WWDC 2024 trae algunas funciones nuevas e interesantes a Home y tvOS con una actualización avanzada a Apple TV Plus llamada InSight. ¿Alguna vez te has sentido frustrado por no recordar el nombre o los detalles del actor principal? Apple lo tiene cubierto con su capacidad de brindarle información sobre las películas y series que mira. Con esta nueva función, puedes usar tu control remoto y desplazarte hacia abajo para ver detalles de los actores en tiempo real.

Con la función InSight, los subtítulos se activan automáticamente cada vez que regresas a una escena.

Esta capacidad de InSight es similar a Amazon X-Ray, pero esta vez se aplica al contenido de Apple TV. Mejora la experiencia de audio agregando la música que desea mantener en la lista de reproducción de Apple Music. Los subtítulos también están convenientemente ubicados y aparecen automáticamente cada vez que silencias o retrocedes en el tiempo para comprender mejor una escena.

Lo que es aún más interesante es el avance de Apple en la claridad de la voz y una mejor comprensión de los diálogos. La empresa ahora utiliza la mejora del diálogo con la ayuda del aprendizaje automático y ofrece tres niveles de mejora profunda. Las imágenes también se han mejorado para brindar una experiencia similar a la de un cine con el soporte del proyector 21:9, y puedes ver los programas de la forma prevista. La actualización de Snoopy también llega a tvOS, donde Snoopy aparece en vivo cada vez que tu Apple TV permanece inactivo.

Al llegar a los AirPods, Apple está haciendo que la experiencia sea más fluida al incorporar una experiencia de manos libres al interactuar con Siri e introducir gestos en el accesorio. Simplemente puede asentir durante su comunicación con Siri, lo que hace que esta función sea muy conveniente para los usuarios.

El aislamiento de voz es otra adición atractiva a los Airpods Pro, que le ayudaría a comprender la voz con total claridad al reducir el ruido de fondo. El gigante tecnológico está ampliando el audio espacial mediante el uso de una nueva API para hacer que la escucha sea más inmersiva. La API de audio espacial personalizada mejorará la experiencia de juego y Need For Speed ​​Mobile será el primero en incorporar esta capacidad.

La animación ha sido parte del cine desde el principio; se cree que la película de Emile Cohl Fantasmagoría, realizada en 1908, es la primera película de animación. Era, como todas las películas entonces, muda. Contar historias sin palabras se convirtió en un elemento básico de la animación, con los primeros cortometrajes como el de Max Fleischer. Fuera del tintero series y Walt Disney Sinfonías tontas deleitarse contando historias sin ningún diálogo.

Si bien los cortos animados mudos siguen siendo comunes, la animación cinematográfica ha dejado atrás en gran medida sus raíces mudas. Pero, afortunadamente, existe un canon sorprendentemente impresionante de largometrajes animados modernos que son efectivamente mudos. Si bien tienen sonido sincronizado, exploran sus mundos sin una palabra de diálogo. El último en hacerlo es Sueños de robots, un inesperado pero muy merecido nominado al Oscar 2024. A medida que la película se estrena este fin de semana, hemos compilado una lista de la mejor animación muda, que abarca múltiples continentes y regiones, desde grandes estudios de animación hasta independientes (incluido uno con un equipo creativo de una sola persona).

Para mayor claridad, estos son los largometrajes de animación sin diálogos imprescindibles, por lo que clásicos como el de Lotte Reiniger Las aventuras del príncipe Achmed, aunque técnicamente son silenciosos, no están incluidos. Estas películas tienen bandas sonoras sincronizadas, pero tienen como máximo unas pocas palabras habladas y se basan casi exclusivamente en imágenes, música y efectos de sonido para contar sus encantadoras historias.

La animación y la música tienen una relación larga y gloriosa, y Walt Disney la llevó a nuevas alturas al fusionar los mundos de los dibujos animados y la música clásica en la década de 1940. Fantasía. Una serie de viñetas animadas, Fantasía Técnicamente tiene diálogo, ya que los segmentos de acción en vivo explican las secuencias animadas, pero no se habla ningún diálogo cuando la animación toma el control. Visual y auditivamente, es un espectáculo de principio a fin: “El aprendiz de brujo” es Mickey en su mejor y más encantador momento, mientras que “Noche en la montaña calva” teje una historia de horror inolvidable. La película es una prueba duradera de que la taquilla no refleja la calidad de una película: Fantasía tuvo un desempeño tan pobre y fue tan costoso que casi hundió a Disney para siempre. Pero no fue así y la película sobrevive como un clásico animado de todos los tiempos.

Casi 60 años después del primero Fantasía, Fantasía 2000 revivió la fusión de música clásica y animación en Imax en toda regla. De manera bastante inexplicable, reutiliza un segmento completo del original, “El aprendiz de brujo”, aunque es tan bueno que es difícil molestarse por él. Casi una hora más corta que su predecesor, todavía presenta algunas de las mejores animaciones que Disney haya creado jamás, y si bien la música es innegablemente excelente, las historias siguen siendo primordiales. “Rhapsody in Blue” de George Gershwin cobra vida con notable ingenio y vitalidad gracias al talento del animador Eric Goldberg, y “The Firebird Suite”, dirigida por los hermanos Paul y Gaëtan Brizzi, es nada menos que asombrosa.

Una colaboración inesperada pero encantadora entre los músicos franceses Daft Punk y el legendario artista japonés Leiji Matsumoto (Acorazado espacial Yamamoto, Galaxy Express 999) llevaba el ridículo título Interstella 5555: La 5historia del 5sistema 5ecret 5tar. La película es técnicamente un complemento visual del álbum de Daft Punk. Descubrimiento, pero aquí hay una historia convincente: una banda de rock alienígena es capturada por un malvado productor discográfico que los disfraza de humanos y se beneficia de su sonido. Las imágenes distintas y vibrantes de Matsumoto le dan vida a todo, y esta es probablemente la animación silenciosa más ruidosa que existe. No hay diálogo y efectos de sonido mínimos, pero apenas hay un segundo que Descubrimiento no está explotando en todo su esplendor.

Un juego hilarante y alocado que abarca un collage de diferentes estilos de animación, de Sylvain Chomet. El Las trillizas de Belleville es tan inventivo como observable. El éxito de culto tiene una trama adictiva y ridícula: la abuela francesa Madame Souza se ve envuelta en una conspiración internacional cuando su nieto ciclista es secuestrado. Su perro y sus hermanas trillizas, con una vida en el escenario de vodevil, son sus mejores esperanzas para traerlo a casa. El diálogo es casi inexistente, pero la película vibra con un ritmo musical cinético. La animación, llena de apéndices exagerados y un diseño de personajes que roza lo grotesco, es hipnotizante y la historia avanza con el ritmo furioso de un ciclista poderoso. La película obtuvo dos nominaciones al Oscar: Mejor Película Animada y Mejor Canción por la estupenda “Belleville Rendez-Vous”.

Ángel es un hombre detestable cuyo único pasatiempo real es andar por el bar de su barrio y acosar a la clientela. Pero un día se despierta y descubre que le han empezado a crecer alas en la espalda. Peor aún, las alas tienen mente propia, ya que obligan a Angel a hacer buenas obras que de otro modo no habría soñado. lo escandaloso Idiotas y ángeles está dirigido por el infinitamente creativo Bill Plympton, cuyo estilo visual se siente como un viaje ácido que salió terriblemente mal y totalmente bien. Esta es una animación que emplea marcas de lápiz ásperas que llaman deliciosamente la atención sobre sí mismas como si estuvieran dibujadas a mano. El trabajo de Plympton y su equipo es tan fascinante, equilibrando lo grotesco y lo bello, lo caótico y lo sereno, que la historia inevitablemente pasa a un segundo plano frente al arte. Pero cuando es tan fascinante de ver, no te importará.

Sylvain Chomet tomó una dirección diferente, tanto en estilo como en contenido, de Las trillizas de Belleville en la década de 2010 El ilusionista. La película, una carta de amor al cineasta francés Jacques Tati, está adaptada de un guión no producido por el propio Tati. Sigue a un mago anciano que lucha por encontrar trabajo en el París de 1959. Mientras viaja por Escocia, conoce a una joven, Alice, que está enamorada de su acto, y los dos se hacen amigos cercanos. Este asunto tierno, en ocasiones sombrío, está lleno de detalles hermosos y precisos. Visualmente, es exquisito, con una paleta de colores cálidos y ricos diseños de personajes. Su partitura, también de Chomet, es emotiva pero nunca abrumadora, y su falta de diálogo crea una sensación de anhelo bastante hermosa.

Un espíritu lúdico y aventurero encanta a Alê Abreu niño y el mundo. Esta sorpresa, nominada al Oscar 2013, explora el mundo de un niño, que se pone patas arriba cuando su padre deja su pueblo para ir a la ciudad. Con la esperanza de reunir a su familia, deja atrás su casa para intentar encontrar a su padre. La película de Abreu está repleta de esplendor visual, con un estilo aparentemente simple que se fusiona en una explosión caleidoscópica de color. Debajo del brillo hay una intensa historia sobre la mayoría de edad en la que el niño descubre un mundo mucho más allá de su humilde educación. La película es una metáfora nada sutil de la forma en que el capitalismo ha empeorado a Brasil, pero es un mensaje que parece serio y nunca sermoneador. Técnicamente hay diálogo en niño y el mundopero es portugués hablado al revés, lo que lo convierte en Miseria-Esco galimatías.

Los estudios Aardan de Inglaterra han ofrecido bondades del stop-motion durante décadas, y su larga trayectoria La oveja Shaun La serie recibió el tratamiento cinematográfico con la de 2015. Película la oveja Shaun. La historia, que involucra a un grupo de ovejas que se dirigen a la ciudad para traer de regreso a su granjero, pasa a un segundo plano frente a un aluvión interminable de bromas. Es una decisión acertada, ya que La oveja Shaun es un entretenimiento familiar perfecto, una película extraordinariamente divertida que recorre sus 85 minutos de duración con una risa tras otra. Los diseños de personajes son memorables con un encanto claramente británico. Ver a las ovejas disfrazarse de humanos es un chiste con un enorme kilometraje, y momentos como la escena del restaurante y la secuencia del doctor-perro son pura alegría.

Dirigida por el animador holandés Michaël Dudok de Wit y coproducida por Studio Ghibli, La tortuga roja es una fábula medioambiental fantástica. Un hombre naufraga después de una tormenta desastrosa y debe valerse por sí mismo en una isla remota. Las aguas están llenas de cangrejos y peces, pero cuando descubre una tortuga roja gigante, alterará el curso de su vida por completo. La película celebra el silencio, operando con una partitura escasa pero efectiva, permitiendo que los exuberantes sonidos de la naturaleza tomen el control. Esta es una película magnífica y sorprendente con una animación impresionante que combina a la perfección la animación tradicional con la CG. Los fondos, dibujados de forma única con carboncillo sobre papel, añaden una dimensión notable a las imágenes. A pesar de su crédito de Ghibli, La tortuga roja tiene un aire claramente europeo, pero su historia de amor, familia y naturaleza es universal.

Un niño se despierta en medio de la nada sin nadie a la vista. Lo único que lleva consigo es una motocicleta y un simpático pájaro herido. Se embarca en una aventura para volver con su familia, lo cual no es poca cosa, especialmente porque un espíritu gigante amenazador lo persigue. El artista letón Gints Zilbalodis Lejos es una tentadora odisea visual con un estilo único, que recuerda a videojuegos como Viaje y Hermanos: Un cuento de dos hijos. Tiene un buen ritmo y secuencias destacadas, como el lago reflectante, te sumergen en esta historia sin diálogos. También tiene posiblemente la secuencia de créditos más corta de la animación, ya que la película fue realizada íntegramente por Zilbalodis.

El pionero del stop-motion y los efectos visuales Phil Tippett está detrás de algunas de tus películas favoritas, entre ellas Guerra de las Galaxias, Robocop, Parque jurásicoy Starship Troopers. Después de décadas en la industria y algunos cortometrajes en su haber, Tippett dirigió su primer largometraje, Dios loco, en 2021, que estuvo en producción durante la asombrosa cifra de 30 años. Una figura enmascarada, conocida como el Asesino, se sumerge cada vez más en un paisaje infernal de una criatura insidiosa tras otra. Sin embargo, detrás de todo el horror, hay un notable sentido de humanidad en cada creación. Como espectáculo, a menudo es abrumador, ya que Tippett te sumerge en un mundo horriblemente espantoso repleto de miedo. No hay nada parecido; si te gusta el combustible de pesadilla, Dios loco ofrece 83 fascinantes minutos.

Aunque Sueños de robots es el primer largometraje animado del director Pablo Berger, no es su primera película muda; eso sería fantástico. blancanievesuna nueva versión de Blancanieves que hizo en 2012. Berger tiene una verdadera habilidad para la narración visual y Sueños de robots, una adaptación de la novela gráfica de Sarah Varon del mismo nombre, es una de las mejores películas animadas de este año (o de cualquier otro). Ambientada en la ciudad de Nueva York de los años 80, la historia de un perro que se convierte en el mejor amigo de su compañero robot es una exploración tierna y edificante de la amistad. También es un examen un tanto desgarrador de cómo, a veces, a pesar de nuestras mejores intenciones, dejamos atrás las amistades que anhelamos mantener. Sueños de robots Es hermoso tanto visualmente como en la trama, con personajes que se graban en tu memoria a pesar de no decir nunca una sola palabra. Nunca podrás volver a escuchar “September” de Earth, Wind & Fire de la misma manera, pero vale la pena.

ENTRETENIMIENTO

29 de marzo de 2024 a las 7:30 am

El Viernes Santo, Kabel eins ofrece una buena dosis de entretenimiento. Este clásico impredecible todavía hace reír a la gente hoy en día y es algo para toda la familia.

Cuando piensas en peleas divertidas y conversaciones divertidas, no puedes ignorar a este dúo imbatible. Las dos estrellas del western y la comedia dejan volar los puños, se llenan el estómago y todo con un dicho casual en los labios. Protagonizado por Bud Spencer y Terance Hill, este clásico es algo que toda la familia puede disfrutar.

Hoy se transmite en abierto por Kabel Eins la comedia “El cocodrilo y su hipopótamo”. Justo a tiempo para el horario estelar de las 8:15 p. m., puedes ver a Bud Spencer y Terance Hill luchar contra los villanos con los puños y tener un dicho informal listo. Si desea volver a ver la película después de hoy, puede transmitir la comedia en Amazon Prime Video y Apple TV+ por una tarifa. La película está incluida en la suscripción de MagentaTV y del canal Prime Video “Filmlegenden”.

Spencer y Hill luchan contra brutales cazadores de caza mayor en África

Los primos Tom (Bud Spencer), llamado hipopótamo, y Slim (Terance Hill), llamado cocodrilo, ambos tienen corazón por los animales. Tom lleva en su autobús a turistas y cazadores de caza mayor por la sabana africana y sustituye las balas de sus rifles por cartuchos de fogueo. Slim dispara a sus neumáticos de vez en cuando, pero también quiere salvar a los animales. Juntos, los dos persiguen al especulador sin escrúpulos Ormond, que quiere convertir el parque natural en un centro turístico con galerías de tiro. Se enfrentan a su banda de matones e intentan impedir el proyecto.

Golpéalo número 13

Bud Spencer y Terence Hill fueron la pareja de actor y cine más popular en lo que respecta a comedias occidentales con 17 películas entre 1967 y 1994. Las películas de amigos con el famoso silbato a dos manos son clásicos absolutos y «El cocodrilo y su hipopótamo» (1979) es la decimotercera película de Spencer y Hill.

El gran avance de ambos se produjo con «La mano derecha y la mano izquierda del diablo» (título original: «Lo chiamavano Trinità», 1970) y la secuela «Cuatro puños para un aleluya» («Continuavano a chiamarlo Trinità», 1971). . Con alrededor de doce millones de espectadores, este apasionante western es una de las películas de mayor éxito jamás proyectadas en los cines alemanes.

“El cocodrilo y su hipopótamo” es una de las películas más populares de Spencer/Hill y ganó la “Pantalla Dorada” en 1980. La película es también la única rodada íntegramente en África. Se rodó cerca de Johannesburgo y las escenas de animales se rodaron en un parque cerca de Pretoria.

Bud Spencer y Terance Hill como figuras de culto

El verdadero nombre de Bud Spencer era Carlo Pedersoli. Terence Hill (nombre real Mario Girotti) también eligió su nombre actoral de una lista de nombres inventados que se dice que le dio el director Giuseppe Colizzi. El seudónimo de Carlo Pedersoli se basa en dos cosas que le gustaban especialmente: la cerveza Budweiser y el actor Spencer Tracy.

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Drake Bell se sincera sobre una canción que escribió para su álbum debut, donde aludió al abuso sexual que sufrió cuando era adolescente.

Bell revelado en la serie documental ID Silencio en el set: El lado oscuro de la televisión infantil que fue abusado sexualmente por el ex entrenador de diálogo de Nickelodeon, Brian Peck.

En un nuevo vídeo de TikTok, el drake y josh El alumno compartió que la canción «In the End», que fue parte del álbum de 2005 Telégrafose trató de la traumática experiencia que vivió.

Bell compartió: “Escribí esta canción cuando tenía 15 años sobre lo que pasó antes de decirle algo a nadie”.

RELACIONADO: ‘Silencio en el set’: Drake Bell dice que no ha recibido disculpas de las personas que escribieron cartas de apoyo al abusador Brian Peck

La letra de “In the End” dice: “¿Y al final, eres más fuerte? / ¿Ya no necesitas recuperarte? / ¿Y dónde has estado desde que terminó? / Sobre mi hombro, debajo de mi piel, ¿volverás alguna vez?”

Peck fue arrestado en 2003 por 11 cargos, entre ellos sodomía, acto lascivo contra un niño de 14 o 15 años por una persona 10 años mayor y cópula oral mediante anestesia o sustancias controladas, pero el menor nunca fue nombrado.

Debido a que Bell era menor de edad en ese momento, el nombre de la víctima de Peck no se hizo público hasta que el cantante y actor lo reveló en el Silencio en el set: El lado oscuro de la televisión infantil docuserie.

Nickelodeon dijo en un comunicado después de la serie documental: «Ahora que Drake Bell ha revelado su identidad como demandante en el caso de 2004, estamos consternados y entristecidos al enterarnos del trauma que ha soportado, y elogiamos y apoyamos la fuerza necesaria para venir». adelante.»

Se lanzó una actualización de contenido gratuita bastante masiva para Stardew Valley para PC: la actualización 1.6 de Stardew Valley.

La fecha de lanzamiento de la gran actualización de contenido se reveló el mes pasado junto con el hito de 30 millones de ventas del juego. Como se mencionó anteriormente, esta actualización gratuita del creador Eric ‘ConcernedApe’ Barone resultó tener «un alcance mayor» de lo previsto inicialmente. Ya sabíamos que esta actualización traería nuevos elementos y un nuevo festival junto con correcciones, y ahora tenemos las notas de la versión oficial de este parche gratuito. Además de mejoras visuales, cambios en el modo multijugador, cambios de equilibrio, cambios en la calidad de vida y toneladas de correcciones, la actualización 1.6 también agrega un nuevo sistema de dominio que permite a los jugadores usar ventajas y elementos poderosos. Además, este parche agrega nuevos diálogos de NPC, cajas misteriosas, nuevos cultivos, una librería y mucho más. Le recomendamos encarecidamente que consulte las notas completas del parche para esta nueva actualización aquí. Hemos incluido algunas características nuevas principales de la actualización a continuación:

Nuevo contenido y funciones de la actualización 1.6 de Stardew Valley

• Se agregaron nuevos festivales y eventos:
  • El Festival del Desierto es un evento de tres días en primavera al que se puede acceder después de que se repare el autobús.
  • Dos mini festivales de pesca: Trout Derby y SquidFest.
  • Un nuevo “evento” medioambiental en verano.
• Se agregó un sistema de «maestría», al que se accede a través de una nueva área, que otorga poderosas ventajas y elementos…
• Se agregó un nuevo tipo de granja: Meadowlands Farm. Tiene una hierba azul masticable que les encanta a los animales. También empiezas con un gallinero y 2 gallinas.
• Se agregaron muchos diálogos nuevos de NPC. Eso incluye…
  • reacciones de regalo personalizadas;
  • diálogos dinámicos que reaccionan a cosas que sucedieron;
  • diálogo de aceptación de baile de flores personalizado;
  • diálogos faltantes restaurados (como los diálogos de baile de aceptación personalizados de Emily y Shane cuando están casados ​​con el jugador, el diálogo de Shane cuando navega por la máquina expendedora del Saloon, Lewis felicitando a las granjeras después de su boda, una línea en el evento de 14 corazones de Maru, tres diálogos de Sam se relaciona con Kent, dos diálogos aleatorios cuando un NPC compra un artículo que vendiste en una tienda, dos bocadillos de Marnie y Robin cuando ingresas a la tienda y un diálogo de adivino para tu posible cónyuge);
  • y más.

Como se dijo, la actualización 1.6 de Stardew Valley ya está disponible para PC a través de Steam y GoG. Según lo compartido por Barone, la actualización también estará disponible pronto a través de Game Pass. «Gamepass llegará pronto, lo siento», Barone compartido en X. «Esperando que se realice una nueva compilación».

Stardew Valley ya está disponible en todo el mundo para PC, consolas y dispositivos inteligentes. La actualización pronto estará disponible también en otras plataformas.

En realidad, no es una película de terror, a pesar de haber sido producida por Ari Aster, el hombre detrás de «Midsommar» y «Hereditary». Ciertamente, a veces se adentra en un territorio horrible, pero es más una película de la vida que contiene mucho temor existencial. Dicho esto, la naturaleza mundana de la película hace que los momentos de terror destaquen aún más y solo sirve para aumentar lo extravagante de todo. Y sí, todo está filtrado a través de una familia de Sasquatch. Ese filtro hace que la experiencia sea excepcionalmente extraña. Es algo así como un documental de Disney Nature que salió terriblemente mal.

Sólo puedo hablar de experiencias personales, pero «Sasquatch Sunset» es tan extraño como lo puede ser incluso el cine remotamente convencional. Esta película proviene de Bleecker Street, un distribuidor legítimo pero relativamente pequeño, con actores de los que la gente ha oído hablar. Claro, todo el tiempo se hacen películas más raras. ¿Pero aquellos que aseguren la distribución y un amplio estreno en cines? Búscame una película más extraña que entre en esa categoría y encontrarás a un hombre muy sorprendido.

Esto no debe tomarse como un desafío o como un medio para alejar a los espectadores potenciales. Mi instinto me dice que la audiencia de esta película es relativamente pequeña. Dicho esto, mi instinto también me dice que a las personas que les gusta esto realmente les va a gustar. Bill Bria, de /Film, le dio a la película un 7 sobre 10 en su reseña oficial en Sundance. Simplemente vale la pena entender en qué nos estamos metiendo y, francamente, en un paisaje que a menudo parece desprovisto de cine original, es admirable que estemos obteniendo algo tan tremendamente original, por peculiar que sea.

“Sasquatch Sunset” llega a cines selectos el 12 de abril de 2024, antes de estrenarse en todo el país el 19 de abril.

Drake Bell se sincera sobre el abuso sexual que sufrió cuando era niño por parte del entrenador de actuación de Nickelodeon, Brian Peck. La ex estrella infantil detalló su experiencia en Silencio en el set – una nueva serie documental de Investigation Discovery sobre el supuesto ambiente tóxico en algunos programas de Nickelodeon y que presenta entrevistas con Bell y Zoey 101 estrella Alexa Nikolas, que se estrena el domingo 17 de marzo. Además de las afirmaciones hechas sobre Peck, el documental profundiza en las acusaciones de un entorno de trabajo inseguro creado por el productor Dan Schneider.

Peck fue arrestado en 2003 por 11 cargos que incluían sodomía, realizar un acto lascivo sobre un niño de 14 o 15 años por una persona diez años mayor y cópula oral mediante anestesia o sustancias controladas. En ese momento, el niño al que agredió no fue nombrado, pero ahora sabemos que es Bell.

«Brian y yo nos hicimos muy cercanos porque teníamos muchos de los mismos intereses, lo cual, mirando hacia atrás, creo que probablemente fue un poco calculado», relató Bell en la serie documental. Según el documento, el padre de Bell, Joe, fue despedido cuando intentó contarle al equipo de producción El Amanda Mostrar sobre sus preocupaciones con respecto a Peck. A Joe le dijeron que Peck era gay y «Tal vez simplemente eres homofóbico y no entiendes que es un tipo sensiblero». Joe «retrocedió» después de sentirse «excluido» y finalmente ya no era parte de la vida de Bell.

Peck se convirtió en el manager de Bell, y el niño actor ocasionalmente pasaba la noche en su casa cuando tenía audiciones en Los Ángeles; Bell y su madre vivían a una hora de distancia, en el condado de Orange.

“Estaba durmiendo en el sofá, donde normalmente dormía. Me desperté con él, abrí los ojos; Me desperté y él me estaba agrediendo sexualmente. Me congelé y estaba en completo shock y no tenía idea de qué hacer o cómo reaccionar, y no tenía idea de cómo salir de esta situación”, dijo Bell. Tenía 15 años en el momento del asalto.

“Cada vez que necesitaba trabajar en el diálogo o algo así, de alguna manera terminaba de regreso en la casa de Brian, y las cosas empeoraban y empeoraban y empeoraban. Simplemente estaba atrapado. No tenía salida”, dijo Bell. «El abuso fue extenso y se volvió bastante brutal».

En 2004, Peck no refutó dos cargos de abuso sexual: cópula oral con un menor de 16 años y realización de un acto lascivo con un joven de 14 o 15 años. Fue sentenciado a 16 meses de prisión y se le ordenó registrarse como delincuente sexual.

En los últimos años, el propio Bell ha tenido sus propios problemas legales. En 2021, fue acusado de intento de poner en peligro a un niño y de difundir material perjudicial para los menores. Finalmente fue sentenciado a dos años de libertad condicional y 200 horas de servicio comunitario. Bell abordó el incidente en el documento. “Asumí la responsabilidad de eso. Hice lo que me pidieron”, dijo. “Los medios se apoderaron de tanta desinformación que me destruyó por completo y comencé a perder el control”.

En una declaración a VariedadNickelodeon dijo: “Ahora que Drake Bell ha revelado su identidad como demandante en el caso de 2004, estamos consternados y entristecidos al enterarnos del trauma que ha soportado, y elogiamos y apoyamos la fuerza necesaria para salir adelante”.

La ex estrella de Nickelodeon, Drake Bell, se presentará en la próxima serie de Investigation Discovery “Quiet on Set: The Dark Side of Kids TV” para alegar que fue víctima del abuso sexual de Brian Peck. Peck trabajó como entrenador de diálogo en «All That» y «The Amanda Show» de Nickelodeon, este último protagonizado por Bell de 1999 a 2002. Bell encabezaría su propia serie de Nickelodeon en 2004 con «Drake & Josh».

Peck fue arrestado en agosto de 2003 por más de una docena de cargos relacionados con acusaciones de abuso sexual que involucraban a un menor no identificado. En mayo de 2004, Peck no refutó los cargos de realizar un acto lascivo con un joven de 14 o 15 años y de copulación oral con un menor de 16 años. (Aún no está claro quiénes son estas víctimas y Bell aún no ha especificado la naturaleza del el abuso que experimentó, aunque es probable que lo haga cuando “Quiet on Set” se transmita a finales de este mes). Peck fue sentenciado a 16 meses de prisión y se le ordenó registrarse como delincuente sexual en octubre de 2004.

Un clip de “Quiet on Set” muestra que Bell se acerca para hablar sobre Peck. Un comunicado de prensa de Investigation Discovery dice: “El clip revela que la ex estrella de Nickelodeon, Drake Bell, compartirá públicamente, por primera vez, la historia del abuso que sufrió a manos de Brian Peck, su ex entrenador de diálogo que fue condenado en 2004 por sus crímenes contra Drake y se le ordenó registrarse como delincuente sexual”.

Variedad se ha puesto en contacto con representantes de Peck and Bell para obtener más comentarios.

Peck estuvo recientemente en las noticias debido a un episodio del podcast “Pod Meets World” en el que los miembros del elenco de “Boys Meets World”, Rider Strong y Will Friedle, recordaron haber trabajado con Peck en el programa. Les habían pedido declaraciones para la serie documental, pero querían hablar sobre su experiencia en su podcast.

Peck apareció como estrella invitada en dos episodios de “Boy Meets World” en la temporada 5 y rápidamente se hizo amigo de Strong y Friedle. Cuando Peck fue acusado de abuso sexual en 2003, supuestamente llamó a Friedle y estaba llorando mientras «instantáneamente le decía que no era su culpa, era claramente culpa de su víctima».

Friedle admitió en el podcast que al principio le creyó a Peck y agregó: “Mi instinto inicialmente fue: ‘Amigo mío, esto no puede ser’. Tiene que ser culpa de la otra persona. La historia tiene mucho sentido por la forma en que la cuenta”.

Más tarde, Peck pidió a Strong y Friedle que lo apoyaran en el tribunal, lo cual hicieron. Friedle recordó: “Estamos sentados en esa sala del tribunal en el lado equivocado de todo… La madre de la víctima se volvió y dijo: ‘Mira a todas las personas famosas que trajiste contigo. Y eso no cambia lo que le hiciste a mi hijo’”, explicó Friedle. “Me quedé allí sentado con ganas de morir. Era como, ‘¿Qué diablos estoy haciendo aquí?’ Fue horrible en todos los sentidos”.

“Quiet on Set: The Dark Side of Kids TV” es una serie documental de cuatro partes que revela las condiciones laborales tóxicas detrás de los programas infantiles en los años 1990 y principios de los 2000, específicamente aquellas de Dan Schneider, el creador de los queridos programas de Nickelodeon como “iCarly”. y “Zoey 101”. La serie se transmite el 17 y 18 de marzo en Investigation Discovery.

Con el sombrío éxito de taquilla «Dune: Part Two» que llegará a los cines el 1 de marzo de 2024, Denis Villeneuve concluirá su recuento épico de la novela «Dune» de Frank Herbert. Sin embargo, en lugar de tomar la ruta de David Lynch y agrupar la famosa y densa historia de Herbert en una sola película, Villeneuve distribuyó su adaptación en dos películas que juntas duran unos impresionantes 322 minutos. Incluso después de dividir la narrativa de esta manera, cuando llegó la primera película, “Dune”, en 2021, estaba repleta de escenas llenas de diálogos densos, en los que varios personajes susurraban intensamente entre sí. Todo lo cual se podría pensar indicaría la afición de Villeneuve por la palabra hablada.

Pero como sabemos, al director no le gustan mucho los diálogos. Entonces, ¿qué pasa? Bueno, Villeneuve habló recientemente con The Times, donde una vez más reiteró su preferencia por la narración visual. Él dijo:

«Francamente, odio el diálogo. El diálogo es para el teatro y la televisión. No recuerdo las películas por una buena línea, recuerdo las películas por una imagen fuerte. No me interesan los diálogos en absoluto. Pura imagen y sonido. Ese es el poder del cine».

Es extraño que lo diga un buen amigo de Christopher Nolan, a quien Villeneuve considera un «maestro». A Nolan le encanta llenar sus películas con línea tras línea de diálogo complejo, aunque ha recibido quejas de sus compañeros cineastas acerca de que ese diálogo es inaudible. Villeneuve, mientras tanto, está mucho más interesado en lo que puede hacer sin depender de líneas habladas. De hecho, tiene planes ambiciosos en ese sentido.

El director Pablo Berger nunca pensó que obtendría su primera nominación al Oscar por una película animada, más que nada porque nunca pensó que dirigiría animación. Es decir, hasta que una mañana, mientras revisaba su vasta biblioteca de libros, decidió leer la novela gráfica de Sara Varón de 2007. Sueños de robots, la agridulce historia de la amistad entre un perro y un robot. Tan pronto como dejó el libro, el español ganador de múltiples premios Goya supo que había encontrado su próxima película. Esa lectura casual condujo a un estreno en Cannes, múltiples premios y una nominación al Oscar, todo para una película que ni siquiera ha visto su estreno principal en Estados Unidos todavía.

FECHA LÍMITE: ¿Cómo conociste por primera vez la novela gráfica de Sueños de robots?

PABLO BERGER: Colecciono libros sin palabras. Cuando mi hija tenía dos o tres años, quería compartir la experiencia de mi amor por los libros, para poder leer los libros sin palabras con ella y ella sola. Entonces, acabo de comenzar esta colección y se ha convertido en mi colección más querida de cientos de libros que no tienen palabras.

Obtuve Sueños de robots en 2010 y me encantó. Pensé que era fantástico y único y cuando llegué al final del libro, quedé profundamente conmovido. Y cuando hablo de una profunda conmoción, se me caían las lágrimas. Sé que esto puede sonar demasiado, pero estaba visualizando la película mientras la leía. Si este libro me ha conmovido tan profundamente, pensé que tal vez debería hacer esta película. Nunca en mi vida pensé en hacer una película animada. Vengo de la acción real. Esta es mi cuarta película. Me encanta la animación como público, como cinéfilo, pero nunca en mi vida, ni siquiera una vez, hasta que leí este libro y el final me conmovió profundamente.

FECHA LÍMITE: ¿Qué pasa con el libro que te resonó?

BERGER: El hecho de que no tiene palabras y que es una historia muy simple. Sabía que cuando estaba leyendo para hacer la película, pensaba en los amigos que había perdido. Ya sabes, cuando pierdes a un amigo, a veces es incluso más difícil que cuando te rompen el corazón por una historia de amor, porque es más difícil entender por qué esta amistad se desvaneció o se rompió. Y también pensé en personas que ya no están en mi vida. En cierto modo hice esta película como una carta de amor a todas las personas que han formado parte de mi vida y que ya no están conmigo.

FECHA LÍMITE: Cuénteme sobre su encuentro con Sara Varon, la creadora de la novela gráfica.

BERGER: Una vez que decidí que esta sería mi próxima película, fue como la providencia. Recibí un correo electrónico del Festival de Cine de Chicago invitándome a formar parte del jurado de la selección oficial, y de repente pensé, qué buen momento para hacer una escala en Nueva York, conocer a Sara y proponerle que quería hacer una película.

Nos conocimos en una cafetería del Lower East Side y le dije sin rodeos: “Me encanta tu libro. Quiero hacer una película en 2D de Sueños de robots.” Y ella dijo: «Dios mío». Ella me dijo que en 2008 un gran estudio de animación se acercó a ella para hacer una película en 3D, pero al final, esto no siguió adelante. Y ella estaba muy feliz de que yo viniera de Europa y le propusiera hacer una película en 2D de su libro, así que realmente sintió que la adaptación de su novela gráfica estaba en buenas manos. Entonces, dijo: «Hice la novela gráfica y te daré carta blanca para hacer la película».

FECHA LÍMITE: No puedo imaginar esta película en 3D en absoluto.

BERGER: Yo tampoco. Me encantan los cómics y quería que esta película, entre otras cosas, fuera una carta de amor a los cómics y a las novelas gráficas. Por eso quise respetar la tinta y la pintura del estilo, los colores planos, esto línea claire de cómics antiguos. Algo que para mí fue extremadamente importante fue tener todo enfocado. Cuando lees un cómic, todo está enfocado y en el cine definitivamente juegas con la profundidad de campo. Pero quería tener una película animada de enfoque profundo porque queríamos que cada composición fuera poderosa y que la cámara no tuviera que moverse demasiado a menos que fuera absolutamente necesario. Puse algún tipo de restricciones al director de animación y al equipo, y también cuando estaba haciendo los storyboards. Entonces, cuando los amantes del cómic vean esta película, quiero que imaginen que en realidad están leyendo un cómic, pero con imágenes en movimiento.

FECHA LÍMITE: ¿Por qué elegiste ambientar la película en la ciudad de Nueva York?

BERGER: En la novela gráfica, no es una ciudad definida porque no tienes puntos de referencia. Para mí, cuando comencé a adaptar el guión, le dije a Sara: “Soy neoyorquina de corazón. Viví 10 años en Nueva York y quiero que el protagonista de Sueños de robots ser un perro en la ciudad de Nueva York. Quiero que sea mi carta de amor a la Nueva York que experimenté”.

Definitivamente hay cierta nostalgia en esta película. Está en Nueva York antes de la globalización, antes de Internet, antes de los teléfonos móviles. La Nueva York en la que viví, cuando Nueva York era la capital cultural o económica del mundo, ¿sabes?

FECHA LÍMITE: Dado que no hay diálogo, la música y el sonido juegan un papel crucial aquí. ¿Cómo creaste los paisajes sonoros de la ciudad?

BERGER: El caso es que esta película no tiene diálogos. No es una película muda. Es muy importante, como dijiste, que no tenga diálogos, porque el diseño de sonido de esta película es el más complejo de todas mis películas. La diseñadora de sonido Fabiola Ordoyo y su equipo recrearon cómo sonaba Nueva York en los años 80, y ella realmente tuvo que indagar en antiguas bibliotecas de sonido.

Viví en Nueva York durante años y algo que puede identificar a Nueva York es que es extremadamente ruidosa y llena de todo tipo de alarmas, sirenas y también el sonido de los autos de la época. Era muy, muy importante que el público, cuando viniera a ver Sueños de robots En el cine, no sólo se tiene una experiencia visual, sino también sensorial.

Ese es el tipo de películas que quiero hacer. Quiero hacer experiencias sensoriales. Sueños de robots, incluso podemos decir que es un musical, o incluso podemos decir que el público vendrá al cine y viajará en el tiempo a la Nueva York de los años 80. Y ese era nuestro objetivo, que cuando el público viniera al cine, realmente pudieran olvidarse de todas sus preocupaciones y pudieran simplemente entrar en la pantalla y ser Robot y Perro.

FECHA LÍMITE: ¿De dónde surgió la idea de utilizar “Septiembre” de Earth, Wind & Fire?

BERGER: Fue muy temprano en el primer borrador del guión, cuando apenas estaba haciendo el bosquejo y la idea surgió de una manera muy sencilla. La película comienza en septiembre y es un año en la vida de Robot y Perro. También necesitaba una canción que se pudiera bailar en un baile sobre ruedas, porque era muy importante desde el principio que bailaran sobre ruedas en Central Park. Entonces necesitaba una canción que fuera funky y tuviera ritmo, y eran los años 80, así que tenía que ser como la era disco. Creo que a finales de los 70 y principios de los 80, e incluso ahora, 40 años después, “September” sigue siendo una de esas canciones que son contagiosas.

Creo que todas las relaciones tienen una canción o un tema musical. Y en el momento en que lo encontré, se convirtió en otro elemento clave de la historia, porque es un tema que aparece muchas veces en la película en muchas versiones diferentes. Mientras escuchen “Septiembre”, sabremos que están conectados.

Y lo sorprendente de esta canción de lo que no me di cuenta cuando comencé la producción, es que en las primeras tres palabras de la letra está el tema principal de la película. La canción comienza: «¿Te acuerdas?» Eso es algo de lo que realmente quiero hablar, cómo la memoria puede ayudarnos a superar el dolor de una ruptura o cuando te distancias de alguien que amas. Era muy importante que ese elemento en la letra apareciera muy claro.

FECHA LÍMITE: Cuando lo estaba viendo, me conecté con casi todos los personajes. Ves un poco de ti mismo en cada personaje y también sientes por ellos. Quiero decir, esa primera secuencia de sueños para Robot donde vienen los conejitos… Fue desgarrador.

BERGER: Como director de cine de acción real, quería llevar actuaciones increíbles a la animación. Quería hacer actuaciones sinceras y emocionales que fueran tridimensionales. Para mí menos es más en el cine.

Es muy común en la animación que los personajes animados sobreactúen en lugar de moverse un poco más lento o mover menos los ojos. En acción real, siempre estoy al lado de la cámara mirando a los ojos del actor. Entonces, cuando trabajé con los animadores durante dos años, mi obsesión era mirar los ojos de Robot y Perro y de cada personaje. Estaba mirando a sus alumnos y sentía que estaban comunicando emociones verdaderas.

La animación es tan poderosa para transmitir emociones como la acción real, pero hay muy pocas películas en las que haya verdadera emoción en la animación. Normalmente son comedia o acción. Hay grandes excepciones, por supuesto: Hayao Miyazaki, Isao Takahata, Mamoru Hosoda, Wes Anderson, pero en general podemos decir que son principalmente comedia y acción y para niños. Quería hacer una película para adultos que tuviera emoción, pero también humor. Para mí, mi mayor influencia y referente para esta película fue Charlie Chaplin y la película Luces de la ciudad, porque existe este dramatismo. Me encanta el drama. Creo que una risa y una lágrima se unen. Riendo y llorando, combinan a la perfección. Entonces ese es el tono que quiero que sea. Y para mí, mi género perfecto es la comedia trágica. Creo que es como la vida y refleja la vida. Entonces, quería crear una experiencia muy humana. Incluso si son antropomórficos, quería que la audiencia realmente conectara con ellos.

Como dijiste, conectaste con muchos de los personajes principales, y para mí son cuatro: Robot, Perro, Pato y Rascal. Esta película habla de relaciones, y en las relaciones a veces nos hemos comportado como Perro, o Robot, o a veces hemos sido Pato. El pato para mí es simplemente el ideal perfecto. Es divertido y encantador, pero al final simplemente desapareció de la vida de Dog. Rascal es solo un amor o una relación más madura. Queríamos tener algunos tipos diferentes para que pudieras identificarte con cualquiera de esos personajes.