EXCLUSIVO: Creativos detrás Alicia y Jack, protagonizada por Domhnall Gleeson y Andrea Riseborough en el primer papel de este último desde la a leslie controversia, han destacado cómo querían que la serie de televisión Channel 4/Masterpiece se sintiera como una película independiente.

hablando antes Alicia y JackEn el estreno TIFF, el director ganador del Gran Premio de Cannes, Juho Kuosmanen, y el EP Richard Yee explicaron que el equipo detrás del programa, escrito por hombres locos Victor Levin, prácticamente todos procedían del mundo del cine independiente.

La idea de una serie romántica sobre un vínculo inquebrantable entre dos personas surgió de largas conversaciones entre Levin, Riseborough y Gleeson durante la pandemia de Covid-19 y se había estado filtrando durante años, con Channel 4 y Masterpiece subiendo posteriormente. También protagonizada por Aisling Bea, Sunil Patel y Educación sexual Aimee Lou Madera, Alicia y Jack sigue a estas dos personas durante un largo período de tiempo que están unidas por una conexión «tan poderosa que nada puede romperla», pero «la vida y las complejidades emocionales se interponen en el camino», según el logline.

«Para nosotros fue clave abordar esto más como una película que como una serie de televisión», dijo Yee, productor ejecutivo y cofundador de yo soy rut Producciones independientes Me + You. «Queríamos desarrollarlo para que pareciera un autor y no queríamos tratarlo como un programa de televisión más».

Yee comparó el tono de la serie con el éxito de BBC/Hulu. Gente normal, que catapultó a Paul Mescal y Daisy Edgar-Jones al estrellato y también fue filmada durante un largo período de tiempo con sensibilidad de cine independiente.

“Alicia y Jack obviamente es algo propio, pero ese enfoque un poco más adulto de las relaciones es similar,» añadió. “Están motivados por la observación y muestran el desorden y las imperfecciones de la vida y el amor. Personas que han visto [Alice & Jack] Han dicho que desearían que hubiera más representaciones ‘adultas’ de relaciones como ésta, por lo que definitivamente ha conectado con mucha gente”.

Kuosmanen, añadió Yee, consideró que encajaba bien en el proyecto como director principal debido a su anterior dirección de “historias de amor poco convencionales”, como la ganadora de Cannes. Compartimento número 6, y le entregaron los primeros tres episodios, con Lilting Hong Khaou dirige el resto.

Encontrar al director

Encontrar a Kuosmanen resultó complicado. El equipo creativo quedó impresionado con su trabajo en Compartimento nº 6 pero apenas tuvo representación. Sólo un viaje casual a Finlandia para Riseborough, donde espontáneamente preguntó a un conductor si conocía a Kuosmanen, obtuvo sus frutos: el conductor resultó ser uno de los antiguos alumnos del director.

“Así funcionan las cosas en Finlandia: la gente dice: ‘No es un país, es un club’”, bromea Kuosmanen.

Dijo que estaba feliz de asumir el desafío de trasladar la sensibilidad del cine independiente a la televisión. «La principal diferencia entre el cine y la televisión es realmente cuántas páginas se filman por día, pero, por otro lado, la pasión y la ambición realmente se sienten como trabajar en una película».

Un desafío mayor fue ingresar al programa más adelante de lo que normalmente lo haría en un proyecto, explicó Kuosmanen, además de mantener el estilo y el tono iguales en todos los episodios, incluidos los dirigidos por Khaou.

«Me gusta mucho Hong como director, pero nuestro estilo es muy diferente», añadió. “Así que cuando estaba pensando en diseñar y bloquear escenas, quería algo que no fuera tanto mi estilo pero que no estuviera demasiado alejado del suyo. Teníamos el mismo director de fotografía y eso ayudó”.

Tanto Yee como Kuosmanen hablaron sobre la química de Gleeson y Riseborough dentro y fuera de la pantalla y la pareja ha trabajado en múltiples proyectos a lo largo de los años, incluido Nunca me dejes irdonde jugaron una pareja, y Bailarín de sombra, donde eran hermanos. Esto aportó «una historia compartida a los personajes», según Yee.

«Soy un director impulsado por los actores y sentí que la forma en que hablaban del programa significaba que realmente estaban involucrados y dispuestos a hacer un gran trabajo», agregó Kuosmanen. «Es más fácil inspirarse y entusiasmarse con los actores que con un guionista divertido o un gran productor».

Controversia ‘a Leslie’

Los meses anteriores Alicia y Jack El anuncio vio a Riseborough aparecer en los titulares debido a la a leslie controversia, película por la que fue nominada al Oscar tras el apoyo del público de grandes estrellas como Cate Blanchett, que generó reacciones adversas.

Yee, sin embargo, rechazó la idea de que esto actuara como una distracción para Alicia y Jack, y añade: “Andrea tiene muchos proyectos diferentes en marcha. Ella fue brillante en a leslie y cuanta más gente pueda verlo, mejor porque ella es una intérprete increíble”.

Ayer, Deadline reveló que Masterpiece había abordado Alicia y Jack en los EE.UU

Alicia y Jack está producida por Me+You junto con Groundswell Productions, nominada al Premio de la Academia, De Maio Entertainment y Fremantle. Fremantle se distribuye a nivel mundial. Levin es creador y EP. Otros EP son Riseborough, Gleeson, Kuosmanen, Yee, Krishnendu Majumdar, Michael London, Shannon Gaulding, Lorenzo De Maio, Rebecca Dundon y Hilary Martin.

Domhnall Gleeson se unirá al elenco de Apple Original Films Valle del eco, una película dramática y guión original de Brad Ingelsby que ya está protagonizada por Julianne Moore y Sydney Sweeney. Proveniente de Apple Studios y producida por Scott Free Films y The Walsh Company, la película será dirigida por el ganador del premio BAFTA Michael Pearce.

La foto estará protagonizada por Moore como Kate Garretson. Recuperándose de una tragedia personal, Kate pasa sus días alojando y entrenando caballos en Echo Valley Farm, 22 acres apartados y pintorescos en el sureste de Pensilvania. Una noche, su descarriada hija Claire (Sweeney) llega a su puerta, asustada, temblando y cubierta con la sangre de otra persona. A partir de esa sencilla premisa, Valle del eco se convierte en un emocionante thriller sobre hasta dónde llegará una madre para salvar a su hijo.

Gleeson se une al elenco en el papel de un criminal local que se mete en la vida de Kate, interrumpiendo su tranquila existencia con secretos sobre su familia.

La película será producida por Ridley Scott y Michael Pruss de Scott Free, Ingelsby y Kevin Walsh para The Walsh Company bajo su contrato de producción de varios años con Apple TV+. Pruss e Ingelsby desarrollaron el guión juntos. La película será producida por Scott Greenberg, Rebecca Feuer de Scott Free y Nicole Jordan-Webber. Erika Olde y Sam Roseme también serán productores ejecutivos a través de Black Bicycle Entertainment. Tanja Tawadjoh coproducirá.

La película marca la cuarta colaboración de Ingelsby con Scott Free después Fuera del horno, Mujer americana y más recientemente Nuestro amigo. También marca la tercera colaboración de Walsh e Ingelsby, quienes previamente colaboraron en Mujer americana y Nuestro amigo.

Gleeson está de nuevo en racha ya que recientemente recibió excelentes críticas por la serie limitada FX El paciente, donde protagonizó junto a Steve Carell. Se le verá próximamente en la serie de HBO. Plomeros de la Casa Blanca donde interpreta a John Dean. La serie se estrena el próximo mes.

Gleeson está representado por Paradigm y The Agency.

Moverse, tom crucero! La leyenda de «Top Gun: Maverick» no fue la única estrella que el último grupo de contendientes al Oscar de Hollywood estaba entusiasmado por ver en el almuerzo de nominados del lunes.

Protagonistas de “Las almas en pena de Inisherin” Colin Farrell y Brendan Gleeson entusiasmado con la reunión pablo mezcal («Despues del sol»). “Pasé mucho tiempo charlando con él”, me dijo Gleeson después del almuerzo anual en el Beverly Hilton.

De hecho, Gleeson le envió un mensaje de texto a Mescal después de que se anunciaran las nominaciones en enero. “Tuve que preguntarle a mi hijo Domhnall por su numero estaba muy orgulloso de [Mescal]”, dijo Gleeson.

Más temprano en el día, Mescal me contó cómo fue recibir el texto. “Es un ídolo mío”, dijo. “Fue increíblemente generoso y dijo: ‘Vamos a hacer de este un mes divertido’. Esa fue una de esas locuras”.

Farrell dijo que intentó sin éxito obtener una dirección de correo electrónico para Mescal durante las últimas semanas. “No había conocido a Paul antes”, dijo Farrell, y agregó: “Pude verlo hoy y darle un gran apretón”.

Aun así, ¡no pidió su correo electrónico! “Tomé sus hombros y lo rodeé con mis brazos”, dijo Farrell. «Eso fue aún mejor».

Mire el video a continuación para descubrir por qué estoy pensando en comprar camisetas de Farrell y Gleeson que digan «Country Lifter». Además, Gleeson se muestra muy tímido cuando se le pregunta sobre trabajar con Lady Gaga en “Joker: Folie à Deux”.

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Con “All Quiet on the Western Front” de Netflix obteniendo nueve nominaciones al Oscar, director y coguionista Eduardo Berger se está convirtiendo rápidamente en un cineasta en demanda. Teniendo en cuenta todos los elogios por las secuencias de batalla de «All Quiet», ¿podría ser una película de acción lo próximo para Berger?

“Soy un gran fanático de las películas de acción. Me encanta Jason Bourne. Me encanta James Bond”, me dice Berger. “Una de las razones por las que hice ‘All Quiet on the Western Front’ es que al final es silencioso. No hay música. Quería que te llevaras a casa esa presión sobre tus hombros y pensaras en ello durante días. La próxima película que quiero hacer, solo quiero encender las luces de la casa y la gente se pone de pie y pongo una canción pop y la gente dice: ‘Eso fue muy divertido. Vamos a casa.'»

¿Como una comedia romántica? «Tal vez no eso», dice Berger, riendo. “Simplemente una película entretenida. También quiero lavarlo. No quiero llevármelo a casa para siempre”.

En cuanto al lanzamiento de una película que muestra los horrores de la guerra hoy, cuando el mundo parece estar más patas arriba que nunca, Berger dice: «La psique alemana común tiene mucho que ver con el legado de las guerras, el terror que hemos comprado en el mundo». mundo en el siglo pasado. Crecí con eso y mis hijos crecen con eso y mis padres definitivamente crecieron con eso. Y entonces sentí que tenía esta necesidad real de hablar sobre el verdadero sentimiento de culpa, vergüenza y responsabilidad hacia la historia que tenemos”.

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Estrella de «miércoles» cazador doohan insiste en que no sabe lo que le espera a la segunda temporada de la exitosa serie de Netflix, pero tiene una idea para una estrella invitada. «Me encantaría joan cusack porque era una villana tan buena como Debbie Jellinsky en ‘Los valores de la familia Addams’”, me dice el actor. “Por favor, trae a Debbie de vuelta”.

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Como si BeyoncéLa sonrisa de no brilla lo suficiente. Grill-maker a las estrellas Cocodrilo Jesús me dice que recientemente hizo no una, sino dos parrillas para Queen B. «Esas aún no se han visto», bromea.

Si bien no puede compartir detalles sobre los dientes enjoyados del cantante de «Cuff It», Alligator Jesus revela que trabajó con Virgen en septiembre. “Ella me llamó y necesitaba bajarme de Burning Man, y me consiguió un jet privado fuera de la playa y directo a Nueva York para ajustar su parrilla para un video musical”, dice. ¿Madge sabía que estaba en Burning Man? “Ella era muy consciente de dónde estaba yo, pero cuando eres Madonna obtienes lo que quieres. … Llenar [her mouth] con diamantes, y la chica te amará por siempre.”

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Hablando de Madonna y Beyoncé, les pregunté a las celebridades durante el fin de semana de los Grammy a quién verían en concierto este año: Madonna, Beyoncé o Taylor Swift — si tuvieran que elegir solo uno. Esto es lo que Sharon Stone tuvo que decir: “Iría a Madonna porque es algo muy raro en estos días y porque Madonna es una leyenda. Y creo que Taylor Swift será una leyenda, y creo que Beyoncé se está convirtiendo en una leyenda porque constantemente hace un trabajo tan notable y extraordinario”.

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miranda lamberto dice que le encantaría trabajar con bruno marte. Ambos están en la corte en Las Vegas con residencias: la estrella del país en Planet Hollywood y Mars en Park MGM. “Él simplemente puede aparecer”, dice Lambert. “Bruno, ven a cantar conmigo”.

Mientras tanto, Lambert se prepara para el lanzamiento en abril de su libro “Y’all Eat Yet? ¡Bienvenidos a Pretty B*tchin’ Kitchen!”. El libro de cocina presenta recuerdos de cocinar con su madre, Bev, y sus mejores amigos. “Es algo así como ‘La hermandad de la cacerola ambulante’”, dice Lambert, riendo. Su receta favorita es el famoso pastel de carne de Bev: «Fue la elección del editor en Southern Living en 2009, y nunca dejará de hablar de eso».

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Llegar a saber Elías Antón! El actor australiano de 24 años protagoniza «Of an Age». Ambientada en 1999 y escrita y dirigida por Goran Stolevski, la película presenta a Anton como un bailarín de salón de 17 años que tiene su primera experiencia sexual con un hombre con el hermano mayor de su pareja de baile, Adam (Thom Green). Los dos pasan solo un día juntos antes de que Adam tenga que irse a la universidad. Si eres fanático de la película nominada al Oscar «Close», también te enamorarás de «Of an Age».

La primera escena de Anton lo muestra ensayando solo en un garaje, sin camisa y con pantalones cortos. Sin embargo, Anton no tiene experiencia en danza. “No me pidas que lo haga de nuevo”, bromeó conmigo recientemente por Zoom desde su casa en Australia. “No fue gran cosa. Hice un espectáculo en el pasado en el que estaba principalmente en un Speedo porque interpreté a un nadador. No me siento incómoda con mi cuerpo, lo cual es bueno, así que eso me ayudó. Pero fue un poco estresante tener todas las cámaras. Pedí que la escena del garaje fuera un escenario cerrado porque son solo los ojos y podía perder el control porque no soy un bailarín de salón”.

Anton no se identifica como queer, pero dice: «Solo quería hacerle justicia y que se sintiera lo más auténtico posible».

Cuando conversé con Anton, se estaba preparando para viajar a Los Ángeles para promocionar la película. También me dijo que esperaba encontrar representación estadounidense mientras estaba aquí. ¡Tu turno, Hollywood!

Atado al marco de una cama en un sótano aislado, Alan Strauss (Steve Carell) evalúa su situación. Con vistas a un patio trasero, sin medios de comunicación y un orinal de plástico, su futuro parece sombrío. asi comienza El pacienteun thriller psicológico que se estrena en Disney+ a partir del 30 de noviembre.

Esta serie limitada de Joel Fields y Joseph Weisberg (Los americanos), es esencialmente un juego de dos manos entre Steve Carell (el programa de la mañana) y Domhnall Gleeson (Star Wars: El Ascenso de Skywalker) en el que ambos exploran personajes únicos muy cerca uno del otro. Demuestra cuán subestimados están estos actores dentro de la industria, y les da a cada uno carta blanca dramática para profundizar en algunos rincones oscuros.

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Recientemente enviudado, obsesionado por la rutina y lidiando con el dolor a través del aislamiento, Alan Strauss es una interesante elección de papeles para Steve Carell, quien brilla cuando a menudo se aventura fuera de su zona de confort hacia el drama serio. Oculto debajo de un serio pelaje facial y anteojos, se siente como si hubiera tomado una hoja del libro de jugadas de Robin Williams al reducir esta caracterización e internalizar todo.

En un episodio de apertura que emplea flashbacks para establecer relaciones, se muestra que Alan es un miembro respetado de la comunidad judía local, que se define a través de su psiquiatría. Al alternar entre sesiones de terapia con numerosos pacientes, el público es bienvenido a este mundo a través de una serie de opciones narrativas concisas.

Un paciente en particular aparece más que la mayoría en este montaje de apertura sentado frente a Alan, envuelto detrás de lentes oscuros y siendo tímido. Usando un nombre falso desde el principio, Sam (Domhnall Gleeson) se muestra evasivo y retraído durante sus discusiones, eligiendo esquivar las preguntas abiertas en lugar de aceptar el proceso. Habiendo tomado la decisión de que la terapia en este ambiente tranquilo no es necesariamente la respuesta, Sam se propone cambiar su dinámica de forma permanente.

La historia continúa

Después de menos de quince minutos, se dibujan líneas de batalla entre estos actores, lo que les permite explorar el drama inherente de esta premisa profundamente personal. Aquí comienza a suceder la primera de muchas grandes cosas, ya que este programa explora temas narrativos más profundos, retiene el interés de la audiencia y genera un impulso dramático. En primer lugar, a través de la negociación de las comodidades básicas del hogar para cualquier persona retenida en contra de su voluntad, a través de una discusión sobre las razones del secuestro de Alan y el encarcelamiento deliberado por parte de Sam.

Durante los siguientes tres episodios, Alan se desarrolla cada vez más a través de flashbacks, que lo ven retraerse en viejos recuerdos relacionados con la familia. Del mismo modo, Domhnall Gleeson continúa agregando capas adicionales a su estereotipo de asesino en serie, imbuyendo a Sam de inseguridades psicológicas diseñadas para ilícita simpatía. Con vistazos ocasionales más allá de estas paredes del sótano, que ven a Sam como un célebre miembro de la autoridad de higiene local, El paciente aprovecha una serie de temas universales.

Lo que esta serie intenta hacer es explorar la idea de que algunas personas están predispuestas a cometer estos delitos. Ese desequilibrio químico, la experiencia formativa y los encuentros sociales pueden contribuir de alguna manera a esas elecciones, pero en su mayoría están impulsados ​​por compulsiones psicológicas que van más allá de lo que los medicamentos modernos pueden tratar.

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Ese es el debate que sustenta esta serie, ya que Sam se comporta de manera convencional en todos los demás aspectos de su vida excepto en uno. Donde el elemento dramático de este espectáculo se afianza es en ver cómo se desarrollan esas compulsiones, con un participante involuntario que actúa como mediador y rehén.

Alan tiene un asiento de primera fila y una perspectiva en primera persona sobre un hombre que lucha activamente contra un deseo innato de hacer daño. Es una discusión en curso que se enfurece entre ellos a lo largo de este original de Disney+, que demuestra ser un reloj fascinante. En términos de actuación, esto hace que sea difícil determinar quién sale victorioso, ya que ambos actores se igualan latido a latido.

Cuando la madre de Sam, Candace (Linda Emond), entra en juego y Alan tiene una conversación, queda claro que no hay una salida simple para él. No solo aprueba activamente el comportamiento de Sam, sino que también parece no encontrar nada malo en encadenar a alguien en su sótano. En términos de licencia artística, esto puede parecer un paso demasiado lejos, pero hay más de unos pocos casos en los que los asesinos en serie han tenido socios cómplices en el crimen.

Las personas que participan activamente en ayudar a sus seres queridos a cometer estos delitos, por razones que incluso los profesionales médicos luchan por comprender por completo. El paciente teje tal dilema moral en su narrativa, mientras mantiene el impulso dramático entre estos dos actores hasta ese marco final. Un hecho que debería actuar como el incentivo más fuerte posible para incluir esto en las listas de observación en todas partes el 30 de noviembre.

The Patient se estrenará en Disney+ a partir del 30 de noviembre. Mira un tráiler a continuación.

En la serie de efectos especiales de 10 capítulos de Joel Fields y Joseph Weisberg «El paciente», el asesino en serie Sam Fortner (Domhnall Gleeson) secuestra al terapeuta Dr. Alan Strauss (Steve Carell) en un intento por frenar sus impulsos homicidas. Encadenado al suelo del sótano de Sam, Alan está constantemente adivinando cómo (y hasta dónde) empujar a su captor hacia la curación y cómo aumentar las posibilidades de su escape, trabajando a partir de la información muy limitada que ofrece Sam durante sus «sesiones» y el resuelve las conjeturas a través de un diálogo imaginario con su propio terapeuta (muerto), Charlie (David Alan Greer).

El programa pone a su audiencia casi en la misma posición que Alan en términos de estas conjeturas; un sentido de perspectiva limitada está ligado a «El paciente». Fields y Weisberg juegan cualquier explicación fácil para el comportamiento de Sam cerca del chaleco, dejando que el diálogo entre Carell y Gleeson (y, lo que es más importante, las pausas silenciosas en el medio) avancen tensamente hacia la articulación de esas verdades. Al ser tan frugal desde el punto de vista narrativo, el programa nos obliga a Alan y a nosotros a esforzarnos por captar cualquier fragmento de contexto que pueda salvarle la vida. Un ligero espasmo en el rostro de Sam, su ropa que no le queda bien y el particular tono verde de la alfombra del sótano están igualmente cargados de significado potencial. El sótano en sí se convierte en una expresión de la infelicidad pasada compartida por Sam y su madre, Candace (Linda Emond), un lugar inquietantemente anodino pero inconfundiblemente solitario que también podría tragarse a Alan.

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Para construir un conjunto clave cuyo diseño esté imbuido de tanto patetismo, el equipo de producción del programa necesitaba más que un lugar subterráneo oscuro y espeluznante. El espacio tendría que decir más sobre Sam y Candace que ellos mismos.

“Siempre trabajamos un poco al revés”, dijo a IndieWire la decoradora de escenarios Lisa Son. “Tomamos la edad actual del personaje y luego la recuperamos. Entonces, si Candace tiene 60 años, ¿cuántos años tenía cuando compró la casa? ¿Y cómo era esa casa? Ahí es cuando todo el aderezo del set cobra vida, una vez que averiguamos en qué año o qué década fue cuando realmente comenzaron a utilizar y mudarse a este espacio”.

Suzanne Tenner/FX

Para Son, esto significó ponerse a sí misma y a su equipo en el lugar de Candace. “Este sótano comenzó como su espacio seguro porque no tenía control sobre lo que sucedía afuera”, dijo. “Así que era un lugar donde podía cuidar lo que definimos como cuidado personal en este momento. Física, mental y emocionalmente. Así que físicamente tenía las cintas de video de entrenamiento en casa, ya sabes, ‘Buns of Steel’ y Jane Fonda y cosas así. Mentalmente tenía libros de autoayuda. Y luego, emocionalmente, las cosas que disfrutaba hacer: coser, tejer, bordar, incluso las obras de arte en sus paredes fueron una oportunidad para que ella se expresara a sí misma”.

Pero estos casos de autoexpresión son difíciles de detectar por diseño. Cuando se trata de eso, Sam y Candace no pueden imponer mucho sentido de personalidad en el sótano, la mayor parte del cual son solo paneles de madera y ladrillos a la vista. Ese fracaso a la hora de convertir su casa en un hogar sugiere una soledad y un dolor en sus vidas, una elocuencia que eludiría, digamos, un recuerdo del violento padre de Sam. Debido a que el conjunto nos da muy poco para trabajar, las piezas que están presentes son aún más reveladoras. “Todo en ese set tiene una razón para existir allí”, dijo Son. “Era muy importante para nosotros asegurarnos de que hubiera textura [from the period items in the basement] y esa capa de uso, nada nuevo, en ese espacio”.

A pesar de sí mismo, también hay pequeños pedazos de Sam esparcidos como pistas por todo el set del sótano. “Tenemos juegos de mesa y juguetes mentales: los cubos de Rubik o esos juguetes de eslabones de cadena, en los que tienes que tratar de averiguar cómo desengancharlos. [Sam] Tenía libros allí también. Teníamos libros escolares antiguos que tendrías en la escuela secundaria y secundaria”, dijo Son. Pero lo más importante es que hay muy poca evidencia en el sótano (o en cualquier otro lugar, para el caso) de quién es Sam ahora como adulto, más allá de las herramientas del oficio que eventualmente trae al sótano. El vacío y la tristeza del espacio reflejan cómo Sam no es capaz de dejar atrás las formas en que está destrozado, y el diseñador de producción Patricio Farrell and Son arreglaron el sótano a propósito para que cualquier contexto que pudiera ayudar a Alan se sintiera un poco distante, simplemente un poco más allá de él.

Suzanne Tenner/FX

“Es el espacio de Alan donde Sam tiene control sobre el espacio”, dijo Son. “[The production team] tomó a alguien que es similar a la altura de Alan y se aseguró de que cuando extendía la cadena por completo, cuando extendía su cuerpo por completo, había un radio de espacio que necesitaba estar despejado. que es asi [disconcerting] porque todo estaba fuera de su alcance. Una vez que se definió ese radio de espacio, supe dónde estaban mis límites. Por ejemplo, esta unidad de entretenimiento necesita ser empujada solo dos pulgadas más. Este estante necesita ser empujado completamente hacia atrás”.

Esta sensación de esforzarse por cosas que están fuera de su alcance es la tensión dramática de «El paciente», tanto el secuestro como la terapia, en sí mismo un esfuerzo mental por el autoconocimiento que a menudo se siente solo una pulgada o dos fuera del camino. Debido a que hay tan poco que ver, cada centímetro del set importa, y debido a que hay tanto espacio vacío integrado, hay tanto espacio para temer cómo la violencia de Sam podría colarse. «El sótano en sí era un personaje secundario», dijo Son. . “Tenemos que entrar en el marco mental de Candace y luego cambiar a Sam y luego a Alan y cómo se sentirá este espacio para él, y luego además pasar a la audiencia. Queremos que este espacio sea amigable y acogedor, pero también que se sienta como una cámara de tortura para estos muchachos”.

[Editor’s note: David Bridson, the art director of “The Patient,” is married to IndieWire editor-in-chief Dana Harris-Bridson.]

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