Beetlejuice, acertadamente titulado Beetlejuice, tiene un nuevo tráiler que presenta más travesuras de Michael Keaton, Winona Ryder y Jenna Ortega.

Esta mirada más cercana al mundo de Beetlejuice dura poco más de dos minutos y continúa donde lo dejó el primer tráiler, mostrando algunas de las escenas macabras que el director Tim Burton tiene guardadas. Eso significa otro viaje de regreso a la tierra de los muertos mientras el personaje que regresa de Ryder, Lydia Deetz, se ocupa del resurgimiento del demonio titular de la franquicia que viste ropa a rayas. Keaton está de regreso y es tan travieso como siempre, al igual que las referencias a varias criaturas icónicas y líneas de la película original de 1988.

Es una continuación que lleva décadas en desarrollo y que rebosa efectos prácticos gracias al toque de Burton. Puedes verlo en acción en el vídeo a continuación.

Junto con otras caras que regresan, como Delia Deetz de Catherine O’Hara, Beetlejuice Beetlejuice convoca a actores notables para sus primeras apariciones en la serie, incluidos Willem DafoeMonica Bellucci, Justin Theroux, Burn Gorman y Ortega, que interpreta a la hija de Lydia., Astrid. Cada uno de ellos juega un papel en una nueva historia que comienza mucho después de los acontecimientos de la comedia de terror original de Burton.

“¡Beetlejuice ha vuelto! Después de una tragedia familiar inesperada, tres generaciones de la familia Deetz regresan a su hogar en Winter River”, dice una sinopsis oficial de Warner Bros. “Aún atormentada por Beetlejuice, la vida de Lydia da un vuelco cuando su rebelde hija adolescente, Astrid, descubre el misterioso modelo de la ciudad en el ático y el portal al Más Allá se abre accidentalmente. Con problemas en ambos reinos, es sólo cuestión de tiempo hasta que alguien diga el nombre de Beetlejuice tres veces y el travieso demonio regrese para desatar su propio tipo de caos”.

Nuevo Beetlejuice Capturas de pantalla del tráiler oficial de Beetlejuice

En «El arte y el alma de Dune: Segunda parte», Gerd Nefzer, el supervisor de efectos especiales de la película, explicó que este pequeño gusano de arena fue el mayor desafío de toda la película para el equipo de efectos especiales. Fueron necesarias seis semanas para desarrollarlo y probarlo antes de hacerlo bien.

«Hicimos un gusano con ocho bolas conectadas con una cadena y desolladas en un tubo espiral especial en la arena», dijo, reconociendo también que «muy a menudo, son las cosas pequeñas en las que tenemos que trabajar más». La directiva de Villeneuve era que el bebé gusano de arena necesitaba «saltar como una serpiente, de pesadilla y rápido», y para lograr este objetivo, Nefzer y su equipo terminaron enterrando dos huellas bajo la arena: una para el movimiento circular que hace el gusano y otra. que va directo al Maker Keeper cuando salta de la arena. Según el libro, Iván Pohárnok, que hizo los accesorios del gusano, fue uno de los cinco titiriteros que controlaban varias partes del títere bebé del gusano de arena para que su movimiento pareciera natural y fluido en el set. el gusano bebé junto con cuatro titiriteros que controlan varias partes del títere. Los resultados son impresionantes y sorprendentemente conmovedores, dado el respeto que los personajes Fremen tienen por esta criatura en su cultura.

Sólo a modo de comparación, eche un vistazo a cómo «Dune» de David Lynch manejó un tema similar en la década de 1980:

Mundo occidental (1973)

Entre sus muchas otras cualidades destacables, mundo occidental Fue la primera película importante en utilizar una técnica conocida como procesamiento de imágenes digitales. Esencialmente, el director Michael Crichton hizo que un ingeniero de procesamiento de imágenes digitales utilizara la técnica para crear una breve serie de secuencias (de aproximadamente dos minutos y medio) que nos permiten ver el mundo a través del punto de vista infrarrojo del androide Gunslinger. Esa técnica evolucionó hasta convertirse en lo que ahora llamamos CGI. Aunque este es un comienzo increíblemente humilde para un concepto tan importante, el efecto deseado se ha mantenido prácticamente igual a lo largo de los años. Esas breves secuencias hicieron que el público de todo el mundo se quedara sin aliento, se detuviera y preguntara: «¿Cómo hicieron eso?»

Guerra de las Galaxias (1977)

Es difícil discutir Guerra de las Galaxias‘ Impacto cultural en tan poco espacio sin sentirse un poco abrumado. Sin embargo, en caso de necesidad, es muy fácil resumir el impacto de esta película en la evolución de los efectos especiales con las letras «ILM».

Industrial Lights and Magic tuvo la tarea de hacer realidad los sueños más locos de George Lucas. A pesar de carecer de casi todos los recursos imaginables, utilizaron una brillante combinación de técnicas nuevas y antiguas para ofrecer lo que Lucas más deseaba: imágenes que nadie había soñado jamás capturar. ILM continuaría contribuyendo a algunas de las películas de ciencia ficción técnicamente más impresionantes de todos los tiempos, y su trabajo aquí creó una barrera considerable que separa de manera crucial lo que vino antes de lo que vino después.

Tron (1982)

tronLos efectos especiales estaban tan adelantados a su tiempo que los Premios de la Academia descalificaron la película de la contienda por el premio a los Mejores Efectos Visuales porque sintieron que su uso extensivo de animación generada por computadora era una forma de trampa. Para ser justos, observar tron Siempre ha sido una experiencia un tanto discordante, y hay más de unas pocas personas hoy en día que argumentarán que el uso excesivo de CGI sigue siendo un crimen y una vergüenza.

Aun así, hay que quedar impresionado por la magnitud de tronLos logros técnicos. Si bien su secuencia Lightcycle es la estrella obvia del programa en lo que respecta a sus innovaciones, hay algo que decir a favor. tronEl uso extensivo del color. En comparación con las películas modernas impulsadas por CGI que a menudo hacen todo lo posible para disfrazar sus imágenes por computadora, tron simplemente “destaca” de una manera que hace que el uso de tecnología similar parezca una elección artística deliberada en lugar de una simple necesidad.

Cazarecompensas (1982)

En los Premios de la Academia de 1983, Cazarecompensas y Duende perdió la carrera por Mejores Efectos Visuales ante una pequeña película llamada ET el extraterrestre. Es una decisión cuestionable en retrospectiva, aunque es interesante que Cazarecompensas Ese año se enfrentaba a una película dirigida y producida por Steven Spielberg, dado que el Cazarecompensas El equipo tomó prestadas varias técnicas que habían sido inventadas o avanzadas durante la producción de Encuentros Cercanos del Tercer Tipo.

sin embargo, el Cazarecompensas El equipo llevó las cosas a un nuevo nivel. Lo más destacado de los numerosos efectos visuales de la película son esos amplios planos que muestran los detalles más pequeños de una versión futurista de Los Ángeles. Esas tomas se lograron mediante una combinación de pinturas mate, miniaturas y una compleja serie de técnicas de iluminación que a menudo requerían que las tomas se grabaran una sobre otra solo para obtener la exposición correcta. El esfuerzo fue considerable, pero los resultados valen la pena. Pocas películas se acercan a desafiar la belleza de CazarecompensasLos paisajes urbanos de ciencia ficción.

Gracias a Superman, el público en general ve a los superhéroes voladores simplemente despegando del suelo con un solo pensamiento. Luego, Superman vuela de cabeza por el aire, con los brazos a menudo extendidos frente a él. Esto, por supuesto, es para hacer que su cuerpo sea más aerodinámico. Superman, todos parecemos intuir, está siendo levantado desde dentro por su pecho, o quizás con todo su torso. Namor, por el contrario, no levanta su propio cuerpo mediante telequinesis o alguna extraña medida antigravedad, sino que es impulsado hacia adelante desde las alas de sus pies. Esto significó animar una versión digital de Tenoch Huerta en poses nuevas e inusuales que no suelen verse en el cine de superhéroes. Hanzhi Tang explicó su espíritu a Namor y dijo que buscaba referencia en los atletas. Él dijo:

«Cualquier superhéroe con capa que esté volando, centras ese movimiento, guiándolo con el pecho, pero aquí, todo se basa en sus tobillos y pies. […] Tiene movimientos más atléticos y creo que muchas referencias fueron el hockey sobre hielo o el fútbol en la forma en que cambia de dirección. Viene de la cintura, de la forma en que se empuja contra el aire y camina en el aire».

Si Namor quiere reducir la velocidad mientras acelera por los cielos, debe girar los pies hacia adelante y «aletar» en la dirección opuesta. Se puede ver el movimiento del cuerpo como algo similar al de un jugador de hockey sobre hielo que se detiene haciendo chirriar los patines hacia los lados.

El efecto fue asombroso, y /Film incluso sintió que Namor era uno de los villanos más geniales de la larga serie de películas de Marvel. Namor puede regresar, aunque dependerá del futuro incierto del MCU; En el futuro, tendremos menos películas, no más.

«El Reino del Planeta de los Simios» tiene lugar en la Tierra unos cientos de años después de los acontecimientos de «La Guerra por el Planeta de los Simios», que se sitúa aproximadamente en el año 2028. La naturaleza, en su mayor parte, ha recuperado el planeta. , con la mayoría de las estructuras de los edificios cubiertas de vegetación o destruidas por el tiempo. En lugar de depender únicamente de fondos digitales, el director Wes Ball eligió rodar en exteriores para ayudar a combinar a la perfección los efectos digitales de los simios con un mundo tangible. Como le dijo a Collider durante un panel de Directores sobre Dirección en WonderCon, «Probablemente tuvimos una pantalla azul en la película. En su mayor parte, estamos en lugares reales filmando con actores reales». Esto significó correr el riesgo de filmar en entornos impredecibles para crear un escenario más realista.

Ball también le dijo a Collider que para lograrlo, se utilizaron muchas cámaras para capturar todos los ángulos posibles de los actores para ayudar con los efectos digitales posteriores. «Tengo una cámara en una cara y entre media docena y dos docenas de cámaras infrarrojas escondidas en el set, detrás de pequeñas cosas como hojas o lo que sea, simplemente camufladas en el set, que son en realidad el proceso técnico de capturar toda esta información para que podamos hacerlo bien», explicó. Esta técnica de combinar conjuntos prácticos con mejoras CGI también ayuda a engañar al cerebro, impidiendo que «busquemos las costuras» involuntariamente, y caer en un mundo de credibilidad. «Hay alrededor de 30 a 40 minutos de CG completo, que no creo que la gente pueda notar, hay algunas escenas que nunca adivinarías, simplemente porque así es como se tenía que hacer», dijo Ball. «Pero todo empezó a partir de una cámara real y un mundo real con acciones físicas reales».

Sharabani explicó que el equipo de VFX en The-Artery tuvo un tiempo de respuesta de «menos de tres semanas» a pesar de tener la tarea de diseñar una escena que tradicionalmente exigiría un largo período de preparación:

«Para ‘Midsommar’, fue un gran desafío diseñar y crear un tratamiento generado por computadora que representara la devastación física sufrida por un par de ofrendas de sacrificio. Nos contrataron un poco menos de tres semanas antes de la fecha límite de estreno en cines. Creó 30 complicadas tomas generadas por computadora: cráneos aplastados por mazos, rostros y extremidades, torsos destrozados contra rocas después de ser arrojados desde acantilados y tratamientos sanguíneos, todos tratamientos sorprendentemente complejos en un período de tiempo increíblemente corto».

Aunque el equipo de producción de la película era muy consciente de que esta tarea requería más tiempo, no tuvieron más remedio que comunicarse con The-Artery con «la fecha de estreno acercándose», lo que naturalmente significó un enfoque de todos manos a la obra hasta que el proyecto estaba envuelto. Si bien los elementos VFX dieron a la escena su aura y atractivo desgarradores, al tiempo que introdujeron fluidez entre el CG y los aspectos protésicos, la escena de Ättestupa habría sido imposible sin Iván Pohárnok, el diseñador de maquillaje protésico de la película, cuya compañía Filmefex, con sede en Hungría, diseñó todos Los cadáveres aparecen a lo largo de «Midsommar». Filmefex también ha diseñado cadáveres y restos humanos en películas como «Blade Runner 2049» y «Taxidermia» de 2006, siendo esta última una muestra sorprendente y significativa de la visión hábilmente grotesca de Pohárnok.

Pohárnok también habló con Vulture sobre el meollo de la escena de Ättestupa, y afirmó que «instantáneamente se enamoró» de la «idea extraña y retorcida» que era «Midsommar» de Aster.

Cuando llegó el momento de hacer «Fury Road», Miller no utilizó la captura de movimiento para reemplazar las actuaciones, sino más bien para planificar las acrobacias con antelación. Según cuenta el cineasta, él y sus colaboradores utilizaron una variedad de herramientas (como guiones gráficos) para planificar las peligrosas y complicadas acrobacias, junto con una «mesa enorme en medio del desierto» con modelos para cada especialista. Operador de equipo, equipo y cámara. Jugaron con los modelos como niños pequeños moviéndolos como lo harían en el set real.

Otra forma, más innovadora, fue el uso de la herramienta de producción virtual PROXi, creada por Guy y Harrison Norris (quienes supervisaron las acrobacias de «Fury Road»). Esencialmente, es una herramienta de previsualización que permite a los cineastas trazar secuencias antes de filmar mediante el uso de captura de rendimiento y renderizado en tiempo real. Es algo similar a una animación, pero ampliada para incluir escenarios virtuales completos y mostrar cambios en tiempo real. Un ejemplo aquí ilustra cómo Previs permite a la producción probar diferentes ángulos y posiciones de la cámara, verificar la iluminación e incluso cambiar de vestuario con mucha anticipación en lugar de hacer un truco varias veces.

«Cada toma fue ensayada», dijo Miller. «Pero el día del rodaje y los días previos al rodaje, [previs] así es como se hizo. Cómo se pasa de guiones gráficos bidimensionales sin tener en cuenta cómo se mueve el tiempo. Puedes dibujar flechas y cosas así, pero realmente no puedes sentirlo. Y es [not] jugado en tiempo real. Ahora puedes hacerlo digitalmente. Ese es el mayor cambio».

Los motores de juegos en tiempo real y la vista previa cambian las reglas del juego, y no solo en la acción en vivo. Cambió la forma en que se hizo «Chicken Run: Dawn of the Nugget» y está demostrando ser un punto de inflexión en la animación en general.

«Furiosa: A Mad Max Saga» se estrena en cines el 24 de mayo de 2024.

El icono de efectos visuales y director de “Mad God”, Phil Tippett, está trabajando en una nueva película stop-motion titulada “Sentinel”, que se presentará por primera vez en la sección Frontières de este año del Marché du Film de Cannes.

Variedad se le ha dado acceso exclusivo a los primeros detalles de la trama y a las imágenes del set de “Sentinel”, que comparte fidelidad visual con “Mad God”. Sin embargo, en términos de producción, esta vez las cosas serán muy diferentes.

“Mad God” fue un proyecto en el que Tippet trabajó de forma intermitente durante treinta años. Un calendario similar no es realista para “Sentinel”, ya que el director tendría más de 100 años en el estreno de la película. Por eso, Tippett y el productor Colin Geddes (Ultra 8 Pictures) dicen que están siguiendo un plan de desarrollo y producción más convencional con su nuevo proyecto, incluyendo un enfoque narrativo más claro. Tippett ya comenzó a filmar partes de la película y su equipo compartirá un video conceptual con socios potenciales en Cannes.

Donde “Mad God” comenzó como una forma para que Tippett reflexionara sobre los sueños y las raíces de la narración, “Sentinel” se está desarrollando para “hacer algo que tenga toda la historia de los efectos visuales, desde el stop-motion hasta lo digital y ahora la IA. ”, explicó Tippett. “Hay algunas cosas de IA que hemos hecho en una pequeña parte durante el desarrollo, lo cual es genial porque para mí es una paleta más amplia. Puedo mezclar y combinar todas estas técnicas”.

Cuando empezó “Mad God”, Tippett pensó que tal vez tenía suficiente material para un cortometraje sólido, pero las cosas se multiplicaron y el resultado fue una producción larga que terminó con un largometraje de 83 minutos. Para evitar una situación similar esta vez, Tippett está trabajando a partir de un guión más convencional con “Sentinel”.

«Va a empezar de forma mucho más tradicional», afirmó. «Al principio se parece mucho más a una película de guerra tradicional, y el público reconocerá inmediatamente: ‘Oh, es como una película de la Primera Guerra Mundial'».

Sin embargo, los fanáticos del trabajo más experimental de Tippett no deben temer que el director se esté volviendo conformista, ya que “Sentinal” rápidamente se desviará de cualquier camino argumental fácilmente reconocible. Dice que la narrativa principal de la película se expande enormemente en los momentos previos a la muerte de un soldado.

La idea se inspiró en dos medios que Tippett recordó haber visto por primera vez durante sus años escolares: la novela «Pincher Martin» de William Golding y el episodio «An Occurrence at Owl Creek Bridge» de «Twilight Zone», basado en un cuento. del mismo nombre del veterano de la Guerra Civil Ambrose Bierce.

“En ambas historias, te das cuenta de que los personajes ya han muerto, pero en el milisegundo justo antes de que pierdan la conciencia, un universo alternativo de esperanza explota a partir de la necesidad humana innata de sobrevivir. Esas son las ideas que estoy orbitando”, afirmó el director.

En cuanto al estado actual del desarrollo de “Sentinel”, Tippet dice que está “trabajando en el guión todos los días. Nunca estará completamente hecho. Seguiré escribiendo mientras lo hago, pero ahora mismo está en un muy buen lugar. Como muchos artistas, no quiero mostrarlo porque no creo que esté terminado, pero llega un momento en el que necesitas que te lo quiten de las manos para poder seguir adelante”.

Estéticamente, “Sentinel” compartirá el aspecto oscuro y de otro mundo de “Mad God”, ya que las películas tienen influencias visuales similares. El padre de Tippett era artista y cuando vio que su hijo estaba interesado en los monstruos, le presentó las pinturas de Hieronymus Bosch y las películas de Karel Zeman. Según Tippett, las obras de esos artistas todavía inspiran su cine en la actualidad. Cualquiera que haya visto “Mad God” probablemente reconozca un parentesco con “El jardín de las delicias”, “El viaje al principio de los tiempos” o “El fabuloso barón Munchausen”.

Ahora, Tippett es quien influye en generaciones de artistas. De hecho, sería difícil pensar en más que un pequeño puñado de personas que hayan tenido un impacto más profundo en el aspecto de los éxitos de taquilla modernos con muchos efectos visuales que Tippet. Es responsable de crear algunas de las secuencias más icónicas del cine moderno.

En 1984, Tippett y su esposa Jules Roman fundaron Tippet Studios, que ha realizado trabajos de efectos visuales para franquicias como «Star Wars», «Harry Potter», «Piratas del Caribe» y «RobocCop», así como películas independientes. películas como “Willow” y “Starship Troopers”. Cuenta con una de las salas de trofeos más impresionantes de cualquier equipo de efectos visuales independientes del mundo, incluidos dos premios de la Academia con 11 nominaciones, dos premios Emmy, cuatro premios Saturn, cuatro premios Clio, un BAFTA, un premio Golden Satellite y el premio George Melies. por ser pionero en el ámbito de los efectos visuales de la Visual Effects Society.

Puede que Tippett proyecte una larga sombra sobre la industria de los efectos visuales, pero dice que el trabajo de nuevos artistas también lo inspira constantemente. Cuando se le preguntó: «¿En qué busca inspiración el artista de efectos visuales que ha influido en todos los demás durante los últimos cuarenta años?» él respondió: «Bueno, todos los demás».

Tippett tenía 70 años cuando debutó su primer largometraje, “Mad God”, lo que significa que tenía muchas influencias de las que sacar provecho. «Me llevó toda una vida llegar a una posición en la que entendía el cine lo suficiente como para poder romperlo», explicó.

La película, en su mayoría stop-motion de ciencia ficción y fantasía, evitó el diálogo en favor de la narración visual e incorporó títeres y actuaciones de acción en vivo. Estuvo nominada a dos premios Annie, dos premios VES Society y ganó mejores efectos visuales en Sitges, película más innovadora en Fantasia y mejor película de animación en los premios Ray Harryhausen. La película tuvo una presentación teatral limitada en América del Norte y fue recogida por la transmisión de terror Shudder, donde actualmente está disponible para transmitir.

Si los asistentes a la barra lateral de Frontières de este año están convencidos de que “Sentinel” puede tener un impacto similar, Tippett seguramente tendrá socios potenciales haciendo cola para abordar el proyecto.

EXCLUSIVO: Premiado Guerra de las Galaxias El veterano de VFX Joseph Kasparian, cuyos créditos recientes incluyen El mandaloriano y Andorse une al estudio de efectos visuales Rodeo FX, con sede en Montreal, en el rol de supervisor ejecutivo de efectos visuales.

Los aspectos más destacados de los 27 años de carrera de Kasparian incluyen la configuración del panorama visual de características como mundo Jurasico, Warcraft y Star Wars: El ascenso de Skywalker.

Kasparian llega a Rodeo FX procedente de Hybride, donde fue vicepresidente creativo y trabajó en cada Guerra de las Galaxias película y serie desde 2015, ganando un Emmy en 2021 por su trabajo en la segunda temporada de El mandalorianoy obteniendo una nominación para Pícaro uno precuela Andor.

“Reinventarse constantemente es fundamental debido a la evolución de la tecnología. Siempre he pensado en el futuro, mirando hacia el futuro. Rodeo me parece una progresión natural”, dijo Kasparian.

«Va más allá de los efectos visuales, se trata del entretenimiento en su conjunto y de cómo puedo compartir el oficio y el conocimiento que he desarrollado durante estos últimos 25 años con personas increíbles».

Kasparian se unirá El señor de los anillos: los anillos del poder El supervisor de VFX, Ara Khanikian, en la supervisión del equipo de 16 supervisores de VFX de Rodeo FX, con el apoyo del fundador y director ejecutivo, Sebastien Moreau, y Jordan Soles, vicepresidente de Desarrollo e Innovación.

Su misión conjunta también será continuar la expansión de Rodeo FX manteniendo al mismo tiempo el compromiso con la calidad en el estudio, que recientemente ha trabajado en proyectos de alto perfil que incluyen Maestros del aire, Duna: Parte 2, Monarca: Legado de monstruosy Casa del Dragón.

«Esto marca un momento crucial para Rodeo FX», dijo Moreau. “Al darle la bienvenida a Joseph, una figura reconocida en la industria, también aportamos una combinación única de energía, entusiasmo y experiencia que se alinea perfectamente con las aspiraciones y el compromiso de nuestra empresa con los efectos visuales de alta gama. La visión de Joseph está estrechamente alineada con la mía y estoy seguro de que desempeñará un papel clave para respaldar nuestro crecimiento continuo”.

Nominado a múltiples premios Emmy por su trabajo en la serie. Cosas más extrañas temporada 4, El Brujo y El Señor de los Anillos: Los Anillos del PoderRodeo FX trabaja con casi 900 artistas en estudios de Montreal, Quebec, Toronto, Los Ángeles y París.

Los proyectos actuales incluyen la segunda temporada de Casa del Dragonorte, Maestros del aire y el de Zack Snyder Luna rebelde.