¿Cómo se traduce una cultura de la calle, el sonido y los gestos sociales para su representación en un museo? El hip-hop hoy está en todas partes: en las listas de streaming, en las tiendas de moda, en el lenguaje utilizado no sólo por los jóvenes que dicen “bro”, “homie” y “chill!” decir. Pero no se esperaría que esta forma de arte estadounidense estuviera en una casa de arte.

Lo intentaron en Baltimore. El Museo de Arte comisarió la muestra “La Cultura” en 2023. Se expusieron alrededor de un centenar de objetos de todas las disciplinas: portadas de discos, trajes de moda, fotografías, collages, pintura clásica, objetos. «La cultura», el Cultura, es un título con mucho cuerpo. Se refiere a la comprensión afroamericana del hip-hop como la estética principal que define el estilo de su propia comunidad.

El hecho de que la Schirn Kunsthalle Frankfurt también haya asumido el título con su cartera de exposiciones de Baltimore hace que la pregunta inicial sea aún más evidente: el contexto estético-histórico de este museo alemán está tan alejado de los ritmos fuertes y los interludios de breakdance como lo está Frankfurt de Brooklyn.

Zapatillas y sombreros

Entonces, ¿cómo encaja en un museo alemán una mezcla de arte posmoderno que es genuinamente afroamericano y representa un mundo cultural? La respuesta es: muy bien y nada. Muy bien, porque las exposiciones temáticas tienen exactamente esta tarea: representar una tendencia, una idea, una formación cultural más allá de las ideas de representación establecidas.

Había llegado el momento de que el hip-hop, este conjunto expresivo de música (rap), bellas artes o diseño (graffiti) y danza (breakdance), se dividiera en toda su plenitud en una burguesía cultural de Europa occidental.

En consecuencia, se pueden ver pinturas al óleo con mujeres con chaquetas bomber que miran con orgullo al espectador (“Open/Closed” de Monica Ikegwu), cuadros pintados con DJ y raperos (“DJ Screw in Heaven” de El Franco Lee II). Hay collages con la glorificación del lujo y las marcas tan propias de la cultura hip-hop (“Status Symbols #20” de Rashaad Newsome). También hay portadas de discos y maniquíes con atuendos hip-hop, compuestos por chándales, zapatillas y gorras.

Podrás caminar por este desfile de manifestaciones del género hip-hop y sorprenderte de hasta qué punto se extiende su influencia en la vida cotidiana moderna. Por ejemplo, el hecho de que hoy en día casi todo el mundo use zapatillas se debe a esta innovación artística. Hasta los años 80, las zapatillas de deporte eran simplemente equipamiento deportivo. Luego, el grupo de rap Run-DMC dio un concierto en Japón y tocó la canción “I love my Adidas”. Miles de jóvenes se quitaron las zapatillas y las levantaron en el aire con entusiasmo.

Un empleado de Adidas se encontraba allí y filmó la escena. En Herzogenaurach, la sede de la empresa, se entendió inmediatamente que aquí no sólo estaba surgiendo una tendencia, sino que también se había abierto un mercado y se tomaron las medidas adecuadas.

El arte del hip-hop no encaja en absoluto en un museo porque las casas de arte son lugares de estancamiento. Incluso cuando se proyectan películas o espectáculos, las exposiciones apuestan principalmente por la representación lineal y bidimensional. Más directamente: Hip-Hop es movimiento, expresión y sonido. Un museo está hecho de paredes y hay que estar tranquilo.

Es por eso que el momento más convincente del programa “The Culture” fue el evento de apertura. Después de algunos discursos muy largos y bien intencionados, que excedieron con creces el volumen de texto de cualquier álbum de rap, el público rugió por los pasillos. Luego tocó un DJ. La gente caminaba meciéndose y asintiendo con la cabeza, percibiendo el arte más como un telón de fondo que como artefactos para admirar. Los elementos centrales del hip-hop (música y fisicalidad, moda y gestos) se mezclaron con la práctica recepción estática de un estilo clásico.

Hip hop por todas partes

“La Cultura” es una exposición tan manejable como lo es el fenómeno hip-hop en expansión. Es difícil escapar del hip-hop hoy en día, su estética impregna la vida moderna hasta los nichos más remotos. Publicidad, diseño, moda, cultura lingüística, gestos e incluso expresiones faciales: el hip-hop está en juego allí donde la vida urbana se vuelve estéticamente densa.

Estaba claro que los mercados abrirían este ámbito artístico. Las zapatillas diseñadas por Kanye West para Adidas no son sólo fetiches de la cultura juvenil, sino una inversión de capital. Productores estrella como Pharrell Williams son nombrados jefes de diseño de marcas de moda famosas, y las listas de streaming en todo el mundo están encabezadas por músicos de hip-hop.

Vista de esta manera, la exposición de Frankfurt desde Baltimore es también un intento de liberar el género de su distorsión capitalista. Esto es complicado porque el hip-hop favorece la dinámica de la lógica del intercambio, pero al mismo tiempo la burla. Los ahora de moda “Grillz”, tirantes de oro, plata y platino con los que los raperos convierten sus bocas en un escaparate de riqueza, son al mismo tiempo emblemas de agresión y resistencia. El artista Hank Willis Thomas le ha dado a este grillz el lema “Black Power”. La idolatría de la riqueza y la contracultura están literalmente inscritas en el cuerpo.

Un artista cuyo trabajo reúne las principales líneas de desarrollo del género (su fuerza innovadora, su susceptibilidad a la explotación y la masificación) es Jay-Z. Aparece dos veces en la exposición. Una vez como un token no fungible, una imagen creada digitalmente que muestra al rapero en una refracción cubista como un renacido del gángster de la década de 1920 (“Heredero del trono” de Derrick Adams). Y luego indirectamente, como banda sonora de un vídeo de Arthur Jafa.

Este es el trabajo más impresionante de la exposición. La canción de Jay-Z «4:44», la pieza con la que la estrella se disculpó con su esposa Beyoncé por una aventura y así enterró públicamente su imagen del héroe masculino, forma la banda sonora de un espectáculo de danza. Un hombre y una mujer se rodean en una coreografía que puede leerse como un escenario de dolor, división y acercamiento. El hip-hop, deja claro este trabajo, es parte del ADN social y emocional de la gente moderna: cómo se conocen, se aman, se ofenden y se reconcilian.

Se supone que el arte siempre se encuentra en medio de alguna crisis de estética; los críticos dicen que simplemente estamos repitiendo el pasado. Dejemos que los propios artistas (nuevos, antiguos y marginales) demuestren que están equivocados. Hubo tantos espectáculos fantásticos el año pasado en Nueva York que fue difícil elegir solo diez.

La mayor parte de la acción rápida tuvo lugar en galerías grandes y pequeñas. En Zwirner, el vientre de la bestia de la mega galería Cheslea, Dana Schutz asumió toda la historia del arte y sus propios demonios. Tracey Emin nos brindó dolor, amor y sufrimiento universal en la nueva White Cube Gallery en el Upper East Side, mientras que la joven Agata Slowak, una polaca, creó pinturas surrealistas llenas de deseo en la diminuta Fortnight Gallery en el Lower East Side. . Los museos también se flexionaron: sea testigo del monumental espectáculo de Henry Taylor del Whitney, lleno de imágenes salvajemente representadas de la vida y la raza en Estados Unidos en el siglo XXI.

El último día de esta exposición, a las seis menos cinco, con la galería llena de espectadores, vi algo que me dejó atónito. Dos jóvenes se inclinaron y movieron una sección triangular entera de Sin título (Opinión pública), escultura de suelo de González-Torres formada por caramelos en envoltorios de color azul metálico. Antes de que pudiera informar a la galería de esta transgresión, todos los demás comenzaron a tallar la escultura, a desmontarla y a reorganizarla en una pieza completamente nueva. Se abrió un agujero psíquico gigante, revelando cómo el arte puede cambiar ante tus ojos asombrados y agradecidos.

Quizás el artista estadounidense más grandioso que haya surgido en los últimos 30 años (el arte es subjetivo, gente), Barney estaba en la cima de su juego en esta instalación multimedia aparentemente sobre fútbol, ​​pero en realidad era un mito de ópera-ballet de violencia, violencia épica. , bailar y dar miradas. Su uso de colores codificados y materiales como el plástico es prácticamente nulo.

Este joven maestro polaco crea imágenes muy pequeñas, muy realistas y profundamente perversas de sexo, sangre, amor robado y actos abyectos. Su estilo de pintura es un comentario sobrenatural pero acertado sobre la sexualidad contemporánea.

Ito crea imágenes surrealistas y abstractas y tiene un tacto tan suave como el algodón. Sus superficies texturales se asemejan a la piel con la piel de gallina, infundidas con tonos apagados de color puro, transportando a los espectadores a espacios interiores de ensueño llenos de paz.

Un hombre de mediana edad casado y con hijos de provincias de China se declaró gay y, al hacerlo, encontró su voz, haciendo recortes mágicos de sí mismo teniendo relaciones sexuales, robando besos, escondiéndose de la policía china y encontrando liberación y curación en el arte.

Cautivadores tapices de cuentas hechos por un grupo liderado por este visionario artista haitiano, que representan personajes de la vida cotidiana, figuras danzantes, demonios, contemplando la muerte y más. Esta obra merece una exposición en el museo pronto.

Estas pinturas casi históricas, magníficamente no narrativas, contaban historias de transgenerismo, cambio de raza y romance de la época de la Guerra Civil. También a la vista: hermosos retratos que representan a Gertrude Stein, Alice B. Toklas (como un pasivo-agresivo poderoso) y un Hemingway decapitado.

Fue sorprendente ver a Schutz alcanzar alturas visionarias en esta exposición deslumbrante. Había narrativas gigantescas de lucha entre fuerzas sociales cósmicas, espíritus espeluznantes, demonios, seres retorcidos, monstruos y bebés, con el valiente artista en el centro de todo.

Imágenes poderosas, garabateadas, medio locas y brillantemente representadas de Emin, en la cama, abriéndose, siendo destrozada por fuerzas invisibles, reconstituyéndose y haciendo el amor, en habitaciones llenas de fantasmas y ataúdes. Emin es nuestro Edvard Munch, con un alma de vidente profunda.

Con una amplia comprensión de la historia, la historia del arte y la vida cotidiana en este país, Taylor proporcionó una retrospectiva de Whitney que canalizó la rabia, el dolor, el amor y el sufrimiento: la larga noche estadounidense realizada con colores vivos y trazos atrevidos.

En tiempos de conflicto, los museos han jugado un papel vital, aunque a menudo pasado por alto, en el apoyo a un país.

Las guerras no son solo una batalla por el territorio sino también por la propiedad de la historia de una nación. Las instituciones culturales juegan un papel importante en la protección de la identidad de un país contra el borrado y en la revitalización de la identidad nacional después de un conflicto.

Ahora, museos y galerías de toda Europa están haciendo una declaración de apoyo a Ucrania y contribuyendo a la protección del patrimonio y la cultura del país con innumerables exposiciones.

La iniciativa Museos para Ucrania, apoyada por museos y galerías europeos, tiene como objetivo proteger y celebrar la cultura ucraniana.

“Si perdemos nuestra cultura, perdemos nuestra identidad”, dijo Lilya Onyshchenko, directora de la oficina de protección del patrimonio del ayuntamiento de Lviv.

Desafiando las bombas rusas, 51 obras de arte raras fueron transportadas a Madrid a finales del año pasado para la gran exposición del Museu Nacional Thyssen-Bornemisza de arte de vanguardia ucraniano.

In the Eye of the Storm: Modernism in Ukraine 1900-1930, que finalizó este mes y pronto se trasladará a otros museos de Europa, mostró una era de arte en el contexto de la revolución rusa y la guerra por la independencia de Ucrania. En ese momento, muchos de los artistas, escritores e intelectuales de Ucrania fueron encarcelados o ejecutados.

Mientras la historia amenaza con repetirse, aquí están los museos de toda Europa que amplifican la cultura ucraniana.

Dresde exhibe 100 años de arte ucraniano

Hasta el 10 de septiembre de 2023

En Dresde, una nueva exposición presenta el arte ucraniano del siglo pasado. Caleidoscopio de (Hola) historias, arte ucraniano 1912-2023 da “una idea del turbulento pasado y presente de Ucrania”, según los curadores.

Ubicado en el Museo Albertinum, parte de las Colecciones Estatales de Arte de Dresde, el exhibición presenta pinturas, esculturas, fotografías, instalaciones y videos de alrededor de cincuenta artistas, con algunas obras saliendo de Ucrania por primera vez.

“La exposición cuenta muchas historias sobre el estado fluctuante del país”, se lee en el sitio web. “Se trata del autoconocimiento en la historia de Ucrania, que se desarrolla menos por orgullo que bajo coacción externa”.

La historia continúa

Tallin celebra a los artistas de vanguardia de Ucrania

Hasta el 10 de septiembre de 2023

Futuromarennia: Ucrania y Vanguardia en Tallin exhibe más de 100 obras de arte de Ucrania de principios del siglo XX. La muestra incluye pinturas y dibujos, diseños para libros y carteles, vestuario y escenografía de teatro, así como fotografías históricas y materiales de video.

Las obras tienen un fuerte énfasis en la identidad ucraniana. “Después de siglos de dominación rusa, [Ukrainians] eran particularmente sensibles al tema de la soberanía cultural nacional”, se lee en el sitio web de la exposición.

“Este proyecto para Estonia no se trata solo de arte. Futuromarennia trata sobre Ucrania, su patrimonio y su identidad. Esta es una historia de Ucrania, contada en primera persona: una historia que aún no se ha convertido en pasado”.

Durante un video saludo en la inauguración del exhibiciónla primera dama de Ucrania, Olena Zelenska, habló de cómo “la historia se repite hoy”.

“Ya hemos perdido varios museos, muchas exhibiciones de arte valiosas. Las obras que verán los visitantes de la exposición […] fueron tomados de las colecciones de los museos que continúan su trabajo en las condiciones de guerra. Y protegerlos ahora es una tarea extremadamente difícil», dijo Zelenska.

Berlín amplifica la escena del arte contemporáneo de Ucrania

Hasta el 17 de marzo de 2024

El Museo Bode de Berlín ha abierto una exposición que yuxtapone esculturas medievales con arte ucraniano contemporáneo.

Comisariada por la historiadora y crítica de arte ucraniana Olesia Sobkovych, Eterno. Arte contemporáneo ucraniano en tiempos de guerra presenta a la ahora famosa «Madonna of Kyiv». El cuadro de la artista Maryna Solomennykova se inspiró en una foto de una madre y su hijo en el metro de Kiev que se volvió viral en las redes sociales.

Esta pintura y otras obras de arte contemporáneas están repartidas por la colección permanente de esculturas medievales y artefactos bizantinos que crean un diálogo que abarca siglos.

Por ahora, realmente solo hay una forma de capturar un HDR imagen cuando las condiciones de iluminación varían mucho a lo largo del encuadre: toma varias tomas con diferentes exposiciones y luego ensambla una composición final usando las áreas correctamente expuestas de las diversas imágenes. Pero eso pronto podría estar a punto de desaparecer, con un nuevo sensor de Canon que permite para múltiples configuraciones de exposición en diferentes regiones del sensor.

elLas cámaras en la mayoría de los teléfonos inteligentes modernos ahora automatizan por completo el proceso de creación de una imagen de alto rango dinámico, o HDR, capturando rápidamente una serie de imágenes con solo presionar el obturador una vez y luego usar el procesamiento inteligente de imágenes para fusionarlas automáticamente en una imagen final. donde todo en la toma aparece correctamente expuesto. Incluso las cámaras digitales pueden automatizarlo hasta cierto punto a través del horquillado de exposición y el software automatizado en la posproducción.

Capturar imágenes HDR de esta manera requiere condiciones bastante controladas, incluido un sujeto que no se mueve entre exposiciones múltiples y una potencia de procesamiento decente para producir automáticamente composiciones después del hecho. El nuevo sensor de Canon elimina todas esas limitaciones.

En lugar de capturar una serie de imágenes con diferentes exposiciones, el nuevo 12.6MP (4,152 x 3,024), una pulgada, El sensor CMOS apilado retroiluminado se divide en 736 regiones más pequeñas, cada una de las cuales puede capturar una pequeña parte del marco más grande con una exposición diferente. La forma en que funcionan los sensores de la cámara ahora, la exposición es una configuración global para cada píxel, pero aquí, las diferentes regiones del sensor se pueden ajustar para tener en cuenta una falta o abundancia de luz.

Canon inicialmente desarrolló este sensor para su uso en aplicaciones más industriales, como cámaras de seguridad, pero ayuda a ilustrar la utilidad de este nuevo enfoque. Capturar una imagen de un automóvil que está a mitad de camino saliendo de un estacionamiento plantea un gran desafío, mientras la parte delantera del vehículo está iluminada por el sol brillante mientras que la mitad trasera del vehículo todavía está bañada en sombras.

Tratar de capturar una imagen que exponga correctamente todo el vehículo, incluida una matrícula legible y un conductor visible, usar tecnología de cámara convencional es imposible sin múltiples exposiciones. Pero el nuevo sensor de Canon funciona junto con CPU de procesamiento de imágenes dedicadas para calcular y configurar simultáneamente la exposición para las 736 regiones del sensor a la vez, produciendo una imagen en la que todas las partes del automóvil están correctamente expuestas. El sistema también funciona lo suficientemente rápido como para capturar video a una velocidad de hasta 60 cuadros por segundo.

La otra ventaja de un sensor que puede manejar múltiples exposiciones a la vez es que reduce en gran medida la cantidad de datos que se mueven, por lo que es potencialmente más rentable cuando se trata de sus necesidades de hardware de back-end. Nuevamente, un beneficio que beneficia principalmente a los usos industriales de esta tecnología, pero no es difícil imaginar que un sensor como este eventualmente llegue a los dispositivos de consumo, tomando la funcionalidad de exposición automática de una cámara y haciéndola completamente a prueba de idiotas.

El arte todavía emociona. Este año, a medida que vi más y más trabajos de artistas que han estado subrepresentados durante mucho tiempo (más mujeres, más los llamados extraños), sentí un aumento en la emoción. Y también estamos revisando historias, como la maravilla óptica de Matisse. el estudio rojo. Para los amantes del arte dispuestos a analizar tanto como sea posible, 2022 brilló sobre nosotros con su luz siempre amorosa.

Vi este gran trabajo en el stand de Praise Shadows en la Feria de Arte Independiente: un rollo largo de pequeños textos recortados, nombres de lugares y marcadores de kilometraje. Luego miré el título, Caminando a Taipéi, e instantáneamente parecía entrar en el reino de Borges o Herzog. Esta artista con sede en Boston, incapaz de visitar a su abuela, buscó en Google cómo llegar y obtuvo un conjunto de 2052 indicaciones para caminar. (Extrañamente, nunca pudo volver a obtener este resultado de búsqueda). Vi los misterios del algoritmo transmutados por el anhelo diaspórico de un artista de regresar a casa, ver a sus seres queridos, atravesar distancias y celebrar en compañía de la familia.

Esta destacada de la Bienal de Whitney de 2019 adquirió todo su poder en una exhibición en la excelente nueva galería 52 Walker. A la mano había pinturas basadas en patrones que trazaban disparos sin munición de armas, videos de la artista caminando con un arma metida en la cintura y una obra monocromática hecha de cuero negro con la impresión del clip de un rifle de asalto AR-15. incrustado en él. También estaba a la mano una especie de tocado de cota de malla, que parecía resucitar a los muertos o actuar como guardián protector; Lo vi como una especie de casco mágico, en la línea de Tarnhelm de Richard Wagner, un objeto sobrenatural en Der Ring des Nibelungen que permite al usuario cambiar su forma. Este espectáculo tenía ese tipo de poder.

Después de que la monstruosa tormenta destrozara a Puerto Rico en 2017, llegó una de las primeras exposiciones importantes en un museo de Nueva York dedicada exclusivamente al trabajo sobre la isla y realizada por la diáspora. (Siguiendo, por supuesto, el trabajo preliminar establecido por el gran El Museo del Barrio.) Algunos destacados incluyeron la película de Sofia Córdova que contrastaba escenas de la vida cotidiana en la isla con la vida fantasmal tras la tormenta; el trabajo de Danielle De Jesus que combina la masacre de Ponce de 1937 con las protestas de 2019 que piden la renuncia del gobernador de Puerto Rico; El trabajo de 2018 de Gabriella Torres-Ferrer Sin título (Valora tu mentira americana), una farola volada; Las palabras y las imágenes de Javier Orfon rayadas en hojas de cupay; y Miguel Luciano Escudos/Escudos, hecho pintando banderas puertorriqueñas en blanco y negro en piezas de autobuses escolares fuera de servicio. En este programa, recogí el constante vaivén de los movimientos de independencia y estadidad, los problemas de corrupción gubernamental y la riqueza de la fuerza creativa que parece subyacer y trascender todo esto.

En medio de sus paredes bulbosas y caídas de colores brillantes, hechas de materiales blandos cosidos como el vinilo y la espuma, Freeman mostró aquí una serie de grandes naturalezas muertas que en realidad eran vida en el suelo. Estas obras parecidas a colchas montadas en la pared representaban elementos que podría encontrar mirando hacia abajo: paquetes esparcidos sobre mosaicos a cuadros en blanco y negro, boletos de lotería rotos, centavos en la acera. Freeman empaqueta estos desechos de la vida moderna con una fisicalidad agresiva, impartiendo la tectónica espacial del cubismo y el trampantojo.

El espectáculo de Tillmans es un libro de visitas de horas de una vida en la fotografía. Nadie ha captado la nada cotidiana de la vida dulce, los club kids, las naturalezas muertas, las marchas de protesta y las imágenes abstractas mejor que Tillmans. No solo cambió el aspecto de la fotografía, haciéndola más informal desde el punto de vista de la composición, sino que tiene un sentimiento casi mitológico por sus modelos. Una mente feroz que da dignidad a todo lo que ve.

Al cruzar la puerta de la nueva ubicación de Chelsea de esta galería de Los Ángeles, uno sintió el espíritu del caos, la vida de la calle, los milagros del color y un artista que domina la habilidad de un hechicero para apoderarse de los materiales encontrados. Halsey realiza obras de pared e instalaciones que elucidan, celebran y convierten su vecindario, South Central LA, en una alfombra mágica de posibilidades ópticas. Me imagino a Halsey haciendo grandes cosas en grandes espacios.

La misma magnífica máquina de redescubrimiento histórico-artístico que ayudó a colocar a Hilma af Klint en el centro del modernismo volvió otra piedra en los últimos años para encontrar las pinturas de principios del siglo XX de la subestimada artista de la costa oeste Paulina Peavy, quien murió en 1999. Al igual que con af Klint, quien afirmó que había tenido un encuentro cercano con un ser sobrenatural, Peavy le dijo a la gente que, después de una sesión de espiritismo, conoció a un OVNI llamado Lacamo. Esto la inspiró a comenzar una especie de pintura automática florida, de color lunar, que dio como resultado composiciones psicodélicas que se fracturan, entretejiendo abstracciones biomórficas y, lo más sorprendente, máscaras, que a veces usaba mientras pintaba. Su obra nos muestra un tremendo país por descubrir. En un excelente espectáculo de tres personas junto con el trabajo de Ann McCoy y Olga Spiegel, Peavy lanzó un desafío que es mejor que los museos recojan antes de que sea demasiado buscada.

En este espectáculo salvaje, cientos de piezas se colgaron mejilla con mejilla en esta galería en una pequeña tienda entonces en Alphabet City, el resultado de una convocatoria abierta que prometió que todo lo entregado sería instalado. La exposición fue un recorrido por la energía anárquica supervisado por el cofundador de la galería y artista Jamian Juliano-Villani, quien afirmó que quería «mostrar arte que no se teme a sí mismo» y que este sería un espacio que trataría a todos «por igual». mierda.»

Esta exposición alucinante reúne obras arcaicas pocas veces vistas del arte maya. Vemos grandes tallas de piedra ambiciosas que conducen a los espectadores a habitaciones llenas de ideas sofisticadas y deslumbrantes de figuración, espacio, adoración, vida futura y el poder de la forma. Se me erizó el vello de la nuca mientras miraba boquiabierto, casi boquiabierto, los increíbles tocados, figuras que parecían contemplar fantasmas, criaturas míticas, humanos. comunión con los espíritus. Un cosmos de mirar rostros tallados.

de Matisse los estudio rojo es una rebelión de una sola pintura contra el espacio de perspectiva ilusionista, un gigantesco empujón desde el acantilado de las posibilidades del color. Esta exposición condensada reunió el trabajo de Matisse de 1911, que representaba su propio estudio, con muchas de las pinturas reales que incluyó en la imagen, creando una mirada de salón de espejos en el santuario interior del artista. Lo mejor de todo es que esta exposición fue una lección de pura audacia pictórica: los estudio rojo fue un encargo de uno de los mecenas más importantes de Matisse. El artista debió ver que la pintura podía ser mucho más; antes de enviarlo, cubrió la mayor parte de su superficie con rojo veneciano. El coleccionista lo rechazó, pero Matisse ya había atravesado un Rubicón estético. Esta pequeña muestra del MoMA mostró cuánto puede hacer un museo a menor escala, sin todas las campanas y silbatos.

Ver todo

Mickey Zide, un especialista en exhibición y distribución que luego se dedicó a producir películas como «Dirty Mary Crazy Larry», murió el 10 de noviembre en La Quinta, California, por causas naturales. Tenía 90.

Nacido en Detroit, Zide fue la tercera generación de su familia en trabajar en el negocio del cine y comenzó trabajando como vendedor para Columbia Pictures en Detroit. Su padre Jack y su hermano Martin eran dueños de Allied Film Exchange, la distribuidora independiente más grande del Medio Oeste, que lanzaba películas para compañías como AIP, Crown y Atlantic Releasing.

Se convirtió en vicepresidente de ventas de American International Pictures de Sam Arkoff, donde contrató películas como «Foxy Brown», «Last House on the Left» y «The Pit and the Pendulum».

Después de que el productor de AIP, James H. Nicholson, se fuera para formar Academy Pictures, Zide se unió a él y se desempeñó como productor asociado en la película protagonizada por Peter Fonda y Susan George, «Dirty Mary Crazy Larry». Distribuido por 20th Century Fox, el thriller de crímenes viales se convirtió en un éxito sorpresa y terminó como la película más exitosa de Fox en 1974.

Sus otros créditos de producción incluyen la película de terror sobrenatural de Academy «The Legend of Hell House», protagonizada por Roddy McDowell, y la producción italiana «Werewolf Woman» para Dimension Pictures.

Más tarde, Zide estableció Academy Film Service, que se especializó en el almacenamiento y rejuvenecimiento de películas para estudios.

Le sobreviven su hija Debbie, sus hijos Larry y Rick Zide y su sobrino Warren, productor de las franquicias “American Pie” y “Final Destination”.

De Edvard Munch a Gérard Garouste, pasando por Claude Monet y Joan Mitchell, Boris Mikhaïlov, Erwin Blumenfeld o Alice Neel, las exposiciones de vuelta al cole hacen todo lo posible, tanto en París como en Lyon y Toulouse.

El “paisaje global” de Pierre-Louis Faloci

Una ventana que enmarca un paisaje, a través de la cual vemos la luz evolucionar a lo largo del día, los colores y las formas cambiando con el cambio de las estaciones, es como una toma de película. Esta idea está en el corazón de la arquitectura de Pierre-Louis Faloci, nieto de un operador que ha construido parcialmente su relación con el mundo visto desde un cuarto oscuro. La carta blanca que le ofrece la Cité de l’architecture et du patrimoine para celebrar el Grand Prix de l’architecture, que recibió en 2018, es una oportunidad para él de poner en escena las correspondencias entre su obra y el corpus transdisciplinar que alimenta eso. La selección de proyectos que ha elegido para presentar dialogará así con el estudio de Georges Méliès, «máquina de visión» que hizo su tema de graduación, los dispositivos ópticos de André Le Nôtre, las teorías de Hubert Damisch sobre la perspectiva, de Gilles Deleuze sobre la imagen del tiempo y la imagen en movimiento, y numerosos extractos de películas… Una promesa tentadora.

Ciudad de arquitectura y patrimonio, París 16^mi. Del 14 de octubre al 29 de mayo de 2023.

Arquitectura y paisaje en simbiosis, entre sentido y poesía

En 2018, Dorte Mandrup fue una de las sensaciones de la Bienal de Arquitectura de Venecia. La instalación, sensorial y poética, que había presentado allí, estaba inspirada en el Icefjord Center, un observatorio científico del cambio climático que iba a entregar tres años después, en la costa oeste de Groenlandia, al norte del Círculo Polar Ártico. Es uno de los tres proyectos que este danés de fama internacional, pero poco conocido en Francia, ha llevado a cabo en una zona catalogada como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. Se presentarán, junto con otros, cada uno de los cuales atestigua a su manera una sensibilidad por el medio ambiente unida a un agudo sentido del diseño. Saber que esta arquitecta, cuya agencia tiene su sede en Copenhague, se formó tanto en escultura como en ciencias naturales ayuda a comprender mejor la singularidad de su enfoque.

Le Bicolore, Casa de Dinamarca, París 8^mi. Del 9 de septiembre al 6 de noviembre.

Inmersión veneciana en el corazón de París

Bucear en el Gran Canal es inconsciente, ya que está contaminado. Pero sumergirse en toda Venecia, ¿por qué no? Uno puede ser reacio frente a estos sonidos y luces que hacen que una pintura de Van Gogh se mueva o un Monet desproporcionadamente ampliado, incluso recortado, se agite, desafiando los derechos morales del artista, sin embargo, la experiencia de 3D y digital la escala de un ciudad puede ser interesante. Esto es lo que ofrece la Réunion des Musées Nationaux (RMN) en un nuevo lugar llamado «Immersive Grand Palais», ubicado en la Opéra Bastille, en el 12^mi distrito de París. Asistiremos, dice el dossier de prensa, el «nacimiento de Venecia en los meandros de una laguna»Visitaremos «la Edad de Oro, el poder comercial y naval de Venecia», bajando por el Gran Canal; temblaremos ante la fuerza de sus autoridades, simbolizadas por la Plaza de San Marcos y el Palacio Ducal. Pero también ante su destino, que parece ser el de una ciudad sumergida. Una asociación con Ubisoft te pondrá en la piel de los personajes del juego. credo del asesino y recorrer las callejuelas venecianas del XV^mi siglo.

Te queda el 83,66% de este artículo por leer. Lo siguiente es solo para suscriptores.

Si el verano no ha terminado, el comienzo del año escolar ya promete una buena selección de exposiciones. Venecia en 3D, Munch en Orsay o incluso la historia de la marca Lego… Aquí tienes nuestra selección.

Abandonado en la Casa de América Latina

Hasta el 24 de septiembre, la Casa de América Latina presenta la exposición «Marronnage, el arte de romper las cadenas», y así destaca «la historia, el patrimonio artístico y las producciones plásticas de los pueblos afrodescendientes transportados a la fuerza a Sudamérica». En Surinam y la Guayana Francesa, donde la selva los protegía, estas sociedades primero tenían que defender su libertad, antes de “expresar su sentido de la belleza y la gracia”: el promedio.

La exposición presenta objetos producidos en la primera mitad del siglo XX^mi siglo, que se han convertido en colecciones museísticas, así como una panorámica de las creaciones actuales. Al tiempo que contribuye a dar a conocer a una población desconocida.

“Marronnage, el arte de romper las propias cadenas”. Hasta el 24 de septiembre en la Casa de América Latina (7 de París).

Un recorrido en 3D por Venecia en el inmersivo Gran Palacio

Los amantes de la Serenissima estarán encantados. A partir del 21 de septiembre, el Immersive Grand Palais acogerá una exposición digital dedicada a Venecia. En coproducción con la compañía iconoemy en colaboración con el Base cívico dijo Veneciael lugar ofrece un recorrido por la ciudad con modelos 3D.

Turistas de todo el mundo podrán descubrir los palacios de la ciudad o el Gran Canal, todo con imágenes «a corta el aliento», «problemas las tecnologías más innovadoras, y acompañado de una composición musical inédito».

«Venecia Reveló». Del 21 de septiembre al 19 de febrero. Gran Palacio Inmersivo (12 de París).

La obra de Füssli en el museo Jacquemart-André

A partir del 16 de septiembre, el pintor Füssli será homenajeado en el museo Jacquemart-André. Hasta enero, la exposición «Füsslientre sueño y la realidad» ofrece un viaje a «YOuniverso onírico y mágico del pintor Suizo». En total, se presentan alrededor de sesenta obras de colecciones públicas y privadas, «para danos un repaso por la carrera y el talento de este artista poco conocido en Francia».

El artista se inspiró en la mitología, la Biblia o incluso en las grandes obras de la literatura shakespeariana para representar escenas dramáticas, en la frontera entre el mundo de los sueños y el mundo fantástico. Es particularmente conocido por su pintura Pesadilla.

«Füsslientre sueño y la realidad». Del 16 de septiembre al 23 de enero. Museo Jacquemart-André (París 8).

Edvard Munch en el Museo de Orsay

Descubrir o redescubrir Edvard Munch en d’Orsay? Es posible. Del 20 de septiembre al 20 de enero, el museo ofrecerá una exposición en torno a las obras del pintor noruego. A menudo reducido a su cuadro de culto, El Grito, el artista es, sin embargo, autor de muchas obras fascinantes. Organizada en colaboración con el Museo Munch de Oslo, la exposición explora «su itinerario – sesenta años de la creación— durante toda su duración y su complejidad».

En total, se ofrecen a los visitantes más de 150 obras, entre ellas unas sesenta pinturas y una gran colección de dibujos, grabados y fotografías. También se descubren documentos y manuscritos que evocan «su incursiones en el campo de literatura». En 1991, la institución parisina ya había organizado una primera exposición dedicada al artista, «Mascar y la Francia».

«Edvard Munch. Un poema de amor, vida y muerto». Del 20 de septiembre al 20 de enero. Museo de Orsay (París 7).

Descubriendo Lego en la Joseph Gallery

90 años Para celebrar su aniversario, la marca danesa ofrece una exposición en la Galerie Joseph, hasta el 25 de septiembre de 2022. La oportunidad para jóvenes y mayores de (D)descubrir «a ellos diferentes universos y el infinito posibilidades» que ofrece esta marca de ladrillitos atemporales.

Descubrimos un gigantesco parque infantil en el que destacan los numerosos juegos de construcción de Lego, Doble a Lego Técnico a través de los universos Lego AmigosHarry Potter, Super Mario o incluso Minecraftestrella GuerrasMarvel y Batman… Sin olvidar piezas raras de archivo, juegos de construcción emblemáticos, novedades inéditas, creaciones gigantes inéditas en ladrillos LEGO creadas para la ocasión…

LEGO “90 años de creatividad». De 6 de julio al 25 de septiembre. Galería Joseph (París 3).

La unión de la pintura y la fotografía en la A.galerie

¿Más bien pintura o fotografía? Aquí los dos están vinculados. Siempre en busca de talentos innovadores, la galería de fotografía A.galería ha decidido para su nueva exposición, “Bocetos fotográfico»para difuminar los límites. Dos fotógrafos son homenajeados: alejandro Vasápoli y Ronald Martínez. Ambos tuvieron éxito «a desarrollar una técnica fotográfica, un dominio de la estampación y un gusto por el encuadre que hacen de sus trabajos fotográficos de los lienzos excepcional».

“Bocetos fotográfico». Del 23 de septiembre al 19 de noviembre de 2022. POSEE.galería (16 de París).

Frida Kahlo en el Palacio Galliera

Después de Dalida, Chanel o incluso Jeanne Lanvinel Palacio Galliera dedicar una exposición aicono Frida Kahlo. Del 15 de septiembre de 2022 al 5 de marzo de 2023, la retrospectiva Frida Kahlomás allá de apariciones»producido en colaboración con el Museo Frida Kahloda a conocer más de 200 piezas de la casa natal del artista, la Casa azules en Mexico.

Después de su accidente de autobús a la edad de 17 años, que la dejó traumatizada y herida de por vida, la artista declaró en particular: «YO No estoy muerto y tengo una razón para vivir. Esta razón es la pintura.»

Frida Kahlomás allá de apariciones». Del 15 de septiembre al 5 de marzo. Palacio Galliera (16 de París).

Bonos: Jornadas del Patrimonio

Aviso para los amantes del arte: Jornadas del Patrimonio regresar el 17 y 18 de septiembre de 2022 para una 39ª edición. La oportunidad perfecta para visitar museos gratuitos, lugares abiertos excepcionalmente o para realizar visitas guiadas inusuales y otras grandes actividades. Todo alrededor del tema «Herencia sostenible». Imprescindible