Ahora que nos ha llegado la noticia de la muerte de Alice Munro, ¿por qué no empezar por el final, que también es un comienzo? Entonces con las cuatro historias, eso su última colección de cuentos ¿Y que, según el autor, eran “las primeras y las últimas cosas, y las más personales, que tengo que decir sobre mi vida”?

Esta evaluación también se apoya desde la perspectiva del lector, porque aquí están los elementos centrales de los cuales la escritora canadiense, nacida en 1931, extrajo su obra única: encuentros tempranos con mujeres que desafiaron los estrechos límites de la vida de un pequeño pueblo en la zona rural de Ontario; la inquietante visita de pensamientos profundamente malvados que confrontaron a Alice, de catorce años, con las escarpadas profundidades del alma humana; la idea de lo cerca que vivimos de esta brecha: “Decimos de algunas cosas que son imperdonables o que nunca nos perdonaremos a nosotros mismos por ellas. Pero lo hacemos, lo hacemos todo el tiempo».

¿Por qué no hablar ahora también del milagro que es obra de Alice Munro, un milagro sellado oficialmente con la concesión del Premio Nobel de Literatura en 2013? Una obra que se centra con tanto rigor como tranquilidad en un espacio habitable que no es exactamente radiante y en existencias que generalmente se recortan al menos en la medida en que quieren crecer, parece tan atractiva como un puñado de arena húmeda. Alice Munro, sin embargo, logró prensar su material en diamantes, cuyo potencial seguía siendo tarea del lector explorar.

Tocable y misterioso

Alice Munro ha asumido un compromiso inequívoco con su paisaje literario: el extremo sur de Ontario, donde creció y vivió la mayor parte de su vida. «Ningún otro país puede tener el mismo significado para mí, no importa cuán históricamente significativo, cuán hermoso, cuán vibrante e interesante pueda ser ese país», dijo en una entrevista con el New York Times. Este lugar ordinario, comentó en otra ocasión, le bastaba: “Aquí todo es palpable y misterioso”.

Tocable y misteriosa: esa no sería una mala caracterización para la narración de Alice Munro. Sus observaciones cotidianas se expresan con palabras con una precisión tan incorruptible que lo obvio se vuelve sutil o se carga de mordaz ironía, en contra de su propia naturaleza pesada.

gótico norteño

Es precisamente la presión interna de los estrechos espacios habitables la que saca a relucir lo misterioso en una amplia variedad de formas. Con toda una serie de historias, Munro se muestra como un espíritu afín del norte de la tradición literaria estadounidense, conocida como “gótica sureña”: el terror impío que le sobrevino a la edad de catorce años se refleja en un espectro opresivo de Actos de violencia física y mental que Munro desarrolla con gran verosimilitud y siempre con inteligente discreción.

Alice Munro contrarrestó las restricciones que las circunstancias de la vida imponen a sus personajes o que ellos mismos buscan por inercia interior -y aquí es donde reside el verdadero misterio de su narración- con la audaz apertura de la forma. Su escritura se alejó cada vez más del modelo clásico del cuento, que prevé una trama en gran medida cerrada y centrada en una conclusión puntual.

En cambio, trabajó con grandes saltos en el tiempo, incorporando elementos argumentales aparentemente dispares dentro de historias individuales a través de paralelos motivadores o temáticos. Al mismo tiempo, creó redes de referencia que iban más allá del texto individual, a través de las cuales las historias reunidas en un volumen se iluminan entre sí y profundizan su contenido.

Las historias son las mejores novelas.

Por eso no sorprende que la obra de Munro haya sido comparada repetidamente con el género de la novela, mucho más popular entre la mayoría del público lector. El hecho de que una sola de sus historias pudiera contener el material a partir del cual otros podrían tejer un libro completo fue un elogio que la escritora recibía a menudo; Ella misma parece haber tenido una relación completamente ambivalente con la novela.

Por un lado, dijo secamente que nunca había leído una novela que no fuera un mejor género como historia. Por otro lado, admitió que había consultado repetidamente en las librerías para ver cuántas páginas debía tener al menos un texto literario para ser considerado novela.

El comentario travieso encaja con una autora que reconoció las profundidades del mundo literario desde el principio y se dio el lujo de evitar cada vez más las giras de lectura y las apariciones públicas a medida que crecía su fama. Pero el hecho de que la cuestión del género también fue planteada y abordada en la obra lo demuestra en particular la cuarta colección de cuentos de Munro, publicada en 1978 y publicada en alemán con el título “La mendiga”.

Las diez historias recogidas en el volumen giran en torno al mismo personaje principal y están ordenadas cronológicamente; Por lo tanto, habría sido obvio procesar el material en forma novedosa. En cambio, al dividir el material en historias individuales, Munro se deshace de todos los elementos de la trama que habrían sido puramente por coherencia y continuidad.

Incluso hitos cruciales, como el nacimiento de un hijo, pueden omitirse de esta manera: la hija sólo aparece después de que los padres se han separado de nuevo. Esto le da la libertad de establecer puntos focales de acción individuales en cada historia y centrarse completamente en los motivos y momentos que le parezcan relevantes.

El poder explosivo de su trabajo.

Alice Munro fue –a diferencia de muchos premios Nobel de literatura– lo que uno llamaría una autora “apolítica”. Sólo una vez intervino directamente en el debate público, cuando un grupo conservador quiso prohibir las obras literarias «ofensivas» del plan de estudios de la escuela secundaria de Ontario a finales de los años 1970. No querríamos describir el trabajo de Munro como “feminista” a pesar de su enfoque en los destinos femeninos; Su visión es demasiado clara y sin ilusiones; su enfoque en aquellos para quienes los diseños sociales innovadores siguen siendo una tierra extraña o, en el mejor de los casos, una utopía inalcanzable, es demasiado consistente.

Con la misma honestidad, Alice Munro también midió la distancia que la separaba como escritora de quienes pueblan su obra: al escribir, “usaba (…) burlaba, cambiaba y remodelaba” a las personas de su círculo, admite uno de personajes claramente autobiográficos; en otro, el precio de una carrera literaria es la fría alienación de la familia y del mundo de la infancia.

Pero en esta falta de ilusión reside el poder explosivo de la obra de Alice Munro, más allá de toda política. Y la maravilla de su obra radica en el hecho de que bajo esa mirada el mundo no quedó petrificado y desolado, sino que el terreno llano y aburrido que eligió floreció hasta convertirse en un paisaje literario colorido y, en ocasiones, salvaje. Alice Munro murió el lunes a la edad de 92 años en una residencia de ancianos de Ontario. Sufría demencia desde hacía más de una década.

Corman no sólo fue una leyenda del cine por derecho propio, sino que también fomentó a algunos de los más grandes cineastas de Hollywood. Conoció por primera vez al joven James Cameron cuando estaba construyendo modelos de naves espaciales para la película de 1980 de Corman y Jimmy T. Murakami «Battle Beyond the Stars». Cuando el equipo de efectos especiales empezó a quedarse atrás, Corman envió a su asistente para averiguar qué estaba pasando. Ella le dijo que el jefe de efectos especiales no tenía la experiencia que necesitaban, pero que había un joven en el departamento llamado Jim que «realmente sabe lo que está haciendo».

«Fui y hablé con él y vi lo que estaba haciendo, y estaba claro que la creatividad estaba ahí», dijo Corman al Hollywood Reporter. «Y consiguió un ascenso. Es el único tipo al que creo que alguna vez le di un ascenso y un aumento en su primera foto».

La asistente, dicho sea de paso, fue Gale Anne Hurd, quien produciría algunos de los primeros éxitos de Cameron: «The Terminator», «The Abyss» y «The Terminator 2» y, finalmente, se desempeñaría como productora ejecutiva de «The Walking Dead». » y sus derivados. Muchos otros futuros cineastas comenzaron sus carreras como asistente de Corman o trabajando con él como director de segunda unidad. Cuando Corman aceptó producir la película «Boxcar Bertha» para American International, contrató a un joven cineasta prometedor llamado Martin Scorsese para que la dirigiera. «Después de los primeros días de rodaje, [the studio] «Quería que despidiera a Marty y me hiciera cargo», recordó Corman. «Le dije: ‘No, este tipo es realmente bueno'».

Corman continuó trabajando hasta el final de su vida. Hace apenas un par de meses, se supo que se estaba asociando con la leyenda del terror Joe Dante para producir una nueva versión de «La pequeña tienda de los horrores». Si bien es posible que no haya podido completar el proyecto, Corman deja un legado que dio forma a Hollywood. Lo extrañaremos mucho.

César Luis Menotti, entrenador de la selección argentina, campeona del mundo en casa en 1978, falleció a los 85 años, anunció este domingo 5 de mayo la Federación Nacional de Fútbol (AFA) en su sitio web. cuenta.

“La Federación Argentina de Fútbol lamenta comunicar con profunda tristeza el fallecimiento de Luis César Menotti, director de las selecciones nacionales y ex entrenador campeón del mundo”escribe la AFA en la red social.

Menotti fue internado en marzo en un hospital de Buenos Aires por un “Caso grave de anemia” y fue puesto en libertad a mediados de abril. La causa de la muerte aún no ha sido anunciada pero, según medios argentinos, César Menotti falleció el domingo “del cáncer de estómago”.

Copa del Rey y Supercopa de España

Nacido en Rosario, Menotti fue jugador profesional en la década de 1960, luego se embarcó en una carrera como entrenador y ganó un título de campeonato argentino con el club Huracán de Buenos Aires en 1973.

Luego se hizo cargo de la selección nacional a la que llevó al título mundial en 1978 y que aún dirigió durante el Mundial de España 82 (eliminación en 2^mi redondo).

También ganó la Copa del Rey de España, la Supercopa de España y la Copa de la Liga de España, competición ya extinta, con el FC Barcelona en 1983.

Sus ex clubes Atlético de Madrid y FC Barcelona, ​​así como la Federación Española, le rindieron homenaje el » descanse en paz «.

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El mundo con AFP

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La ex superestrella del fútbol americano OJ Simpson, cuyo juicio por doble asesinato en 1995 cautivó a Estados Unidos antes de su absolución, murió de cáncer a la edad de 76 años, anunció su familia el jueves 11 de abril.

“El 10 de abril, nuestro padre, Orenthal James Simpson, perdió su batalla contra el cáncer. Estaba rodeado de sus hijos y nietos”escribieron sus allegados en X.

El ex corredor estrella de la National Football League (NFL) reconvertido al cine, OJ Simpson fue declarado inocente del asesinato de su exmujer y de su amiga en 1995 en Los Ángeles (California), al finalizar el “juicio de el siglo”, sobrevalorado y extremadamente cargado de racismo. Los debates cautivaron al país, y el veredicto que exculpó a OJ Simpson sigue generando polémica, casi treinta años después. A pesar de esta sorpresiva absolución, su historia es la del inexorable declive de un hombre considerado a veces la primera superestrella negra en Estados Unidos.

Gran popularidad

Nacido en San Francisco el 9 de julio de 1947, fue criado por una madre soltera, abandonada por su padre cuando tenía 5 años. Sufriendo de raquitismo cuando era niño, más tarde se convirtió en un atleta extraordinario y tuvo una brillante carrera en la NFL. Fue coronado jugador del año en 1973 mientras jugaba con los Buffalo Bills.

Atractivo, carismático, el que será apodado “El Jugo” -por sus iniciales correspondientes a «zumo de naranja» – gozó de una inmensa popularidad que mantuvo mucho después del final de su carrera profesional a finales de los años 1970.

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Incluso antes de colgar las botas, ya era buscado por el cine y la televisión, sobre todo en la serie Raíces (1977), y deleita a los anunciantes con su encanto y su voz ligeramente profunda. Su presencia natural en la pantalla también le llevaría más tarde a dedicarse a la carrera como comentarista deportivo.

En 1985 se casó con su segunda esposa, una bella rubia, Nicole Brown, quien le dio dos hijos y llevó una vida opulenta. Se divorciaron en 1992. Mientras él poco a poco se fue alejando de los focos, OJ Simpson volverá al centro de las noticias como protagonista de uno de los casos legales más fascinantes del siglo XX.^mi siglo en Estados Unidos.

prisión por robo

El 12 de junio de 1994, el cuerpo de Nicole Brown fue descubierto en Los Ángeles en un charco de sangre, junto al de su amigo Ronald Goldman, también brutalmente asesinado. Tras una persecución que dura varias horas por las autopistas de la ciudad, seguida en directo por cámaras de televisión que filmaban desde helicópteros, OJ Simpson es detenido por la policía.

El análisis genético identifica la sangre de Simpson en la escena del crimen, la de las víctimas en su coche y en su casa. “OJ” sostiene su inocencia, pero lo acusan de doble homicidio. Un año después, al final de un espectacular juicio, también retransmitido en directo por televisión, un jurado de Los Ángeles lo absolvió. Esta decisión levanta una ola de indignación en Estados Unidos y divide la opinión entre negros y blancos, tres años después de sangrientos disturbios raciales en la megalópolis californiana.

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Posteriormente, el exjugador fue declarado responsable de la muerte de las dos víctimas durante un juicio civil en 1997 y se le ordenó pagar daños y perjuicios por valor de más de 33 millones de dólares a sus familias, algo que nunca hizo. Luego se trasladó a Florida (sureste), donde sus bienes quedaron protegidos del embargo ordenado para satisfacer la decisión del tribunal civil de California, al otro lado del país. Sin embargo, no desaparece del espacio público, monetizando sus apariciones, en particular… durante una conferencia de entusiastas de los asesinos en serie.

En 2007 fue detenido en Las Vegas (Nevada) por robar recuerdos deportivos con cinco secuaces de un hotel-casino de la ciudad, a punta de pistola. A principios de octubre de 2008, fue declarado culpable de doce cargos y luego condenado a treinta y tres años de prisión, con una pena irreductible de nueve años. Estaba en libertad condicional desde 2017.

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Aunque todavía debía decenas de millones de dólares a las familias de su exmujer y de su pareja, la ley le permitía conservar su pensión de fútbol profesional, que ascendía a 25.000 dólares (23.000 euros) al mes.

El mundo con AFP

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El ex central de tres cuartos del Stade Montois y del XV de Francia, figura del “estilo francés”, André Boniface, falleció el lunes 8 de abril en el hospital de Bayona (Pirineos Atlánticos), anunció su familia. Tenía 89 años. Realizó 48 selecciones para la selección francesa entre 1954 y 1966, con la que ganó cuatro Torneos de las Cinco Naciones (1954, 1955, 1959 y 1962).

A nivel de clubes, André Boniface permaneció en las Landas durante toda su carrera: después de empezar en el US Dax, donde jugó una temporada, jugó durante veinte años en el Stade Montois, entre 1952 y 1972, donde ganó el título de campeón de Francia en 1963 contra el US Dax, tras caer dos veces en la final, en 1953 y 1959. “André Boniface marcará el rugby francés para la eternidad. El “estilo francés” era él. En Dax, luego en Mont-de-Marsan durante veinte años, deambuló entre las defensas de todos los clubes con la genialidad de quien lleva el rugby en la sangre. Campeón…», elogió a la Liga Nacional de Rugby en.

Ya sea en el Stade Montois o con la selección francesa, André Boniface jugó en varias ocasiones con su hermano Guy. Por su inventiva y su sed de movimiento, encarnaron el “estilo francés”, una expresión inglesa para saludar la creatividad de “Juego francés”.

Pero Guy Boniface murió a la edad de 30 años, el 1^ejem de enero de 1968, tras un accidente de tráfico ocurrido la víspera en Hagetmau, en las Landas. “En el momento en que solté su mano [à l’hôpital] Fue y sigue siendo el momento más doloroso de mi vida”.relató André Boniface en sus memorias Estábamos tan felicespublicado en 2006.

Los “Boni” dividieron el rugby francés

Bonifacio mayor también describió en este libro el vínculo que los unía, particularmente durante las reuniones del XV de Francia, donde oficiaban en el centro. “Durante los himnos, seguidos del haka, Guy y yo estuvimos uno al lado del otro y nos estrechamos la mano con mucha fuerza. Este momento, nadie puede saber lo fuerte que fue, nadie puede saber lo que significó para nosotros. (…). ¡Estábamos tan felices! »escribe el hombre que formó parte del primer equipo francés que ganó a los All Blacks (3-0), en 1954.

A pesar de su aura, la pareja de centrales (André, número 12, y Guy, número 13) rara vez estarán asociados con la selección francesa, sólo durante diecisiete partidos. El caso de los “Boni”, poco apreciados por los dirigentes del rugby, dividió entonces el óvalo francés.

Su tormentosa historia con el XV de Francia alcanzó su epílogo en 1966, tras una derrota por 8-9 contra Gales, que privó a los Bleus de una victoria en el Torneo, la primera que los dos hermanos podrían haber compartido. Un pase de campana de Jean Gachassin, destinado a André, fue interceptado por el galés Stuart Watkins, que corrió hacia la portería. Suficiente para eliminar a los franceses, que lideraban 8-6 a pocos minutos del final del partido: un try valía entonces tres puntos. Los dos hermanos Boniface y Gachassin fueron designados responsables de esta derrota por parte de la Federación.

“Despedir a tres jugadores después de un pase interceptado es algo único. De hecho, no tuvo nada que ver con el pase”deploró amargamente André Boniface en El equipo en 2016. “Los seleccionadores estaban hartos de nosotros. No nos soportaban más. Mi apariencia, mi personalidad les molestaba mucho. Mi franqueza también”. aseguró.

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Muere la actriz Vera Chéjova a los 83 años

(dpa) La actriz y directora Vera Chejova falleció el miércoles (3 de abril). Murió en Berlín a la edad de 83 años tras una breve y grave enfermedad, según anunció la agencia Ute Nicolai. En su carrera cinematográfica y televisiva de décadas, Chéjova apareció en casi 100 papeles entre los años cincuenta y noventa. También hubo numerosos compromisos en los principales teatros alemanes.

Vera Tschechowa recibió el Premio Federal de Cine en 1962 por la adaptación cinematográfica de Heinrich Böll “El pan de los primeros años”. El público la conoce también por películas como “El tiempo de la sensibilidad”, “Rausch der Verwandlung” o por sus apariciones en televisión en “Tatort” o “Ein Fall für zwei”.

En los años 80, rodó con su entonces marido Vadim Glowna la película de Cannes “Desperado City”, la adaptación cinematográfica de Max Frisch “Barba Azul” y el documental “Chéjov en mi vida” sobre su famosa familia rusa. Era bisnieta del dramaturgo Anton Chejov. Tanto su madre como su abuela eran actrices.

Desde los años 90, Chéjova prefirió estar detrás de la cámara y retrató a colegas de cine como Katja Riemann, Klaus Maria Brandauer y Michael Ballhaus. Según sus familiares, Vera Chéjova murió “después de una breve y grave enfermedad”.

El director de orquesta alemán Tilman Michael se convierte en director del coro de la Metropolitan Opera de Nueva York

(dpa) El director de orquesta alemán Tilman Michael (49) pasa de la Ópera de Frankfurt al Met de Nueva York como director de coro. A partir de la próxima temporada, Michael asumirá la dirección del coro de la reconocida Ópera Metropolitana de Nueva York, según anunció la institución de Manhattan el miércoles (3 de abril). «Tilman Michael es un colega y amigo desde hace mucho tiempo cuyo trabajo respeto profundamente y a quien doy la más cordial bienvenida a la familia Met», dijo el director musical Yannick Nézet-Séguin. Michael dijo que se siente honrado y espera poder contribuir a la creación de “música excepcional en esta ópera tan especial”.

El alemán sustituye al director de orquesta estadounidense Donald Palumbo, de 75 años, que anunció su retirada el año pasado. Palumbo había dirigido el coro del Met durante 17 años.

Tilman Michael dirige el coro de ópera de Frankfurt/Main desde 2014 y anteriormente trabajó en Mannheim. También ha trabajado con muchos otros conjuntos en otras instituciones. Al igual que la Ópera de Frankfurt, la Ópera Metropolitana es uno de los mejores teatros de ópera del mundo.

Muere el ganador del Oscar Louis Gossett Jr. a los 87 años

(dpa) Ha muerto el actor estadounidense Louis Gossett Jr., a la edad de 87 años, informaron el viernes (29 de marzo) medios estadounidenses como CNN y NBC, citando un comunicado de su familia. «Con profundo pesar confirmamos que nuestro padre murió esta mañana», dijo el comunicado según citaron los medios. “Nos gustaría agradecer a todos por sus condolencias. Respete la privacidad de la familia durante este momento difícil”.

En 1983, Louis Gossett Jr. se convirtió en la primera persona negra en ganar un Oscar al Mejor Actor de Reparto. Antes de Gossett, sólo dos negros habían ganado el Oscar de interpretación: Hattie McDaniel (1940) a la mejor actriz de reparto en “Lo que el viento se llevó” y Sidney Poitier como actor principal en “Los lirios del campo” (1964). En abril de 1983, a la edad de 46 años, Gossett aceptó el Oscar por su papel en la película «Un oficial y un caballero». En él interpretó a un aterrador instructor de la Marina de los EE. UU. que somete a sus alumnos a ejercicios brutales. En su breve discurso en el escenario de los Oscar, Gossett agradeció a su antiguo agente en funciones y a sus padres. No habló de las desventajas que enfrentan los actores negros en Hollywood.

Más tarde se volvió más explícito, uniéndose a la tormenta de indignación por la no nominación del talento negro y abogando por la diversidad. “No es necesario ser negro o latino, todos somos parte de una familia”, dijo Gossett, quien ha estado casada tres veces y tiene dos hijos. El actor hizo campaña contra la discriminación y el racismo con una fundación.

El maestro del acero: muere el escultor estadounidense Richard Serra

(dpa) El artista Richard Serra falleció este martes a los 85 años. Según constantes informes de los medios, murió a causa de una neumonía. Con unas enormes esculturas de acero, Serra se convirtió en uno de los escultores más importantes y exitosos del mundo. Pero también siempre fue controvertido. El artista enfatizó repetidamente que la popularidad de su obra no significaba nada para él. “No creo que la función del arte sea agradar”.

La mayoría de las obras de Serra, muchas de ellas basadas en modelos fabricados en Alemania, son de gran tamaño y pesan varias toneladas. Ha creado esculturas para más de 100 lugares públicos, desde Filadelfia y San Luis hasta São Paulo, Bochum y Kassel. Sin embargo, en medio de una disputa, retiró su diseño para el monumento conmemorativo del Holocausto en Berlín. La idea básica con un mar de estelas surgió de él. Pero cuando cambiaron su diseño, Serra lo retiró “por motivos personales y artísticos”. Otra escultura en Nueva York fue desmantelada tras fuertes protestas. Serra era “tan férreo e intransigente como sus obras”, escribió una vez el “Guardian” británico.

Serra vivió y trabajó recientemente en Nueva York, Long Island y Nueva Escocia, Canadá. Nació el 2 de noviembre de 1938 en San Francisco. Su padre trabajó durante varios años en un astillero, donde el amor de su hijo por las estructuras de acero, que ya había surgido al observar los barcos a través de la ventana de su dormitorio infantil, se alimentó aún más.

Serra estudió literatura inglesa en la Universidad de California en Santa Bárbara y en la elitista Universidad de Yale. Luego viajó a Nueva York, donde conoció a otros artistas como Donald Judd, Dan Flavin y Jasper Johns y pronto comenzó a experimentar con plomo y acero. Las esculturas de Serra se hicieron más grandes y pesadas y finalmente el acero empezó a tener curvas. Con gran efecto, como dijo más tarde Serra: “La gente reaccionaba a las curvas como nunca antes había reaccionado ante las curvas y las líneas rectas. Nunca antes habían visto eso. La gente estaba preparada para las curvas”. Como resultado, cada vez más galerías y museos de renombre liberaron enormes espacios para Serra.

Redadas contra el rapero estadounidense Sean “Diddy” Combs tras acusaciones de abuso sexual

(dpa) Sean “Diddy” Combs es una autoridad en el mundo del hip-hop. Los investigadores estadounidenses han registrado las casas del rapero («Bad Boy for Life», «I’ll Be Missing You») en California y Florida. Está acusado de violencia sexual.

A petición de la emisora ​​estadounidense CNN, la agencia de Investigaciones de Seguridad Nacional (HSI) confirmó el lunes las redadas en Los Ángeles y Miami. No se reveló nada sobre los antecedentes. El equipo de portavoces del músico no respondió inicialmente a una solicitud de la Agencia de Prensa Alemana. Los investigadores de HSI dependen del Departamento de Seguridad Nacional de EE. UU.

Ha habido acusaciones de violencia sexual contra el rapero en los últimos meses. El productor Rodney “Lil Rod” Jones, que trabajó con Combs en su disco nominado al Grammy “The Love Album: Off the Grid”, presentó una demanda en un tribunal federal de Nueva York en febrero. Acusa al hombre de 54 años de acosarlo sexualmente, drogarlo y amenazarlo durante más de un año. Combs, uno de los representantes más exitosos de la industria del hip-hop, que también trabaja como productor discográfico, actor y en otras áreas comerciales, hizo que su equipo legal rechazara las acusaciones como mentiras.

En diciembre de 2023, una mujer anónima presentó una demanda acusando a Combs y a otros dos hombres de drogarla y violarla cuando tenía 17 años en 2003 en el estudio del rapero en Nueva York. Anteriormente, tres mujeres habían presentado demandas civiles contra Combs, incluida su exnovia, la cantante Cassie, quien acusó al rapero de, entre otras cosas, abuso sexual, violación, intimidación y violencia física durante su relación. Combs llegó a un acuerdo con Cassie en noviembre.

Douglas Wigdor, el abogado de Cassie y otra mujer no identificada, respondió a los informes de la redada el lunes con una declaración que estuvo a disposición de la Agencia de Prensa Alemana. En él, expresó la esperanza de que Combs fuera considerado responsable de su “comportamiento reprensible”.

Un jugador de Helldivers 2 con el nombre del juego OkamiCheems falleció tristemente a principios de este mes, ya que su amigo Fine-Clothes-1209 recientemente informó a la comunidad de Reddit del juego y ha sido despedido por decenas de miles de entusiastas de la democracia con ideas afines en una muestra agridulce de apoyo de la comunidad.

En la tercera publicación más votada en la historia del subreddit Helldivers 2, Fine-Clothes-1209 escribe: «Hoy me desperté con la noticia de que mi mejor amigo falleció ayer en su cumpleaños. Le encantaba este juego y se esforzó Lo sacaba a diario. Recuerdo que me enseñó a montar cargadores, lanzar titanes biliosos con el cañón de riel, etc. Nos enfrentamos a las hordas de Autómatas y volamos más agujeros de Terminid de los que puedo contar. Finalmente llegó a Skull Admiral el día anterior. su cumpleaños. Me preguntaba, ¿sería posible exportar los datos de su juego? Mis otros amigos y yo queremos hacer un monumento conmemorativo con sus estadísticas de juego, etc.

La principal respuesta a la publicación, del usuario Symolian88, es una respuesta personal que desató una cadena de innumerables condolencias: «El Ministerio de Guerra quisiera elogiar a este Helldiver por su valentía, devoción y sacrificio por la expansión de la democracia administrada. libertad, libertad y por la Súper Tierra. Será despedido con todos los honores. ¡¡Soldados, atención!! ¡¡Saludos!”

Lo que sigue es una cascada genuinamente encantadora de soldados de Helldivers 2 saludando a través de un GIF compartido, con miles y miles empujando la cadena hacia arriba en las filas con aún más votos a favor. Otras respuestas también están llenas de personas comprensivas que ofrecen condolencias y elogios cada vez más elaborados. Es más, el intercambio llamó la atención del director de Helldivers 2 y director ejecutivo de Arrowhead, Johan Pilestedt, quien dijo en un responder:

La artista de manga, anime y videojuegos Mutsumi Inomata, mejor conocida por su trabajo en múltiples juegos en el Cuentos serie – falleció a los 63 años (a través de VGC).

El anuncio de su fallecimiento fue compartido en su Twitter oficial Hoy temprano, escrito por la hermana menor de Inomata. Han llegado homenajes de fans y colegas de toda la industria.

Inomata se hizo un nombre trabajando como artista y animadora en Ashi Production para varios animes a principios de los años 80 antes de encontrar su propio estudio de animación con un grupo de personas de Ashi, Kaname Production. Su trabajo se puede ver en espectáculos como Leda: La fantástica aventura de Yohko, Windaria (también conocido como Érase una vez), Cazador de la ciudad y El continente erosionado entre muchos otros programas y manga. También ha hecho algo de arte para Búsqueda del Dragón.

A nivel internacional, el trabajo de Inomata en la serie Tales de Bandai Namco es lo que la puso en el mapa. Ha trabajado en 12 juegos de la franquicia de larga duración, incluidos Tales of Destiny, Tales of Eternia y Tales of Xillia y su secuela; en los dos últimos juegos, ella y el otro diseñador de personajes principal, Kōsuke Fujishima, dividieron el arte del personaje. entre ellos.

Tres de los juegos Tales de Inomata se lanzaron en las consolas de Nintendo: Tales of Innocence, exclusivo de Japón, para DS, y dos juegos que luego recibirían relanzamientos mejorados en Occidente: Tales of Hearts para DS (posteriormente relanzado en PS Vita) y Tales of Graces. en Wii (que llegó a PS3 en 2012 en Occidente).

En nombre del equipo y la comunidad aquí en Nintendo Life, nuestros pensamientos están con la familia, los amigos y los colegas de Inomata. Su estilo artístico y su trabajo distintivos inspiraron a muchos y seguirán haciéndolo.

Nacido el 7 de abril de 1965 en Bayona (Pirineos Atlánticos), el guitarrista y compositor Sylvain Luc falleció en París de un infarto el miércoles 13 de marzo. Tenía 58 años. Conocido como un virtuoso de renombre internacional, autor de una obra considerable cuya medida sólo fue plenamente apreciada la noche de su muerte, tenía la música anclada en su alma, en todos los sentidos y en todas las direcciones. Socio atento, improvisador fenomenal, Sylvain Luc tenía una amabilidad poco común entre las estrellas.

Sylvain Luc, a primera vista, tiene una cara divertida, esa mirada de niño tan feliz de jugar, tan sencilla como «natural» como la gente pequeña del País Vasco de donde viene, perfectamente indiferente a las posturas de los héroe de la guitarra, uno con su guitarra, capaz de todo y de cualquier otra cosa como para aventurarse en el resto. “Mi admiración por el jazz proviene de mi admiración por los seres libres. Pero siempre me siento mal cuando me encierran. Mis experiencias ? Buscaré en otro lado si estuve allí. »

Sylvain Luc, para empezar, es la familia Luc de Bayona, el amor por la música en su padre, un empresario de pintura cuya madre toleraba muy moderadamente la moda: “ Él se regaló armónicas, ella las arrojó al Nive. La música no era seria. Como Bernard Lubat [multi-instrumentiste, fondateur du festival Uzeste musical en Gironde]Yo diría que es muy grave para no serlo. Como resultado, mis padres tuvieron tres hijos, tres músicos, Gérard, Serge y yo. Además de una hermana discapacitada que une a la familia. »

“El más grande del mundo”

Serge, el más joven, se fue demasiado pronto, pero la orquesta del acordeonista Gérard Luc, en todos los festivales del País Vasco, créanme, es una locura. Sylvain Luc, veinte años menor que Gérard, participó: “ El baile es una escuela increíble. Te encuentras jugando todo lo que no quieres jugar. Pero la invitación a bailar, a hacer mover los cuerpos, es irremplazable. »

En Juan-les-Pins, una tarde de concierto, Pat Metheny, estrella universal de las seis cuerdas, se desliza entre bastidores: “ Sylvain, ya ves, es el más alto del mundo.… » A él, Sylvain Luc, nunca le importó ser el más grande en esto o aquello. Aprendió a tocar el violín, luego el violonchelo en el conservatorio de Bayona y eligió la guitarra para bailar. Lo metimos en no sé qué caja de jazz-rock-fusión-fandango: “ Siempre me siento mal cuando me meten en una caja.. »

Sin dudar en grabar canciones vascas con los hermanos Luc (Elgarrekin), con su Trio Sud (con André Ceccarelli, batería, y Jafet, bajo), o en solitario, Ámbar (2003) o Estándares (2009): “ En los estándares del jazz, lo que me interesa no es la pieza de bravura o el coro extra. Es la composición tal como está escrita, la melodía y lo que tenemos, como intérprete, para contar. »

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