Si bien la introducción de los gatos polares de «Mad Max: Fury Road» se inspiró en parte en el Cirque du Soleil (y el aterrorizado director George Müller), la idea de estos ataques aéreos, que también incluyen un ala delta motorizada con un surfista de arena. colgando de él, se mencionó por primera vez durante el desarrollo de la película de 2015. Miller recordó:

«En ‘Fury Road’, teníamos una escena nocturna en la que había alguien; había una escena, una escena muy breve, en la que se veía a alguien volando en una especie de paravelismo. Tenía un guión gráfico. Pero cuando llegamos Antes de filmarlo, o incluso mucho antes de filmarlo, pensamos: «Es innecesario». Pero la idea estaba ahí.»

Guy Norris, uno de los dobles de toda la vida de la franquicia «Mad Max», quien ha estado trabajando con Miller durante más de 40 años, desde «The Road Warrior», le recordó a Miller esa mejora innovadora de la acción. Miller explicó:

«Recuerdo que dijo, mientras estábamos ideando la secuencia, ‘¿Qué tal si volvemos a estas personas voladoras en el aire para que no solo estemos filmando debajo de la plataforma de guerra, o dentro de la cabina de la plataforma de guerra? o encima o detrás de él, pero hagamos que ataque desde arriba, en lugar de los gatos polares.’ Así es como empezamos esa secuencia».

El resultado agrega una nueva y emocionante faceta al tipo de acción que estamos acostumbrados a ver en “Mad Max”, y mezcla la fórmula lo suficiente como para darle a Furiosa (y a Tom Burke como Praetorian Jack) un obstáculo increíble que superar. Los ataques aéreos no sólo aportan una nueva sensación de peligro al proceso, sino que también permiten momentos aún más explosivos, literalmente, especialmente cuando quedan enredados en la mortal «aldaba» que gira.

Para obtener más información sobre nuestra entrevista con el director de «Furiosa», George Miller, consulte el último episodio del podcast /Film Daily a continuación:

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Quería comenzar preguntándote tu opinión sobre la creación de mitos, porque sé que tú y el escritor Terry Hayes trabajaron en «Mad Max 2» para crear un mito a partir de esa película mientras la hacías. E hiciste una película maravillosa, «Tres mil años de anhelo», justo antes de «Furiosa». ¿La realización de esa película influyó en la realización de «Furiosa»? Porque sé que «Furiosa» estaba casi terminada como guión incluso antes de «Fury Road».

Bueno, esa película, «Tres mil años de anhelo», se basó en un maravilloso cuento de AS Byatt, quien no sólo fue una gran autora, sino también una gran erudita. Y ella realmente estudió muy bien la historia. Era una figura literaria, pero le interesaba principalmente la narrativa y su funcionamiento. Sin gastar demasiado tiempo: en el cambio de milenio, recuerdo que el New York Times pidió a varias personas que escribieran sobre los esfuerzos humanos, y alguien escribió sobre música, alguien escribió sobre, no sé, deportes o lo que sea, pero ella escribió sobre literatura, sobre cuentos. Y el artículo que escribió para el New York Times trataba sobre las mejores historias. Se llamaba «Narrar o morir». Y eso fue [about] las mejores historias contadas a lo largo del milenio anterior.

Básicamente, planteó que las historias más importantes contadas eran Las mil y una noches, porque evolucionaron en muchas culturas durante probablemente cerca de mil años, desde China hasta el final de España, supongo, en la Costa de la Seda. Camino. De todos modos, ella escribió un artículo maravilloso sobre eso, la función de las historias en nuestro mundo. Y me involucré mucho en eso cuando hicimos «Tres mil años de anhelo». Aparte de Joseph Campbell, creo que ella es quien realmente entendió por qué contamos historias, por qué de alguna manera estamos programados para las historias y por qué de alguna manera las historias, según su época, son una forma para que nosotros encontremos básicamente el señal en el ruido, si lo desea. Y realmente estoy llegando a ese entendimiento en nuestro trabajo. Lo que realmente me gusta de trabajar en el mundo de «Mad Max» es que son muy alegóricos de la misma manera que, digamos, los westerns estadounidenses son básicamente alegóricos. Así que aquí estoy. Acabamos de terminar uno.

En el clip de arriba, Eve Stewart, la diseñadora de producción de la película, habla sobre cómo buscaron iglesias por toda Roma para usar. También habla de las estructuras metálicas utilizadas para crear la «boca del infierno» de las velas que se puede ver en la película representando una boca. En lo que respecta al orfanato que se ve en la película, Stewart menciona que finalmente usaron tres edificios diferentes en Roma, y ​​la edición hizo que pareciera que toda la acción se desarrollaba en un solo lugar. Es sólo una pequeña muestra de todo el trabajo que implica hacer una película como esta.

Espero que ahora que «The First Omen» esté disponible en casa pronto, más personas lo vean. Me sorprendió un poco lo bien que funciona la película, especialmente para una precuela dirigida por un estudio. Esto fácilmente podría haber sido algo olvidable, pero el director Arkasha Stevenson realmente ha creado una película de terror espeluznante y memorable.

En «El primer presagio», «una joven estadounidense es enviada a Roma para comenzar una vida de servicio a la iglesia. Pronto, se encuentra con una oscuridad que la hace cuestionar su fe y que revela una aterradora conspiración para provocar el nacimiento del mal encarnado.» La película está protagonizada por Nell Tiger Free, Tawfeek Barhom, Sonia Braga, Ralph Ineson y Bill Nighy. El comunicado de prensa local viene con las siguientes características adicionales:

• El misterio de Margarita – Únete al director Arkasha Stevenson y las estrellas Nell Tiger Free, Bill Nighy y Maria Caballero mientras se sumergen en el personaje de Margaret, sus relaciones con otros personajes y cómo es manipulada mientras intenta resolver el horrible misterio de la película.

• La visión del director – La directora Arkasha Stevenson habla sobre su amor por las películas de terror, la oportunidad de ampliar el legado de The Omen y la elaboración. El primer presagio íntegramente a través de una lente femenina. También describe el rodaje en Roma y el elenco relata cómo trabajó con Arkasha.

Mientras intentaba encontrar una manera de incluir a Jackson en la película, a Harlin le llamó la atención un clásico de ciencia ficción de Ridley Scott:

«Se me ocurrió la idea, que robé completamente de la primera película de «Alien», que básicamente era en esa película, no había nadie famoso en ella excepto Tom Skerritt, quien interpretó al capitán del barco. Así que él es el líder natural. Y luego, cuando todo sale mal y el extraterrestre comienza a invadir el lugar y la gente comienza a morir, él dice: ‘No te preocupes, yo me ocuparé de esto. Voy a entrar en ese conducto de aire y cuidarme’. de ello y estarás bien.’ Y va al conducto de aire y boom, el extraterrestre lo atrapa de inmediato y luego nos quedamos allí preguntándonos: ‘¿Quién es el protagonista de esta película?’ Y resulta ser Sigourney Weaver».

Así que el director adoptó el modo «Psicosis», creando el último giro impactante de la trama en un largo linaje que se remonta al clásico de terror de 1960 de Alfred Hitchcock. Fue una decisión inteligente: el público sabía que Samuel L. Jackson era la persona más famosa del elenco, por lo que cuando lo mataron abruptamente, les quitaron la alfombra y toda su percepción de lo que iba a ser la película. cambiado en un centavo. Pero lograr la ejecución del momento requirió muchos ajustes. Como explicó Harlin:

«Fue realmente un proceso científico en el que analizamos en el acto cuánto tiempo puede durar este discurso para que, si es demasiado corto, no adormezca a la audiencia con una cierta sensación de seguridad, y también una cierta sensación de ‘Oh, Este es el discurso del héroe. Sé exactamente cómo van estas cosas. Sí, él va a hablar y luego irán a salvar el día. Lo suficiente, pero no demasiado, para que el público empiece a comer palomitas de maíz y vaya al baño. Tenía que ser solo para que pudieras desarrollar un poco de esa actitud cinematográfica, que es como, ‘Yo’. He visto esta escena, pero Vaya, qué?» Y lo atacan, y resultó que funcionó».

En pocas palabras, los ejecutivos de Fox de la época supuestamente no sentían que el público se involucraría en la idea de extraterrestres en la Tierra. Sin embargo, sólo cuatro años después de que «Alien 3» llegara a los cines, «Independence Day» se convertiría en una de las películas más importantes de todos los tiempos hasta ese momento. Es más, FX está actualmente haciendo un programa de televisión «Alien» que llevará la acción a la Tierra, lo que cierra el círculo de la idea. Harlin explicó que cortésmente abandonó el proyecto cuando se dio cuenta de que no podía estar a la altura de sus altas expectativas:

«Así que pongamos a los extraterrestres en una nave prisión. ¿Una nave prisión? ¿Cómo me voy a relacionar con una nave prisión? Pero eso es historia antigua. No culpo a nadie, pero para aquellos que no lo saben, trabajé para Un año en ‘Alien 3’, y lo dejé cortés y respetuosamente, porque no podía soportar la idea de, después de Ridley Scott y Jim Cameron, crear una película que simplemente no esté a la altura de lo que espera el público. esperando y darles esa experiencia. La clave para mí, solo para decirlo nuevamente sobre las películas de ‘Alien’, fue que tienen que ser identificables. Puede que estén en el espacio exterior, pero los personajes somos tú y yo, en el espacio exterior. y eso es lo que los motiva.»

La producción de «Alien 3» fue una pesadilla, y Fincher parece bastante descontento con todo el asunto hasta el día de hoy. Sin embargo, la franquicia sigue viva. Además del programa de televisión antes mencionado, Fede Álvarez, famoso por «No respires», ha dirigido una nueva película titulada «Alien: Romulus» que se desarrolla entre los eventos de las dos primeras películas, y que llegará a los cines en agosto. . Harlin, por su parte, tuvo una carrera muy fructífera tras dejar atrás su malograda versión de esta película. Aún así, es difícil no preguntarse qué podría haber sido si Fox hubiera podido sumarse a su visión en ese momento.

«The Strangers: Capítulo 1» llega a los cines el 17 de mayo de 2024.

Cuando llegó el momento de elegir al villano de «Cliffhanger», Harlin dice que necesitaba un actor que pudiera igualar la presencia en pantalla de Sylvester Stallone. En su opinión, ese actor era David Bowie. Bowie no sólo habría realizado una actuación intensa y peculiar, sino que su influencia como dios del rock sin duda habría atraído al público. Harlin lamenta que no haya funcionado:

«[Y]Nuestro protagonista es tan fuerte como el antagonista, el malo. Si el malo es un perdedor, entonces el héroe no tiene nada heroico que hacer. Y siempre busco algo especial, algo que hacer. […] El chico malo [not just a] Un tipo con bigote que va a hacer estallar todo el universo con un arma nuclear (y le encanta hacerlo), pero que busca algo especial. El reparto de mis sueños para interpretar al malo de ‘Cliffhanger’ era David Bowie. Y lo perseguí con todas mis fuerzas».

Bowie, sin embargo, como se podría imaginar, estaba un poco cansado cuando Harlin lo persiguió en 1992. Bowie venía de su gira mundial «Sound + Vision» de 1990 y probablemente quería descansar. También había aparecido recientemente en «The Linguine Incident» y «Twin Peaks: Fire Walk With Me», por lo que tampoco le hacía falta trabajar en el cine. Harlin sólo recuerda que Bowie estaba ocupado:

«Recuerdo haber ido a Nueva York para reunirme con él y hablar interminablemente sobre la película. [and] estuvo muy cerca, pero creo que tal vez tenía una gira o pasó algo que los horarios no funcionaron. Así que David Bowie no interpretó al malo».

Lithgow estuvo increíble, por supuesto, pero uno puede imaginar una actuación exagerada de Bowie.

Quiero preguntarte sobre una película que tú no hiciste. Ibas a hacer «Alien 3» y has discutido en entrevistas anteriores cómo chocaste con el estudio por tu visión y cómo uno de los factores decisivos para el estudio fue que no querían que se desarrollara en la Tierra. Ahora están haciendo un programa de televisión «Alien» que se desarrollará en la Tierra. Y me pregunto si, después de todos estos años, te sientes reivindicado.

Siempre pensé que tenía una buena idea. Y tienes que recordar que cuando lo pones en perspectiva, estaba trabajando en «Alien 3» en el 89, que fue antes de «Jurassic Park» y todas esas películas. Entonces, el concepto de tener estas criaturas en la Tierra, para el estudio, parecía aterrador e inalcanzable. Para mí, fue la evolución natural. Hemos tenido extraterrestres con los camioneros en el espacio, hemos tenido extraterrestres con los marines en el espacio, y ¿adónde vamos ahora? Traigamos a los extraterrestres a la Tierra y hagamos que atraviesen el campo de maíz. Ya tenía en mi mente el cartel con el cortijo y el maizal a la luz de la luna, y están atravesando el maizal. Y hasta el día de hoy, creo que habría sido una película de gran éxito porque habría sido la primera vez que se hubiera hecho algo así. Pero por alguna razón, el estudio pensó: «Ah, el público no se lo creerá. Así que pongamos a los extraterrestres en un barco prisión».

¿Un barco prisión? ¿Cómo me voy a relacionar con un barco prisión? Pero eso es historia antigua. No culpo a nadie, pero para aquellos que no lo saben, trabajé durante un año en «Alien 3» y renuncié educadamente, respetuosamente, porque no podía soportar la idea de, después de Ridley Scott y Jim Cameron. , crear una película que simplemente no estará a la altura de lo que el público espera y no les brindará esa experiencia. La clave para mí, sólo para repetir sobre las películas de «Alien», es que tienen que ser identificables. Puede que estén en el espacio exterior, pero los personajes somos tú y yo en el espacio exterior, y eso es lo que los motiva. Y creo que eso es lo que hace funcionar a «The Strangers»: somos tú y yo en esa casa.

Otra de tus secuelas fue «Duro de matar 2». Siento que cada director que trabajó con Bruce Willis describe a una persona diferente. Nunca puedo entender cómo fue trabajar con él porque todos parecen tener historias diferentes. ¿Cuáles son tus recuerdos de trabajar con él en esa película?

[sighs] La honestidad es la mejor política. No fue una película fácil de hacer. Bruce, después de muchos, muchos años de Pluriempleo (comedia televisiva ligera y comedia romántica), se había convertido en una estrella de cine gracias a «Duro de matar» y ahora estaba decidido a dejar su huella como actor de cine serio. Entonces su primera frase fue: «No quiero hacer ninguna de esas bromas estúpidas [stuff]. Quiero que los personajes sean completamente serios y reales» y así sucesivamente. Y me horroricé. Y le dije: «Entiendo de dónde vienes, pero esta película se llama ‘Duro de matar’ y Lo que al público, te lo garantizo, lo que le encantó fue tu personaje, que es un policía obrero con problemas matrimoniales que eventualmente supera, y el amor por su esposa es lo más importante para él y su odio por la autoridad. y su manera sarcástica de mirar el mundo que lo rodea haciendo algunos chistes.»

Ese era el corazón palpitante de «Duro de matar». Y teníamos que hacerlo, por supuesto, estábamos ampliando la historia y el entorno y haciendo la película más grande, pero teníamos que ser sinceros con ese personaje. Ese fue nuestro gran desacuerdo durante toda la realización de la película. Y conseguí que nuestro productor, Joel Silver, fuera árbitro en esta situación, y finalmente acordamos que filmaríamos la película para filmar tantas tomas como a Bruce le gustaba que actuara su personaje, y luego, al final, Siempre hay una toma de cada escena donde lo hace de la manera que creo que debería hacerlo, y con las líneas que creo que debería decir y las reacciones que debería hacer. Y así es como rodamos la película. Pero no lo era, no estábamos discutiendo, pero siempre había una atmósfera en la que él se mostraba reacio y se burlaba de mí porque siempre decía: «Está bien, hagamos la toma de Renny Harlin».

Pero éramos amigos. Bruce vino a Finlandia, de donde soy, y todo eso, así que le tengo un gran respeto. Trabajó duro, pero no fue la experiencia más fácil. Y cuando les mostré la película a los ejecutivos de los estudios 20th Century Fox, les encantó mi versión. Pero su primera pregunta fue: «¿Tienes más cosas divertidas porque son muy buenas?». Le dije: «He guardado todas las tomas descartadas. Incluso si la cámara estaba rodando accidentalmente y Bruce sonrió, está en la película. Así que eso es todo. Exprimí todo». Pero lo que realmente me enseñó es que, particularmente en las películas de acción, creo que en todo tipo de películas, la ligereza es oro. Incluso si tienes la película más trágica y dramática, darle al público la oportunidad de sonreír a veces, y mucho menos reírse un poco o estallar en carcajadas, es realmente valioso porque es la vida real y la gente disfruta de eso.

En los primeros minutos de «Dune: Part Two» de Denis Villeneuve, los cazadores Harkonnen buscan guerreros nativos Fremen en la superficie de Arrakis durante un eclipse. Los cazadores rápidamente se dan cuenta de que los Fremen han llamado a un gusano de arena para devorarlos, por lo que activan sus mochilas propulsoras antigravedad y se elevan desde las dunas hasta una enorme formación rocosa para evitar ser devorados. Es una acción bastante simple (hemos visto mochilas propulsoras en la pantalla muchas veces antes), pero hay algo en la tangibilidad del efecto combinado con la música de Hans Zimmer, la ubicación en el desierto y la impresionante iluminación naranja que se ve distinta de cualquier otra. parte de la película me hizo susurrar «wow» en mi asiento del cine. Para cuando los Harkonnen se dan cuenta de que es una trampa y están siendo eliminados uno por uno, ya es demasiado tarde.

En honor al lanzamiento hoy del disco 4K UHD de «Dune: Part Two», tuve el placer de hablar con el director de fotografía Greig Fraser sobre la película y le pregunté cómo logró el aspecto de esta asombrosa secuencia de acción inicial.

«Denis y yo estábamos hablando sobre cómo abrir la película», explicó Fraser. «Hablamos de hacerlo de noche, hablamos de hacerlo día por noche, hablamos de hacerlo durante el día, y todas esas cosas simplemente no nos sentaron bien. Simplemente dijimos: ‘Esto no es… ‘, quiero decir, nos sentamos en el asiento del público y dijimos: ‘Está bien, hemos comprado palomitas de maíz, estamos bebiendo Coca-Cola, vamos, tienen que mostrarnos lo que tienen, muchachos’. .’ Pensamos, bueno, si empezamos de la misma manera que terminó el último, con esa mirada, se sintió un poco, eh, no está bien».

«Estábamos jugando con todas esas cosas diferentes y encontré un filtro que corta varios rayos de luz», continuó. «He estado jugando, particularmente en Giedi Prime, con infrarrojos y recortando rojos, verdes y azules, y recortando diferentes espectros de luz para crear diferentes estilos. Eso es efectivamente lo que hacen los filtros: los filtros cortan una gran cantidad de espectros de luz. Pero tenía un filtro variable que eliminaba justo suficiente azul como para que se pudiera obtener un poco de azul en el cielo, pero era mayormente anaranjado o rojo, y tenía el elemento correcto de detalle de sombras. Así que elegimos usar este filtro y decidimos hacerlo más profundo y oscuro a medida que avanzaba la historia y el eclipse se hacía más pesado».

Me alegra mucho que hayas mencionado a Proximus, porque es un personaje que creo que ya no vemos lo suficiente, que es un gobernante que tiene una ira justa y tiene razón. Pero, por supuesto, tal vez no sea la forma más educada de hacer las cosas.

Así es. Quizás lo haga de manera equivocada. Y esa es una pregunta: Noa tiene múltiples figuras paternas que aparecen en su vida en esta película, y todas terminan. Y será interesante ver cómo esas ideas diferentes, estos angelitos en su hombro le susurran cómo elegirá adónde ir en el futuro. Creo que será muy divertido explorar eso si tenemos la suerte de continuar con las películas. Sobre cómo la pizarra inocente y en blanco de este personaje cambia para siempre al final, por las cosas que ha aprendido. ¿Usted sabe lo que quiero decir? Es algo genial.

Porque, en última instancia, en las historias sobre la mayoría de edad, la mayoría de edad no es solo la mayoría de edad de uno mismo. También es llegar a ese momento en el que te das cuenta de que los adultos en tu vida son falibles y no perfectos.

Lo cual, para mí, es un gran momento de mi crecimiento, cuando te das cuenta de que los mayores en mi vida están equivocados y son falibles. Ésa es una gran idea a la que Noa tiene que llegar: cuestionar a las personas que vinieron antes, pero sin perder el respeto y el honor por ellas. Entonces ese es el truco. Pensé que era una idea genial que tocamos, al menos a la ligera.

Definitivamente creo que la adolescencia y principios de los 20 son algunos de mis personajes favoritos, porque es cuando son más apasionados y tienen su mayor búsqueda de justicia.

Y todo se desmorona a su alrededor.

Todos piensan que son invencibles y luego tienen que darse cuenta de que las cosas se están desmoronando. Las cosas están difíciles. No tienen tanto poder como alguna vez pensaron que tenían.

Si … totalmente.

Entonces, ver a un personaje explorar eso a través de esto, pero estar en el mundo de «El planeta de los simios», pensé que era una elección maravillosa.

Eso es bueno. Eso es genial.

Con tantos actores disfrazados de mascotas, le pregunté a Cheslik si su limitada visibilidad requería un cambio en su estilo de dirección. Bromeó: «Proporciono dirección de la misma manera que siempre lo hago: simplemente gritándoles a mis amigos. Si pones a alguien en una situación horrible y luego reacciona naturalmente a eso, dijimos: ‘No actúes como un animal’. No investigues a los castores. Simplemente sé un tipo con traje y haz lo mejor que puedas para dar en el blanco y cuando te equivoques, será divertido». Uno de los principios básicos de la comedia de improvisación es «atrévete a fallar». así que le pregunté si su flexibilidad con los actores «metiendo la pata» significaba que había espacio para la improvisación.

«No quise brindar ningún tipo de apoyo a la improvisación como forma de arte. No quise tolerar la improvisación. Condeno la improvisación», bromeó Cheslik. «Cuando dije espontaneidad, me refiero a un tipo que falla en su objetivo por seis pulgadas, y pienso: ‘Ah, ese es un pequeño fracaso bastante divertido’. Esta película fue abordada de proa a popa». La película siguió los tableros a la perfección porque la precisión es la clave para una payasada de calidad. Cuando el lado del granero se cayó alrededor de Buster Keaton cuando Keaton se paró de manera segura en el lugar donde una ventana abierta golpearía el suelo, esa broma tenía que ser una ciencia exacta. O, bueno, no más Buster Keaton. «Espero que el futuro sea una comedia física precisa y un canal de animación con tableros, sin una cobertura improvisada de personas hablando en solteros. Fueron muy pocos, muy pocos cambios con respecto a los guiones gráficos», dijo Cheslik.

Si el resultado son más películas como «Cientos de castores», espero que tenga razón. Puedes escuchar mi entrevista completa con él en el episodio de hoy del podcast /Film Daily, que ya está disponible:

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