Una tarde de marzo, en una parada de autobús de la Langstrasse, un joven grita: “¡Oye, haz otro vídeo! ¡Estoy esperando!» La persona a la que se dirige se ríe, saluda con la mano, pero luego entra rápidamente en el autobús con su séquito. El joven es un fanático, pero también un poco borracho. En el autobús, una mujer se da vuelta y grita: “¡Dios mío, ese eres tú!” Ella está hablando por teléfono, interrumpe la llamada y pregunta si puede tomarse una selfie con el grupo. Luego se da vuelta y dice por teléfono: “Lo siento, acabo de tener un momento fangirl. Espera, sí, te acabo de enviar la foto”.

Cedric Schild es sin duda el comediante de mayor éxito en Suiza en la actualidad. Pero el culto a las estrellas que Schild y su equipo están experimentando actualmente es un poco inusual. Lo que es aún más inusual es que en Suiza la gente se dirija tan directamente a las estrellas y se olvide de cualquier restricción.

Quizás también sea porque Cedi Schild no es particularmente reservado en sus vídeos como Supercedi. Para decirlo de manera conservadora.

Schild se dio a conocer como protagonista, presentadora y presentadora de videos cortos para el medio online “Izzy Magazine”. Hizo bromas telefónicas y convenció al personal del ejército para que enviara por fax datos protegidos, apareció en los medios sensacionalistas con un círculo de cultivo artificial y condenó a un político local de la UDC por intentar manipular las elecciones.

Siempre fue descarado y directo. La gente podría pensar que se puede hablar con alguien así de forma descarada y directa. Sobre todo porque es difícil distinguir a Cedi del personaje ficticio Supercedi, pero tal vez no sea necesario. En cualquier caso, Cedi dice quién es en privado, su vida privada, su novia, sus padres, todo eso, no es asunto de nadie. No entiende por qué tendría que revelar algo sobre sí mismo. Me parece bien. Deberías confiar en la palabra de alguien así.

La tarde del mes de marzo, Cedi se dirige a una ceremonia de entrega de premios ofrecida por periodistas suizos. Sí, Cedi Schild es considerado un comediante, pero sus vídeos operan en una zona gris. A menudo cuentan una historia, revelan un absurdo o una injusticia. Tiene elementos periodísticos, pero a la vez suele ser muy divertido. Si le preguntas a Cedi cuál es su trabajo, responde: “Soy periodista. Incluso tengo un diploma en casa”. Luego suelta una risita cedi como se ve en los videos. Entonces esto es real.

Se está divirtiendo jugando a este juego de rol. Porque a los periodistas parece molestarles que alguien, con temas no tan áridos pero sí parcialmente relevantes, pueda tener tanto éxito entre los jóvenes, sea tan divertido, se llame a sí mismo periodista y, sin embargo, no respete todas las reglas periodísticas. del comercio. Y cuanto más molesta a los periodistas, más disfruta Cedi señalando su diploma de la escuela de periodismo.

Por eso ahora espera con ansias la ocasión en que le concederán el título de Videoperiodista del año. La industria de los medios de comunicación es pequeña, en estas ceremonias normalmente todo el mundo habla entre sí, pero el equipo Izzy de Cedi no se mezcla con los periodistas. Más tarde, Cedi pronuncia el discurso de aceptación más divertido de la velada y antes del aperitivo se marcha con un diploma enmarcado.

75 por ciento de suerte

Unas semanas antes de la ceremonia de premiación, Cedi dio su mayor golpe hasta el momento con una película de casi hora y media de duración. También en “Los embaucadores de los nietos” desdibujó las fronteras de género y llevó con su equipo al extremo el papel del “cajero caído de Langstrasse” (Cedi).

La película muestra la receta del éxito de Schild. El problema es grave: las personas mayores son estafadas con enormes sumas de dinero cada año, y aquellos que sucumben a los estafadores de sus nietos quedan traumatizados; y los afectados también dan su opinión en la película. Schild la entrevista con tanta sensibilidad como lo harían los realizadores de documentales sobre SRF.

Pero entonces Schild se adentra en un campo que llama “periodismo tú”. Él mismo se convierte en actor, espera durante meses como cebo a que los estafadores de sus nietos se pongan en contacto con él y luego los engaña por teléfono. La investigación se convierte en una broma y Supercedi defrauda al estafador telefónico. En algún momento, Supercedi corre detrás del recaudador de dinero de la banda de estafadores con un micrófono en mano y sonríe triunfalmente a la cámara mientras la policía arresta al llamado «burro».

Cedi Schild, que creció en Uster, hizo prácticas como diseñador de tecnología publicitaria y luego llegó relativamente por casualidad a Radio 105. Esa fue la primera vez que tuvo suerte, porque la radio lo contrató a pesar de que fracasó en la entrevista de trabajo. («Me preguntaron: ‘¿Sabes lo que pasó en Boston?’. Dije: ‘No, no lo sé’. ¡Y solo estaba el atentado maratónico!») Pero después de cinco meses la radio quebró y Cedi Se preguntó si debía volver “a la obra”.

Luego tuvo suerte por segunda vez, porque Roger Schawinski se hizo cargo de la radio y no despidió a Cedi («Quizás porque acabo de ganar 500 francos como becario»). Y quizás también fue una suerte que la gente de Ringier, que tenía que desarrollar una nueva revista de redes sociales para jóvenes, conociera a él, que ahora presentaba un programa de radio matutino.

Schild dice que su éxito es «75 por ciento de suerte, 12,5 por ciento de trabajo y 12,5 por ciento de talento». Quizás esta frase explique más la popularidad de Schild entre el grupo objetivo de la Generación Z, tímido para trabajar, que su receta real para el éxito. Porque en realidad todo es trabajo duro. Y requiere perseverancia y perseverancia.

De todos modos, Schild habla como un perfeccionista. Habla de cuántas ideas fracasan, de cuánto tiempo busca la implementación adecuada para un tema y no se limita a «ir a algún lugar con la cámara y luego ver qué pasa».

La afición de Schild es la pesca. Esto es lo más personal que revela sobre sí mismo. Luego dice que ya es muy terco al respecto. «Un día vas a pescar y pescas un buen pez, y al día siguiente no cambias nada, el clima es el mismo, la presión del aire es la misma, el nivel del agua es el mismo, haces exactamente lo mismo en al mismo tiempo y no pescarás nada. Entonces todavía tienes que buscar el defecto en ti mismo y no en el pez. Entonces serás un buen pescador.»

El 75 por ciento de felicidad suena diferente.

El revelador Almir

El jueves por la tarde Cedric Schild celebró el estreno de su programa teatral. Locutor de radio, estrella de Instagram, realizador de documentales gonzo y ahora comediante. El último paso es el más valiente. No sólo porque de repente estás tocando en vivo frente a más de cien personas y no puedes editar los errores. Lo que funciona en cortometrajes (o incluso en películas más largas) no necesariamente tiene que ser divertido en el escenario.

Schild lo anticipó. “Yo de Videos soy más divertido” es el título del programa. Y él es de alguna manera el problema. Ya al ​​principio, Schild explica que le debe el título a una Instagrammer que le pidió su número mientras coqueteaba y, cuando él se negó, le explicó que era más divertido en los vídeos. La respuesta de Cedi en el escenario: «No le dije que se veía más sexy en sus fotos en Insta».

Es un chiste que funciona en la sala del estreno. Y el tono fija. Tiene una sorprendente cantidad de chistes que uno podría descartar con benevolencia como chistes de papá, pero que muchos también considerarían simplemente sexistas y adolescentes. Algunas cosas parecen un viaje en el tiempo a los años 1990 y 2000.

Por ejemplo, cuando Cedi interpreta al personaje de Almir, que explica al público cómo lucir genial en el “recorrido por la estación” en coche. Cedi bromea diciendo que a este personaje ya no se le permitirá jugar en 2024. Probablemente se trata de una defensa de que al espectador se le muestran sus propios prejuicios desde el principio: «Si no puedes permitirte un buen coche, entonces hay una palabra mágica que empieza con L», dice Almir. El espectador piensa en el alquiler, dice Almir: “Aprendizaje”. Pero el momento en el que Supercedi muestra el espejo al público es breve, y luego sigue el sketch con un migrante poco inteligente que se ajusta a todos los prejuicios.

Cedi es bueno en términos de artesanía. El estilo y los gestos están perfectamente copiados de los imitados. Pero exagerar en los bocetos un grupo de población o un grupo profesional ya no es original. Pero quizás ese no sea el objetivo si ya has perfeccionado la broma telefónica de antemano.

Cedi puede permitírselo al público. Su grupo objetivo creció sin los bocetos de Giacobbo. Y finalmente, Supercedi, el personaje, es un sinvergüenza al que se le puede perdonar cualquier cosa. Se burla de la policía, incluso lo denuncian una vez, se burla del político local, se sale con la suya porque se da cuenta de que quedaría mal si denunciara al querido Supercedi; en resumen: Supercedi se divierte en la vida y se sale con la suya. ¿Quién no querría ser Supercedi?

¿Y no son tiempos demasiado difíciles de todos modos? Hay algo liberador en Supercedi. No existe una autocensura despierta y, en la mayoría de los casos, es contra aquellos que de todos modos gozan de poca simpatía: policías, oficiales del ejército y turistas sexuales. El hecho de que el imitador del coche migrante tenga que encajar en el cartel es tan revelador para el público como lo es para el propio equipo de escena.

Devo se dirige a Sundance, no sólo para el estreno en el festival del documental dirigido por Chris Smith que comparte el nombre de la banda, sino también para una actuación del grupo el 21 de enero en el recién inaugurado Marquis en Main Street. Y tal vez eso no sea todo por parte de los vanguardistas del rock convertidos en creadores de éxitos de “Whip It”.

“La pólvora va a volar”, promete el miembro original Gerald Casale.

«Estaremos esquiando», coincide el cofundador Mark Mothersbaugh. «Haremos esquí acrobático».

Bueno, dejémoslo en el estreno y la actuación, entonces; Lo más probable es que Mothersbaugh y Casale no tengan la intención de volver a poner al «deportista» en «Jocko Homo». Pero hace 45 o 50 años, estaban destruyendo todo lo que se pareciera a las normas o costumbres del rock ‘n’ roll, como se refleja en “Devo” de Smith, que narra medio siglo en el que el grupo hizo todo lo posible para introducir ideas filosóficas y musicales subversivas. a la corriente principal, especialmente en sus años de formación más revolucionarios.

Cuando se convirtieron en elementos básicos de MTV a principios de los 80, había algo un poco más fácil de usar, si no realmente tierno, en Devo, mientras cabalgaban sobre una ola de synth-pop, en su rizo más atrevido. Pero desde sus orígenes como estudiantes de Kent State en Akron en 1973 hasta sus primeras grabaciones, había algo un poco más aterrador en Devo, con su uso de máscaras y riffs descentrados y su evangelización de la teoría de la “devolución”. Esos fueron elementos que nunca desaparecieron por completo, incluso cuando pasaron de una teatralidad extraña a competir por un lugar entre los 40 primeros.

Es difícil pensar en algo más en la cultura pop que comenzó como puro arte escénico y terminó siendo tan aceptado como pop. “Tangencialmente, tal vez hubo elementos en Velvet Underground, ciertamente, que presagiaban eso”, dice Casale. “Y si nos remontamos a los años 20 y al dadaísmo, hay elementos de eso, aunque no se desarrolla de la misma manera. Pero sí, lo que Chris captó fue la singularidad de la visión de Devo, lo que estábamos haciendo. Como dice la gente, «estaban en su propio carril», y eso es absolutamente cierto en nuestro caso. Fue genial para los forasteros y los grupos privados de derechos, porque Devo estaba haciendo algo un poco transgresor, un poco travieso, un poco intelectualmente desafiante, y eso era lo que nos sacaba del apuro. Y se ha sostenido y resistido la prueba del tiempo en algún nivel”.

La película captura los extraños giros del destino y el arribismo que hicieron que una banda que estaba siendo abucheada fuera del escenario en los clubes de Akron de repente, en un período de años, fuera bienvenida en los programas de televisión más populares de Estados Unidos. Como deja claro la película, eso representó, para ellos, el colmo de la subversión, en lugar de venderse.

“Tal vez deberíamos haber vendido todas las entradas”, dice Casale. “Pero cuando miras eso, una vez más, no nos estamos vendiendo, es simplemente esta yuxtaposición incongruente de una realidad devorándose a otra frente a una cámara de televisión. [Going on] Mike Douglas, Merv Griffin, Dick Clark, Wolfman Jack…. Quiero decir, es muy divertido de ver”.

El documental captura la época de finales de los años 70 y 80 cuando la banda encontró una especie de socio filosófico en Neil Young, quien utilizó a Devo extensamente como actor y músico en su propia película experimental, «Human Highway» (y fue obviamente influenciado por ellos al hacer su álbum “Trans” lleno de sintetizadores). Pero incluso Young tenía algo sobre el grupo que no entendía del todo.

«Neil era un artista increíble», dice Mothersbaugh, «y cuando miras atrás y miras ‘Human Highway’ y sus otras películas, las hizo de la misma manera que Robert Downey Sr. solía hacer películas, lo cual era muy vanguardista». jardín, en las calles e ideando ideas a medida que avanzaban. Así que definitivamente teníamos cosas que ambos aceptamos, mientras que también había cosas que eran abstractas y ajenas entre sí. Recuerdo que cuando Neil vio nuestro primer álbum, me regañó por poner productos (mercancías) en la portada interior. Estábamos muy entusiasmados con eso, porque era como la última página de un cómic, ¿sabes? Ese era el tipo de cosas que hacían volar nuestra imaginación. Pero tampoco eran camisetas de rock ‘n’ roll. Era tan original como la música. Y nos costó mucho dinero tener que fabricar esas cosas, porque lo único que (los comerciantes) querían hacer eran camisetas y gorras”.

¿De qué están más orgullosos de haberlo convertido en producto?

“Bueno, el más exitoso, por supuesto, son los sombreros rojos de plástico con forma de cúpula energética”, dice Casale. “Todos querían uno después de que terminaron de reírse de nosotros. Y sé con certeza que hay más personas que tienen esa cúpula de energía que las que alguna vez compraron discos Devo”.

Mothersbaugh recuerda con orgullo cómo se actualizó el concepto durante la pandemia para ampliar las posibilidades de comercialización satírica. “El tipo que moldeó los sombreros para nosotros ideó una máscara, como una protección contra estornudos, un protector facial que podíamos colocar en los sombreros de cúpula de energía. Y por eso sigue siendo relevante. “

“Habrían estado bien en la época del punk, cuando nos estaban devorando”, señala Casale.

«Sí, teníamos el amarillo [industrial] trajes, por lo que el 95% de nuestro cuerpo estaba protegido, pero las caras no”, añade Mothersbaugh.

En un nivel mucho más serio, Devo quiso decir lo que dijo sobre la desavolución, un área de investigación que comenzaron a desarrollar cuando se vieron profundamente afectados por los asesinatos en el campus de Kent State en los que la Guardia Nacional acribilló a manifestantes no violentos de Vietnam. . Por mucho que la visión del grupo sobre los hombres que se convierten nuevamente en monos pudiera adquirir un tono cómico, su cinismo sobre el arco del universo alejándose de la justicia fue informado por el cinismo que surgió de esa tragedia en el campus, como relata la película.

“Fue una bifurcación definida en el camino”, dice Casale, “y resulta ser muy relevante para lo que estamos viviendo ahora. Todo lo que pasaba entonces ahora pasa con esteroides, como dicen. Y todavía no has visto nada. Espere hasta que se realicen las elecciones en el 24”.

Smith es un veterano de Sundance; su “American Movie” ganó el gran premio del jurado al mejor documental en el festival en 1999. Desde entonces, ha dirigido películas o series docuentarias como “Fyre”, la serie de Netflix “Tiger King” y una película sobre el mencionado Robert Downey Sr. ., “Señor.” Lo más reciente en su currículum fue una incursión poco común (para él) en el campo de los documentales musicales, “Wham!” ¿Alguna similitud entre documentar a George Michael y el personaje Booji Boy de Devo? «Sólo que ambos tardaron más de cuatro años», dice el cineasta.

Smith fue influenciado para que su estilo de edición rápida se pareciera al menos a uno de los videos clásicos característicos de la banda. “Creo que el editor y yo nos sentimos realmente inspirados por el lenguaje visual de Devo. Hubo muchas encarnaciones diferentes de cosas que hicieron en relación con el video, pero realmente nos gustó especialmente ‘Beautiful World’ y la forma en que usaron imágenes de archivo, e intentamos usar eso como inspiración para esta película, porque se sentía como si intentara permanecer dentro del lenguaje que ellos crearon”.

En cuanto al tema, “personalmente estaba más interesado en el panorama más amplio de lo que estaban tratando de hacer y decir, y cómo eso se manifestó durante el tiempo que estuvieron juntos, en lugar de entrar en las minucias de las vidas personales de cada uno. . Estaba interesado en el concepto de Devo, en lo que respecta a la banda y lo que estaban tratando de comunicar.

«Crecí en el Medio Oeste y Devo fue una gran influencia para mí», añade Smith, «y una de las cosas que me atrajo a intentar trabajar en esto fue si podía haber más jóvenes sometidos a Devo e inspirados por eso, pensé que sería positivo. Esa fue la cuestión: la banda cambió quién era yo como persona, en un nivel profundo”.

Bob Mothersbaugh, el hermano de Mark, también ha estado presente en esta entrevista, pero es del tipo fuerte y silencioso, aunque no tan silencioso como guitarrista principal y ocasional cantante principal en los aún emocionantes shows en vivo de la banda. Le preguntamos: ¿Hubo algo para él que fue divertido de ver recapturado en esta película, que simplemente le hace cosquillas de alguna manera?

«Absolutamente nada», dice Bob.

Casale intentó incitarlo. “Ni siquiera cuando hicimos nuestro tipo de formato largo anterior a Devo [show] en Akron, donde fue un ensayo en la Universidad de Akron, ¿y estás con tu camisa blanca y corbata? Me gusta eso.»

«Sí. Está bien”, reconoce Bob Mothersbaugh, de mala gana. «Una cosa me hizo cosquillas». Y retoma su silencio.

Los otros son más detallados, y Casale dice: “Dado que tanto se concentra en los primeros días, en una especie de historia de origen, es agradable ver la crudeza de todas las cosas que nos inspiraron, incluidas todas las imágenes que imaginamos. Me apropiaría de anuncios terribles, cómics y revistas masculinas de mala calidad, sólo para verlo todo junto en un collage. Nos estábamos divirtiendo con estas cosas. Si nos reíamos de algo, eso era lo importante para nosotros”.

Cuando se les pregunta sobre los planes de gira, luego de una exitosa salida en 2023 que se promocionó como una gira de “despedida”, que insisten que no lo fue en absoluto, se vuelven más filosóficos que inmediatamente logísticos.

«Lo estamos averiguando ahora mismo», dice Mothersbaugh. “Creo que vamos a hacer más giras. Pero en cierto modo, Devo está a mitad del camino. Hemos pasado los primeros 50 años advirtiendo a la gente que los humanos éramos la especie tóxica del planeta y que éramos nosotros los que estábamos fuera de contacto con la naturaleza. Y creo que en los próximos 50 años se hablará con los niños, y con todos, sobre las mutaciones positivas en sus vidas… sobre ‘mutar, no estancarse’. Así que aquí estamos, estamos en este lugar donde todos nuestros icebergs se están derritiendo y tenemos que encontrar una manera de resolver estos problemas. Y creo que Devo emitirá un mensaje positivo en lo que a eso respecta”.

Casale añade: “Bueno, los humanos tendrán que transformarse. Es decir, habrá que redefinir ‘lo que es humano’”.

«Puede que ya ni siquiera sea de carne y hueso», dice Mothersbaugh. «Si la IA se perfecciona lo suficiente, es posible que todos podamos simplemente migrar a la web» o «descargar nuestra conciencia en avatares en el metaverso», como sugiere Casale. Mientras tanto, mientras esa tecnología se soluciona: los documentales también son para siempre, ¿verdad?

“Devo” se estrena el domingo 21 de enero a las 10 pm en el Library Center Theatre de Park City. Las entradas para el concierto del grupo en Park City la noche siguiente (que no forma parte del programa oficial de Sundance) están disponibles en tixr.com.

Martin fue una gran parte del corazón moral de «Frasier». Sus modales obreros podrían tener todo lo contrario de la pomposidad de sus hijos, pero siempre dio la impresión de ser un personaje sabio y centrado en la moral que con frecuencia hacía bajar a Niles y Frasier a la tierra cuando más lo necesitaban. Si no fuera por el talento de John Mahoney, nada de eso habría sido posible. Con eso en mente, uno habría pensado que los productores tenían en mente a Mahoney, quien tenía 53 años cuando fue contratado para «Frasier», durante años. De hecho, solo lo habían visto en un episodio de «Cheers», e incluso eso fue una suerte de casualidad.

En declaraciones a Yahoo!, el legendario director James Burrows, quien no sólo co-creó «Cheers» sino que también dirigió múltiples episodios de «Frasier», «Friends», «Will & Grace» y muchas otras comedias, reveló cómo llegó Mahoney a ser elegido. en «Frasier». De hecho, el actor interpretó un pequeño papel en «Cheers», el programa en el que el propio Frasier Crane debutó y se convirtió en un personaje central. Como recordaba Burrows:

«Tuvimos un episodio de ‘Cheers’ [‘Do Not Forsake Me, O’ My Postman’] donde Rebecca, Kirstie Alley, quiere contratar a un tipo para que escriba un jingle para el bar. Teníamos una historia B en la que contrata a un tipo y toca un jingle en el piano. No es muy bueno y por eso lo dejan ir».

Según Burrows, todo salió bien en el ensayo general del episodio, pero cuando llegó el momento de rodar, el actor que interpretaba el papel del escritor de jingles Sy Flembeck «se había marchado del aparcamiento» porque estaba «demasiado asustado». El director recordó cómo el equipo se vio obligado a volver a filmar la trama secundaria otro día, esta vez con un actor diferente interpretando al cantante en cuestión. Entra: John Mahoney.

Con una duración de casi tres horas y unas 40 canciones, «The Eras Tour» agrupa canciones de sus álbumes en orden cronológico, pero casi cada número recibe su propio elemento de producción único, desde cambios de vestuario hasta grandes escenas y, en un momento dado, un grupo de bailarines de respaldo montando bicicletas de luz estilo «TRON». El escenario presenta una pantalla gigantesca en un extremo y el empuje aparentemente interminable del escenario es como una pantalla en sí mismo. Luego está la propia Swift, generalmente vestida con un leotardo cubierto con la mayor cantidad de lentejuelas que jamás hayas visto, pavoneándose y saltando por todo el escenario en completo control de sus miles y miles de fanáticos que gritan. En la sala (o en el enorme estadio), debe haber sido una experiencia verdaderamente impresionante.

En la pantalla grande, sin embargo, algo se pierde un poco. La película fue dirigida por Sam Wrench, cuya carrera como director consiste principalmente en conciertos filmados, y aunque ese puede ser su origen, no creo que le haga muchos favores a esta serie. Muy pocas de las tomas de «Taylor Swift: The Eras Tour» parecen diseñadas cuidadosamente. En cambio, la mayoría de las veces parece que llenaron el SoFi Stadium hasta los topes con cámaras para filmar un montón de metraje y esperaban encontrar el aspecto en el proceso de edición, que casualmente contó con seis editores diferentes para acomodar a los dos. tiempo de respuesta de un mes desde la realización de estos espectáculos hasta el estreno de la película.

El resultado es que la mayor parte de la película es un sencillo mediano sobre Swift desde varios ángulos diferentes. Se pueden vislumbrar el espléndido espectáculo en algunos cortes rápidos, pero una toma rara vez dura lo suficiente como para que puedas asimilarla por completo. Aún menos beneficiado por la forma en que se filma y corta es el grupo de bailarines talentosos. En parte, esto tiene que ver con la frecuente negativa a mostrarnos sus cuerpos completos en movimiento durante un período de tiempo significativo, ya que con demasiada frecuencia también terminan en planos medios, y da la sensación de que no quieren llamar la atención. lejos de Swift durante demasiado tiempo. Cuando los bailarines obtienen lo que les corresponde, es cuando el número requiere mucha interacción entre ellos y la estrella, como la alegre interpretación de «22» o cuando la banda del programa sube al escenario principal para tocar con Swift durante la era «Valiente».

Es cuando el programa se vuelve más íntimo que la traducción se vuelve mucho más exitosa. Cuando está sentada detrás de un piano cubierto de musgo para «Champagne Problems» o con las correas de una guitarra para la versión de 10 minutos de «All Too Well», hay un enfoque en la producción que Wrench y sus editores pueden aprovechar y aprovechar al máximo. de. Un punto culminante particular es «Tolerate It», en la que Swift prepara una larga mesa de comedor para la cena sobre la que luego se arrastra enojada, quitando cada vaso, plato y jarrón que encuentra en su camino interpretando a una mujer que intenta comunicarse con su distraída compañero (interpretado por el bailarín Raphael Thomas). Sí, es espectáculo, pero es un espectáculo enormemente enfocado.

Broadway atenuará sus luces el sábado 17 de junio para honrar la memoria de Robin Wagner, el diseñador escénico ganador de tres premios Tony que murió el 29 de mayo a los 89 años.

El oscurecimiento tradicional de la marquesina conmemorativa durará exactamente un minuto a partir de las 7:45 p. m., hora del este.

Charlotte St. Martin, presidenta de The Broadway League, dijo en un comunicado: “Generaciones de asistentes al teatro pueden mirar hacia atrás con cariño y pensar en ciertas producciones y, junto con historias conmovedoras y actuaciones exquisitas, pueden recordar los hermosos escenarios grandiosos y los intrincados detalles de la escenario todo gracias al genio creativo de Robin Wagner.

“Su buen ojo para el diseño y la innovación”, continuó, “fue responsable de algunos de los decorados más memorables de Broadway, desde En el siglo XX y Ciudad de Angeles a Los productores — y deseamos rendir homenaje a su legado en Broadway atenuando las luces en su honor”. Wagner ganó Tonys por esas tres producciones, con 10 nominaciones en total.

Wagner trabajó en más de 60 espectáculos de Broadway en una carrera que abarcó más de cinco décadas.

El Comité de Propietarios de Teatros de la Liga determina los homenajeados de los tributos de oscurecimiento de la luz.

Andor fue alabado por su enfoque basado en Guerra de las Galaxiasapoyándose en una fisicalidad para su producción que enraizó a la audiencia en su versión más valiente de la galaxia muy, muy lejana, lo que también significó un enfoque diferente de VFX que contrastó con el reciente aumento de Escenografía y “The Volume”, el conjunto basado en pantalla que revolucionó la producción en el mandaloriano. Pero no hubo realmente una oposición a la tecnología por parte del Andor equipo.

“En un mundo perfecto, seríamos capaces de filmar en exteriores y de la vieja escuela, y luego usaríamos el Volumen cuando queramos usarlo. Hay momentos en los que Volume sería realmente bueno para nosotros, pero no existe la tecnología para hacer ambas cosas”, dijo Tony Gilroy. El reportero de Hollywood el pasado mes de septiembre a raíz de un debate en Internet sobre si AndorLa decisión de no usar la tecnología fue de alguna manera un desaire intencional contra el Guerra de las Galaxias producciones anteriores. “Nuestro sistema es completamente diferente. Filmamos todo con los actores y construimos a partir de ahí si es necesario. Y esos dos sistemas, tal vez haya alguien que lo esté haciendo, pero económicamente no se puede hacer [both]. Entonces, automáticamente, dijimos: ‘Tenemos que ser un espectáculo de construcción’. No fue una controversia, en realidad. Vi que se convirtió en una controversia el otro día, pero no es así en absoluto. Hay momentos en los que nos encantaría usarlo. Hace algunas cosas geniales”.

Pero en el día de hoy Andor El panel de efectos visuales, con el supervisor de efectos visuales Mohen Leo, el productor de efectos visuales de Lucasfilm TJ Falls, el supervisor de efectos especiales Richard Van Den Bergh y el supervisor de efectos visuales de ILM Scott Pritchard, el equipo detrás de los efectos visuales del programa reveló un momento al hacer la serie en el que al menos alguno En realidad, se utilizaron elementos de la tecnología de pantalla de Stagecraft: proyectar Coruscant fuera de las ventanas de las ventanas de la embajada de Mon Mothma. El equipo usó una de las enormes pantallas de Stagecraft para representar el mundo fuera de la ventana de Mon, trayendo equipos de VFX para crear específicamente una escena que funcionaba siendo proyectada en una pantalla que luego fue filmada por cámaras desde el interior del set de la Embajada.

TJ Falls señaló específicamente el uso de Stagecraft en la Embajada como la forma en que la decisión de Andor usar o no usar conjuntos de volumen nunca fue un debate filosófico para el programa, se trataba simplemente de flexibilidad y qué tecnología funcionaba mejor para cada escenario específico. La pantalla Stagecraft fue una mejor opción que simplemente usar una pantalla verde y colocar las placas de VFX en la posproducción, lo que le dio a la Embajada la iluminación adecuada del mundo fuera de su ventana imaginaria y les dio a los actores algo para mirar y sentirse parte del mundo. era el punto fuerte de Stagecraft.

Este enfoque multidisciplinario de la producción en Andor—una colaboración señalada repetidamente a lo largo del panel— fue vital para el enfoque de Gilroy de cada aspecto de la producción trabajando juntos para hacer que la estética del programa se sintiera real, y deliberadamente conectado con el tono y la apariencia de películas como pícaro uno y Una nueva esperanza.

Y es un enfoque que los equipos de VFX han perfeccionado mientras trabajaban Andor temporada 2, actualmente en camino de estrenarse en Disney+ en el verano de 2024, un enfoque en el que todos los departamentos, desde vestuario hasta diseño de escenarios y VFX, colaboran juntos como cineastas en lugar de entidades separadas. Si lo poco que se mostró de Andor la temporada 2 anterior en Celebration es una indicación, entonces es un enfoque que continúa dando dividendos.

---

¿Quieres más noticias de io9? Consulta cuándo esperar lo último Maravilla, Guerra de las Galaxiasy Star Trek lanzamientos, ¿qué sigue para el Universo DC en cine y televisióny todo lo que necesitas saber sobre el futuro de Médico que.

Internet tiene tanta influencia sobre la forma en que vivimos, hablamos y pensamos, pero es algo fugitivo para representar en el escenario. Tal vez llene su set con pantallas para darle a la audiencia toda la información que pueda, aunque eso puede distraer la atención de los actores. O vas literal y tienes personajes constantemente sosteniendo y revisando teléfonos, lo que genera un drama estático. el ingenioso Siete métodos para matar a Kylie Jenner, una obra inundada con el lenguaje y la mentalidad de internet, en cambio teje internet en su escenario y sus actuaciones. La diseñadora Rajha Shakiry ha construido una red de cuerda blanca anudada que cuelga sobre la acción, atada alrededor de una construcción parecida a un baúl en la parte trasera del escenario. Se ve en algún lugar entre un sauce y un esófago, y cuando los dos amigos en el centro de la historia descienden a la locura de la viralidad, se ilumina como unas fauces extraterrestres que detectan comida.

Siete Métodos, como sugiere el título deliciosamente llamativo de Jasmine Lee-Jones, comienza con algunas amenazas de muerte dirigidas a la joven reina del kit de labios, aunque Kylie en sí misma es solo una figura terciaria en la acción. Cleo (Leanne Henlon), una joven académica negra que vive en Londres, nota un tuit de Forbes que informa que Kylie se ha convertido en la multimillonaria «hecha a sí misma» más joven del mundo (un informe de 2019, luego desacreditado), y comienza a abrir un hilo. de su cuenta de Twitter “incognegro” sobre hacer pagar a Kylie por apropiarse de la estética de las mujeres negras. Cleo, que ha tenido otra ruptura con un novio negro que acaba de empezar a salir con una mujer blanca, no está en el mejor lugar emocionalmente, por lo que el hilo es vívido y visceral (y las diversas formas de muerte son bastante espantosas), solo el tipo de cosa que obtiene tracción en línea. Después de que los tweets de Cleo comienzan a ser recogidos, su amiga de la infancia Kara (Tia Bannon) aparece para hablar con ella. Kara, una fumadora queer más despreocupada, trata de calmar parte de la ira de Cleo, después de lo cual Cleo responde desde un lugar de justa defensa. Bannon y Henlon te convencen inmediatamente de la realidad de esta amistad con una intimidad fácil y llena de bromas internas. Luego, la obra prueba lo que sucede cuando esa amistad toca varios terceros rieles del discurso de Internet. ¿La visión del mundo de Kara es más alegre porque tiene la piel clara? ¿Cleo es homófobo? Observe cómo el lenguaje de Internet empuja cada conversación lejos de un intercambio y hacia un juego de suma cero, con un ganador y un perdedor, o una víctima y un culpable.

Bajo la dirección de Milli Bhatia, Bannon y Henlon se encargan de representar el lenguaje de Internet. Eso significa que, una vez que se publica cada uno de los tuits de Cleo, los dos actores se lanzan a interpretar la variedad de personajes que componen el coro de comentaristas, desde alegres agitadores aquí por el desorden hasta santurrones viejos que se preocupan por los niños en estos días y, inevitablemente, supremacistas blancos enloquecidos. Los dos actores también representan con frecuencia memes, golpeando una mano para anunciar «¡no en mi turno!» o subirse a una plataforma para hacer el baile de «¿por qué diablos mientes?». Si ha pasado suficiente tiempo en línea, es sorprendente lo reconocible que es cada pose, incluso si la ve realizada con un cuerpo en lugar de píxeles. Hay una extraña sensación de que lo digital anula lo físico, lo que va junto con la sensación de que Cleo y Kara están siendo manipuladas por conversaciones que pensaron que podían controlar.

Siete Métodos se estrenó en el Royal Court Theatre en 2019. Ahora, al llegar a Nueva York como parte del festival Under the Radar del Public Theatre en enero de 2023, se siente como un documento de una época en particular. Huele los memes que se ofrecen como un sommelier digital, y realmente se sienten como si fueran de 2019, lo que quiere decir que son anteriores a la plenitud de la ascendencia de TikTok y están marcados con una cierta sensación posterior al Brexit, de la era Trump, de que aún podría Será posible enmendar errores en Twitter, incluso si la conversación siempre cuaja. Eso no quiere decir que el drama se sienta anticuado: es más parecido a Cassandra. En los años de aislamiento desde entonces, se siente como si hubiéramos seguido alimentando esa boca en la parte trasera del escenario, atando cada vez más nuestra autoestima a esas cuerdas que cuelgan por encima. No corres peligro de que te atrapen; ya estás siendo digerido.

de Rachel Mars Tus sextos son una mierda: mejores letras antiguas, otro trabajo de Under the Radar sobre cómo la comunicación electrónica afecta tu psique, es más erótico y también (empezando por el título) más escatológico. En su actuación, Mars lee selecciones de misivas cachondas de figuras famosas, como James Joyce (quien tenía una afición real por tirarse pedos y cagar, como puede que no te sorprenda descubrir), Mozart, Frida Kahlo, Gertrude Stein y más, intercalados con un PowerPoint de sexts decididamente menos bien construidos. Al principio, el punto parece obvio: hemos perdido algo al pasar del lápiz y el papel a Grindr y Gchat. Brevemente quise ponerme de pie y defender lo que se puede lograr en un iPhone con pulgares hábiles y algo de imaginación. Pero Mars, sabiamente, también está trabajando en esa táctica, y mientras extrae cartas antiguas más extrañas (incluso una pintoresca de Marcel Proust) y dobla historias sobre sus propias experiencias sexuales literarias, el trabajo se vuelve más tierno y ambivalente. En la narración de Mars, está sucediendo algo interesante en cada intento de precisar el deseo sexual en las cartas, incluso en la mayoría de los sexts de mierda, un hilo común sobre el cual todos podemos (lo siento) unirnos.

Siete métodos para matar a Kylie Jenner está en el Teatro Público hasta el 22 de enero.
Tus sextos son una mierda: mejores letras antiguas está en el Teatro Público hasta el 15 de enero.

El sábado 14 de mayo de 2022 a partir de las 21 h las cosas se pondrán serias para el joven músico de Landsberg am Lech. Presentará su canción para Alemania frente a una audiencia de millones en toda Europa. Malik todavía está bastante tranquilo con respecto a nuestra entrevista, pero revela: «Antes de que comience mi actuación, hazlo así… woooom… tres, dos, uno y, a más tardar, entonces definitivamente me cambiará». , a más tardar entonces, porque Malik comienza en el puesto 13, y comienza justo detrás de Ucrania, que se considera un gran favorito en su país, en parte debido a la guerra. También compite contra el descubrimiento de RTL «I Can See Your Voice» Marius Baer (29).

Pero incluso si el hijo de la leyenda Ricky Harris (59) no gana, su canción podría ser un éxito. El músico ya tiene una gran base de fans en su país de origen, según revela. Además, muchas de las canciones no ganadoras del ESC ya se han convertido en éxitos en el pasado. (Tú haces)