Con solo su segunda película, Coralie Fargeat ha pasado de admirar al rey del horror corporal David Cronenberg a competir con él en el Festival de Cine de Cannes de este año.

«The Substance» de Fargeat, descrita como una versión feminista del género de terror corporal y protagonizada por Margaret Qualley y Demi Moore, se estrena en Cannes el domingo por la noche, un día antes de que la última y espantosa película de Cronenberg, «The Shrouds», haga lo mismo.

Mientras crecía, Fargeat recuerda haber visto las películas de Cronenberg (y de otros pioneros del género de terror, como John Carpenter) en secreto.

“Eran una parte del cine muy provocativa que no me permitían ver en casa. Estaba mirando desde un lado”, dice Fargeat. Variedad de camino al aeropuerto para partir hacia Cannes. “Para mí, fue el acceso a un mundo fascinante y que hace que la imaginación funcione mucho”.

Fargeat hizo un debut llamativo en 2017 con su thriller de acción “Revenge”, que se estrenó en Toronto y se presentó en festivales de todo el mundo con gran éxito de crítica. “Revenge” sigue el viaje de una joven en busca de venganza después de que tres hombres la violan y la dejan morir. Fargeat dice que “The Substance” comparte temas similares, aunque su misteriosa trama se ha mantenido en secreto.

Sin embargo, ofrece que se trata de un producto que viene en el mercado negro, llamado The Substance, que «te permite generar otro yo que es mejor que todos los sentidos: más hermoso, más joven, perfecto, todo lo que fantaseamos». Pero uno sólo puede pasar una semana seguida en esta versión de sí mismo, o surgirán consecuencias.

Qualley y Moore interpretan «dos caras de la misma moneda», dice Fargeat, señalando que necesitaba encontrar «dos actrices poderosas» para manejar las demandas físicas y simbólicas de la película.

«La película tiene muy poco diálogo y es muy visual, por lo que todo pasa por la interpretación», dice Fargeat. «Realmente quería que el personaje principal fuera el de una mujer que encarna un mito y un símbolo en sí mismo, como lo hace Demi como actriz».

Por otro lado, califica a Qualley –que tiene otra película en competencia este año, “Kinds of Kindness” de Yorgos Lanthimos– una “actriz muy instintiva” con “un lenguaje corporal fuerte”.

En general, la producción fue un desafío. Ray Liotta fue elegido inicialmente para la película, pero después de su muerte en mayo de 2022, Fargeat tuvo que cambiar y reformular el papel con Dennis Quaid. Luego estaban las exigencias de hacer una película de terror corporal: Fargeat dice que dos escenas en particular requirieron varios meses de preparación y semanas de rodaje para conseguir el ritmo adecuado. Aunque guarda silencio sobre los detalles sangrientos, Fargeat se burla de que los elementos de terror son «innovadores» y «excesivos», pero al mismo tiempo sirven a la misión feminista de la película.

El horror corporal es “el vehículo perfecto para expresar la violencia de la que se tratan todos estos problemas de mujeres”, añade Fargeat.

Y con un trasfondo de #MeToo en el festival de este año a medida que el movimiento crece en Francia, el director dice que el estreno de la película no podría haber llegado en un mejor momento.

«Aún queda mucho trabajo por hacer y avanza muy, muy lentamente, pero es hora de que alguien tenga el coraje de hablar», afirma. “Es una pequeña piedra en el enorme muro que todavía tenemos que construir con respecto a este tema y, para ser honesto, espero que mi película también sea una de las piedras de ese muro. Eso es realmente lo que pretendía hacer con él. Para mí, todavía siento que necesitamos una revolución más grande con respecto a todo esto y claramente aún no hemos llegado a ese punto”.

El espíritu anárquico de la Palma de Oro de Julia Ducournau titán Sigue vivo en el cierre de la Semana de la Crítica de Emma Benestan animalesel debut revolucionario de un director que cita Buffy la caza vampirosKathryn Bigelow Casi oscuro, y las películas naturalistas de Chloé Zhao como influencias. Lo más sorprendente es que también le da crédito a Abdellatif Kechiche, ya que su primera oportunidad fue como editora asistente en su película ganadora de la Palma de Oro de 2013. El azul es el color más cálido.

Benestan, quien más tarde se llevaría el crédito de editor en toda regla por el artículo de Kechiche de 2017. Mektoub, mi amor — estaba entonces terminando sus estudios en la prestigiosa escuela de cine francesa La Fémis, pero observar el estilo de dirección de Kechiche y ser testigo de su inclinación por mezclar actores profesionales y aficionados fue una educación en sí misma. “Es la forma en que une a profesionales y aficionados lo que da a sus películas cierta espontaneidad”, explica. “Me habían enseñado que el director tenía que controlarlo todo, pero dirigir no se trata sólo de control. Eso lo aprendí de Abdel: dirigir también consiste en dejar que las cosas sucedan”.

Ambientado en el escenario taurino de la región de Camarga, en el sur de Francia, animales estrellas Divinos La fugaz Oulaya Amamra como Nejma, una mujer de 22 años que intenta abrirse camino en el mundo del toreo dominado por los hombres. Parece haber sido aceptada por el grupo, pero después de una noche de beber mucho con los chicos, se despierta con la sensación de que algo anda mal. Poco después, llega la noticia de que un toro rebelde anda suelto. Los jóvenes son encontrados muertos y Nejma comienza a experimentar algunos cambios corporales extraños…

Benestan lleva mucho tiempo fascinado por la pasión del pueblo de Camarga por los toros negros de largos cuernos que corren semisalvajes por sus humedales. «Crecí no lejos de la Camarga», dice. “Cuando era joven, íbamos a las carreras. La cultura del toro estaba por todas partes. Mi adolescencia está bañada en ello”. La acompañó en esta aventura Rubén Impens, director de fotografía de titán y la película anterior de Ducornau, Crudo (“Creo que él también estaba fascinado por este mundo mágico”). Juntos, enfrentaron el mayor desafío de la película: capturar a los toros ante la cámara: «Nunca se sabe exactamente qué van a hacer», dice. «Tuvimos que trabajar con lo inesperado».

Todo el mundo quería saber sobre las escenas de desnudez y sexo obsceno en Searchlight. tipos de bondad en la ruidosa conferencia de prensa del Festival de Cine de Cannes el sábado, pero cortésmente se refirió a ella como «física».

Lo último de Yorgos Lanthimos, una antología de tres cortometrajes, cubre a muchas personas fuera de lugar con atracciones absurdas entre sí, en medio de diversas perversiones que incluyen acecho, cortarse los dedos y orgías. Oh, también hay un motivo gemelo.

Al responder preguntas sobre las escenas obscenas de su película, Lanthimos dijo: «El físico es muy importante y el lenguaje corporal» en sus películas.

«Muy a menudo parto de eso… nuestro proceso de ensayo siempre comienza con lo físico en lugar de intelectualizar las cosas», añadió el cineasta cinco veces nominado al Oscar.

«Es simplemente observar la vida», dijo el cineasta sobre el picante de su canon, «mucho de ello es oscuro, ridículo e incómodo, tratamos de informar todo eso».

Emma Stone, que acaba de ganar el Oscar a la mejor actriz por Lanthimos Cosas pobres, repitió: «Realmente no discutimos intelectualmente lo que está sucediendo porque están orientados físicamente y él quiere bailar».

“Las cosas que discutimos extensamente (durante Cosas pobres) así caminaba en la película; Lo que estaba sucediendo bajo la superficie, esa es mi parte”, dijo Stone. En resumen, el proceso en una película de Lanthimos consiste en “fisicalizar un sentimiento en su cuerpo”.

Stone explicó más tarde: «Soy feminista, haya activismo o no… Cuando se trata de estas historias, son simplemente historias que me resultan interesantes como actriz» antes de subrayar: «Soy feminista y me gusta trabajar con Yorgos Lanthimos». .”

Acosado por más preguntas sobre feminismo y protagonizar las fotografías para adultos de Lanthimos, Stone se acercó a las actrices en el estrado, Hunter Schafer y Margaret Qualley, y trató de involucrarlas en la conversación: “¿Qué pasa con las otras chicas aquí arriba? »

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Qualley, que llevaba un enorme sombrero para el sol, sonrió en respuesta a la prensa: «¿Te gusta mi sombrero?». lo cual provocó un gran rugido en la habitación.

Lo último de Lanthimos en Cannes recibió una ovación de seis minutos en su estreno en el Grand Theatre Lumiere el viernes. La película es la cuarta del cineasta griego en el festival después de la de 2009. Colmillo2015 La langosta y 2017 La matanza del ciervo sagrado.

Colmillo Terminó ganando el Premio del Jurado, el Premio Una Cierta Mirada y el Premio de la Juventud y lanzó al cineasta a audiencias globales, convirtiéndose en la candidata de Grecia al Oscar y en una nominada al Oscar de Largometraje Internacional. La langosta aquí en Cannes ganó el Premio del Jurado y Queer Palm, mientras Matanza de un ciervo sagrado obteniendo el premio al Mejor Guión en el festival.

tipos de bondad se estrena el 21 de junio a través de Disney’s Searchlight en los EE. UU.

El drama nominado al Oscar de Matteo Garrone «Io Capitano», sobre la odisea de dos jóvenes africanos que deciden dejar Dakar para llegar a Europa, y el drama feminista de Paola Cortellesi «Todavía hay un mañana» fueron los grandes ganadores en la 69ª edición de los Premios David di Donatello de Italia. .

“Io Capitano” ganó el Davids a mejor película, director, productor, editor y director de fotografía, entre otros premios, mientras que “Still Tomorrow”, que trata sobre la difícil situación de un ama de casa maltratada en la Roma de la posguerra y que tuvo 19 nominaciones obtuvo seis estatuillas. , incluyendo mejor debut como director, actriz, actriz no secundaria, guión y premio del público.

“Still Tomorrow”, que marca el debut como directora de la popular actriz italiana Paola Cortellesi, quien también protagoniza, está filmada en blanco y negro y retoma el pasado neorrealista de Italia, aunque con un ángulo contemporáneo de empoderamiento femenino.

“Hice este debut al borde de la menopausia”, afirmó Cortellesi, de 50 años, al recoger la estatuilla al mejor director debutante. «Espero que los directores más jóvenes y primerizos también puedan obtener el apoyo de la industria», añadió.

«There’s Still Tomorrow», producida por Mario Gianani para Wildside, una compañía de Fremantle, con un presupuesto de aproximadamente 8 millones de euros (8,6 millones de dólares), recaudó más de 39 millones de dólares en Italia el año pasado, superando a «Barbie» a nivel local, y actualmente se presenta en bien en Francia, donde ha ganado 4,4 millones de dólares desde su lanzamiento a mediados de marzo.

«El camino hacia el equilibrio de género todavía es cuesta arriba, pero debemos revertir esta tendencia, y no sólo en el cine», dijo hoy la presidenta de la Academia David di Donatello, Piera Detassis, durante una ceremonia en la que un gran contingente de la industria cinematográfica italiana se reunió con el presidente italiano Sergio. Mattarella en el palacio del Quirinal. Detassis también señaló que los premios de este año celebran a «autores aclamados pero al mismo tiempo incluyen muchos debuts».

El otro favorito fue «Secuestrado» de Marco Bellocchio, la historia real de un niño judío separado de su familia y obligado a convertirse al catolicismo en la Italia del siglo XIX, que ganó el David al mejor guión adaptado, diseño de producción, vestuario, maquillaje y peinado.

Los Davids especiales fueron para la veterana actriz italiana de teatro y cine Milena Vukotic, que ha trabajado con Federico Fellini, Luis Buñuel y Andrei Tarkovsky, entre otros maestros, y el querido periodista, escritor y personalidad televisiva de cine y cultura pop Vincenzo Mollica. El honor de su carrera fue para el “padrino de la música disco” de Italia, Giorgio Moroder, quien produjo sencillos para Donna Summer, incluidos “Love to Love You Baby” y “I Feel Love”, y es considerado uno de los principales arquitectos de la música disco.

“Anatomía de una caída” de Justine Triet se llevó el premio a la mejor película extranjera.

Los David se llevaron a cabo en los Estudios Cinecittà de Roma, que están experimentando una renovación radical y se han convertido en un imán para producciones de Hollywood como la serie de gladiadores de Roland Emmerich «Aquellos a punto de morir».

Consulte la lista completa de los ganadores de los Premios David 2024 a continuación.

IMAGEN
“Yo Capitán”, Matteo Garrone

DIRECTOR
Matteo Garrone, “Io Capitán”

DIRECTORA PRINCIPAL
“Todavía hay un mañana”, Paola Cortellesi

PRODUCTOR
“Yo Capitán”, Matteo Garrone, Paolo Del Brocco

ACTRIZ
Paola Cortellesi, “Aún hay un mañana”

ACTOR
Michele Riondino, “Palazzina Laf”

ACTRIZ DE REPARTO

Emanuela Fanelli, “Todavía hay un mañana”

ACTOR SECUNDARIO
Elio Germano, “Palazzina Laf”

GUIÓN

Furio Andreotti, Giulia Calenda, Paola Cortellesi “Todavía hay un mañana”

MEJOR GUIÓN ADAPTADO

Marco Bellocchio, Susanna Nichiarelli, “Secuestrada”

CINEMATOGRAFÍA
Paolo Carnera, “Io Capitán”

EDICIÓN
Marco Spoletini, “Io Capitán”

DOCUMENTAL
“Le gusto a alguien allá abajo”, Mario Martone

PUNTAJE
Subsónica, “Adagio”

CANCIÓN ORIGINAL
“La Mia Terra”, en la película “Palazzina Laf”. Música de Diodato. Realizado por Diodato.

DISEÑO DE PRODUCCIÓN
Andrea Castorina, Valeria Vecellio, “Secuestrada”

DISEÑO DE VESTUARIO
Sergio Ballo, Daria Calvelli, “Secuestrada”

MAQUILLADORA
Enrico Iacoponi, “Secuestrado”

ARTISTA DEL PELO
Alberta Giuliani, “Secuestrada”

SONIDO
Maricetta Lombardo, Daniela Bassani, Mirko Perri, Gianni Pallotto – “Io Capitano”

EFECTOS DIGITALES
Laurent Creusot, Massimo Cipollina, “Io Capitán”

PREMIO DEL PÚBLICO
“Todavía hay un mañana”, Paola Cortellesi

PREMIO DAVID DEL PÚBLICO JOVEN

“Todavía hay un mañana”, Paola Cortellesi

MEJOR CORTO

“El carnicero”, Margherita Giusti

MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA
«Anatomía de una caída», Justine Triet

CARRERA DAVID

Giorgio Morder

ESPECIAL DAVID
Milena Vukotic

ESPECIAL DAVID
Vincenzo Mollica

Marie Gicquel // Créditos: ANDREA RONCHINI / NURPHOTO / NURPHOTO VIA AFP
21:45, 12 de marzo de 2024

Una película italiana en blanco y negro estrenada este miércoles en Francia no es un largometraje cualquiera: es un fenómeno social en Italia, donde batió todos los récords el año pasado. “Todavía hay un mañana” relata la violencia doméstica que sufre una madre italiana en un país marcado por un nuevo feminicidio.

Después de haber mencionado la idea de recortar las subvenciones a las asociaciones feministas que han tenido “comentarios ambiguos” Tras el ataque de Hamás en Israel el 7 de octubre, Aurore Bergé, ministra delegada responsable de la igualdad entre mujeres y hombres, declaró finalmente, el sábado 2 de marzo, que el examen por parte de la administración no permitió descubrir comentarios considerados ambiguos “entre los que son financiados por el Estado”, en una entrevista En parisino.

Preguntado sobre su “instrumentalización” de la situación denunciada por las asociaciones desde hace un mes, Aurore Bergé respondió que“No podemos tener una indignación selectiva”. “Cualquiera puede estar completamente en desacuerdo con el gobierno, incluso es una libertad absoluta y yo también soy garante de ello. Por otro lado, ¡estémos presentes colectivamente cuando las mujeres sean atacadas porque son mujeres! »ella dijo.

El ministro anunció a mediados de febrero que el gobierno estaba en proceso de aprobar “bajo el tamiz” las declaraciones relacionadas con el ataque sin precedentes del 7 de octubre a todas las asociaciones feministas, expresando su negativa a que el Estado apoye financieramente “asociaciones que no pueden caracterizar lo sucedido” ese día. Esto en referencia a las 1.160 personas que fueron asesinadas por el movimiento islamista pero también a la violencia sexual cometida ese día, y que desde entonces han sido documentados.

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“Quería garantizarlo. Y sobre todo quería enviar un mensaje claro”, se justificó la ministra el sábado. Añadió que había pedido “una evaluación, porque no es posible subvencionar asociaciones que han glorificado los crímenes terroristas de Hamás”.

Misión interministerial “sobre la violencia machista y sexual”

Además, mientras un nuevo movimiento #MeToo sacude el cine francés, Aurore Bergé anunció el sábado su lanzamiento “con todos los ministerios”salud, cultura, deporte, servicio público y propio, “una misión sobre la violencia sexual y machista”.

¿Su objetivo? “Comprender los mecanismos en funcionamiento para cambiar las reglas en todos los lugares donde se ejerce una dominación jerárquica, donde existe una relación de autoridad. Es necesario establecer contrapoderes y salvaguardias en todas partes”.ella insistió.

Esta misión interministerial, lanzada oficialmente en » los próximos días «tendrá lugar durante » tres meses «y será supervisado por “seis expertos”dijo el séquito del ministro a la Agence France-Presse.

Por último, preguntada sobre los 10 mil millones de ahorro anunciados recientemente por el gobierno, cancelando 7 millones de euros en créditos previstos para la igualdad de género, Aurore Bergé aseguró que esto no afectará “Nunca la cuestión de la violencia” sexista y sexual, añadiendo: “Esto lo tengo muy claro, es la gran causa de los dos quinquenios del Presidente de la República”.

El mundo con AFP

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La directora finlandesa Tiina Lymi decidió “ir a lo grande” con “Stormskerry Maja”, ambientada en el siglo XIX. Basada en una serie de libros de Anni Blomqvist, ha sido seleccionada para el Festival Internacional de Cine de Rotterdam y Goteborg.

“Tenía que hacerse de esta manera. Se trata de vida y muerte, amor, tristeza y lujuria. Grandes emociones. Realmente respeto la decisión de mis productores de comprometerse con este presupuesto. 4 millones de euros no es nada en Estados Unidos, pero es mucho en Finlandia”.

En la película, producida por Markus Selin, Jukka Helle y Hanna Virolainen para Solar Films y vendida por Picture Tree Intl. – una joven campesina, casada con un hombre al que apenas conoce, se traslada a una isla remota. Su nuevo entorno no es precisamente acogedor, pero Maja se enamora rápidamente de él… y de su nuevo marido, Janne.

Lymi rodó la película en las islas Åland. “Es un lugar loco en medio del Mar Báltico. Traes a un actor para hacer una escena y te lleva tres días. Es caro, lento y me ha dejado muchas canas, pero visualmente valió la pena”, afirma.

«Quería hacer una película épica, así que me entregué a ella».

Al igual que sus personajes, interpretados por Amanda Jansson y Linus Troedsson, que pasan de ser desconocidos a una pareja afectuosa, explorando pacientemente la intimidad.

“Si hay dos personas que se aman, estoy seguro de que habrá risas y placer. Para Maja era importante dar el primer paso. Es un gesto muy valiente quitarse la ropa así, pero están solos: es como ‘La Laguna Azul’ otra vez. Como dice Janne: ‘Dios es el único que observa y tiene otros asuntos de los que ocuparse’”.

Sus momentos privados aportaron ligereza a la película.

“Vi su desnudez como un elemento cómico. Gente loca desnuda en una isla – ¡Me encanta! Tienen su propia manera de estar juntos. Con Maja, todos ven a una chica «rara»; Janne ve una mente artística. Se permiten ser como son y si eres amado así, puedes alcanzar tu máximo potencial”.

Si bien el amor de Maja y Janne sustenta la historia, solo podría haber un protagonista.

“Tuve que ser estricto al respecto: esta es la película de Maja. Estoy mostrando el mundo a través de sus ojos. Cuando la guerra de Crimea llega a su puerta, no entiende quiénes son estas personas y por qué están en su casa, pero decide no odiar. Esta era la pregunta todo el tiempo: ‘¿Qué ve y qué siente?’”, explica Lymi.

“Ella no es la Mujer Maravilla: Maja tiene la cabeza fría y un corazón cálido. Hay muchas mujeres finlandesas así. Amanda, aunque es sueca, me recordó esa resistencia y fuerza”.

Así como también personas que todavía siguen su intuición.

“Creo que todos tenemos este instinto: simplemente elegimos ignorarlo. Mi bisabuela sabía mucho sobre la naturaleza, combinaba viejos hechizos con oraciones. Se trata de escuchar la naturaleza y Maja ciertamente tiene este talento”.

No siempre la salvará del dolor. Pero a pesar de todas las dificultades que Maja tiene que experimentar, Lymi nunca quiso convertirla en una víctima.

“Cuando escribí sobre la guerra que se apoderó de la isla, algo que no sucede en los libros, escuché menciones de que sería probable que hubiera una agresión sexual. ¿Pero sabes que? Ya he visto suficientes escenas de este tipo”, dice.

“Es suficiente cuando un soldado le pregunta: ‘¿Te has sentido sola?’ Como mujeres, todas hemos estado en un autobús donde hay un hombre borracho. Todos hemos sido sexualizados, incluso cuando éramos niños y niñas. Así son las cosas, aunque no deberían, pero yo no quería violencia allí”.

A medida que Maja crece y se convierte en madre, comienza a cuestionar las reglas establecidas por los hombres.

“Es una película feminista en el sentido más sencillo, porque todo comienza con preguntas básicas. ‘¿Por qué tomas mi dinero? ¿Por qué tengo que usar falda? Ella está sacando sus propias conclusiones y preguntándose: ‘¿En qué sentido soy menos que un hombre?’ Quería decir esa línea en mi propia vida. Muchas, muchas veces”.

Lymi, que comenzó como un actor popular, no fue aceptado inmediatamente como director.

«Fue dificil. He escuchado muchas palabras denigrantes, había falta de confianza. Hoy en día es mucho más fácil: hay muchos actores que también dirigen. Cuando comencé, era casi inaudito. Además, nunca estudié dirección y eso irritaba a algunas personas. ¡Aunque estuve en tantos sets durante tantos años!

Desde entonces ha dirigido las exitosas películas “Lapland Odyssey 3” y “Happier Times, Grump”.

“Realmente no quería ser actriz. Al principio, mi idea muy realista del futuro era Indiana Jones, que también tiene una banda”, se ríe.

“Una vez, mientras ensayábamos una obra de teatro, me sorprendí pensando: ‘Debería hacerse así’. Eso lo llevó a escribir y dirigir teatro. Después hice un corto y dije: ‘Dios mío, esto es todo’. Esto es lo que quiero hacer’”.

“Debería haber empezado antes, pero ya no tengo miedo, digámoslo así. Como director puedo asumir muchas cosas. Sólo espero tener tiempo suficiente para contar todas las historias que quiero contar”.

La cineasta afincada en Brooklyn Madeleine Hunt-Ehrlich presentará su largometraje debut La balada de Suzanne Césaireexplorando el legado de la activista feminista y anticolonial nacida en Martinica en el Festival de Cine de Rotterdam este fin de semana.

Deadline puede revelar el tráiler internacional de la película, fruto de cinco años de investigación y de viajes a Martinica y París para entrevistar a los hijos del difunto escritor, Ina, Marc y Marie.

Hunt-Ehrlich se inspiró en esta experiencia para el drama protagonizado por la actriz francesa Zita Henrot como actriz y madre primeriza que viaja a Martinica para asumir el papel de Suzanne Césaire y trata de encontrar significado a su escritura en el proceso.

Henrot, cuyos créditos incluyen Annie enojada y El plan de conexiónA , se une al elenco Motell Foster, conocido por su papel recurrente en la serie de Netflix. cebo de clicsy Josué Gutiérrez, cuyos créditos incluyen Bloodline.

Nacido en Martinica en 1915, Césaire estuvo en la vanguardia de los movimientos négritude y surrealista en el Caribe en la primera mitad del siglo XX.

A la obra que publicó, en el lapso de sólo cuatro años en la década de 1940, se le atribuye haber influido en artistas como el artista cubano Wifredo Lam y el escritor francés André Breton, pero su legado se vio ensombrecido por la fama de su esposo durante 25 años, el poeta. , escritora y política Aime Césaire.

“Ella siempre estaba escribiendo, y también tiraba sus escritos. ¿Qué pasó con una voz tan prometedora? Para mí, esta fue la pregunta central de la película: ¿la elección de seguir escribiendo pero no publicar fue un rechazo, tal vez una mayor conciencia de la impermanencia de la validación externa de la que disfrutaban muchos de sus colaboradores íntimos? ¿Fue un efecto secundario más oscuro del arraigado patriarcado de nuestra sociedad?”, dice Hunt-Ehrlich.

La película está producida por Sophie Luo y Mike S. Ryan.

A veces la gente necesita un descanso. No sólo por el trabajo, sino también por las limitaciones sociales. Porque las exigencias de la vida real son altas. Ser siempre justo, sostenible e inclusivo en cada declaración, cada compra, cada inversión y, más recientemente, cada festival, como exige el espíritu de la época, es agotador a largo plazo. ¿Quién podría culpar a alguien por querer un retiro espiritual?

Sin embargo, estos lugares de retiro son cada vez más escasos, sobre todo en el mundo laboral y educativo, con todas sus normas lingüísticas, reglas de etiqueta, obligaciones religiosas y conceptos de restauración respetuosos con el clima. La naturaleza ofrece de forma fiable un lugar de refugio porque los árboles, las ardillas y las montañas no hacen juicios morales sobre nosotros. La literatura también puede darnos un respiro.

El mundo de la “llave del lavadero” de Loetscher

Un viaje espiritual de regreso a la clase de alemán podría llevarnos al mundo de “La llave del lavadero” de Hugo Loetscher. El narrador en primera persona se burla de la disputa que estalla entre las mujeres en un edificio de apartamentos con lavadero colectivo sobre la asignación de la llave del lavadero; una animada parábola sobre la justicia distributiva basada en la “vida ritual del ama de casa suiza”. El narrador puede observar lo que sucede tranquilamente porque, según nos deja saber, no es ama de casa sino soltero y por tanto no lava su propia ropa.

¡Qué contraste con el hombre de hoy! El hombre de hoy no sólo es demasiado sensible al género para abrazar puntos de vista patriarcales tan bondadosos, sino que también es un profesional en la lavandería. También es empático, celebra el día del padre semanalmente, está indignado por la diferencia salarial entre hombres y mujeres, está a favor del permiso parental y conoce el lenguaje de género incluso en dialecto mientras toma una cerveza después del trabajo. En definitiva: es feminista y habla de ello.

El partidario de las mujeres en la alfombra

Al mismo tiempo, tiene éxito profesional y se impone frente a la competencia, también femenina. Por eso es inevitable que haya cada vez más partidarios declarados de las mujeres en los puestos ejecutivos de empresas y oficinas oficiales.

Este escenario muestra la total incapacidad del intento de ennoblecer el capitalismo a través del despertar. No es una idea nueva que el feminismo aplicado en la forma de promover a las mujeres tenga algo claramente paternalista y sea prácticamente lo opuesto a la emancipación. Sólo aquellos que desconfían de las capacidades de las mujeres deben creer que las mujeres necesitan protección y ayuda constantes en la competición.

¿Se trata sólo de negocios?

A menos que la promoción de las mujeres y otras misiones “despertadas” tengan que ver con otra cosa, es decir, la autoexpresión mientras se negocia por talento, clientes, inversores y desarrollo profesional. Esto es legítimo y a veces incluso necesario en una economía de mercado. Pero eso no tiene nada que ver con una lucha desinteresada por un mundo mejor. Todo esto es una cuestión de negocios.

En una sociedad cada vez más “despertada” por los medios y los mercados, la feminista en huelga es una cosa por encima de todo: no es una revolucionaria, ni una salvadora del mundo, sino una maestra de la flexibilidad.