Cuando Franz Kafka pensó en la libertad el 31 de julio de 1917, sus ideas tomaron vuelo. “Sentarse en un tren”, escribe, “sentir la fuerza de tracción del tren, convertirse en viajero, quitar la tapa de la maleta, encontrarse con los demás pasajeros con mayor libertad, calidez y urgencia, ser llevado hacia el destino sin mérito alguno”. .”

La idea de Kafka es hermosa y audaz al mismo tiempo: una persona que se desliza felizmente por el mundo de esta manera sería inmediatamente también «el favorito de las mujeres». Todo confluye en la imaginación del escritor: el viaje y él mismo, que de repente se convierte en «un niño que viaja solo en un tren relámpago», mientras la coraza protectora del vagón se construye alrededor de su ternura, «como de la mano de un prestidigitador.»

Cuando se trata del ego en Kafka, siempre hay un truco involucrado. Como si fuera necesaria la magia para que este yo esté plenamente en el mundo. El autor, asombrado y escribiendo, observa a las personas que logran encajar en el mundo sin ningún problema. El provocativo estilo de vida de su propio padre, el empresario, divide el apartamento familiar en continentes. Si la fuerte voz del padre se escucha tras la puerta del dormitorio de Franz Kafka, entonces se trata de un doble exterior.

El pasillo del apartamento con el patriarca en auge es un país extranjero idiosincrásico, un otro mundo que el escritor estiliza en su “Carta al Padre” como una oscura y cruel pesadilla patriarcal. De esta manera, Kafka también se estiliza a sí mismo. Define el terreno como lo verá la posteridad de sus habitantes.

Apropiación virtuosa del mundo

Las lecturas de Kafka que quieren ver al autor como un auténtico mártir de la opresión y su obra como una gran alegoría de sus propias experiencias no logran reconocer un proceso de disociación. Fue el propio Kafka quien escribió con mano de prestidigitador. Cultivó su ego-imposibilidad, una visión que recaía sobre él desde fuera. Debido a que la vergüenza lo obligó a verse a sí mismo a través de los ojos de otras personas, conoció el poder que las personas tienen unas sobre otras.

Podía escribir sobre el poder como nadie y convertirlo en un juego. Si de la monumental y casi novelesca biografía de Reiner Stach surge una imagen psicológica del escritor, es la del risueño Franz Kafka. Un virtuoso de la apropiación distanciada del mundo que, paradójicamente, todavía es visto por la posteridad como un atormentado teleadicto.

En el mismo julio de 1917, en el que Kafka se inventó en unas pocas líneas un viajero despreocupado, la única fotografía que capturó al escritor fue tomada en un estudio fotográfico de Budapest. Felice Bauer muestra. Acaban de comprometerse por segunda vez. Se ve a Felice sentada, con su bolso sobre las rodillas. Parece inclinarse dos o tres grados demasiado hacia la derecha para que esta imagen pueda considerarse una expresión de la mayor intimidad.

Felice se aparta de Kafka, que está detrás de ella, y coloca torpemente su mano sobre el pedestal en el que está sentada su amiga. Las convenciones burguesas de hace cien años protegen a la pareja de una intimidad abierta a los ojos del fotógrafo. Sin embargo, poder esconderse detrás de las convenciones burguesas durante los altibajos de su relación también salvó la vida de Franz Kafka.

Las convenciones de la moralidad son escudos protectores contra la impactante realidad de la disolución de las fronteras. Para Franz Kafka, la pérdida de los límites fue quizás un leve horror privado, pero el no romper los límites, la no mezcla del yo con el mundo, también sigue siendo su principio estético.

Los actos físicos en la obra de Kafka a menudo tienen un humor grotesco, y cuando el escritor viaja con su amigo Max Brod y visita burdeles, entonces parece más interesado en la gramática particular de estos lugares que en lo que tienen para ofrecer. En Praga, París y Milán, Kafka y Brod dirigieron repetidamente su atención a establecimientos de este tipo.

En 1911 ambos se encuentran en París. En una sobria equidistancia entre muebles y personas, Kafka describe persianas cerradas y prostitutas. Apenas logra ver a las mujeres individualmente. «Habría que abrir los ojos y eso requiere práctica», señala Kafka. El sombrero obviamente permanece en la cabeza durante el acto: “No tengas miedo de olvidarte de quitarte el sombrero. Tienes que quitar la mano del ala”. El escritor en el prostíbulo, un acto tragicómico.

Núcleo oscuro del absurdo

Su biógrafo Reiner Stach informó recientemente sobre un circuito de retroalimentación entre el mundo presente y el mundo perdido de Kafka. Kafka se convierte de repente en una estrella mundial en Tiktok. La comunidad mindfulness de Brasil quería saber si el señor de Praga podía ser citado con la conciencia tranquila a pesar de todo el revuelo, pues él mismo no despreciaba los burdeles y estaba interesado en la pornografía.

Pero, ¿cuándo lo conocerás por completo, Kafka Franz? ¿Sus verdaderas pasiones? El domingo de Pascua de 1913 se produjo en Berlín el momento de la verdad. El autor se encuentra por primera vez a solas con Felice Bauer en Berlín. Caminas por Grunewald. Kafka recordará más tarde el olor de su garganta. ¿Sería eso una esencia de lo que tenemos en común, o lo que tenemos en común sólo se vuelve esencial en un estado de separación? Unos días más tarde, Franz Kafka le explicó a Felice Bauer en una carta que sentía “la dicha de una conexión” con más fuerza por teléfono que en su presencia.

Franz Kafka fue muchas cosas. Aficionado al amor, escritor, empleado de seguros y Incluso el director de una empresa de amianto. Fue nadador, cinéfilo y viajero. El hecho de que la mecánica de la vida fuera claramente visible para él en todo lo que hacía era a la vez una bendición y una maldición. Las frases de Kafka pudieron reproducir exactamente un mecanismo para el cual la pregunta de por qué no es importante.

Los poderes en la obra de Kafka son máquinas. Graban la sentencia en la piel del delincuente en la colonia penal. La burocracia hace lo que tiene que hacer. Trabaja según planes que sólo parecen absurdos a quienes creen que hay un mundo fuera de lo absurdo. El ego tampoco es una salvación del absurdo, es su núcleo oscuro. Puedes leer sobre lo extraño y complicado que es todo en Franz Kafka.

Tarea acrobática

En 1910 escribió en una nota diaria sobre el arte de los malabaristas japoneses que equilibraban con los pies una escalera por la que subía un colega. Y luego Kafka se vuelve hacia su yo escritor: “Pero cada día al menos una línea debería apuntar hacia mí, como ahora los telescopios apuntan hacia el cometa. Y si yo apareciera ante esa frase, atraído por esa frase, como estuve la Navidad pasada, por ejemplo, y donde estaba tan perdido que sólo podía mantenerme firme, y donde realmente me encontraba en la última etapa de mi vida, … Apareció una escalera, pero estaba quieta en el suelo y contra la pared. ¡Pero qué suelo, qué pared! Y, sin embargo, esa escalera no cayó, así que presionaron mis pies contra el suelo, entonces me levantaron los pies contra la pared».

Para Franz Kafka, tener que lidiar con un ego es una tarea acrobática. Un acto en el que la gravedad de las circunstancias cambia constantemente y supuestos puntos ópticos fijos resultan ser ilusiones. Aquí no hay arriba ni abajo. Debido a que las obras de Kafka surgieron de la imposibilidad de su propio ego, siguen siendo parábolas de la imposibilidad del mundo en su conjunto y, por lo tanto, han seguido siendo útiles para legiones enteras de exégetas guiados ideológicamente. De los existencialistas a los freudianos y a las ideologías críticas del poder.

Si Tiktok en sí es algo así como una cosmovisión, entonces Franz Kafka también tiene su lugar aquí. El escritor todavía viaja en el tiempo en un instante. El hecho de que hoy les parezca a sus compañeros de viaje “más libre, más cálido, más urgente” que nunca habla enteramente por él.

Paul Schrader tuvo un trabajo especial en el set de su última película, “Oh, Canadá”: dibujar el suspensorio que usa Jacob Elordi en una de las escenas centrales del drama de la guerra de Vietnam.

Hay una elección en el corazón de “Oh, Canadá”, cuando el cineasta ficticio Leonard Fife (interpretado de joven por Elordi y de mayor como Richard Gere) esquiva el servicio militar obligatorio de Vietnam y escapa a Canadá. El guión deja migas de pan sobre lo que sucede exactamente hasta muy tarde en la película, pero finalmente se ve a Elordi reportándose para un examen físico del ejército. Aparece con un suspensorio con «paz y amor» escrito en el suspensorio, rodeado de pequeñas flores. Se pone nervioso, tiembla y agita los brazos de manera extravagante. En su carácter, Elordi intenta parecer lo más inestable (y, francamente, homosexual) posible para evitar alistarse en el servicio militar.

En la conferencia de prensa del Festival de Cine de Cannes para la película, Schrader reveló que agregó un toque final al suspensorio que usa el personaje de Elordi durante la escena.

“Yo embellecí [his jockstrap] Yo mismo con un marcador mágico”, dijo Schrader en respuesta a una pregunta de Variedad. «Creo que la gente del vestuario tenía un poco de miedo de hacer demasiado, así que les quité esa carga de encima».

Schrader reflexionó sobre un “período de dos o tres años en el que todos los jóvenes estadounidenses tuvieron que tomar una decisión” con respecto al reclutamiento. Schrader dijo que fue suspendido del servicio por razones médicas. Amigos suyos fueron reclutados y otros deambularon por el país evadiendo al Tío Sam. Incluso gritó: “Oliver Stone, que fue a Vietnam y ganó un Oscar”. De hecho, Stone sirvió en los años 60 y resultó herido dos veces en combate.

La última película de Schrader se estrenó el viernes por la noche con una ovación de pie de cuatro minutos, aunque Elordi estuvo notablemente ausente, posiblemente porque está filmando “Frankenstein” de Guillermo del Toro. Después de que terminó la ovación, Schrader se dirigió a Elordi que no estaba allí y dijo: “Estoy muy feliz con Richard, Uma, Jake, no aquí con nosotros, y todo salió bien. Estoy muy feliz de volver a estar aquí en la Croisette”.

Completan el reparto de “Oh, Canda” Uma Thurman, Victoria Hill, Michael Imperioli, Penelope Mitchell y Kristine Froseth. Thurman también estuvo presente en la conferencia de prensa del sábado.

Schrader, de 77 años, estuvo anteriormente en la Croisette en “Taxi Driver” de 1976, para la cual escribió el guión. La película ganó la prestigiosa Palma de Oro del festival. Su trabajo como director de 1985 “Mishima: A Life in Four Chapters” se estrenó en competencia en Cannes, y regresó nuevamente en 1988 con “Patty Hearst”.

En una entrevista reciente con Variedad sobre “Oh, Canadá”, Schrader dijo que hacer la película le hizo recordar su propia vida. «Mi salud no ha sido buena», dijo. «Pensé que si quería hacer mi película sobre la muerte, tenía que ser ahora».

Gere, que trabajó anteriormente con Schrader en “American Gigolo” de 1980, ha estado en Cannes varias veces a lo largo de sus décadas de carrera, incluida “Rhapsody in August” de Akira Kurosawa, que figura en el cartel oficial del festival de este año.

[Warning: The below contains MAJOR spoilers for the Law & Order Season 23 Finale “In Harm’s Way.”]

Dirigiéndose al Ley y Orden Al final, sabíamos que el drama de NBC está a punto de perder a otro personaje importante. A principios de esta temporada, el programa perdió a un abogado, Sam Waterston se fue y Baxter de Tony Goldwyn entró para reemplazar a Jack McCoy como fiscal del distrito (ahora se avecinan elecciones). Ahora, la policía se despedirá de su teniente y Camryn Manheim saldrá. Pero, ¿cómo se escribió Kate Dixon? Bueno, ella no lo era. En cambio, la atención se centró principalmente en el caso y en Baxter. Parece que el estreno de la temporada 24 tendrá que revelar lo que le sucedió a Dixon, al igual que lo hizo esta temporada con Cosgrove, luego de la salida de Jeffrey Donovan durante una pausa.

El caso involucró el asesinato de una estrella del deporte, pero el video revela que baxter era el objetivo previsto. Se niega a suspender su campaña y, con todos sus casos pasados, hay mucho por lo que pasar para los enemigos potenciales, y su primera pista potencial a partir de ahí no da resultado. Más bien, se encuentra el arma homicida, que fue utilizada anteriormente en un robo. Eddie, quien lo usó, está en libertad bajo fianza, a la espera de juicio, y cuando Shaw (Mehcad Brooks) y Riley (Reid Scott) lo atrapan, insiste en que no tuvo nada que ver con lo sucedido pero pregunta por su abogado.

Finalmente habla, señalándoles la dirección de «Mad Dog», cuyo verdadero nombre es Héctor, y es parte de una pandilla cuyo líder Baxter encerró en su último caso ante la Fiscalía de los Estados Unidos antes de ser nombrado fiscal del distrito. Luego, los detectives rastrean a Héctor en un mitin que está celebrando Baxter (y se niega a detenerse al escuchar que un sospechoso está presente). Shaw ve a Héctor subirse a un banco, buscar en su bolsillo y gritar, y el sospechoso corre. Shaw y Riley lo persiguen y Héctor arroja el arma al río, pero lo atrapan. Pide un abogado.

Para sorpresa de Baxter, antes de que comience el juicio, su hija Carrie se acerca a él y le revela que había visto a Héctor afuera de su casa, una semana antes del tiroteo. Se sintió extraño, admite. Él preguntó quién vivía allí y ella no le dijo nada, simplemente entró.

En cuanto al juicio, la novia de Héctor lo conecta con las balas, y la esperanza es que Eddie pueda conectarlo con el arma, pero luego Price (Hugh Dancy) y Sam (Odelya Halevi) lo encuentran muerto en su apartamento, con el mensaje escrito SNITCH en el muro. Luego, cuando el juez está de acuerdo con el abogado de Héctor y no permite ninguna mención de la afiliación a una pandilla o represalia del acusado como motivo y no tienen testigos presenciales, Baxter acude a su hija.

Su testimonio puede probar el motivo y que él era el objetivo previsto, que lo estaba buscando una semana antes del atentado contra su vida. Quiere ayudar, pero le preocupa el contrainterrogatorio. Él también lo es, admite. Carrie dice que sería realmente malo, especialmente para él. Pero Baxter sostiene que si hubieran dejado salir a un asesino a sangre fría y hubieran podido hacer algo para evitarlo, nunca se perdonarían a sí mismos, independientemente de las consecuencias. La esposa de Baxter está muy en contra, argumentando que pueden fingir que Carrie no vio nada, pero él dice que tratarla como a cualquier otro testigo es lo correcto. Ella se aleja.

En el estrado, durante el cruce, se revela que Carrie, en su segundo año de universidad, conducía después de beber y golpeó a un hombre, quien perdió el uso de su brazo izquierdo. Baxter pidió favores para que se redujeran los cargos y se borraran sus antecedentes. Pero, en la redirección, Price señala que aun así acudió al tribunal sabiendo lo que sucedería. Y después, cuando los periodistas lo presionan, argumenta que, como fiscal del distrito, tiene la obligación de hacer cumplir la ley con compasión e integridad y, como padre, la obligación de ayudar y apoyar a su hija, y no se disculpará por tratar de protegerla. su futuro. Héctor es declarado culpable y Baxter continúa su campaña, pero sin su esposa a su lado en un evento al final.

Cómo crees que Ley y Orden ¿Explicará la ausencia de Dixon cuando comience la temporada 24? Háganos saber sus teorías en la sección de comentarios, a continuación.

Ley y OrdenTemporada 24, Otoño de 2024, NBC

Al principio de su carrera, Kubrick era fotógrafo y su estilo era naturalista, incluso valiente. Las primeras fotografías de Kubrick, aunque cinéticas, no llevarían a predecir su estética ascética, hermética y balletizada. Sus primeras películas, extraídas de sus fotografías, son polvorientas, oscuras y sudorosas. Muchos han visto sus películas «Fear and Deasire» (1952), «Killer’s Kiss» (1955) y «The Killing» (1956) y han quedado impresionados por su humanidad y brusquedad; están muy lejos del mundo estéril de «2001: Una odisea en el espacio».

Fue durante este período que Kubrick produjo un guión basado en una notable novela corta alemana de 1913. El director dijo:

«Uno era un guión de la historia de Stefan Zweig, ‘The Burning Secret’, que Calder Willingham y yo escribimos a mediados de los años cincuenta, para Dore Schary en MGM, después de que yo hiciera ‘The Killing’. La historia trata de una madre que se va de vacaciones sin su marido pero acompañada de su hijo pequeño. Al hotel resort donde se alojan, es seducida por un atractivo caballero que allí conoce. Su hijo lo descubre pero cuando madre e hijo. Cuando finalmente regresa a casa, el niño se encuentra en un momento crucial para evitar que su padre descubra la verdad.

Y añadió: «Es una buena historia, pero no sé qué tan bueno era el guión».

Cabe destacar que «El secreto ardiente» ya había sido adaptada al cine en 1923 por el director Roche Gliese y en 1933 por el director Robert Siodmak. La versión de 1933 contó con las estrellas alemanas Alfred Abel y Hilde Wagener. Debido a que la historia involucraba temas acríticos de infidelidad conyugal, la película de Siodmak fue atacada por Joseph Goebbels. La película de Kubrick habría sido una nueva versión en inglés. Por cierto, «The Burning Secret» fue rehecha en inglés en 1988 con Faye Dunaway.

1964 fue un año excelente para los thrillers de Hollywood sobre la Guerra Fría. El mundo estaba saliendo de la crisis de los misiles cubanos, por lo que el miedo a una guerra nuclear era incluso mayor de lo habitual. «Doctor Strangelove» de Stanley Kubrick y «Fail Safe» de Sidney Lumet se centraron en el armageddon nuclear nacido de fallas en las comunicaciones. «Siete días de mayo» es el tercer tramo de este tríptico.

Si bien Serling era un maestro de la sátira, «Seven Days in May» se acerca más a la directa «Fail Safe» que a la ridícula «Strangelove». Dirigida por John Frankenheimer (después de «The Manchurian Candidate», sobre un veterano de la Guerra de Corea a quien le lavaron el cerebro), la película es una película de conspiración llena de suspenso e intriga.

La situación: el presidente Jordan Lyman (Fredric March) ha negociado un tratado de desarme nuclear con la URSS. La mayor parte del público estadounidense se opone, incluido el presidente del Estado Mayor Conjunto, el general James Mattoon Scott (Burt Lancaster). La mano derecha de Scott, el coronel Martin Casey (Kirk Douglas), descubre evidencia de que su jefe está planeando un golpe militar contra Lyman para evitar que se firme el tratado. Es especialmente peligroso porque Scott tiene el apoyo público necesario para consolidar su poder en caso de que intente apoderarse de él. El supuesto golpe se producirá en menos de una semana, por lo que Casey tiene un plazo ajustado para llegar al fondo del complot y al mismo tiempo convencer al presidente del peligro. ¿Pero en quién más pueden confiar?

Se cree que la película está basada en parte en el general Douglas MacArthur y sus disputas con el presidente Harry Truman sobre la política de la Guerra Fría (MacArthur fue destituido del poder por Truman en 1951). Aunque mezcla historia y especulación, «Siete días de mayo» parece demasiado relevante en la actualidad, donde muchos estadounidenses han demostrado estar dispuestos a entregar su democracia a hombres fuertes demagogos.

Los niños actores de “Mrs. Doubtfire» se reunió recientemente casi 31 años después del estreno de la película para una entrevista conjunta en el podcast «Brotherly Love», donde Lisa Jakub reveló que Robin Williams le escribió una carta al director de su escuela cuando la expulsaron por tomarse un tiempo libre para protagonizar el éxito de taquilla. película de comedia (vía Semanal de entretenimiento). Jakub protagonizó la película como Lydia Hillard, la hija mayor de los personajes de Williams y Sally Field.

“Me echaron de la escuela secundaria en ‘Doubtfire’”, le dijo Jakub a sus coprotagonistas Matthew Lawrence (que interpretó al hijo del medio, Christopher) y Mara Wilson (que interpretó a la más joven, Natalie). «Soy canadiense. Asistía a la escuela secundaria en Canadá y luego la dejé durante cuatro meses para filmar la película. Íbamos a establecer este sistema, anterior a Internet, mediante el cual enviaría por correo mi trabajo escolar de ida y vuelta a la escuela. Hicimos eso por un tiempo”.

«Como bien recuerda Matt, teníamos tutoría y tres horas de trabajo escolar en el set todos los días», continuó. “Llevábamos un par de meses de filmación y mi escuela en Canadá envió una nota que decía: ‘Esto ya no funciona para nosotros, no vuelvas’. Sí, noveno grado. Estaba devastado. Fue muy desgarrador, porque tenía una vida que era muy inusual y eso era lo único normal”.

Según Jakub, Williams se dio cuenta de que estaba devastada con el programa “Mrs. Doubtfire” se instaló y entró para intentar intervenir.

«Lo sorprendente fue que Robin vio que estaba molesto y me preguntó qué estaba pasando», dijo Jakub. “Escribió una carta a mi director diciéndole que quería que reconsideraran esta decisión y que yo solo estaba tratando de continuar con mi educación y mi carrera al mismo tiempo, y que por favor podrían apoyarme en esto. El director recibió la carta, la enmarcó, la puso en la oficina y no me pidió que volviera. Asombroso.»

Resulta que esta no era la primera vez que Williams intervenía para luchar por la educación de sus compañeros de reparto más jóvenes. Lawrence reveló que Williams una vez escribió una carta de recomendación para ayudarlo a ingresar a la Universidad del Sur de California.

«Señora. Doubtfire” protagonizó a Williams como un padre que decide disfrazarse de ama de llaves para poder trabajar para su ex esposa y ver a sus hijos. La película fue la segunda película más taquillera de 1993 con 441 millones de dólares en todo el mundo.

«Señora. El director de Doubtfire, Chris Columbus, reveló a Business Insider el año pasado que las conversaciones para una secuela de la película comenzaron en 2014, poco antes de la muerte de Robin Williams. Sin el actor, no había ninguna posibilidad de que Columbus hiciera una continuación.

«Teníamos un guión escrito y fue la última vez que vi a Robin», dijo. “Fui a su casa, nos sentamos y hablamos de ello y el guión era realmente sólido. El único comentario de Robin fue: «Jefe, ¿tengo que usar el traje tanto tiempo esta vez?» Fue físicamente exigente. Para Robin, creo que fue como correr un maratón todos los días mientras vestía el disfraz de Doubtfire. Era mayor, obviamente. Así que hablamos de ello y creo que esperaba que en la reescritura redujéramos el personaje de Doubtfire. Pero luego Robin falleció, por lo que nunca habrá una secuela de ‘Mrs. Duda’”.

Escuche la entrevista completa de los miembros del elenco en el podcast “Brotherly Love” aquí.

En una entrevista con Alex Shin, Ritchie reveló que tiene una «dislexia espectacular», que, cuando era joven, lo llevó a escribir guiones de una manera que, hasta cierto punto, sólo él podía entender. Como le dijo a Shin:

«[M]Al escribir, mi ortografía no ha mejorado desde que tenía 12 años. Sé que no va a mejorar, pero hay algunas personas que piensan que es una adicción inconsciente a parecer que no sabes deletrear. Así que sí. [‘Lock, Stock and Two Smoking Barrels’] era, escribía en servilletas y demás. Y finalmente lo escribí en uno de esos libros de matemáticas, ¿sabes?».

Si alguna vez has leído un guión de Quentin Tarantino, sabrás que Ritchie no es el único que no tiene una ortografía tan estelar. Pero la transición de la servilleta a los libros de matemáticas es ciertamente única. Afortunadamente para sus colaboradores, contrató a «un tipo inteligente» para poner «Lock, Stock and Two Smoking Barrels» en un formato de guión aceptado por la industria, lo que salvó a Jason Flemyng y Jason Statham de tener que aprenderse sus líneas con errores ortográficos. papel cuadriculado o lo que sea. Y Ritchie les hizo a todos un gran favor al aprender a escribir a máquina mediante el popular software «Mavis Beacon Teaches Typing».

En cuanto al aspecto ortográfico, parece una causa perdida. «En realidad, escribo bastante bien», dijo Ritchie, «aunque escribo muy mal. Puedo pronunciar palabras sin mirar las computadoras. Esta es una de esas cosas de las que me siento bastante satisfecho: puedo escribir a máquina». «

Ahora, si pudiera volver a escribir un guión tan bueno como «Lock, Stock and Two Smoking Barrels». (En realidad, la producción de Ritchie ha sido bastante sólida a lo largo de su carrera. Y dejaré constancia de que soy un fanático descarado de «Swept Away»).

La historia cuenta que en algún momento a principios de los años 60, el creador de James Bond, Ian Fleming, quería adaptar su famoso personaje de espía a la pantalla grande y trabajó en un guión con un productor llamado Kevin McClory y un guionista llamado Jack Whittingham. A los tres se les ocurrió una trama excelente para una película de James Bond, pero el proyecto fue abandonado porque era demasiado caro. Más tarde, sin embargo, Fleming supuestamente utilizó las ideas que había intercambiado con McClory y Whittingham para escribir su novela «Thunderball». Los demás autores no fueron acreditados. McClory llevó a Fleming a los tribunales y el caso se resolvió en 1963.

A mediados de los años 70, McClory comenzó la producción de su propia versión de «Thunderball», ya que tenía los derechos legales de esa historia. Connery y Len Deighton (autor de «The Ipcress File») vinieron a escribir una nueva historia de James Bond y Hollywood estaba alborotado. De hecho, Paramount compró la misteriosa versión reducida de «Thunderball» en 1978. Lamentablemente, no se fabricó.

Connery recordó su guión y sonaba asombroso. El actor dijo:

«Tuvimos todo tipo de eventos exóticos. ¿Recuerdas esos aviones que estaban desapareciendo sobre el Triángulo de las Bermudas? Teníamos a SPECTRE haciendo eso. Había una flota fantástica de aviones bajo el mar, se había derribado todo un mundo de cosas. Estaban Si van a atacar el centro neurálgico financiero de los Estados Unidos entrando a través de las alcantarillas de Nueva York, lo cual se puede hacer, directamente a Wall Street, tendrían tiburones mecánicos en la bahía y se apoderarían de la Estatua de la Libertad, que es. Es bastante fácil y tenemos la línea principal de tropas en Ellis Island.

La película de Connery se llamaría «Warhead».

Chris Hemsworth ha revelado el inusual consejo que le dio el director de Furiosa, George Miller, para ayudarle a entrar en el espacio mental del villano Dementus.

«George me sugirió escribir un diario como el personaje, algo que no había hecho antes», le dice la estrella de Marvel a Total Film en nuestro nuevo número que saldrá el jueves 25 de abril, que presenta la precuela de Mad Max: Fury Road en la portada. «Eran las 2 de la mañana de una noche. Estaba despierto, simplemente puse el lápiz sobre el papel y comencé a escribir pensamientos e ideas como Dementus.

«No pensé mucho en eso. Me fui a dormir, me desperté y me sorprendió bastante lo que salió de mí en ese estado medio dormido. Fui al ensayo, se lo mostré a George, y ambos dijimos: «Esa es la dirección que debemos tomar».

Blackthorne (Cosmo Jarvis) incluso se ofrece a “segundo” para el seppuku de Mariko cuando su compañero regente católico la decepciona.

“Este fue un gran punto de discusión para el [writers’] habitación”, reveló la co-showrunner Rachel Kondo en el Shōgun podcast. “Durante todo el programa, Blackthorne siempre estuvo en desacuerdo con la forma en que Mariko aborda la muerte. Tal vez [this moment is about] simplemente aceptando que quiere elegir lo que representará su vida y esta es la forma en que lo hará. Quizás esto es algo que Blackthorne llega a comprender y que ama de ella. Creo que esta es, a falta de una mejor manera de decirlo, posiblemente una de las cosas más amorosas que puede hacer por ella”.

¿Acaba de ganar Lord Toranaga?

¡Sí, probablemente lo hizo! Lord Toranaga (Hiroyuki Sanada) puede ser el individuo más inteligente y astuto de la historia de la televisión. Entendió que una mujer podía lograr lo que todo un ejército no podía lograr. El plan “Crimson Sky” de Toranaga siempre pareció bastante descabellado. Incluso antes de que un terremoto diezmara sus tropas y su medio hermano se convirtiera en un manto, Toranaga probablemente no tenía la mano de obra necesaria para asediar Osaka con éxito, y ciertamente no sin un número inaceptable de bajas.

Así que el perpetuo intrigante ideó una estratagema para dejar al descubierto cuán impotentes eran en realidad Lady Ochiba (Atsuko San) y los regentes del heredero. Las reglas y los rituales importan en Osaka. Lady Mariko, simplemente afirmando su personalidad y su fe en su señor, dejó claro que Ishido (Takehiro Hira) tiene un castillo lleno de rehenes nobles. Lo que es particularmente impresionante de esto es que Mariko no actúa como un simple peón de Toranaga sino como una sirvienta legítimamente fiel que también obtiene todo lo que siempre quiso de esta última batalla.

En el episodio 1, el marinero portugués Vasco Rodrigues (Nestor Carbonell) compartió un pequeño consejo con Blackthorne sobre los japoneses y le dijo al inglés: “Aquí hay un dicho que dice que cada hombre tiene tres corazones. Uno en su boca para que el mundo lo sepa. Otro en su pecho solo para sus amigos. Y un corazón secreto enterrado profundamente donde nadie puede encontrarlo. Ése es un oído que un hombre debe mantener oculto si quiere sobrevivir.

Si bien cada hombre puede tener tres corazones, Mariko solo tiene uno y late con mucha fuerza. Nada sobre ella está oculto. Aunque utiliza el silencio como arma contra su marido, él todavía sabe exactamente lo que ella quiere: morir. Casi todos en Ajiro también saben lo que Mariko siente por Blackthorne. Porque el corazón en su boca, el corazón en su pecho y el corazón enterrado profundamente son todos uno en lo mismo. Incluso el poema que comparte con Lady Ochiba y la corte es devastadoramente claro. No hace falta tener un doctorado en la materia para saber cómo termina “Mientras la nieve permanece velada en la bruma de la fría tarde, una rama sin hojas…”.