Documentales muy esperadas Spacey desenmascarado También tiene una fecha de estreno y un avance de primer vistazo. Como anunció Investigation Discovery, Spacey desenmascarado se estrenará el lunes 13 de mayo a las 9 p.m. ET en ID y estará disponible para transmitir en Max.

La serie contará con relatos de primera mano de varios hombres que comparten públicamente sus historias por primera vez sobre sus encuentros con Kevin Spacey mientras intentaban comenzar en Hollywood. La docuserie describirá la serie de acusaciones contra el actor de Hollywood (casos que se remontan a 1981) desde las experiencias de actores y empleados durante sus 10 años en el Old Vic Theatre de Londres en 2004 hasta relatos de su comportamiento en famosos programas de televisión y sets de filmación.

Además de estos testimonios, el hermano mayor de Spacey, Randall Fowler, ofrece información sobre su tumultuosa infancia.

El 3 de mayo, Spacey respondió a las acusaciones de abuso en su contra durante una entrevista de dos horas y 20 minutos titulada Kevin Spacey: Derecho de réplica que se transmitió en X. «No tengo nada más que ocultar», dijo el actor en el video.

Spacey ha negado todas las acusaciones en su contra desde que comenzaron a surgir en 2017, en medio del movimiento #MeToo. En 2022, un tribunal de Nueva York concluyó que no era culpable de agredir al actor Anthony Rapp. En julio de 2023, el actor fue absuelto de 12 cargos de agresión sexual y declarado inocente tras un proceso de tres semanas en un Tribunal de la Corona de Southwark en Londres, aunque ninguno de los hombres del documental está involucrado en los casos mencionados anteriormente.

De acuerdo a Reuters, Spacey ahora será juzgado nuevamente en el Reino Unido, probablemente en 2025, por una demanda presentada por un hombre que alega que el actor lo agredió sexualmente.

Mira el Spacey desenmascarado Primer vistazo al tráiler a continuación.

Spacey desenmascarado está dirigida y producida por Katherine Haywood; la producción ejecutiva es de Dorothy Byrne y Mike Lerner; y producido por Roast Beef Productions en asociación con All3 Media International.

Spacey desenmascarado13 de mayo, 9/8c, Descubrimiento de investigación y Max

Cada mañana, cuando la alarma atraviesa la niebla de su sueño inquieto, Isild Le Besco se pregunta por qué decidió publicar un libro. Por eso se prepara para colocar su intimidad golpeada por la violencia en las mesas de las librerías de todo el país. ¿Por qué pasar por todo eso, los medios de comunicación, las inevitables reacciones virulentas de las personas cercanas a uno, las dolorosas controversias? El hilo de sus pensamientos la lleva siempre al mismo lugar: no tiene elección, su supervivencia está en juego. “Cada una de las mujeres empujadas a lo horrible, que ha logrado recuperarse, porque algunas no se recuperan y mueren, tiene el deber de hablar por las demás. Para mí, gracias a mis hijos no me suicidé. No estaré en paz hasta que haya restaurado lo que he logrado superar, afirma, en uno de esos agudos vuelos de fantasía que a veces formula.

Ese libro, Decir verdad, publicado por ediciones Denoël el 1^ejem Quizás nunca hubiera existido sin un viaje en tren. El que conecta Drôme, donde la autora y directora de 41 años vive desde el encierro, y París, a donde acude por sus obligaciones. A bordo de este TGV, en abril de 2023, un pasajero muy agitado ataca a los pasajeros. Isild Le Besco se levanta y le pide que se vaya. La mujer, de unos veinte años, lo insulta, lo golpea, le mete un dedo en el ojo. Salió con la córnea dañada, veinticuatro días de incapacidad laboral temporal y la necesidad de repetirle una y otra vez por teléfono a su hermana pequeña que no estaba. “no una víctima”.

Su ataque al tren constituye la escena inicial de su libro. Este evento es también el comienzo de una comprensión: la violencia que sufrió no son incidentes aislados, sino eventos vinculados que se autogeneran. “Prisionera de mis carencias materiales y emocionales, fui el caldo de cultivo perfecto para todo tipo de maltratos”. ella escribe. Isild Le Besco traza una continuidad entre su infancia, sus inicios en el cine francés, la relación de su hermana mayor, la actriz y directora Maïwenn, con el director y productor Luc Besson, la depredación ejercida sobre ella por el cineasta Benoît Jacquot (en el inicio de su relación (Isild Le Besco tiene 16 años, él 52), la historia con el padre de sus hijos y el hecho de que hoy ella sale aplastada pero arrastrada por la necesidad de escribir para reconstruirse. Su obra se suma a otras historias similares producidas en los últimos años por mujeres como Flavie Flament, Vanessa Springora, Camille Kouchner, Hélène Devynck y Judith Chemla.

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La sección Industria de Contenidos MAFIZ-Proyecciones Españolas del Festival de Málaga, en su tercera edición, volvió a poner el foco en la impresionante producción cinematográfica española, presentando un total de 222 producciones españolas.

Incluyeron cuatro estrenos de mercado, cuatro títulos en la selección oficial del festival, 21 vendidos internacionalmente como remakes, 38 en proyecciones de mercado y 11 trabajos en proceso, de los cuales cinco fueron presentados en el Animation Hub.

Además, se proyectaron 65 cortometrajes como parte del Centro de Cortometrajes de Málaga, una selección ecléctica de obras de cineastas consagrados y prometedores que dejarán su huella en el ya musculoso sector cinematográfico español.

A continuación presentamos seis cortos destacados que deslumbraron y, en ocasiones, desconcertaron al público:

“Largo viaje” (Héctor Herce)

Encantadora, alocada e inventiva, con usos esporádicos de secuencias animadas, “Long Journey” recuerda los queridos programas infantiles y el estrafalario entretenimiento familiar que alguna vez adornaron la televisión de los sábados por la mañana. Un niño se despierta en su cumpleaños número 12 con un mensaje urgente de su madre. Tiene que emprender un viaje de un día con una serie de tareas que realizar. En el camino, vive extrañas aventuras: derrota a un vendedor de baguettes que practica kung-fu y luego escala una cómoda alta con la ayuda del piolet de su abuelo montañero, antes de llegar finalmente a su destino en lo que resulta ser un viaje conmovedor y clímax sincero. EM

“Los Chicos” (Jaime Dezcallar)

Una película inquietante sobre un grupo de amigos amantes de la diversión que celebran el cumpleaños de su amigo Jabato. Para su gran regalo sorpresa, contratan a una prostituta. El hermano de Jabato, Gon, cree que es la única forma en que su hermano tendrá la oportunidad de tener relaciones sexuales. Sara, la escolta, llega confiada y en control. Aunque tímido e incómodo, Jabato es un juego. Cuando ocurre un aparente accidente, Sara resulta herida y la situación cambia. “Los Chicos” logra entrelazar temas de amistad y juventud con un lado más feo de posibles e inesperados abusos, desigualdad y explotación. EM

“De noche caminamos solos” (Rafa Alberola)

Un mensajero sin su bicicleta vaga por la noche y conoce a una mujer interpretada por Olivia Declan (“Isla Bonita”). No está claro si es un ángel, un vampiro o un sueño. La historia avanza a través de escenas: Estamos en una especie de madriguera de conejo. Nos encontramos con un escritor y un mensajero, ya sea ángel, vampiro o soñador, permanece agradablemente opaco. En el papel del escritor está el director y guionista madrileño Rafa Alberola. Es una realización cinematográfica segura con un estilo pulposo al estilo de “Twilight Zone”. CM

“Felina” (María Lorenzo)

Lorenzo, nominado al Goya (“La noche del océano”), maneja una gran intriga de vodevil en un corto negro que cuenta la historia de una mujer, mitad pantera, que intenta escapar de las garras de un malvado médico y del cobarde espectáculo secundario que la explota lucrativamente. . Las texturas hábilmente animadas se reproducen en blanco y negro, y el diálogo se reemplaza con una partitura suave en esta narrativa de alto riesgo que refleja la bestia que todos llevamos dentro. hj

“Pura” (Carmen Méndez)

En su debut como directora, Méndez explora su trauma al regresar a casa en medio de discusiones francas y estallidos de alegría templada de una manera purificadora y profundamente personal que sólo el cine documental puede ofrecer. Mientras pasan las horas rurales, la familia habla de la batalla perdida para detener una autopista invasora, cuidar de nuestros mayores y escapar de las dolencias y la pérdida de aquellos a quienes apreciamos. Un retrato de la directora a través del estudio de sus allegados que aborda el duelo, la obligación, el arrepentimiento y el duelo a través de momentos cotidianos de gran sentimiento. hj

“Mapa de la geografía emocional” (Julu Marínez, Candela Megido)

«León. No te pierdas”. Esta línea también parece un desafío para el espectador. Codirigido por Julu Martínez y Candela Megido, este corto toma la incoherencia de la existencia de Leo y crea una trama en torno a su singular estado de ser. No tiene una construcción lineal de su realidad. La película juega con su fascinación por la textura, el sonido y el folclore. Pescador de profesión, su percepción de su novia se fusiona con la de la historia de las Nereidas, las mujeres del mar que son amables con los marineros caídos. La incoherencia como trama es ambiciosa pero aquí, en resumen, la ambigüedad es una amiga. CM

Hollyoaks Siguen spoilers del último episodio en la transmisión del Canal 4, que se transmitirá mañana en el E4.

Hollyoaks ha emitido algunas escenas nuevas y emotivas en la historia de identidad de género de Rose Lomax esta noche (6 de marzo), después de que se declarara un hombre trans.

Al final del episodio anterior, Tony y Diane Hutchinson vieron que Rose ahora llevaba el pelo corto. Cuando le preguntaron qué pasó, dijo que lo hizo él mismo porque se dio cuenta de que es un niño (aún no ha elegido un nuevo nombre).

Continuando donde lo dejaron las cosas, Tony y Diane reaccionaron mal a la noticia, y Tony dijo que no llevarían a Rose a la peluquería para arreglarle el cabello.

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Kitty Draper vio lo desanimada que estaba Rose y trató de consolarlo, diciéndole que hablaría con sus padres y trataría de hacerles entender.

Desafortunadamente, Tony y Diane también estaban peleando por conducir bajo los efectos del alcohol, y tampoco pudieron procesar la revelación de Rose.

En cambio, Tony culpó a Kitty por influir en Rose, diciendo que ella había estado metiendo ideas en la cabeza de su hijo. Kitty trató de protestar, diciéndoles que Rose había tenido estos sentimientos durante años, pero Tony simplemente le dijo que se fuera de inmediato.

«Esto es lo que ha estado haciendo, impulsar su agenda», le dijo Tony furioso a Diane.

Rose entró y se quedó desconsolada al ver a Kitty haciendo las maletas y arremetió contra sus padres, diciéndoles que los odiaba.

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Más tarde, cuando las cosas se calmaron un poco, Diane se dio cuenta del gran error que habían cometido con Rose y le pidió a Kitty que volviera para intentar empezar a hacer las cosas bien.

Después de un poco de persuasión, Kitty aceptó quedarse, pero dijo que era «hacer esto por Rose» y no por Tony y Diane.

Si bien Diane entendió y estaba agradecida, Tony no pudo darle una respuesta a su esposa cuando le preguntó si superarían todos sus problemas juntos.

Hollyoaks se transmite primero en línea a través de canal 4 todos los días laborables a las 19.30 horas. Luego, los episodios se transmiten en E4 al día siguiente, antes de estrenarse en YouTube una semana después.

Los episodios generales seleccionados están disponibles a través de Vídeo principal.

Leer más Hollyoaks spoilers en nuestra página de inicio dedicada

¿Cuándo se produce el mágico punto de inflexión en el que algo considerado viejo vuelve a ser genial? Pregunto porque acabo de habilitar un filtro CRT en Skald: Against the Black Priory y chillé de alegría al verlo. Bordes curvados distorsionados: phwoar – ¿quien sabe? Lo que es extraño es que puedo recordar claramente cuando descarté los CRT en favor de las pantallas planas, preguntándome con los ojos muy abiertos y asombrados por las esquinas visibles de mi pantalla. Entonces no pensé que alguna vez volvería. Y sin embargo ahora: ¡chillido! Tan viejo que vuelve a ser genial.

No es el único elemento antiguo en el que juega Skald: Against the Black Priory. Realmente, todo está diseñado para evocar exactamente ese sentimiento, específicamente para la multitud del C64. Si jugaste un juego de rol allí o por ahí, lo sabrás. Conocerás el combate por turnos, conocerás las aventuras basadas en texto, conocerás la interfaz con los espacios vacíos, que anhelan compañeros que los llenen. También conocerás el aspecto y, al igual que con el filtro CRT, el juego no se detiene: incluso existe la opción de habilitar una paleta de colores C64 fiel si lo deseas.

Pero hay una inteligencia debajo. Esta no es una recreación uno a uno porque, si lo fuera, es probable que te resulte bastante molesto jugar. Lo atractivo es la memoria emocional; Con el tiempo, tu mente ha desgastado los bordes irritantes de viejas experiencias, como una piedra que cae suavemente en el mar. Eso tienen que ser estos juegos retro: recuerdos suavizados.

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A pesar de su estilo abierto, Skald en realidad no se siente viejo. La forma en que construyes un personaje de RPG al principio se siente como en Baldur’s Gate 3, por ejemplo, aunque sin las innumerables opciones de personalización visual. En realidad, Baldur’s Gate 3 es un buen ejemplo por otra razón: las tiradas de dados. En gran parte debido a ese juego, nos hemos acostumbrado nuevamente a la idea de las tiradas de dados destacadas y, como en BG3, aquí tiras para determinar si puedes hacer algo, como persuadir a alguien en una conversación o engañarlo. Y no se siente viejo, se siente familiar.

Sin embargo, el estilo por sí solo no haría que valga la pena escribir sobre Skald. Después de todo, supongo que esta es una aventura que espera durar decenas de horas o más. De nada sirve si las agallas no son buenas y si la escritura es lenta y no proporciona el impulso que el juego necesita. Pero por lo que he visto en la breve demostración, está todo ahí. El diálogo tiene fuerza y ​​ritmo, y logra dibujar personajes y escenas vívidos, y aunque gráficamente Skald es deliberadamente limitado, es capaz de lograr un efecto sorprendente.

Entonces es tan viejo que es genial. Pero son los sentimientos que despierta Skald: Against the Black Priory los que hacen que este juego de rol se destaque.

Este artículo es parte de Wishlisted, una serie de una semana sobre Eurogamer que cubre algunos de nuestros juegos favoritos del Steam Next Fest de febrero de 2024. Puede leer todas las demás piezas de la serie en nuestro centro de Lista de deseos.

Cohen señaló que las escenas de «gran emoción» de «Futurama» requieren mucha más delicadeza que las escenas de comedia habituales del programa. Al parecer, es más fácil grabar un chiste en el momento adecuado que cualquier cosa más pesada y seria. Cuando el entrevistador, Phil Dyess-Nugent, preguntó a Cohen sobre la forma en que sus actores manejan las escenas más serias, fue franco acerca de lo difícil que era reunir a su elenco en la misma habitación. Recuerde que Sagal protagonizó la popular serie de FX «Sons of Anarchy» al mismo tiempo que «Futurama». Cohen dijo:

«Esas escenas son las más difíciles y es donde tienes que hacer la mayor cantidad de tomas. También me resulta muy útil tener a todos los actores en la misma sala, al mismo tiempo, lo que no siempre se hace en la animación. En las escenas entre Fry y Leela en el episodio final, por ejemplo, Katey Sagal estaba muy ocupada porque estaba filmando.Hijos de la Anarquía’ al mismo tiempo ella esta grabando’Futurama.»

Cohen dijo, sin embargo, que era necesario analizar la logística, ya que ciertas escenas de «Futurama» no funcionaban manteniendo separados a sus actores. Cohen sintió que West y Sagal realmente necesitaban reaccionar el uno ante el otro. Vale la pena señalar que Fry comenzó la serie enamorado no correspondido de Leela, y los dos poco a poco han ido creciendo juntos a medida que avanzaba la serie. Al final de la séptima temporada del programa, Fry y Leela eran una pareja oficial y habían declarado abiertamente su amor el uno por el otro. Ese tipo de romance no funcionaría si se ajustara al tono de locura habitual de «Futurama».

Siempre tengo curiosidad cuando hablo con los directores de fotografía sobre cuánta intencionalidad implica hacer coincidir la temática de la película con las imágenes de la película en términos de luces y sombras y cómo se juega eso. ¿Están pensando activamente en: «Está bien, asegurémonos de que se proyecte una sombra en el rostro de este personaje porque eso representa la agitación interna por la que está pasando en este momento?» ¿O es todo lo que los críticos y el público aplican después a la película?

¿Sabes que? Siempre hay accidentes felices, Ben, pero creo firmemente en que tú creas esos accidentes felices porque estás preparado para ellos. Entonces, lo que diría es que, por ejemplo, hay una escena en el club nocturno donde es después de que fueron al baño y tomaron ketamina. Realmente queríamos que el diseño de iluminación pasara de una iluminación intensa de club a algo que fuera completamente increíble dentro del ambiente de un club. Hay una escena en la que los dos se juntan y se besan, y hay una luz de fondo de ángulo bajo que los atraviesa, casi como una puerta celestial que se abre.

Y obviamente eso no iba a ser en un club nocturno, pero sabía que quería los dispositivos que pudieran hacer algo así porque sabía que habría este momento y de alguna manera se concretó. Para mí, realmente siento ese momento en el que están juntos y acerco el zoom de ellos besándose allí, es para mí cómo imaginarías que sería ese momento. Así que sí, los accidentes felices suceden, pero creo que hay que estar preparado para ellos, y eso viene con comprensión y preparación, ¿verdad?

Eso es genial. ¿Hubo alguna escena o momento que te resultó más difícil de capturar?

Sí, creo que una de las escenas más difíciles, y para mí, de hecho, fue una de mis escenas favoritas, es cuando sale del club y llega a la casa de sus padres y se mete en la cama con su mamá y su papá. Y después de mucha discusión, Andrew y yo queríamos hacerlo en una sola toma. Lo realmente difícil de eso es que era una ubicación. Era la casa de los antiguos padres de Andrew. Era un lugar en Londres. Las habitaciones eran pequeñas, los techos muy bajos y estamos filmando con un equipo grande y antiguo de 35 mil, por lo que necesita un montaje y un funcionamiento adecuados.

Y fue realmente complicado porque, ante todo, fue un ballet físico entre todos los miembros del elenco. Fue un ballet entre mi increíble agarre, Kevin Frazier, mover la cámara sobre ellos en silencio y lo más discretamente posible. Y luego fui yo quien operó el zoom para salir de las tomas y realizar tomas limpias y todo eso mientras agregaba luces policiales, mientras hacía la transición a diferentes momentos. Creo que probablemente fue como un ballet de cinco minutos. Y además, los actores tenían que actuar. Así que fue realmente difícil, porque cuando los actores necesitan actuar, lo último que quiero hacer es tener que hacer este ballet físico además. Pero todos creyeron y lo aceptaron. Y para mí es una de las escenas más hermosas porque realmente es la que muestra la trágica soledad de la historia, porque al final ahí está él solo en la cama cuando era un niño pequeño en pijama, sin sus padres y su amante. que pensaba que tenía ya no estaba allí. Así que allí mismo, esa es la película.

Si absolutamente. Cuando recuerdas cómo hiciste «All of Us Strangers», ¿hay alguna toma o momento, diferente a ese, del que personalmente estés más orgulloso o que haya resonado más contigo?

Déjame pensar. ¿Sabes que? Realmente me encanta la toma inicial de la película, que es… has visto la película, pero es un paisaje al atardecer de Londres, y el sol atrapa el vidrio de un edificio y arroja un hermoso brillo a la lente. Y al final, resulta ser el reflejo en la ventana y Andrew aparece en el cristal. La razón por la que lo amo tanto es porque, para mí, la forma en que se siente exhibe ese extraño sentimiento de soledad en un espacio ajetreado.

Algunos de los momentos más solitarios que he tenido son cuando he estado en las ciudades más concurridas del mundo. Tienes todos estos pequeños espacios y tienes una sola persona en una ventana, y la miras desde la calle y la miras por la ventana y te preguntas: ¿Cuál es la vida de esa persona? Y luego miran hacia abajo y probablemente se preguntan. Es este tipo de soledad forzada la que crean las multitudes ocupadas. Y creo que la metáfora que existe en esa toma es hermosa y profunda, y creo que probablemente sea una de mis favoritas.

Me encanta eso. ¿Hay algo que puedas contarme sobre los proyectos que tienes por delante? ¿Hay algo en lo que estés trabajando que te entusiasme?

Sí, acabo de terminar una película llamada «William Tell», que es lo más diferente posible a «All of Us Strangers». Pero es un drama de época sobre la emancipación de los suizos durante la ocupación austríaca en el siglo XV. [laughs] Así que es muy, muy diferente, pero ciertamente muestra un lado diferente de la habilidad de un director de fotografía, en términos de escala y múltiples cámaras y grandes escenas y todo ese tipo de cosas. Así que es un desafío en sí mismo y creo que saldrá maravillosamente. Y luego, sí, antes de eso hubo una película que hice en Los Ángeles con una directora increíble llamada Hallie Meyers-Shyer. Y se llama «Goodrich», con Michael Keaton, y creo que también será hermoso. Esa también fue una maravillosa relación de trabajo. Así que sí, hay un par por salir, y ciertamente tengo muchas ganas de ver cómo se siente el público mundial acerca de «All of Us Strangers».

Definitivamente. Estoy emocionado de compartirlo con la audiencia de /Film porque creo que este… Quiero decir, si afecta a la gente de la misma manera que me impactó a mí, dejará una huella significativa en la gente. Estoy emocionado de haber tenido la oportunidad de hablar con usted hoy y muchas gracias por su tiempo.

Ben, muchas gracias. Me encantaría decir como último comentario que, como cineastas, especialmente para mí como director de fotografía, mi principal objetivo con lo que hago es dejar esa marca en algún momento, de alguna manera. Y si lo he logrado, entonces eso es un éxito para mí.

«All of Us Strangers» ya está en los cines.

Cuando Guardianes de la Galaxia Vol. 3 recibió buenas críticas y mucho amor de los fans, fue en parte porque la emotiva historia de fondo de Rocket estaba en el centro de la película. A lo largo de la película, aprendemos sobre las otras criaturas con las que creció el amado mapache parlante y los destinos absolutamente horribles que encontraron. Ese momento es lo que cambió la vida de Rocket para siempre, y verlo reaccionar ante la muerte de sus amigos fue un momento emotivo. Ahora, Bradley Cooper, la voz detrás del personaje, habló sobre trabajar en esa escena y explicó cómo la muerte de su padre afectó su actuación.

Para Guardianes de la Galaxia Vol. 3, James Gunn prometió grandes cosas para Rocket, y cumplió. Descubrir cómo el mapache se convirtió en quien conocemos fue un viaje tan conmovedor como trágico. A la hora de expresar el papel, Bradley Cooper también lo encontró increíblemente emotivo y personal. Mientras tanto El show de Howard Stern, el actor nominado al Oscar habló sobre interpretar el papel esta vez y habló específicamente sobre la escena en la que Rocket ve morir a sus amigos. A él le recordó cuando falleció su padre, según explicó:

En este último… de hecho lloré como loco al verlo, y cuando lo hicimos, hay una escena en la que pierde a su amigo, y el sonido que hace Rocket, lo único con lo que puedo identificarlo es el sonido que recuerdo. escuchar mi propia voz cuando mi papá falleció. Hay algo que escuchas. Y recuerdo cuando lo hicimos en el escenario de sonido… Había algo de verdad profunda en el sonido que salió de mi boca, y creo que eso es parte de por qué ese momento en esa película es algo así como, ‘mierda’.

Las nuevas memorias de John Stamos, Si me hubieras dichoincluye algunos sentimientos muy sinceros sobre su carrera, específicamente, sus días en Casa llena, en el que interpretó al tío Jesse. Mientras recordaba su tiempo en la querida serie TGIF y cómo estaba nervioso por el futuro del programa en un momento, también fue sincero sobre su difunto amigo y coprotagonista, Bob Saget, quien falleció en 2022. Ahora, coprotagonista Candace Cameron Bure se muestra sincera sobre sus propios sentimientos sobre las memorias y cómo fue mirarla nuevamente. Casa llena días con Saget.

Decir que hay muchas historias en el libro de John Stamos sería quedarse corto. Entonces, la idea de que incluso uno de sus coprotagonistas más cercanos no conozca todas sus experiencias no es descabellada. Candace Cameron Bure nos dijo a Us Weekly que había muchas historias que «nunca había escuchado» antes y que «lloró como un bebé» mientras escuchaba los recuerdos de Stamos sobre su padre en pantalla:

De hecho, lo escuché en audio, él lo narra y es muy bueno. Fue un libro hermoso. Su último capítulo fue sobre Bob y, en cierto modo, sobre cómo cerrar esa parte de su vida, y fue realmente hermoso.

Afortunadamente, los directores de «Succession» entendieron la forma única de trabajar de Strong y estaban dispuestos a jugar a la pelota para evocar el tipo de actuaciones innovadoras que sólo él es capaz de realizar. Esto implicó un nivel de comunicación sin precedentes entre el actor y el departamento de utilería, particularmente cuando se trataba de la extravagante fiesta de cumpleaños de Kendall. La fiesta fue un evento cuidadosamente organizado en el que Kendall fue tan exigente y mimada como siempre; así que, por supuesto, Strong hizo lo mismo. Algunas de sus solicitudes especiales para el episodio incluyeron un collar llamativo y agitadores de bebidas personalizados.

«Les pedí que hicieran un agitador de bebidas con mi cara, como impreso en 3D, con una corona», reveló a GQ. «Así lo hicieron».

Uno de los momentos más desgarradores de este episodio, que a su vez actúa como una exploración de la psique problemática de Kendall, es cuando el príncipe oscuro del programa busca infructuosamente el regalo que sus hijos le han dado entre una pila de regalos caros de invitados anónimos a la fiesta. Este fue otro caso en el que el departamento de utilería de «Succession» hizo un esfuerzo adicional para sumergir a Strong en la escena.

«Una cosa importante fue que decidimos que no queríamos tener un montón de cajas vacías», dijo la directora del episodio, Lorene Scafaria, en una entrevista con Vulture. «No queríamos esa magia típica de las películas, donde la pila de supuestos regalos son un montón de cajas vacías sin regalos reales dentro. Intentamos llenar tantas cajas como pudimos, así que si Jeremy realmente se metía y comenzaba a romper «Las cosas se abren, si comienza a romper cosas, si comienza a pisar cosas, no sentiría algunas cajas vacías falsas y sería sacado del momento».