Tras su exitoso lanzamiento mundial en IDFA, la película anticolonial aclamada por la crítica “Our Land, Our Freedom”, vendida por First Hand Films, consiguió un acuerdo con BBC Africa Eye.

“Our Land, Our Freedom”, una coproducción entre Kenia, Estados Unidos y Portugal, y la próxima película ambientada en India, “Kalari”, que se presentará en la muestra preliminar suiza del festival Visions du Réel docu, personifican lo que representa First Hand Films.

«Lo importante para First Hand Films es defender la diversidad, las minorías, las voces femeninas y los nuevos talentos», afirmó Esther van Messel, directora ejecutiva de la división suiza de ventas, producción y distribución de documentales, antes de Visions du Réel en Nyon, Suiza.

«Estamos muy contentos con esta venta, la primera de la película», afirmó el experimentado especialista en documentación van Messel.

Codirigida por Meena Nanji, radicada en Los Ángeles, y su homóloga keniana Zippy Kimundu, la película cuenta la búsqueda de la mujer keniana Wanjugu Kimathi de los restos de su padre Dedan Kimathi, el legendario líder de la rebelión Mau Mau, que fue ejecutado por las autoridades británicas en 1957. Su búsqueda se convierte en una investigación sobre las atrocidades coloniales británicas y un movimiento de base para reclamar tierras ancestrales.

«‘Our Land, Our Freedom’ es una película importante que explora cuestiones relacionadas con el legado, el colonialismo y los derechos sobre la tierra que son de particular interés para nuestras audiencias en toda África», dijo el editor de BBC Africa Eye, Tom Watson. «Esperamos presentar esta película en nuestras plataformas y llamar la atención de una audiencia más amplia».

La película ha sido producida por Eliane Ferreira para Muiraquitã Filmes, Meena Nanji para Twende Pictures y Zippy Kimundu para Afrofilms Int’l Ltd., en coproducción con Autentika Films.

Mientras que “Our Land, Our Freedom” ya está alimentando el debate sobre el pasado colonial británico y la propiedad de la tierra en Kenia, la próxima película de First Hand Films, “Kalari”, aborda otro tema apremiante: la violencia contra las mujeres en la India, “que es a la vez un problema histórico y una realidad diaria”, según el logline del doctor.

La película, codirigida por el dúo Bedi (la prometedora Maria Kaur Bedi y el multipremiado director indio Satindar Singh Bedi (“La maldición”)) se encuentra entre los seis documentales suizos de primer nivel que buscan cofinanciadores para presentarse en el Vista previa suiza del escaparate industrial de Visions du Réel (del 14 al 17 de abril).

Al más puro estilo verité, los codirectores siguen a cuatro jóvenes indias en su viaje hacia el autoempoderamiento, mientras les enseñan defensa personal con Kalari, el arte marcial más antiguo del mundo. El primer largometraje sobre Kalari seguirá a la leyenda de las artes marciales Meenakshi Amma, de 80 años, y sus extravagantes estudiantes.

Van Messel produce, con Spirited Heroine Productions de Bedi Duo, especializada en hacer películas sobre protagonistas femeninas luchadoras. «Tenemos varias fundaciones a bordo, financiación pública de Zurich y Berna y buscaremos activamente socios internacionales en Visions du Réel», dijo van Messel. Variedad. La película está prevista para su finalización en 2025.

Hablando de las tendencias del mercado, van Messel siente que el mercado es más difícil que nunca, con los streamers globales enfocándose en historias de celebridades alimentadas por algoritmos, evitando temas sociopolíticos, mientras que los locutores de pub tradicionales están en un estado de cambio, dijo.

“Las emisoras parecen haber desaparecido, especialmente en los países nórdicos; Ya no se dedican a la no ficción”, se lamentó.

Citando el éxito del festival “La vida es bella” de Mohamed Jabali, sobre la experiencia del director palestino de quedar atrapado en el limbo en el norte de Noruega cuando se cierran las fronteras con Gaza, van Messel enfatiza que fue adquirido recientemente por Al-Jazeera. «Ese acuerdo es fantástico para la película, pero, repito, no se vendió a las emisoras públicas».

Para navegar en este desafiante mercado, la experta en documentales dice que la diversificación es su receta: vender películas a nivel internacional, distribuirlas en salas en Suiza, producir y coproducir. “Me encanta eso. Pero hacer todo esto es un privilegio”, reconoció.

También ve potencial para nuevas fuentes de ingresos en AVOD y YouTube, y dijo: “Nosotros, como creadores de documentos, tenemos que captar a la audiencia donde está, incluido TikTok. Aquí es donde sucede todo ahora mismo. Nuestro trabajo como cineastas es involucrarnos y ser parte del rumor, mientras nos mantenemos fieles a nosotros mismos”.

El festival de cine documental Visions du Réel se celebrará del 12 al 21 de abril.

Shakira aparece en la portada de la revista Allure y no se guarda nada cuando se le pregunta qué piensa sobre “Barbie”, el éxito de taquilla dirigido por Greta Gerwig que encabezó la taquilla de 2023 con 1.400 millones de dólares en todo el mundo y obtuvo ocho nominaciones al Oscar, incluida la de mejor película. El ícono de la música dijo que en cierto modo estaba de acuerdo con sus dos hijos a quienes no les gustaba mucho “Barbie”, sugiriendo que era una pieza de la cultura pop que robaba “a los hombres su posibilidad de ser hombres”.

«Mis hijos lo odiaron absolutamente», dijo Shakira. “Sintieron que era castrador. Y estoy de acuerdo, hasta cierto punto. Estoy criando a dos niños. Quiero que ellos también se sientan poderosos [while] respetando a las mujeres. Me gusta la cultura pop cuando intenta empoderar a las mujeres sin privar a los hombres de su posibilidad de ser hombres, de proteger y proveer también. Creo en darle a las mujeres todas las herramientas y la confianza de que podemos hacerlo todo sin perder nuestra esencia, sin perder nuestra feminidad”.

“Creo que los hombres tienen un propósito en la sociedad y las mujeres tienen otro propósito también”, añadió la cantante. «Nos complementamos y ese complemento no debe perderse».

“¿El hecho de que una mujer pueda hacerlo todo no significa que deba hacerlo?” preguntó el entrevistador.

“¿Por qué no compartir la carga con personas que merecen llevarla, que también tienen el deber de llevarla?” Respondió Shakira.

La entrevista de Shakira no es la primera vez que una figura pública percibe a “Barbie” como castradora. La comedia de fantasía alteró las plumas de algunas figuras conservadoras durante su estreno en cines, y el podcaster Matt Walsh la condenó como “el festival de propaganda feminista anti-hombre más agresivo jamás filmado”. Bill Maher luego criticó la película como «que odia a los hombres».

Gerwig, quien también coescribió el guión de “Barbie” con Noah Baumbach, opinó sobre la reacción en una entrevista con The New York Times en la que dijo que nunca esperó tal respuesta.

“Ciertamente hay mucha pasión”, añadió el cineasta. “Mi esperanza para la película es que sea una invitación para que todos sean parte de la fiesta y dejen de lado las cosas que no necesariamente nos sirven ni como mujeres ni como hombres. Espero que toda esa pasión, si la ven o se involucran con ella, pueda brindarles algo del alivio que les brindó a otras personas”.

La reacción llevó a otras celebridades a hablar en apoyo de “Barbie”, incluido Marc Maron.

“El hecho de que ciertos hombres se sintieran ofendidos hasta el punto de que, ya sabes, intentaron construir una brecha en torno a ello en términos de su narrativa es de derecha. [explicative]”, dijo Maron en su podcast. “Es muy vergonzoso para ellos. Quiero decir, muy vergonzoso para ellos. Cualquier tipo que no pueda soportar esos golpes en esa película, realmente tiene que mirarse dentro de los pantalones y decidir de qué están hechos. Quiero decir, Dios mío, qué montón de bebés jodidamente inseguros”.

Shakira está dando la vuelta a la prensa en apoyo de su nuevo álbum, “Las Mujeres Ya No Lloran”. Lea su artículo completo de portada de la revista Allure aquí.

Cualquiera que conozca la situación personal y política de Jafar Panahi en los últimos 12 años podría sentir un escalofrío en la columna cuando sin osos, lo último del director iraní, se estrena en una calle de una ciudad turca sin nombre. En 2010, Panahi fue arrestado por hablar en contra del gobierno iraní y fue condenado a seis años de prisión. Después de que fracasaran sus apelaciones, fue puesto bajo arresto domiciliario y se le prohibió hacer películas por 20 años. Pero siguió trabajando, clandestina y hábilmente haciendo películas protagonizadas por él mismo que hablaban de su encierro físico y espiritual. Cada nuevo esfuerzo parecía empujar un poco más contra sus restricciones. 2011 Esto no es una película era básicamente un diario en video filmado en el departamento de Panahi. 2013 cortina cerrada fue un drama elíptico y paranoico filmado en su casa de verano. Para 2015 Taxi, condujo un taxi por Teherán, interactuando con una muestra representativa de la sociedad detrás de su volante. en 2018 3 carasél y la estrella iraní Behnaz Jafari (interpretándose a sí misma) viajan a un pueblo remoto para investigar sobre el presunto suicidio de una aspirante a actriz adolescente.

Así que al ver a Turquía en los cuadros iniciales de lo último de Panahi, uno podría ser perdonado por pensar brevemente que el director finalmente ha huido de Irán. De hecho, su situación a partir de este escrito es preocupante: en julio, solo un par de meses después sin osos envuelto, Panahi fue encarcelado, supuestamente para cumplir esa sentencia de seis años de 2010, y actualmente está preso en la prisión de Evin de Teherán, junto con los cineastas Mohammad Rasoulof y Mostafa Al-Ahmad, donde, según los informes, ha sido objeto de abusos. Tiempo sin osos es profundamente poderoso por derecho propio, el conocimiento de que su creador está encarcelado le da a sus exploraciones del exilio, la verdad y la libertad una urgencia atrapante.

Irónicamente, Panahi (nuevamente interpretando a sí mismo) parece ser un poco más libre para moverse en sin osos de lo que ha estado en años. Esos momentos iniciales en Turquía se revelan rápidamente como una escena de una película que está dirigiendo de forma remota, en una videoconferencia con su elenco y equipo mientras se queda en una pequeña aldea azerí en Irán, cerca de la frontera con Turquía. La película que está filmando trata sobre una pareja de refugiados iraníes, Bakhtiyar (Bakhtiyar Panjeei) y Zara (Mina Kavani), que han estado atrapados en Turquía durante años y están tratando de encontrar la manera de irse a otro país. En un toque típico de metajuego, se nos dice que estos actores (ficticios) están interpretando personajes basados ​​en ellos mismos.

Su situación también podría ser una especie de proyección. En sin ososEn la escena más cautivadora, Panahi maneja hacia las colinas una noche para una reunión secreta con su asistente de dirección, Reza (Reza Heydari), quien ha traído un disco duro con imágenes del rodaje en Turquía. Reza le dice a Panahi que toda esta área está controlada por contrabandistas y que sería bastante fácil cruzar a Turquía. Lleva a Panahi a la cima de una colina remota, donde las luces de la cercana ciudad turca brillan seductoramente en la noche. El director le pregunta a Reza dónde está la frontera real. “Estás de pie sobre él. Exactamente”, dice el hombre. Sobresaltado, Panahi salta hacia atrás.

Ese pequeño salto incómodo y asustado al otro lado de la frontera atormenta sin osos. Parece que a Panahi le costaría muy poco esfuerzo huir de su país y encontrar algo parecido a la libertad en otro lugar. Después de todo, ¿por qué venir a este pueblo remoto, donde su señal de Internet es dudosa y donde las condiciones de vida son duras (y donde su elegante automóvil inmediatamente despierta sospechas entre las autoridades locales), para hacer una sesión remota en otro país? Obtendría una mejor recepción en su casa en Teherán. Cuando se le pregunta sobre esto, Panahi dice que quiere estar cerca de su producción. Eso es comprensible para un cineasta tan determinado a lo largo de su carrera por capturar la vida tal como se vive; la idea de hacer una película mientras permanece a miles de kilómetros de la cámara debe parecerle obscena. Pero tampoco es difícil imaginar que Panahi podría soñar con escapar. Tal vez el mero hecho de tener la posibilidad de volar sea una pequeña forma de reafirmar su libertad, aunque no se atreva a aprovecharla.

¿Se niega Panahi a irse porque, a pesar de todo su activismo y arte renegado, sigue siendo esencialmente alguien que sigue las reglas? ¿O se niega a irse porque sin su tierra no sabría qué hacer ni quién ser? Más que cualquier otro cineasta iraní desde su mentor Abbas Kiarostami, Panahi se ha basado en la creación de retratos hiperrealistas de la gente común. Él quiere – él necesidades – el mundo se entromete en su marco, tanto que un par de sus películas a veces se han confundido con documentales. Es fácil hacer suposiciones similares mientras mira sin osos dado que Panahi a menudo elige a no profesionales (incluido, por supuesto, él mismo) y filma en escenarios auténticos. (Seguía teniendo que recordarme a mí mismo que estaba viendo una ficción a pesar de que esta ciudad fronteriza turca de aspecto curiosamente moderno era claramente Estambul, al otro lado del país).

La idea de la verdad, cómo se representa, manipula, acepta y evade, siempre ha sido una de las obsesiones de Panahi, quizás nunca más que en esta película. Mientras el director trata de lidiar con una crisis que estalla en su plató turco, se encuentra en medio de un escándalo en un pueblo de Irán, donde resulta que podría haber fotografiado sin darse cuenta a dos amantes prohibidos, Gozal (Darya Alei) y Solduz ( Amir Davari), teniendo una cita clandestina. Gozal Evidentemente, su familia la prometió a otro hombre desde que nació, y los jóvenes amantes quieren que Panahi oculte la imagen durante al menos una semana, el tiempo suficiente para escapar y fugarse. Sin embargo, un grupo de lugareños acorrala a Panahi y le pide la foto para usarla como prueba contra Solduz para mantenerlo alejado de Gozal.

Curiosamente, nunca vemos la instantánea en cuestión, ni sabemos realmente si Panahi la tiene. Él insiste en que no lo hace, mostrando a los aldeanos el rollo de su cámara y ofreciéndoles su tarjeta de memoria. Estos hombres en realidad nunca acusan a Panahi de nada. Son como una versión rural más amable y tierna de los burócratas de Kafka: educados y deferentes, están dispuestos a aceptar sus negaciones, pero siguen encontrando nuevas formas para que él las reivindique, sobre todo durante un ritual local en el que debe jurar sobre el Corán. En un momento, un aldeano lleva a Panahi a un lado y le dice que está bien que mienta durante el ritual. El hombre también lo asusta brevemente con una historia de osos sueltos en el pueblo, luego casi con la misma rapidez le dice que los osos son un mito, una historia inventada por la gente supersticiosa del pueblo para asustar a la gente. “Nuestro miedo empodera a otros. Sin osos”, reflexiona el aldeano, una línea aparentemente descartable que establece una conexión entre todos los mitos, reglas y tradiciones que unen a estos personajes y los supuestos peligros de un mundo sin ellos. Esas costumbres e instituciones, está claro, hace tiempo que perdieron todo significado o conexión con la vida real. El conflicto del director no se centra tanto en lo que sucedió o lo que presenció (o no) sino en lo que está dispuesto a decir al respecto.

Este no es un retrato del artista como héroe o víctima valiente y veraz; Panahi es demasiado curioso y probablemente demasiado modesto para seguir ese camino. Cuando se vio obligado, hace más de una década, a enfocarse en sí mismo y convertirse en su propio sujeto, aprovechó la oportunidad para cuestionar la naturaleza de su arte y explorar cómo su trabajo podía expresar y comprometer su humanidad. Sus películas más recientes (que la estudiosa Lúcia Nagib llamó su “tetralogía prohibida”, aunque supongo que ahora debemos llamarla una pentalogía prohibida) han socavado la idea del director como un ojo de cámara desinteresado sin agencia ni imperativo. Como cineasta —o, mejor dicho, como el cineasta pseudoficticio conocido como Jafar Panahi que ha interpretado en estas películas— se le presentan constantemente situaciones en las que debe considerar si intervenir o no. Y, a menudo, está atrapado entre los vientos. Estas películas tienden al caos con el autor en pantalla sin poder, incapaz de cambiar el mundo que lo rodea.

sin osos bien podría llegar a ser la película final de Panahi en este ciclo monumental de proyectos autorreflexivos. Dada su situación actual, no sabemos qué le depara el futuro a él, ni a su trabajo. sin osos en sí mismo es probablemente la expresión más poderosa de la sala de espejos existencial en la que se encuentra. A un lado de la cámara tenemos a dos amantes dispuestos a escapar de su tierra. Por otro lado, tenemos a dos amantes que se han escapado pero no han encontrado la libertad y siguen prófugos. Y luego, detrás de la cámara, tenemos al director que se queda atrás y se ha convertido en el protagonista frustrado de su propio drama enredado y de pesadilla. Como sin osos A medida que avanza, se vuelve cada vez más difícil decir lo que estamos viendo: una ficción que Panahi ha escrito, la realidad documental detrás de esa ficción u otro nivel de verdad que se ha hecho cargo y ahora amenaza con descarrilar su proyecto. Y ahora, al encarcelar a este artista que se negó a huir, las autoridades iraníes han agregado una capa final y monstruosa de significado a la obra maestra de Panahi.

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HealthAtom tiene como objetivo ser el sistema de operaciones basado en la nube de referencia para las pequeñas y medianas empresas de atención médica en América Latina (LatAm). Aunque la compañía existe desde 2012, esta es la primera vez que anuncia capital fresco, por un monto de $ 10 millones.

Las suites de software medilink y dentalink de HealthAtom permiten que las clínicas creen horarios, administren registros de salud electrónicos, manejen inventarios, administren nóminas y proporcionen desgloses de presupuestos y presentaciones regulatorias. También tienen capacidades de telesalud que permiten a los pacientes acceder a sus registros en un dispositivo móvil.

El proveedor se comunicará con HealthAtom con información sobre el tamaño de sus operaciones y sus necesidades y deseos. Después de una consulta, se establecerá un plan y se podrá transferir la información a la plataforma en la nube, cumpliendo con las regulaciones locales. Según los fundadores, una clínica puede tener sus operaciones en funcionamiento en el sistema en tres horas.

Según el tamaño de la operación y las regulaciones locales, una clínica puede pagar entre $20 y $20,000 mensuales. Hoy, HealthAtom tiene cerca de 6500 clientes en 20 países con operaciones principales en Chile, Colombia y México. Además, 50.000 médicos y dentistas utilizan los servicios de la empresa y procesan más de 42 millones de citas al año.

“Estamos en el punto donde se da la tensión de venta, a nivel de información”, dijo el cofundador y CEO Roberto León en entrevista con TechCrunch (realizada en español y traducida por el autor). “Es una herramienta que podría trascender más allá del SaaS y transformarnos en una solución tecnológica que tenga integrado todo el ecosistema para aumentar la transparencia de los procesos de salud”.

Según un informe realizado por McKinsey Global Institute, la adopción digital dentro de los sistemas de salud en LatAm ha atendido a los hospitales más grandes y ha dejado de lado a las pequeñas y medianas empresas. Además, las ofertas disponibles para las PYMES suelen ser menos asequibles y no proporcionan lo que necesita una clínica. HealthAtom quiere ser parte de la solución al ser la «ventanilla única» para que las clínicas de atención médica pequeñas y medianas administren sus operaciones.

Aunque hay algunas empresas locales y específicas de cada país que brindan servicios similares, HealthAtom sigue siendo el único proveedor en toda América Latina. Aunque la compañía brinda un alcance continental, los fundadores le dijeron a TechCrunch que ha sido un desafío cumplir con las regulaciones de cada país.

“Existe una regulación y cumplimiento con respecto a cómo se firman las cosas, cómo se almacena la información, cómo se deben registrar ciertos datos de salud”, dijo el cofundador y CPO Daniel Guajardo. “Todo esto tiene variaciones de país a país y nos ha permitido, en estos 10 años de bootstrapping, poder enfocarnos en tener un producto muy regionalizado”.

HealthAtom obtuvo apoyo en forma de una Serie A de $ 10 millones dirigida por Kayyak Ventures, con la participación de FJ Labs, Soma, Amador, Taram y un (número) de ángeles.

Los fondos de esta ronda se destinarán a incorporar pagos integrados en su software, formar sociedades con compañías de seguros y desarrollar un programa de préstamos para pacientes.

En una entrevista diferente, Clarke habla de manera similar sobre sentirse presionada para hacer escenas con las que no se sentía del todo cómoda en los primeros días de la serie, y dijo: «Estaba tan desesperado por ser el actor más profesional que podría ser que sería como , ‘Sí, claro’, por todo lo que me tiraron. Lloraré por eso en el baño más tarde, lo que sea, no lo sabrás”. Afortunadamente, HBO ha instituido desde entonces un requisito para que los coordinadores de intimidad estén presentes en cualquier escena íntima, pero es difícil volver atrás y mirar Game of Thrones sabiendo que las mujeres no eran tratadas mucho mejor entre bastidores.

A este respecto, Casa del Dragón ya ha tenido un comienzo mucho mejor. Emily Carey, quien interpreta a la joven Alicent Hightower y usa los pronombres ella/ellos, le dijo recientemente a Newsweek lo agradecidos que están por el coordinador de intimidad que la serie tiene en el set. Carey solo tenía 17 años cuando interpretó este papel, por lo que estaban (con razón) asustados acerca de cómo abordar las escenas más íntimas que tienen con el actor de King Viserys, Paddy Considine, que tenía 47 años en ese momento. empezaron a mirar Game of Thrones prepararse, pero ver cuán violentas son muchas de las escenas de sexo en ese programa solo los puso más nerviosos.

Sin embargo, gracias a la coordinadora de intimidad y directora del episodio 4, Clare Kilner, Carey finalmente se sintió segura al interpretar estas escenas íntimas. Nunca se sintieron «rechazados» o «incómodos» por hacer preguntas o expresar inquietudes durante el ensayo o la filmación, y elogian lo «empoderador» que fue para ellos estar en este set. Saber que Carey no se sintió insegura ni patrocinada durante la filmación le da una nueva perspectiva a su actuación como Alicent. A pesar de que Alicent es en gran medida una víctima del patriarcado y su posición social, la perspectiva femenina que Kilner le da al episodio 4 nos da más oportunidad de identificar con Alicent en lugar de ser simples espectadores de sus terribles circunstancias.

Cuando esencialmente se ve obligada a acostarse con Viserys, en lugar de mostrar desnudez gratuita o centrarse en el acto sexual en sí, pasamos más tiempo en el rostro de Alicent y sus emociones en este momento. Debido a que la escena está coreografiada con anticipación por el coordinador de intimidad y el director, Carey puede concentrarse más en lo que Alicent siente en este momento en lugar de dónde deben ir sus manos o qué debe hacer con su cuerpo, y eso viene. a través de su actuación.

Rhaenyra también pasa por su propia forma de abuso en el episodio 4 cuando su tío Daemon la lleva a una guarida de placer para hacer lo que quiera con ella. Al acercarse a esta escena, Kilner le dice a HBO House of the Dragon: Dentro del episodio lo importante que fue para ella filmar esta escena, y la posterior conexión de Rhaenyra con Ser Criston Cole (Fabien Frankel), desde el «punto de vista correcto» y no desde la perspectiva centrada en el hombre que normalmente vemos en la pantalla. Tanto en el burdel como en el dormitorio de Rhaenyra, era importante para Kilner que viéramos a ambos hombres y mujeres experimentando placer en la pantalla. Aunque Daemon fuerza a Rhaenyra a esta situación, también vemos que algo despierta en ella que la lleva a su experiencia más poderosa con Ser Cole más tarde esa noche.

En todos estos escenarios, los actores Emily Carey y Milly Alcock están más protegidos tras bambalinas que los personajes que interpretan en la pantalla. Entre Kilner y el coordinador de intimidad, Carey y Alcock tienen mejor apoyo que sus compañeros. Game of Thrones actores en el set, y ese es un paso importante en la dirección correcta para esta franquicia. Proteger a los actores jóvenes y ayudarlos a sentirse seguros dará lugar a mejores actuaciones más que cualquier «espontaneidad».

de neil marshall El descenso, sigue siendo una de las películas de terror feministas más empoderadoras hasta la fecha. Si bien a lo largo del género, la mayoría de los personajes femeninos son demasiado sexualizados y asesinados primero, El descenso rechazó los clichés de terror usados ​​en exceso y todos los estereotipos sociales de las mujeres, y decidió traer a la escena a un grupo de protagonistas femeninas (junto con algunas de las criaturas más aterradoras de la década), que encarnan la valentía y la energía completamente ruda.

La película aclamada por la crítica sigue a seis viejos amigos que se reencuentran después de la muerte del esposo y la hija de la protagonista, a quienes perdió en un trágico accidente automovilístico. Como Sarah todavía se está recuperando y llena de dolor, ella y sus amigos deciden hacer un viaje a los remotos Apalaches occidentales y bucear en cuevas. La pandilla tiene intenciones de un divertido viaje de unión alimentado por estrógenos y, contrariamente a las suposiciones sociales para una noche de chicas, una aventura llena de testosterona.

Sin embargo, su descenso a las turbias profundidades de la tierra toma un giro claustrofóbico y aterrador cuando se enfrentan a criaturas humanoides sedientas de sangre. Sin embargo, no son solo los monstruos con los que tienen que luchar, ya que son las personas que parecen valer la pena salvar las que pueden causar el mismo daño.

Las mujeres son fuertes, ¿verdad?

Aunque a menudo se presenta a las mujeres como pasivas, débiles y dependientes de sus contrapartes masculinas, es interesante ver cómo El descenso muestra sus intenciones feministas al crear personajes femeninos que son increíblemente fuertes y valientes, al mismo tiempo que muestra el lado más «real», donde en realidad son desordenados y egoístas. En tus películas de terror clásicas, los protagonistas masculinos son retratados como héroes, que por supuesto son los fuertes y musculosos caballeros blancos y protectores de las mujeres. El descenso argumenta en contra de esto al darnos una idea de una historia más realista, donde no todas las mujeres necesitan ser salvadas o incluso pueden ser salvadas, y donde la situación es complicada y aterradora; lo manejan como verdaderas mujeres rudas.

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Nuestras protagonistas se ven envueltas en una situación que nos gusta pensar que sacaría lo mejor de nosotras, nuestros fuertes poderes femeninos, donde podemos luchar y sobrevivir, pero simplemente no es realista; las mujeres son fuertes, por todos los medios, pero no todos son héroes. En cambio, cometen errores, las personas se lastiman y, sin embargo, se abren paso hasta el final y luchan por sus vidas lo mejor que pueden, no siempre con éxito, lo cual es extremadamente representativo de la vida real y cotidiana.

matar o ser asesinado

Tener un elenco liderado únicamente por mujeres permitió más posibilidades para la historia de las amistades femeninas, centrándose específicamente en la dinámica de la relación de Sarah con todos los demás. Esto ilumina la intención feminista de la película, que no se habría transmitido tan bien con un elenco de género mixto, donde los hombres y las mujeres rara vez pueden mostrarse en una relación puramente platónica sin ninguna tensión romántica o sexual.

Si bien al principio, a los espectadores se les da la impresión de que es una película sobre la amistad y cómo las mujeres deben permanecer unidas, rápidamente se vuelve evidente que es una película en la que las mujeres simplemente luchan por sobrevivir, y los extremos brutales que deben tomar para hacerlo. entonces. La mayor parte de El descenso es que no rehuye mostrar cómo las mujeres pueden ser violentas y crueles. La película es una representación perfecta de «matar o morir», donde incluso en la vida cotidiana, las mujeres tienen que cuidarse y protegerse de la crueldad del mundo, de los demás y, a veces, incluso de sus amigos más cercanos.

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En El descenso, particularmente con Sarah y su amiga más cercana, Juno, las mujeres no tienen miedo de luchar salvajemente por sobrevivir. Es posible que estemos acostumbrados a ver la violencia dirigida hacia las mujeres que no pueden defenderse y confían en un protagonista masculino para rescatarlas, pero estas mujeres brutales y arrancadoras de ojos están alimentadas por la ira y el dolor. Eventualmente nos damos cuenta de que estas mujeres se han sintonizado con su instinto de supervivencia, y se convierte en una situación literal de «tú o yo», por lo que no podemos culparlas. Parece ser muy evidente que tendemos a subestimar el poder y las habilidades de las mujeres. Son grandes ejemplos de cómo las mujeres pueden ser mental y físicamente fuertes y capaces de sobrevivir solas.

Empoderamiento de las mujeres

El descenso es una gran película feminista empoderadora que estimuló una serie de otras películas basadas en personajes femeninos. Es inspirador por la posibilidad de que más películas de terror sean dirigidas por mujeres e introduzcan mujeres más duras y empoderadoras en el cine. Entre los temas poderosos del feminismo, también hubo temas importantes y subyacentes de dolor, pérdida y amistad que también tocan nuestras fibras sensibles; la película podría considerarse una alegoría catártica del proceso de supervivencia del duelo.

En general, sería una pena ignorar cuánto El descenso lo convierte en una película de terror increíblemente tensa, que genera sentimientos de miedo genuino y claustrofobia. Sin duda, hizo que la audiencia contuviera la respiración y luego la liberara con los gritos de algunos excelentes sustos (que a la mayoría de los fanáticos del terror les encanta) de los monstruos grotescos descritos como ‘rastreadores’ que deambulan por la cueva. A todos nos encanta una buena película de miedo, pero las amamos aún más cuando tiene un grupo de mujeres fuertes e independientes pateando traseros.

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