atmósfera.

Los personajes principales son mujeres.…

filipa reyes: Sí. De tres generaciones cada una con una visión diferente del mundo. El personaje principal, Ana, se ve obligada a tomar decisiones que la ayudan a descubrirse a sí misma. Su hija dice que debería acompañar a su marido a Francia pero decide quedarse. ella se resiste

¿Fue filmado en 16 mm?

Guerra: Sí. La película es un gesto de resistencia. Queríamos hacerlo lo más orgánico posible. Dependemos cada vez más de las plataformas digitales, y ahora estamos presenciando tanto una Zoomificación como una “deshumanización” del mundo. Estamos perdiendo contacto con la dimensión material de la existencia y eso es lo que queríamos explorar aquí.

Hay una fuerte dimensión física y sensorial en la película.…

reyes: El cuerpo era un aspecto muy importante para nosotros. Durante varios años he estado interesado en explorar esta pregunta. Nuestros cuerpos están muy inactivos, lo que bloquea el acceso a nuestras emociones. Estamos programados para otras cosas. Este ejercicio de volver al cuerpo es muy importante para la película, ya sea el sol, el agua o una sábana húmeda, o algo más erótico o sexual que nos expanda. Era importante para mí mostrar la escena de sexo al comienzo de la película para romper con la visión cliché de una relación entre un hombre y una mujer. Creo que es muy importante pensar en el placer femenino y no contribuir a los estereotipos. Quería mostrar que realmente tiene una relación extraordinaria con su marido. Es algo muy real que ella decide que tiene que rendirse y efectivamente ser subyugada mientras ayuda a otra mujer.

Tenemos la sensación en la película de que la tierra pertenece a las personas que la trabajan.

Guerra: Esa idea está ligada al proceso de transformación que se remonta a la revolución portuguesa de 1974. El régimen feudal que duró muchos siglos se ha desmoronado lentamente desde 1974 y lo vemos ante nuestros ojos en la película. Emilia aceptó servir a los demás, cuando fue contratada hace muchas décadas. La hija de Ana alberga las mismas ambiciones que los propietarios. Ana se divide entre los dos.

Uno de los temas de la película es la importancia del regreso a la naturaleza.…

reyes: Queremos que la gente sienta el tiempo, a través del ritmo de la película. Decidimos no mostrar ningún entorno urbano. El contacto con la naturaleza nos ayuda a sentir lo que es estar vivo. Ser parte de este planeta. Los niños de la ciudad a menudo no tienen contacto con esto.

Guerra: Hacia el final de la película, vemos cómo la muerte puede dar lugar a una nueva generación. Vemos los caballos salvajes corriendo libres en las colinas. La fiesta Transe a la que asiste la hija de Ana es también una especie de ritual de iniciación, un paso a la edad adulta. Sus visiones alucinógenas resaltan el vínculo con el mundo natural que la rodea.

¿El hecho de que gran parte de la película esté rodada en una sola casa facilitó el rodaje durante la pandemia?

reyes: Más o menos (risas). La actriz principal Carla Maciel se contagió de Covid tres semanas antes del rodaje. ¡Le di un fuerte abrazo para apoyarla y también lo conseguí! Pero en general las precauciones funcionaron muy bien.

¿Cuáles son tus próximos proyectos personales?

Guerra:Estoy terminando un documental que comencé a filmar antes de Légua sobre un rapero portugués, Ghoya, que canta en criollo.

reyes: Estoy escribiendo una película con una fuerte dimensión erótica, pero aún es muy embrionaria. Se trata de una mujer que se libera y comienza a explorar el placer sexual y su propio cuerpo, pero siempre desde la perspectiva del placer femenino. ¡Es difícil no caer en clichés!

¿Y cuáles son los próximos proyectos de su productora?

reyes: Estamos terminando tres largometrajes – de Leonor Teles, Margarida Cardoso y Paulo Abreu. También tenemos una película en post de Pedro Pinho, en coproducción con Terratreme, la ópera prima de José Felipe Costa y el próximo largometraje de Miguel Gomes, “Grand Tour”. ¡Así que tenemos casa llena!

En la prestigiosa sección de Nuevos Directores de San Sebastián, “Mujer en el mar” (“Grand Marin”), una adaptación bellamente filmada del libro más vendido del mismo nombre, marca el debut como directora de largometrajes de la actriz rusa Dinara Drukarova, quien también protagoniza la película.

Vendido por Loco Films, “Woman at Sea” es producido por Marianne Slot y Carine LeBlanc en Slot Machine (“Melancholia”), con sede en París. Filmada en Islandia, la película captura la lucha por la integración y la búsqueda de uno mismo, todo ambientado en los impresionantes pero fríos paisajes marinos de la película.

El personaje de Drukarova, Lili, sigue los pasos de la autora del libro, Catherine Poulain, quien pasó 10 años trabajando en barcos de pesca en Alaska, como se documenta en el libro.

“Woman at Sea” trata sobre una mujer que trabaja en un barco. Tengo entendido que vives en un barco. ¿Hay una conexión?

He vivido en un barco durante más de 20 años. Mis hijos nacieron en el barco. El hombre que amo ya vivía en el barco. Me gusta vivir en un barco porque se trata de la idea del nomadismo. Desechando. Es tan romántico. Vivir en un barco es como vivir en un pez muy grande que está vivo. El agua te da energía y te calma. Cuando estoy molesto, miro al río y digo: ‘Esto pasará como el río’. No tienes vecinos. Entonces puedo hacer fiestas hasta la mañana. Aún así, la película se inspiró en el libro «Mujer en el mar».

¿Cómo empezó el proyecto?

Todo comenzó a partir del libro “Mujer en el mar”. Cuando lo leí, me voló la cabeza. Fue algo crucial. Cambio mi vida. A veces, un libro o una pintura te da una respuesta a una pregunta que estás planteando. Lo leí y dije: ‘Quiero hacer la película’. Para mí fue una metáfora, y una historia universal de un ser humano que quiere abandonarlo todo e ir al fin del mundo para saber quién es. Encontré el número de la autora Catherine Poulain y la conocí. Fue vital para mí. Fue algo para mí como si no pudiera vivir si no lo hacía.

¿Qué te inspiró en esta historia real?

Catalina me inspiró. Ella es salvaje. La historia de su vida. Es una aventurera contemporánea. Pasó 10 años viviendo en Alaska. Luego, los servicios de inmigración la atraparon y la enviaron de regreso a Francia. Cuando fui a verla a Burdeos, pasé una tarde con ella y bebimos dos botellas de ron. Dije que pase lo que pase, solo quiero agradecerte por escribir esto porque me dio lo que necesitaba para continuar. Dos días después me dio los derechos.

¿Cómo fue la realización de la película, especialmente dada la pandemia?

Fue un largo camino. Fue muy complicado. Mi productor dijo que es tu primera película, y es una adaptación, y necesitas trabajar con alguien establecido. Pero estaba molesto por el guión resultante y dije que tenía que escribir mi propio guión. Luego fue encontrar la financiación. Presentación del proyecto a comisiones de cine. Es como si fueras un prisionero y tienes tu última palabra.

¿Por qué filmaste en Islandia cuando la historia está ambientada en Alaska?

En Francia la regla es que si lo financian, el 50% tiene que ser en francés. La historia original está ambientada en Alaska, pero pensé en Canadá por este motivo. Pero luego llegó el COVID-19 y el embalse indio al que queríamos disparar estaba bloqueado. Entonces mi productor cerró la tienda. Le propuse el proyecto a Slot Machine. Dijeron: «Vamos a ir a Islandia». Dije «¿Por qué no?» Es como el fin del mundo. Pasamos cinco meses en Islandia desde enero de 2021. Era tiempo de COVID. Todo estaba cerrado y era tan complicado.

¿Cómo desarrollaste el estilo de la película?

Quería poesía en las imágenes. La poesía es muy importante en el cine.

Escribí al DP Timo Salminen. El es finlandés. Realmente no habla. Él simplemente dice «sí» o «no». Pero lo consiguió. Cuando lo miré por primera vez, dije que este es mi hombre. Lo miré a los ojos. Este era mi alter ego. Primero hicimos un cortometraje y funcionó. Ahora estoy preparando un documental. Es un tríptico con “Mujer en el mar”. Ese será el final, y luego iré y haré otra cosa. Tal vez convertirse en un marinero. La vida es demasiado corta para hacer una sola cosa.

¿Cómo fue protagonizar la película y dirigir al mismo tiempo?

Fue algo que hice en un estado de ánimo muy especial porque era una concentración extrema para mí tocar y dirigir porque no quería perder nada.

¿Cómo te sientes con el resultado?

Quería defender la libertad de expresión en el cine. No seguir la tradición. No quiero tomar a la gente por estúpida. La poesía y la belleza del cine y las artes, y las preguntas que el cine puede plantearte, fue lo más importante a preservar y defender al hacer la película. Debe ser sincero. Tenía que ser honesto. Directo al grano. Y fue por todo mi amor al cine. Fue una locura vivir. Me quemé. Yo estaba en cenizas después. Como un Fénix pero me permitió renacer. Espero haber hecho algo que el público sienta conmigo. Que tendrá un eco en sus corazones, y que tal vez se hagan una pregunta y tengan algo muy personal en lo que pensar.

Con un encanto delicadamente taciturno, la actriz española convertida en directora Liz Lobato presenta su primer proyecto de largometraje, “Tierra de Nuestras Madres”, como parte de la 11ª edición Iberoamericana de Work In Progress de Sanfic Industria.

La farsa de la fábula que escudriña la globalización tiene lugar en el pueblo de La Mancha, donde los residentes se conocen a fondo y atienden sus rutinas como un reloj. Allí, la amada cascarrabias y protagonista central, Rosario, hace rondas vendiendo sal de higo mezclada con drogas a sus vecinos mientras, sin saberlo, un alcalde en bancarrota vende la ciudad debajo de ellos.

Rodada en blanco y negro, la película da mucho más de lo que se necesita y transmite de manera absurda la sombría historia de corrupción y una comunidad tan estrechamente unida a sus raíces que está dispuesta a sacrificar un alma o dos para quedarse, por inútil que sea el esfuerzo. ser.

El proyecto es una coproducción entre Nieves Moroto de Me Lo Creo Cine de España (“Valentina”), quien se desempeñó como productora ejecutiva en el título ganador del premio Málaga de Imanol Uribe “Miel De Naranjas”, junto con Miguelina, TFT y Madrid- basada en La Bestia Produce (“En Las Estrellas”).

“A pesar de las dificultades para conseguir financiación, Liz ha conseguido una obra cuya singularidad me asombra. La historia de la película es simple, pero muy profunda. Sorprende su capacidad para hablar de la importancia de las raíces, la gente y sus costumbres ya la vez huye de toda solemnidad y nos hace reír y llorar”, afirma Maroto. “La película es una mezcla casi imposible de cine italiano de los años 50 y la mejor tradición española de Luis Berlanga, con algunos ecos del cine manchego de Pedro Almodóvar.”

Previo a la proyección de la película, Lobato conversó con Variedad sobre su narrativa, cómo la vida la preparó para la silla del director y hacia dónde la llevará su creatividad a continuación.

La elección de la narración realmente eleva la narrativa. ¿Cómo surge esta idea de la cabra como narradora?

La cabra es un animal que vive en la austeridad, que sobrevive en la naturaleza y tiene esos ojos medio humanos que te miran desde otro lugar. La narración del chivo surgió una vez terminado el primer corte: antes, el chivo hablaba con Rosario y miraba de lejos. Después de ver el primer corte, pensamos que queríamos escuchar más desde su punto de vista.

La película trata en parte sobre la globalización. Un tema importante que manejas con precisión, casi una sátira. ¿Puedes hablar sobre esa parte de la narrativa?

Es claro que vivimos en un mundo en el que se acepta cada vez más la explotación de los pobres y sus recursos, un mundo sumiso en el que las decisiones de las grandes corporaciones son vistas como agricultores acostumbrados a mirar al cielo, sujetos al futuro que Tráelos. “Luchar” es una palabra que no se maneja, y menos entre los jóvenes. ¿Podrían los antiguos salvar el mundo? En “Tierra de nuestras madres” los campesinos que miran al cielo son manchegos, se enfrentan a las tormentas que vienen con la ironía de una tierra seca y hostil en la que hemos aprendido a reírnos de nuestra sombra, para poder sobrevivir . Allí, en La Mancha, hay un Don Quijote y un Sancho Panza dispuestos a enmendar entuertos. A su manera.

El elenco interpreta a cada personaje sin esfuerzo. Te traen a la ciudad y te hacen sentir como en casa mientras miras cada escena. Aparte de la narración, ¿cómo lograste esa sensación de autenticidad?

En un principio todos los actores iban a ser gente de Villacañas. Entonces el protagonista de 80 años se enfermó, y se sumó al elenco Saturnino García, un gran actor que viene de un pueblo pequeño y se integró perfectamente con la gente del pueblo. Antes de rodar tuvimos varias sesiones de discusión sobre el tema que estábamos tratando, se revelaron verdades ocultas en el pasado y presente. En general los actores se identificaron con el tema, entonces cuando empezamos a ensayar las circunstancias estaban ahí.

¿Cómo te han preparado tus estudios y tu carrera actoral para escribir, producir y dirigir?

La filosofía me preparó para el pensamiento crítico y para un (a veces lamentablemente) eterno cuestionamiento de lo que aparece como realidad. Los estudios de guión me prepararon para juzgar lo que escribo. Pero lo que más me preparó para la dirección y la producción fue la actuación, tanto los estudios como la experiencia. Poner el foco en el relato y buscar, como me enseñó mi maestro Juan Carlos Corazza, lo expresivo, dejando de lado lo ilustrativo para trabajar lo invisible.