Ninguno de los dos usó la palabra «hermano» y no se habló de ninguna rivalidad entre hermanos ni de llamadas telefónicas nocturnas sobre sus respectivos problemas laborales, pero los votantes del Emmy que querían saber más sobre el negocio de Amazon Caer El martes asistieron a una entrevista con el productor ejecutivo Jonathan Nolan por parte de su hermano ganador del Oscar, Christopher.

Jonathan Nolan, quien fue presentado por el oppenheimer director como «mi hermano pequeño» – habló sobre la dirección del drama basado en un videojuego post-apocalíptico y cómo el papel del Ghoul fue escrito específicamente para Walton Goggins. Pero la conversación de 40 minutos en el Teatro DGA también ofreció una idea de cómo los hermanos colaboran y se inspiran mutuamente de forma rutinaria.

«Lo emocionante para mí con este proyecto fue saber que necesitábamos showrunners para llevar adelante la historia», le dijo Jonathan Nolan a su hermano sobre los creadores Geneva Robertson-Dworet y Graham Wagner. “Pensé que tenía la oportunidad de contribuir como una especie de director de producción, a falta de un término mejor, para entrar y tratar de descubrir cómo darle vida a esto en la pantalla. La respuesta fue robar un montón de mierda que aprendí de ti”.

Jonathan recordó cómo un recorrido por las salinas de Bonneville en el noroeste de Utah que una vez hizo con Christopher es lo que finalmente inspiró una escena fundamental del piloto.

“Fui contigo por primera vez cuando te mudabas a Los Ángeles con [Christopher’s wife] Emma. Íbamos en el coche de nuestro padre, nos detuvimos en Bonneville y nos bajamos”, recordó Jonathan. “Fue uno de los lugares más extraños en los que he estado y siempre le he tenido cariño desde ese viaje. Siempre quise filmar allí. Y esta fue realmente la primera oportunidad de regresar y tomar esas tomas de Maximus partiendo con la Hermandad del Acero en el Vertibird”.

También le dio crédito a Christopher por enseñarle cómo crear un escenario «muy íntimo y muy seguro» mientras filmaba algunos de los momentos más pesados ​​de la serie, como la «escena de amor, corte y asesinato» en el piloto entre Lucy (Ella Purnell) y su marido, que pronto será asesinado.

“Ese fue probablemente el tercer día que trabajamos juntos”, recordó Jonathan. “Realmente construimos una relación en el transcurso de ese día. Hicimos un set completamente cerrado… un truco que te robé. Fue muy íntimo. Muy seguro. Sin teléfonos, sin tonterías. Sólo un grupo muy limitado de personas que en realidad se encuentran en ese tipo de santuario interior. Creo que Ella se dio cuenta muy rápidamente de que estábamos creando respeto y seguridad en este entorno. Ella pudo intentarlo”.

Y si no fuera por el tiempo que pasó con su hermano El caballero oscuroJonathan admite que no habría tenido el coraje de adaptarse Caer. (Los Nolan coescribieron el guión de Batman con David S. Goyer que dirigió Christopher).

“Tu casting, Heath Ledger”, mencionó Jonathan como ejemplo. “Ni siquiera estoy seguro de que fueras consciente de ello. No estabas en línea en el momento en que todo estaba muy en línea; el hecho de que la gente pensara ‘oh, lo han arruinado’. Recuerdo haber visto eso y estar aterrorizado. En cierto modo piensas: ‘¿cómo va a resultar todo?’ La respuesta fue que funcionó muy, muy bien. Y eso me dio el coraje para ir bien, si abordas estas cosas, no para los fanáticos, sino como Si eres fan, encuentra algo que te guste y trata de tratarlo con el mayor respeto posible. Y confía en que el respeto y el amor se manifestarán incluso si tienes que tomar decisiones”.

Cuando llegó el momento de que Christopher le pidiera a su hermano algunos avances sobre la temporada 2, Jonathan provocó risas en la audiencia con su falsa incredulidad.

“No puedo creer que preguntes eso. Qué traición”, bromeó Jonathan. “Respeto a Ginebra y Graham. Pueden burlarse de eso. Diré que tuvimos una conversación temprana sobre las criaturas que construiremos en los próximos seis meses para la segunda temporada. Creo que los fans estarán muy, muy emocionados. Eso es todo lo que tengo”.

Variedad Reunimos a algunos de nuestros creadores favoritos detrás de varias películas recientemente preseleccionadas por la Academia para discutir el trabajo que implica crear estos momentos cinematográficos ahora icónicos.

Desde la partitura de “American Fiction” hasta las desgarradoras melodías de “Flora and Son”, los artesanos profundizaron en su proceso y revelaron las capas de pensamiento e intención dentro de su trabajo. Vea cada entrevista para los reconocidos, incluidas películas documentales, canciones, partituras, peluquería y maquillaje, sonido y más categorías.

Lea resúmenes de sus conversaciones a continuación:

Conversación sobre la partitura original de “Saltburn” con el compositor Anthony Willis

Cuando llegó el momento de componer la inquietante escena inicial de Oliver Quick (Barry Keoghan) en “Saltburn” de Emerald Fennell, el compositor Anthony Willis enfatiza que el uso del coro fue una decisión estratégica. “Gran parte de la película es la preocupación por la vanidad y luego sentir que necesitas comportarte de una manera particular y luego, en realidad, cómo quieres comportarte después del hecho. Así que esa era la idea de estos arpegios arrastrados, ese tipo de melancólico y romántico [tune] y este hermoso metraje de [Jacob Elordi’s character] Félix es presentado de esta manera muy nostálgica”, dijo. Willis también ha sido compositor de la película ganadora del Oscar «Promising Young Woman» de Fennell y de «Cómo entrenar a tu dragón: Homecoming».

Conversación sobre maquillaje y peluquería “Killers of the Flower Moon” con Thomas Nellen, jefe del departamento de maquillaje y Kay Georgiou, jefa del departamento de peluquería

El jefe del departamento de maquillaje de “Killers of the Flower Moon”, Thomas Nellen, y la jefa del departamento de peluquería, Kay Georgiou, están familiarizados con la relación entre el pasado y el presente. En la epopeya de Martin Scorsese sobre el Reino del Terror, la representación de esa idea era especialmente necesaria. «Alguno [of the Osage Nation] Tenían un pie en el mundo moderno y algunos tenían su pie en el mundo tradicional, pero incluso los del mundo moderno se cubrían con una manta tradicional”, dijo Georgiou. Más allá de lo visual, todavía había un elemento cultural a tener en cuenta. “Al final del día, todos, ya fueran elegantes o tradicionales, todos usaban esas mantas todavía de manera tradicional para sentarse alrededor de la fogata o seguir las tradiciones, para estar junto a la familia, para celebrar tradiciones entre ellos, » añadió Kellen.

Conversación sobre la partitura original de “American Fiction” con el compositor Laura Karpman

La compositora de “American Fiction”, Laura Karpman, se sintió atraída por la composición de la banda sonora de la película por el nombre del personaje principal: Thelonious “Monk” Ellison, uno de los más grandes compositores y pianistas. “Cuando pienso en Monk, pienso mucho en la forma en que tocaba el piano. La mano derecha y la izquierda eran realmente diferentes”, dijo. Esto refleja las distinciones entre las dos partes para él: Monk y Lee. El tema del jazz no sólo estaba presente en la partitura, sino que también se reflejaba en los diálogos: “Grabamos a todos por separado porque la película es tan delicada y está basada en diálogos que Jeffrey Wright, Erika Alexander, Sterling K. Brown e Issa Rae terminan siendo músicos reales de la banda de jazz”.

Cortometraje documental “Nǎi Nai and Wài Pó” Conversación con el director Sean Wang

El cineasta taiwanés-estadounidense de primera generación Sean Wang quiso rendir homenaje a sus dos abuelas con su corto documental “’Nǎi Nai and Wài Pó”. Wang describió la película, que incorpora diálogos tanto en mandarín como en inglés, como “un retrato de ellos, pero también un retrato de mí”. Además de dirigir, Wang también se desempeña como productor. “’Nǎi Nai and Wài Pó” ganó el Gran Premio del Jurado y el Premio del Público en el festival de cine SXSW y desde entonces ha sido adquirida por Disney Branded Television. “Creo que mis abuelas son simplemente increíbles. Son la forma más pura de alegría en mi vida y creo que soy un adulto, no puedo pasar tanto tiempo con ellos como cuando era niño. Y para mí son simplemente la forma más pura de alegría”, dijo Wang sobre su inspiración detrás de la película.

Conversación sobre el cortometraje documental “El ABC de la prohibición de libros” con la directora Sheila Nevins

Cuando se trata de prohibir libros, a la directora Sheila Nevins le apasiona crear conciencia sobre sus consecuencias para los derechos individuales, como lo ilustra su corto documental “The ABCs of Book Banning”. La directora de MTV Films se siente especialmente atraída por el tema porque cree firmemente que las palabras son parte de nuestra libertad. «Es parte de nuestra libertad poder leer libros, poder leer sobre diferentes personas que se ven diferentes, que actúan diferente, que son diferentes», dijo Nevins. «De eso se trataba Estados Unidos».

“Última canción de Kabul” Conversación de Cortometraje Documental con el director Kevin Macdonald

La película de Macdonald sigue a un grupo de niñas huérfanas cuya escuela de música fue cerrada después de que los talibanes tomaron el control de Afganistán; escaparon a Portugal donde reiniciaron sus vidas y regresaron a la música. «Es una historia realmente optimista y creo que conmovedora acerca de cómo si se deja a la gente a su suerte, lo que quieren es autoexpresión, libertad, todas esas cosas», dijo Macdonald. También habló de un motivo musical recurrente en la película en el que contribuyeron las niñas: “El tema musical del documental es en realidad una canción, una canción tradicional, que trata sobre la libertad… Es una derivación de la misma pieza que las niñas tocan en el fin. Les pedimos que toquen en diferentes formas, esta misma melodía, en mayor y menor, y se usa en muchas formas diferentes a lo largo de la película e incluso en los momentos de mayor peligro y tristeza cuando tienen que abandonar Afganistán”.

Conversación sobre efectos visuales de “Napoleón” con el supervisor de VFX Charley Henley, el supervisor de efectos especiales Neil Corbould, el supervisor de VFX de MPC Luc-Ewen Martin-Fenouillet y la supervisora ​​de VFX de ILM Simone Coco

El equipo de efectos visuales detrás de “Napoleón” de Ridley Scott se inspiró en los detallados guiones gráficos de Scott al crear el mundo de su epopeya histórica. “Una vez que ves sus guiones gráficos, realmente entiendes hacia dónde vamos. Hay tantas cosas en ellos que ni siquiera están en el guión. [Scott’s] Esta vez los tableros eran todos de color encima. Era como si sintieras el estado de ánimo a través del tablero con solo mirarlo”. El equipo rodó íntegramente en exteriores de Europa, donde recrearon secuencias de batalla icónicas de finales del siglo XVIII y principios del XIX. Corbould compartió cómo el equipo combinó efectos prácticos y visuales para crear explosiones de cañón realistas: “Con los cañones, había mucha preocupación, obviamente, no por disparos reales sino por disparar cañones de pólvora negra. Ridley quería gente… delante de los cañones. Así que tuvimos que idear un cañón de aire comprimido, que básicamente disparaba talco. Obtuviste el retroceso y todo, como un cañón real, pero simplemente no salió ninguna llama. Así que te dio todo, excepto la llama, y ​​Charley y su equipo hicieron un trabajo increíble al poner todo eso”.

Conversación sobre la canción original de “Flora and Son” con el compositor y compositor Gary Clark

Gary Clark, compositor y compositor de “Flora and Son”, dijo que colaborar con John Carney es como trabajar en “una pequeña banda”. El dúo previamente se unió para la película musical “Sing Street” y la serie antológica de Prime Video “Modern Love”. Para su última colaboración, “Flora and Son”, Clark y Carney tuvieron varias conversaciones sobre cómo definir la paleta musical para reflejar los distintos personajes: “Fue un pequeño viaje intentar encontrar todos los sonidos individuales”. Hablando del impacto de la música de la película, añadió: “He tenido más personas hablando sobre las relaciones, las relaciones musicales con su hijo o su hija. Y creo que realmente toca la fibra sensible de la gente”.

Conversatorio Internacional de Cine “Io Capitano” con Matteo Garrone

El director, escritor y productor Matteo Garrone creó “Io Capitano”, que sigue a dos jóvenes que dejan Dakar hacia Europa, para dar voz a “personas que normalmente no tienen voz”. Se inspiró para contar esta historia porque la llegada suele ser la única parte que se televisa, no el difícil viaje. Debido a que los actores principales hicieron ese viaje en la vida real, Garrone dijo que pudo aprender de ambos. “Quería estar seguro de que recreamos algo auténtico por el respeto de las personas que hicieron este viaje, por el respeto de las personas que murieron en este viaje. Porque en los últimos 15 años han muerto 27.000 personas haciendo este viaje por África intentando llegar a Europa”, afirmó.

Conversación sobre el documental “Still: A Michael J. Fox Movie” con el director Davis Guggenheim

Davis Guggenheim se inspiró para dirigir un documental sobre Michael J. Fox después de leer una entrevista del New York Times con el ícono del cine y la televisión, a quien le diagnosticaron la enfermedad de Parkinson en 1991. “Lo único que me dijo fue: ‘No violines, ‘”, dijo Guggenheim. “Creo que lo que quiere decir es ‘No quiero una película que me tenga lástima’. Tengo demasiado trabajo que hacer. No quiero que me pongan en una caja. No me gustan esas películas que empalagan, complacen y compadecen a las personas que tienen una discapacidad’”. Guggenheim también habló sobre la elección de Danny Irizarry para interpretar a Fox en las escenas de recreación: “Lo elegimos por cómo se movía. Y Michael J. Fox estaba muy, muy concentrado en eso… una cosa que es muy consistente, aunque sus películas a veces son muy diferentes, es cómo se mueve. Parece como si siempre estuviera moviéndose, a veces moviéndose de una manera que casi se desliza y cae. Y creo que eso se ve en varios momentos de la película”.

Conversación sonora de “Killers of the Flower Moon” con Mark UlanoMezclador de sonido de producción y Eugenio GeartyMezclador de regrabación

Al distinguir las dos comunidades representadas en “Killers of the Flower Moon”, el mezclador de regrabaciones Eugene Gearty describió su enfoque como uno estrechamente vinculado tanto con la producción como con el diseño del escenario: “Lo que vi en los fondos se desarrolló fielmente visualmente. Nos apoyamos completamente con vehículos y vagones antiguos y todo lo que puedas imaginar para crear esta cacofonía, este sonido realmente ocupado”. Y agregó: «Era una delimitación, naturaleza versus automóviles, no industriales, sino modernos, y máquinas de vapor». Gearty trabajó con Mark Ulano, el mezclador de sonido de producción de la película, para dar vida a los sonidos únicos de un Oklahoma desenfrenadamente industrializado de los años 20. Ulano describió el proceso mediante el cual creó los sonidos de la Nación Osage como uno que le permitió desarrollar fluidez en un idioma extraño para él: “Cuando ingresas a otra cultura, y lo digo por experiencia personal reciente, la primera línea de aceptación es que estás desarrollando fluidez en el idioma de la cultura en la que eres invitado”.

Conversación sobre el documental “Matar a un tigre” con la directora Nisha Pahuja

“To Kill A Tiger” sigue a un granjero indio que busca incansablemente justicia para su hija de 13 años, víctima de una violación en grupo. La directora, escritora y productora Nisha Pahuja habló de por qué cree que la película cuenta una historia universal: “Aunque es una historia tan horrible, tan horrible, en el centro está el amor. Es este tremendo amor que un padre tiene por su hijo. Es bastante asombroso.» Pahuja continuó comentando sobre la violencia patriarcal: “Y luego creo que el otro aspecto es que aunque esto… [geographically] Es un espacio muy específico y un escenario muy específico: es un pequeño pueblo en la India; la verdad es que esto es algo que todas las niñas y todas las mujeres de todo el mundo, sin importar dónde estemos, es una historia muy familiar para nosotras. Existe esta sensación, es como si viviéramos con este tipo de miedo perpetuo y este tipo de comprensión de una manera en la que nos movemos por el mundo, no siempre seguros. Que nuestros cuerpos son espacios en disputa y no siempre nos pertenecen. Y la gente siente que puede hacer lo que quiera. Hay derechos masculinos en todas partes. Así que creo que es algo que todos entendemos”.

El drama A24 Vidas pasadas ha conseguido un acuerdo interino SAG-AFTRA, que permitirá a los actores participar en los próximos eventos de esta temporada de premios. La película, que se estrenó en el Festival de Cine de Sundance de este año y se estrenará en los cines en junio, se encuentra como contendiente en varias categorías en el circuito de premios, incluyendo mejor actriz, actor y actor de reparto para las estrellas Greta Lee, Teo Yoo y John Magaor.

A24 no pertenece al grupo AMPTP, por lo que pudo solicitar y recibir un acuerdo provisional. Permite que su talento participe en eventos de la temporada de premios a los que la mayoría de los actores de películas en competencia no podrán participar, ya que la mayoría de esas películas están afiliadas a estudios representados por la Alianza de Productores de Cine y Televisión.

A24 ya ha obtenido acuerdos provisionales para sus películas, como Madre María, terminar de filmar durante la huelga en curso de SAG AFTRA, pero esta es la primera vez que una película que se estrenó antes de la huelga logra un acuerdo con fines de campaña de premios. Varias películas, como la de Neon. ferrari, solicitaron y se les otorgaron acuerdos provisionales para que los talentos pudieran promocionar películas en los festivales de otoño, esencialmente lanzando sus propias campañas.

Vidas pasadas, escrita y dirigida por Celine Song y protagonizada por Lee, Yoo y Magaro, sigue a Nora y Hae Sung, dos amigos de la infancia profundamente conectados que pierden el contacto después de que la familia de Nora emigra de Corea del Sur. Dos décadas después, se reencuentran en Nueva York durante una fatídica semana, confrontando nociones sobre el destino, el amor y las decisiones que marcan la vida.

Song, una dramaturga que hace su primer largometraje, explora “in-yun”, una creencia coreana en el destino que conecta a dos personas que se conocieron en una vida pasada.

A24 estrenó la película en los cines el 2 de junio y recaudó 10,8 millones de dólares.

“¿Te gustaría hablar con el mezclador ADR nominado al Emmy?”

Su trabajo es fundamental, por supuesto, pero a medida que avanzan las entrevistas de Hollywood, no es exactamente la oferta más sexy. Sin embargo, con todos los actores sorprendentes y muchos de los escritores sorprendentes fuera del campo de juego este verano, ese es el tipo de promoción en la que confían las plataformas y los estudios en el enfoque de la segunda ronda de votación de los Emmy.

La próxima fase del calendario de premios televisivos (la ronda final de la votación de los Emmy comienza el 17 de agosto) está plagada de incertidumbre, y no solo porque la fecha de la transmisión en sí aún está en el aire. “Esta es una situación del día a día diferente a la que hemos visto”, dice un importante estratega de premios, que todavía espera órdenes de algunos clientes corporativos. “Ni siquiera tenemos claro si tendremos la participación de personas debajo de la línea debido a cómo otros gremios pueden, con el tiempo, optar por apoyar a los escritores y actores”.

Los paneles, fiestas y activaciones a las que asistieron celebridades que han sido el pan y la mantequilla de las últimas temporadas de FYC son las víctimas más notables de la huelga. Claro, son llamativos y caros. Pero por una buena razón. La mayoría de los miembros de la comunidad de premios todavía dicen que las entregas literales y figurativas siguen siendo la forma más eficiente de llegar a los votantes. “Cuando no estás teniendo proyecciones y conversaciones y haciendo ese trabajo mano a mano con los miembros de la Academia, es realmente limitado”, observa un publicista del estudio.

La línea dura de SAG-AFTRA en las entrevistas tomó por sorpresa a muchos en la máquina Emmy. Después de una breve llamada para el silencio de la radio en mayo, la WGA acordó permitir que los miembros promovieran el trabajo si esa promoción se negociaba a través de relaciones públicas personales o representación y nunca tocó las manos del estudio. No ha habido indicios de que los actores adoptarán una estrategia similar.

“Es un fastidio, pero solo tienes que esperar que el trabajo hable por sí mismo”, dice un experto en talento. “La realidad es que no hay absolutamente nada que hacer por los actores”.

Incluso con los miembros de WGA autorizados a promocionar su trabajo, muchos eligen no hacerlo, ya sea por solidaridad con los actores o, como dijo otro publicista, debido a las aprensiones sobre la óptica. La palabra O se invoca con una frecuencia que generalmente solo se escucha durante los años electorales. Eso es en gran parte de ejecutivos de estudio y líderes de premios, transmisores y redes que se encuentran atrapados en medio de los enfrentamientos entre AMPTP y el gremio en el momento menos oportuno. Los presupuestos de FYC habían estado bloqueados durante algún tiempo, y aspectos como los eventos y la publicidad acrobáticos están avanzando. “Mientras no sea nada llamativo”, insiste un ejecutivo de un streamer que expresó su preocupación por los vendedores que cuentan con el impulso económico anual de FYC. “Solo tenemos que asegurarnos de ser respetuosos con las huelgas porque la óptica es una locura”.

La publicidad exterior es un área en la que algunos en el marketing de premios están particularmente ansiosos. Las vallas publicitarias y las rotulaciones de autobuses se han convertido en un pilar de FYC, pero tales ubicaciones, aunque ya están apareciendo en Los Ángeles, están haciendo que otros se detengan. “Aconsejaría a las plataformas que consideren eliminar su propia marca de cualquier cosa al aire libre y hacer que se centre más en el [nominated] la marca del programa”, dice un estratega. “¿Alguien realmente quiere ver estos grandes anuncios de felicitación junto a los piquetes? No es un buen aspecto.

Otras tradiciones hasta ahora han mantenido el curso. A pesar de las tensiones obvias con la comunidad creativa en general, varios estudios enviaron obsequios de felicitación a los nominados, llamativos o no. Y aunque nadie dijo tanto, esto es muy probable en el espíritu de una transición más fácil de regreso a los negocios cuando finalmente se negocien ambos contratos. El presidente y director ejecutivo de HBO y Max, Casey Bloys, quien habló con THR en la mañana de las nominaciones al Emmy antes de que los actores se declararan en huelga, dijo que todavía planeaba comunicarse con sus socios creativos. “Voy a enviar correos electrónicos”, dijo. “Si las personas se sienten cómodas respondiendo, no creo que eso califique como contacto prohibido”.

Al sondear a la comunidad de premios, surgió una pregunta inesperada. Las estrictas reglas de huelga en la promoción de SAG-AFTRA, el mayor grupo de votantes de los Emmy, hizo que más de un estratega preguntara si algunos artistas optarían por no emitir su voto si la huelga continúa, como se espera, hasta la segunda ronda de votación. “Las cosas son así de confusas en este momento”, dice uno.

«Oh, por favor», se resiste otro. “Los actores quieren que se reconozca el buen trabajo y, lo que es más importante, saben que una narración madura y sofisticada rara vez es económicamente viable, especialmente en televisión. Si estos programas no reciben premios, no se hacen”.

Esta historia apareció por primera vez en la edición del 26 de julio de la revista The Hollywood Reporter. Haga clic aquí para suscribirse.

SAG-AFTRA, el sindicato que representa a los actores de Hollywood, se unió oficialmente a los escritores en huelga contra las compañías de cine y televisión, provocando el primer cierre doble de la industria del entretenimiento en 63 años.

Una vez que comience la huelga, que comenzará a la medianoche del jueves y los piquetes comenzarán el viernes por la mañana, las decenas de miles de actores de cine y televisión en SAG deben cesar todo trabajo cubierto por su contrato sindical.

Las producciones de cine y televisión se cerrarán, pero el paro laboral tiene repercusiones que se extienden más allá de los actores que van al set. De acuerdo con las pautas, los miembros de SAG-AFTRA no podrán asistir a estrenos, hacer entrevistas para trabajos terminados, ir a entregas de premios, asistir a festivales de cine o incluso promover proyectos en las redes sociales mientras la huelga esté vigente. Tampoco se les permite asistir a convenciones como Comic-Con o 90s Con para promocionar cualquier trabajo pasado o presente realizado bajo un contrato SAG-AFTRA.

“Estamos siendo víctimas de una empresa muy codiciosa”, dijo el presidente de SAG-AFTRA, Fran Drescher, durante la conferencia de prensa del jueves. “En algún momento tienes que decir, ‘No, no vamos a soportar esto más’”.

SAG-AFTRA está luchando por salarios más altos, mayores pagos residuales y protecciones en torno al uso de inteligencia artificial. El Sindicato de Escritores de Estados Unidos ya está en los piquetes, marcando solo la segunda vez en la historia de Hollywood que los actores y escritores han estado en huelga al mismo tiempo. La WGA, que ha estado en huelga desde el 2 de mayo, desde entonces ha relajado algunas de sus reglas en torno a la prensa para los miembros.

La Alianza de Productores de Cine y Televisión, que representa a los estudios, argumenta que presentó un acuerdo que ofrecía “aumentos salariales y residuales históricos, una propuesta innovadora de inteligencia artificial que protege las imágenes digitales de los actores para los miembros de SAG-AFTR” y más.

“Ciertamente, una huelga no es el resultado que esperábamos, ya que los estudios no pueden operar sin los artistas que dan vida a nuestros programas de televisión y películas”, dijo la AMPTP en un comunicado después de que se confirmara la huelga. “Lamentablemente, la Unión ha elegido un camino que conducirá a dificultades financieras para incontables miles de personas que dependen de la industria”.

En respuesta a la declaración de la AMPTP, el principal negociador de SAG-AFTRA, Duncan Crabtree-Ireland, dijo en la conferencia de prensa: “Si cree que esta es una propuesta histórica, piénselo de nuevo”.

Lea el memo, con la lista completa de todo lo que los miembros no son permitido hacer durante la huelga, a continuación:

A excepción de lo establecido en el Aviso a los miembros sobre el trabajo no trucado, todos los servicios cubiertos y el trabajo realizado en virtud de los contratos de televisión/teatro deben ser retenidos, incluidos, entre otros, los siguientes:

●Principal en el trabajo de cámara, como:
○ Actuación
○ Cantar
○ Bailar
○ Realizar acrobacias
○ Pilotaje de aviones en cámara
○ Marionetas
○ Trabajo de captura de movimiento o captura de movimiento;

● Trabajo principal fuera de cámara, como:
○ ADR/bucle
○ Tráileres de TV (promociones) y Tráileres de cine
○ Actuación de voz
○ Cantar
○ Narración, incluidos los servicios de descripción de audio, excepto que los servicios puedan estar cubiertos por otro acuerdo de negociación colectiva mencionado en el Aviso para
Miembros sobre el trabajo no interrumpido
○ Coordinación de acrobacias y servicios relacionados

● trabajo de fondo
● Trabajo suplente
● Dobles de foto y/o cuerpo
● Pruebas, pruebas de vestuario y pruebas de maquillaje
● Ensayos y pruebas de cámara
● Escaneo
● Entrevistas y audiciones (incluidas las autograbadas)

● Servicios de promoción/publicidad para trabajos bajo los Contratos de TV/Teatro, tales como:
○ Visitas
○ Apariciones personales
○ Entrevistas
○ Convenciones
○ Exposiciones de fans
○ Festivales
○ Para su consideración eventos
○ Paneles
○ Estrenos/proyecciones
○ Espectáculos de premios
○ Junkets
○ Apariciones en podcasts
○ Redes sociales
○ Vitrinas de estudio

● Negociar y/o celebrar y/o consentir:
○ Un acuerdo para realizar servicios cubiertos en el futuro
○ Cualquier acuerdo nuevo relacionado con la comercialización relacionada con un proyecto cubierto
○ La creación y el uso de réplicas digitales, incluso mediante la reutilización de trabajos anteriores

● Actuar en un tráiler de una producción cancelada u otro contenido auxiliar relacionado con una producción cancelada

Tenga en cuenta que la siguiente entrevista se realizó fuera de la serie de eventos de FYC, ya que no hubo panel de reparto ni proyección.

Hable acerca de salir con una explosión.

Después de una carrera de cuatro temporadas que lo vio reclamar un Emmy y tres nominaciones, entre muchos otros reconocimientos importantes, el tiempo de Henry Winkler con HBO barry finalmente ha llegado a su fin.

Fue el 28 de mayo cuando hizo su última reverencia como Gene Cousineau, el maestro de actuación del asesino a sueldo de Bill Hader, Barry Berkman, quien buscó, pero nunca hizo el esfuerzo de ganar, la redención de sus crímenes. Barry logró al final escapar de toda responsabilidad, dejando que Gene asumiera la responsabilidad por sus muchas fechorías después de que su antiguo mentor le disparó y lo mató.

Pero incluso si Cousineau ahora está cumpliendo cadena perpetua, Winkler aprovechó al máximo su libertad el sábado y se dirigió a Canter’s Deli, un lugar favorito de su personaje, donde se mezclaba con los miembros de la Academia de TV para comer pastrami y sándwiches Reuben, como parte de la serie de eventos Deadline FYC House + HBO Max. Deadline se reunió con el actor esa mañana para conocer su opinión sobre barry‘s, y explicó durante la conversación por qué sus años con el programa fueron «una de las aventuras más maravillosas» de su vida, y también se refirió a lo que Gene está haciendo tras las rejas, sus pensamientos sobre (y predicciones para) el WGA huelga, y más.

FECHA LÍMITE: Han pasado un par de semanas desde barry llegó a su fin. ¿Cómo te sientes, ahora que el polvo se ha asentado?

HENRY WINKLER: Triste. Estoy muy triste. Saqué a Bill a desayunar por su cumpleaños. Vi a Bill el viernes por la noche porque su hijo y mi nieto se graduaron de quinto grado, y eso fue emocionante. Entonces, es bueno verlo, pero estoy triste. Hablé con Stephen Root, hablé con D’Arcy [Carden]sara [Goldberg]y extraño mucho a estas personas.

FECHA LÍMITE: Llevas seis o siete años trabajando en este programa. ¿Qué ha significado para ti?

WINKLER: Empezamos en 2016 y ha sido una de las aventuras más maravillosas de mi vida. tu haces el fonz [of Happy Days fame]; piensas, ¿alguna vez vas a hacer algo tan significativo de nuevo? Luego, puedo hacer todas estas cosas en el medio, y luego boom, barry cayó de los cielos.

FECHA LÍMITE: ¿Descubriste cómo se desarrolló el final al leer el guión, o cómo se desarrolló eso? ¿Se han mencionado algunos detalles anteriormente en su tiempo con la serie?

WINKLER: Hicimos la primera temporada y obtuvimos una gran respuesta. Leímos la segunda temporada alrededor de una mesa y dije: «Tengo que hablar con ustedes, Bill y Alec». Dije: «No me quejo, pero no estoy seguro de ver a Gene que creé el año pasado en estos guiones». Dijeron: “Nunca nos repetiremos. Cuidaremos de ti, te lo prometo. Y luego aprendí a no esperar nada. Sólo déjate llevar. Porque con esos dos hombres, son tan creativos. Son tan individuales que no piensas, oh, ¿sabes qué? Estamos con nuestros viejos amigos de los que conocemos barry, y los conocemos todos los años de la misma manera. Esa no es la televisión que hacen estos tipos.

FECHA LÍMITE: Ellos, al final, llevaron a cada personaje a un viaje increíblemente dramático e inesperado, con cada temporada llevando al espectador a…

WINKLER: Otro lugar. Y luego, a la mitad de la cuarta temporada, estábamos filmando una escena y Bill me dice: “Oye, acabamos de descifrar el octavo guión, el último guión del programa. ¿Quieres saber cómo termina? Dije, “¡Claro! Me encantaría.» Entonces, me dijo; luego, comencé a temblar, e inmediatamente me tomé un capuchino descafeinado y una tostada de aguacate. Porque ¿quién lo vio venir?

FECHA LÍMITE: ¿Cómo te sientes acerca de Gene al final del día? No siempre es el más fácil de apoyar, pero tienes la sensación de que no se lo ve en el universo del programa como comparable en corrupción a Barry. Y, sin embargo, finalmente cae en parte por los crímenes de Barry.

WINKLER: ¿Crees que debería tomar eso como algo personal? Bill dice que es un amigo, y realmente tuve que cuestionar [that]. Porque la gente se me ha acercado por todas partes… Sabes, viajo por todo el país hablando y esas cosas, y dicen: “¡Te engañaron! No hiciste nada. El Cuervo se adentra en la oscuridad, [Sally] enseña usando mi técnica, y estoy en la cárcel por el resto de mi vida.

FECHA LÍMITE: Parte de lo que se le acusa es el asesinato de Barry, un criminal violento que se ha entrometido en su casa. Uno pensaría que el abogado de Gene sería capaz de alegar defensa propia y aclarar la historia.

WINKLER: Aparentemente esa línea de defensa no funcionó. Nadie creía que fuera en defensa propia. Pero [it was] impactante. Nunca faltaba el shock.

FECHA LÍMITE: ¿Qué crees que estuvo detrás de la decisión de Gene de dispararle a Barry? Sentiste ira allí, sin duda, más que miedo.

WINKLER: Lo que pasa es que ya estaba en un estado, y tenía que estar en un estado para no tener idea de dónde estaba en el tiempo y el espacio. Creo que capté la escena en la habitación del hotel cuando pensé que iba a ser Mark Wahlberg, y todas estas personas dijeron: “Bueno, no confiamos en ti. No te creemos, y eres un mentiroso, y tú [killed Janice Moss].” Mi incapacidad para hablar, para un tipo muy verbal, creo que lo dijo todo. Así que cuando estoy en mi casa, de repente, mi visión es de túnel. Mi visión es pequeña. Mi visión es que este hombre hizo que mi vida fuera insostenible y ni siquiera pensé en las consecuencias. Sabes, creo que Gene tiene espejos en su cerebro, y dondequiera que mira, ve a Gene. “Me encargué de este hombre. Le enseñé a este hombre. Él era mi hijo. Y que él me hiciera eso a mí era más de lo que podía soportar. Más de lo que podía soportar.

FECHA LÍMITE: ¿Qué imaginas que está haciendo Gene en prisión?

WINKLER: Creo que empezó una clase de teatro en la cárcel. Creo que se estaban poniendo [Finian’s] Arcoíris. O el hombre de la musica sería el musical de primavera, creo.

FECHA LÍMITE: ¿Qué piensas del camino? barry termina, entre el hecho de que Barry escapa de las consecuencias de sus acciones y la película que malinterpreta totalmente la naturaleza de él y Gene por igual? ¿Qué dice eso acerca de quiénes somos como pueblo?

WINKLER: Eso es más profundo que yo. [But]…como pueblo, nunca hemos salido del octavo grado. Somos adultos maduros con un estudiante de octavo grado corriendo caos en nuestra mente y cuerpo. Eso es lo que veo. Solo mire la forma en que la gente está tratando de gobernar este país, o tomar el país para gobernarlo. Es como, no sé, una versión más grande de Go Fish.

FECHA LÍMITE: Como ocurre con casi todo gran entretenimiento, el éxito de barry dependía de la solidez del material escrito…

WINKLER: Escribir es el principio y el final de todo.

FECHA LÍMITE: Y ahora hemos pasado la semana seis de la huelga de escritores…

WINKLER: ¿Cuántos días son seis semanas?

FECHA LÍMITE: 42.

WINKLER: Creo que no verás ningún movimiento hasta los 71 días.

FECHA LÍMITE: ¿Por qué 71?

WINKLER: Porque creo que en ese momento se puede llamar fuerza mayor.

FECHA LÍMITE: Bien. Otro momento clave…

WINKLER: Diré que me pone muy triste, pero [striking] es una necesidad porque te ganas la vida, tienes la suerte de ganarte la vida. Tu hijo está en la escuela, tienes una casa. Cualquiera que sea su estilo de vida, la codicia lo arroja completamente al caos. Hay suficiente para todos. Diré, y no pretendo ser político, pero Estados Unidos literalmente se ha comido a sí mismo hasta la ‘P’ equivocada. El beneficio es mucho más importante que la población, y el individuo ya no tiene estatus.

FECHA LÍMITE: Entonces, ¿hay un sentido de urgencia mucho mayor para ti esta vez que con huelgas pasadas?

WINKLER: No, porque la primera huelga en la que estuve [was in] 1980, cuando nació mi hija, cuando la ERA también estaba saliendo a la palestra. Cada huelga es importante. Cada huelga es por una vida mejor, creo. Pero este es realmente importante porque el negocio está cambiando muy rápido. Ahora, la gente menciona la IA. Todavía no sé qué tan rápido la IA generaría entretenimiento, pero sé que mi miedo más temido es que la IA sería muy rápidamente la desaparición total de los seres humanos.

FECHA LÍMITE: Este es el momento, para mí, donde siento que el futuro ha llegado.

WINKLER: El futuro tiene llegó. Quiero decir, HAL, la computadora [from 2001: A Space Odyssey], de repente ya no está en el celuloide. Se ha unido al mundo.

FECHA LÍMITE: ¿Qué te da esperanza en este momento turbulento?

WINKLER: Humanidad. Espero que estemos en un ciclo como el de la cigarra, que la cigarra haya salido de la tierra, ahora se esté comiendo toda la vegetación y luego se desvanezca en la tierra.

FECHA LÍMITE: ¿Qué representa para ti la cigarra?

WINKLER: La falta de escucha, la falta de respeto. Estoy abrumado por la falta. Ya sabes, mi imagen en el último tiempo ha sido… hay un evento social catastrófico. Todo lo que tienes está bajo el agua. Estás sentado en un techo; un barco viene hacia ti. ¿Vas a preguntar ahora al barco cuál es su afiliación política? ¿Cuál es su preferencia sexual? ¿Cuál es el color de su piel? ¿O vas a decir: “Realmente necesito tu ayuda”? Nos necesitamos, y será mejor que empecemos a vernos.

FECHA LÍMITE: ¿Cuáles son sus objetivos al mirar hacia la siguiente etapa de su carrera?

WINKLER: Quiero trabajar hasta que ya no pueda trabajar. Amo mi trabajo. Nunca sé qué es lo que quiero; sólo mi estómago lo sabe, cuando lo escucho, o lo leo, o me encuentro con los seres humanos involucrados.

Vea fragmentos adicionales de nuestra entrevista con Winkler a continuación. Para ver videos de la serie de eventos Deadline FYC House + HBO Max, haga clic aquí.

Nota del editor: esta entrevista se realizó fuera del evento FYC, ya que no hubo un elenco ni un panel de creativos como parte del evento..

«Fue una sensación colectiva realmente encantadora de ser empujados y empujarnos a nosotros mismos», dice el director Mark Mylod sobre la magia detrás de escena en el ahora concluido Sucesión. “Para mí, mantener un ojo clínico frío y permanecer fiel a la verdad se volvió aún más importante”, agregó el ganador del Emmy, hablando como parte de la serie de eventos FYC House + HBO Max de Deadline.

Con la aclamada sátira creada por Jesse Armstrong terminando su cuarta y última temporada de 10 episodios el 28 de mayo, la muerte del magnate de los medios Logan Roy (Brian Cox) y la terrible batalla por la corona de los hermanos Kendall Roy (Jeremy Strong), Siobhan «Shiv» Roy (Sarah Snook) y Roman Roy (Kieran Culkin) aún persisten como un nuevo fratricida.

Una parte clave de la Sucesión equipo desde la temporada 1, familia real, Desvergonzado y Game of Thrones El veterinario Mylod estuvo detrás de la cámara para llevar la serie de HBO a su final, como lo ha hecho en cada final de temporada. Desde esa posición, habiendo dirigido 16 de Sucesión’s 39 episodios, Mylod ha visto el programa y la evolución de su audiencia. Entre los muchos aspectos de nuestra conversación, el productor ejecutivo Mylod revela cuando se enteró del camino casi inevitable hacia la ahora degradada presidencia ejecutiva del esposo de Shiv, a veces separado, Tom Wambsgans (Matthew Macfadyen).

FECHA LÍMITE: Ahora eso Sucesión ya está hecho, ¿por qué crees que funcionó tan bien?

MÍLOD: La pasión de Jesse por la política estadounidense y la dinámica del poder estadounidense es tal que la gran riqueza de su conocimiento y su pasión por ese tema lo colocan en un lugar único para ser realmente la mejor persona, creo, para contar esta historia.

En el fondo, debes tener un personaje, una entidad que represente una estrella oscura increíblemente fuerte. Y esa es la brillantez de Brian. Lo ha hecho por todo eso, simplemente porque está en su propia naturaleza y su habilidad como actor. Él tiene esa increíble presencia creíble. Esa fue toda la dinámica del show para trabajar. Si no tuviéramos esa fuerza gravitacional, simplemente no funcionaría.

FECHA LÍMITE: En ese contexto, ¿qué crees que aportaste a la mezcla?

MÍLOD: No soy un intelectual en la forma en que lo es Jesse. Cualquier inteligencia que tengo tiende a ser inteligencia emocional. Entonces, en términos del tono del espectáculo y el paisaje visual, llego a él desde un lugar completamente diferente.

Mi atracción por hacer el programa, aparte de este sentimiento de este tipo de Zeitgeist brutal que pensé que habitaba, era una sensación de realidad. Estos son personajes realmente interesantes para probar y desenmascarar. Encontrar esa vulnerabilidad, encontrar al niño y luego encontrar una manera de conectarse con estas personas. Encontré que era un desafío brillante como director, y fue maravilloso tener la oportunidad de cuatro temporadas para realmente explorar, conectar y meterse en la piel de esos personajes, para, si no perdonarlos, al menos darles un contexto para su comportamiento.

FECHA LÍMITE: Dirigiste cada Sucesión final de temporada y cada apertura de temporada excepto la primera, así como varios episodios durante la ejecución del programa. Además de Adam McKay, quien dirigió el piloto, el estilo visual de Succession fue creado en gran parte por tu trabajo, entonces, ¿cómo te sientes ahora que ha terminado?

MÍLOD: Ahora que está hecho, me siento genuinamente triste, triste y orgulloso, lo cual es un extraño cóctel.

Han pasado algunos meses desde que terminamos de filmar y solo recientemente terminamos la publicación, pero nunca me había resultado tan difícil estar separado de un grupo particular de personas. Aparte de la familia realmente, obviamente. Pero esos actores, ese equipo fue especial. Era realmente. Quizás fue una alquimia única en la vida entre todos nosotros, y estoy muy orgulloso de eso, y realmente los extrañé.

FECHA LÍMITE: Hablemos del final de la serie, «Con los ojos abiertos», que escribió Jesse. Obviamente, había muchos hilos que resolver, instalar a Tom como CEO, lo que parece tan claro ahora, y dejar mucho sin decir, como lo ha hecho Succession a lo largo de los años. Con la retrospectiva del tiempo, la exageración y la reacción que recibió el final, ¿cómo ves esa conclusión ahora?

MÍLOD: Estoy muy orgulloso del final. Creo que es algo encantador.

Funciona porque hizo lo que creo que hemos hecho bien en el pasado, y eso es cumplir. Lo que en retrospectiva parece un final absolutamente obvio, el único final que en última instancia podría ser el final veraz. Pero lo disfrazamos hasta el último segundo. Creo que funcionó porque nos mantuvimos fieles a nuestro credo, y nos mantuvimos fieles a lo que creo que es la verdad emocional absoluta de lo que harían esos personajes y lo que les sucedería.

FECHA LÍMITE: ¿Qué quieres decir?

MÍLOD: Que no serían capaces de escapar de esa gravedad de Logan, que se sabotearían a sí mismos en algún nivel. Entonces, solo estamos siendo honestos. En términos de los detalles reales de cómo terminaría el final de la temporada, no supe hasta el comienzo de la temporada 4 que Tom sería el director ejecutivo al final de la carrera. Sabía que los hermanos perderían, pero desde hace mucho tiempo no lo sabía, no busqué la información. no pregunté

FECHA LÍMITE: ¿Por qué?

MÍLOD: Porque es como solía decir Aaron Sorkin sobre Ala oeste, y lo sé porque solía preguntarle a John Wells sobre Desvergonzado. Wells dijo que Aaron Sorkin siempre estuvo preocupado por dar escenas a los actores demasiado pronto porque le preocuparía que actuaran en el futuro.

Que un conocimiento previo inconsciente se manifestaría realmente dentro de una escena. Yo mismo tengo ese miedo si tengo conocimiento previo, me preocupa inconscientemente, de alguna manera guiñando un ojo a la audiencia. Entonces, evito esa tentación al no saber lo que no necesito saber.

FECHA LÍMITE: Es gracioso que menciones a Sorkin, porque, por supuesto, Succession tenía un filo político tan agudo y, algunos dirían, profético. Hubo un montón de buenos tiempos involucrados…

MÍLOD: Sé que otros han dicho esto, pero el hecho es que el primer día de rodaje del piloto original fue el día en que Trump ganó las elecciones de 2016. Entonces, existe una correlación obvia entre los medios de comunicación de derecha y la dinámica de poder de este tipo de súper familias. Entonces, pero creo que hay algo más allá de eso. Está más allá del elemento de tiempo, y eso es quizás solo en el acto de joder, ya sabes, a través de un sentido de clase muy alta, como una telenovela…

FECHA LÍMITE: Oiga, no hay necesidad de hacer una pausa, señor. Soy amante de la música pop y de las telenovelas de lujo. Así que definitivamente, no hay vergüenza en admitir una Dinastía en tu herencia.

MÍLOD: Exactamente. hay Dinastía y ahí está dallas y fueron muy divertidos, pero no se volvieron tan oscuros como Sucesión hizo. Sabemos que en esta era hay un apetito por las familias enemistadas. Game of Thrones lo hizo en una escala épica, pero también logró en su mejor momento ser increíblemente íntimo también. Y esta fue otra forma de explorar la dinámica familiar y la dinámica de poder en un paisaje realmente nuevo y oportuno.

FECHA LÍMITE: Uno de los elementos más conspicuos y simultáneamente sutiles de Sucesión fue el diseño de producción, que tenía como objetivo una representación precisa de la clase multimillonaria, a menudo en los gestos y símbolos más pequeños. ¿Cómo trabajaste para no dejar que eso abrumara la historia, como ocurre a menudo?

MÍLOD: Fue un equilibrio entre mostrar ese mundo con la precisión que permitía el presupuesto, sin convertirlo en un fetiche. Era una cuestión de objetividad sin dejarse seducir por ella.

Hay un dispositivo muy simple que uso, que es el movimiento cinético de los actores para revelar un paisaje, para revelar ese mundo. Entonces, el personaje siempre nos guiará a través de él, por lo que la cámara es muy reduccionista. La cámara nunca explora servilmente o saliva sobre un lugar hermoso o un reloj hermoso: encontraré una manera de organizarlo para poder ver y reflejar ese mundo, pero sin ser ese hipócrita que dice oh, mira a estas personas terribles, pero guau, mira ese magnífico Rolex.

FECHA LÍMITE: Suena como Sucesión en una sola toma…

MÍLOD: (Risas) Creo que Jeremy lo expresó muy bien cuando dijo en una conversación que todos nosotros sentíamos que nuestras ambiciones y el desafío de escribir nos habían llevado a lugares que no sabíamos que podíamos alcanzar. Fue una sensación colectiva realmente encantadora de ser empujados y empujarnos a nosotros mismos. Para mí, mantener un ojo clínico frío y permanecer en la verdad se volvió aún más importante.

FECHA LÍMITE: Las últimas tomas de los hermanos en el final de la serie fueron codas silenciosas en sí mismos…

MÍLOD: Tom y Shiv en el auto fue un regalo.

FECHA LÍMITE: ¿Cómo?

MÍLOD: Lo escenifiqué de manera que pudieran pasar de la oscuridad a la luz como una especie de ironía. Con ese último viaje a Manhattan. Siento que Shiv todavía está en el juego como una especie de Lady Macbeth, comenzando a mover los hilos potencialmente detrás de Tom.

FECHA LÍMITE: ¿Y Roman en el bar?

Con el personaje de Kieran, Roman, siento la tragedia de él atrapado en ese bar en algún lugar para siempre. Sí, es mejor ser rico que, al menos en términos de supervivencia humana, pero hay algo trágico en él. Hay una forma de verlo en los últimos dos años que pasamos con el personaje con solo un sueño febril. Entró en ese bar. Imagina que tuvo estos dos años completos entre los cumpleaños de su padre y ahora está de vuelta en ese bar y nada ha cambiado. Hay una especie de felicidad y una tragedia simultáneamente, por lo tanto, son maravillosamente ambiguas.

FECHA LÍMITE: Jeremy Strong ha hablado sobre que hay un plano sin usar al final de la serie. El espectáculo lo deja mirando el agua, su motivo en muchos sentidos, un tonto roto. Pero Jeremy dice que también hubo una toma de él saltando la valla hacia el agua, un intento de suicidio…

MÍLOD: Entiendo totalmente por qué Jeremy tomó la decisión de moverse hacia la cerca. Creo que el personaje está pensando y contemplando eso y si realmente lo lleva a cabo es otra cuestión. Jesse y yo sentimos que tal vez dejar al personaje en el Purgatorio entre esos lugares fríos, las aguas heladas del puerto de Nueva York, o el frío horror del futuro con un Destino incumplido, simplemente los coloca en un lugar de la nada entre esos. dos, dos o cuatro plazas. Eso se sintió como la forma más cruel y probablemente la más honesta en que podíamos dejar ese personaje. Suena un círculo muy completo.

FECHA LÍMITE: Suena como Sucesión en una botella…

MÍLOD: Sí, quiero decir, esa es la tragedia central del espectáculo, ¿no? Todo cierra el círculo, y esos personajes nunca pueden escapar.

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Los actores y podcasters Will Arnett, Jason Bateman y Sean Hayes permitieron que las cámaras los encendieran durante su gira por América del Norte llena de celebridades, cuyo resultado es Sin inteligencia: en el camino, una serie limitada que actualmente se transmite en Max. (Puedes ver el tráiler aquí).

Dirigida por Sam Jones (Jason Isbell: Corriendo con los ojos cerrados, fuera de cámara con Sam Jones), la docuserie de seis partes brinda un acceso íntimo y espectacular de los tres amigos mientras viajaban por Boston, Brooklyn, Washington, DC, Chicago, Madison, Wisconsin y Los Ángeles en su gira en vivo con entradas agotadas .

Como parte de una serie reciente de Deadline FYC House + HBO Max, Jones habló sobre cómo se unieron las docuseries y lo que podemos aprender sobre los tres hombres que no conocíamos antes”.

FECHA LÍMITE: ¿Cómo surgió esta docuserie?

SAM JONES: Jason me preguntó si pensaba que había un documental allí. Les dije ‘confíen en mí lo suficiente como para darme la llave de sus habitaciones de hotel’. Les pregunté si se quedarían en el mismo hotel y viajarían juntos y no tendrían una gran multitud de personas con ellos. Si pudieran permitirme tener acceso en todo momento, creo que sería genial porque sería como si estuviéramos en la carretera juntos. Estuvieron de acuerdo con eso.

FECHA LÍMITE: ¿Así que los acompañaste a todos los shows?

JONES: Oh sí. Fuimos un grupo incrustado todo el tiempo. Teníamos tres cámaras, y yo era una de ellas. Éramos nosotros tres, un técnico de sonido y un productor corriendo con ellos, volando en el mismo avión, viajando en los mismos autobuses y alojándonos en los mismos hoteles. Estuve en sus habitaciones más que en la mía. Cada episodio es una ciudad.

FECHA LÍMITE: ¿Decidiste desde el principio que no ibas a mostrar lo que sucede en el show en vivo?

JONES: Cuando entré en la bahía de edición, decidí que tenía más sentido [to leave most of the live shows out] porque estábamos viajando con ellos y sintiéndonos como si estuviéramos detrás de escena de todo. También traté de hacer que las cosas en el escenario se sintieran de esa manera. No es como si fuera desde el punto de vista de la audiencia. Era más como si estuviéramos en el escenario o entre bastidores. Es casi como un documental de banda o un documental de hermanos.

FECHA LÍMITE: ¿Por qué la filmaste en blanco y negro?

JONES: Simplemente me encanta estéticamente. Número dos, permitió que el backstage y los viajes funcionaran a la perfección con la filmación que hicimos mientras estaban en el escenario. Creo que te dio la sensación de que esto es algo detrás de escena. Cuando estás yendo entre todos estos lugares diferentes, hoteles, aviones y salas verdes y en el escenario y detrás del escenario, el blanco y negro tiene una forma de centrar realmente tu atención en los personajes principales.

FECHA LÍMITE: Entonces, después de pasar incluso unos días con ellos, ¿qué aprendiste?

JONES: Creo que todos ellos son comediantes tan brillantes. Todos estaban muy abiertos a ser ellos mismos. Esa fue la cosa. Si las cámaras estaban sobre ellos o no, aquellos son los chicos Tenía algunas preguntas antes de mostrárselo, preguntándome si querrían que cortara cosas que se sentían demasiado personales cuando no están en público. Pero querían ser lo más transparentes posible. Estaban tan abiertos al experimento como yo. Se dieron cuenta de que si están siendo honestos, verdaderos y humanos, va a funcionar. No están tratando de crear personajes que los hagan lucir bien. Eso es lo que los hace tan adorables. Y una de las cosas sobre esos tres tipos que es tan impresionante es que son capaces de permanecer en el presente. Tuve un programa de entrevistas durante siete años en Netflix y DirecTV y es muy difícil no prepararse para que puedas hacer las cosas más entretenidas y emocionantes. Esos tipos confían en su habilidad en el presente para encontrar la dirección correcta para entablar una conversación. Tienen mentes que son lo suficientemente rápidas para encontrar el humor sin preparar nada.

FECHA LÍMITE: ¿Encontraste cosas para que hicieran antes de los shows en vivo?

JONES: No. Todo mi asunto fue que si comenzamos a crear escenarios y eventos para que ellos los hagan, entonces se sentirá como un reality show. Así que realmente traté de dejarlo en sus manos.

FECHA LÍMITE: ¿Al menos se prepararon para los shows en vivo?

JONES: No se prepararon para los shows en vivo en absoluto. Quiero decir, obtendrían una página de Wikipedia y le echarían un vistazo. A Sean le gusta hacer un poco de preparación en términos de, ‘oh, podría contar una historia sobre mi madre o una historia sobre mi hermana’. Lo interesante de ver es que no tenían nervios al respecto. Estaban dispuestos a dejar que fuera lo que era, y no trataron de controlarlo demasiado. Creo que esa es una especie de su secreto.

FECHA LÍMITE: ¿Cuáles fueron algunos de tus momentos favoritos de los seis episodios?

JONES: Una de las cosas que no esperaba sucede en el episodio cuatro o cinco. Comienzan a hacerse preguntas sobre su crianza. Will le preguntó a Jason sobre la presión que sentía por ser un niño actor. Estábamos aprendiendo cosas sobre la ansiedad o la presión que sentía. Luego, Sean comenzó a salir del armario con su madre cuando aún era un adolescente. Era esta isla de total sinceridad en medio de esta divertida y alegre gira de comedia. Me tomó por sorpresa, y es uno de mis momentos favoritos de todo el asunto.

FECHA LÍMITE: Entonces, si vuelven a la carretera, ¿hay una segunda temporada de esto?

JONES: Oh Dios, eso espero. Probablemente fue el trabajo más divertido que he hecho. Dirigir algo como esto se trata más de escuchar, observar y mantenerse al margen. Fue una experiencia única y me encantaría que la llevaran a Europa.

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EXCLUSIVO: Jon Stewart es la última estrella en cancelar sus funciones promocionales como parte de la huelga de escritores.

El comediante ha realizado un evento FYC para su serie de Apple. El problema con Jon Stewart la próxima semana mientras continúan las consecuencias de la huelga.

Stewart iba a participar en una conversación sobre la segunda temporada del programa de entrevistas de Apple el lunes 8 de mayo. Estaba previsto que se llevara a cabo como parte del espacio Think Apple TV+ del streamer en los estudios Goya de Hollywood.

RELACIONADO: Cobertura completa de la huelga de Deadline

Otros eventos están programados para incluir un malas hermanas evento con Sharon Horgan, un evento Shrinking con Jason Segel, un evento con James Corden para promover Karaoke para compartir cochea Schmigadoon! evento y varias otras charlas. No está claro si estos seguirán adelante.

Se produce después de que el propio Stewart fuera moderador de otro evento de FYC para promover el trabajo de John Mulaney. Bebé j especial en Netflix.

Las reglas de WGA prohíben a los miembros, entre los cuales Stewart es uno, promover proyectos en los eventos de FYC. “Debe informar a la empresa que tiene prohibido hacer estas apariciones promocionales sobre su trabajo hasta que concluya la huelga”, señaló.

La segunda temporada de El problema con Jon Stewart se estrenó en octubre y sus 12 episodios se extendieron hasta abril.

Brinda Adhikari se desempeña como productora ejecutiva y productora ejecutiva junto con el gerente de Stewart, James Dixon, y Richard Plepler a través de Eden Productions, que tiene un acuerdo de producción general con Apple. Chelsea Devantez es la escritora principal y Lorrie Baranek es la productora supervisora.

Apple no respondió a una solicitud de comentarios, pero fuentes cercanas al programa confirmaron la cancelación de Stewart.

Una parte impredecible de hacer cualquier documental sobre una persona es mostrarles un corte.

Si bien los cinco realizadores de documentales que participaron en la sesión «HBO Doc Panel: Portraits» como parte de la serie de paneles y proyecciones Deadline FYC House + HBO Max habían abordado una amplia gama de temas con varios enfoques, estuvieron de acuerdo en ese angustioso final. paso.

Sam Jones, director y productor de Jason Isbell: Correr con los ojos cerrados, dijo que deliberadamente colocó un segmento clave de la entrevista hacia la parte superior de la película, sabiendo que Isbell lo registraría cuando lo viera. En ese momento, «Jason dice: ‘Tengo que aceptar las cosas que no me hacen lucir genial como artista’ porque eso es lo opuesto a hacer arte, es preocuparse por la imagen que tienes de ti mismo», dijo Jones sobre su mosca. Una mirada en la pared al proceso creativo de Isbell. Agregó con una sonrisa: «Quería recordarle que no se vería genial».

Alexandra Pelosi, una cineasta veterana que decidió hacer de su madre, la presidenta de la Cámara de Representantes, Nancy Pelosi, el tema de Pelosi en la Cámara, dijo que comenzaron a llegar comentarios incluso basados ​​​​solo en el avance de la película. “Se lo mostré y me dijo: ‘Deberías sacar esto, esto, esto’. Le dije: ‘Mamá, es un poco tarde para eso. Está en YouTube.

El ataque al Capitolio de los Estados Unidos el 6 de enero de 2021 ayudó a influir en su decisión de hacer la película. En un nivel más amplio, Pelosi dijo: “Yo tenía hacer esta película porque he estado siguiendo a mi madre durante 30 años con una cámara”.

Ed Perkins fue un caso único entre el quinteto sobre el escenario porque La princesa, que dirigió, utiliza material de archivo en lugar de cabezas parlantes para interpretar a la princesa Diana. Incluso sin tener que preocuparse por la opinión de un sujeto vivo, Perkins dijo que la magnitud de la empresa era intimidante. “Probablemente tenía más imágenes de sí misma que cualquier otra persona viva y la historia que tratábamos de contar abarcaba 17 o 18 años”, dijo Perkins. “Mi trabajo consistía en parte en vigilar todo. Es muy peligroso cuando comienzas estos proyectos tener una noción demasiado preconcebida sobre la historia que estás tratando de contar”.

Después de pasar hasta 12 horas al día estudiando detenidamente cada fotograma de las imágenes disponibles, dijo, el gesto más sutil comenzaba a sobresalir. «Era casi como ser un director de teatro y estás buscando lenguaje corporal… Ella es como una estrella de cine mudo».

Edward «Buck’ Buckles, Jr., director, productor y guionista de Bebés Katrina, dijo que no sintió que la película estuviera realmente terminada hasta que la gente de Nueva Orleans la vio el año pasado. Las respuestas de la comunidad incluyeron comentarios sinceros como “necesitábamos esto” y “Me estoy curando de esto”, lo que alivió la culpa que él mismo describió como sobreviviente. Buckles, que tenía 22 años cuando comenzó la película, pudo evacuar de forma segura cuando el huracán Katrina devastó su ciudad natal en 2005. Quería examinar el efecto sobre los niños de la ciudad, una dimensión del desastre aún inexplorada.

“Se suponía que sería un proyecto de nueve meses”, dijo, pero muchas de las primeras entrevistas se tornaron intensamente emotivas. A medida que fluían las lágrimas y afloraban las emociones, “eso sumó años a este proyecto, pero también me dio la validación de que esta historia necesitaba ser contada”.

Chris Smith. director de las cuatro partes branson, dijo que la descripción del multimillonario multifacético encajó una vez que estuvo claro que el viaje de Branson al espacio proporcionaría un marco narrativo. “Oh, esto tiene una razón para existir ahora”, recordó Smith haber pensado una vez que se confirmó la misión espacial. «Me hizo clic que pudiéramos contar la historia de él mirando hacia atrás en todo», con la noción implícita de que podría servir como una reflexión reflexiva sobre su vida en caso de un evento interestelar. ¿Y la reacción de Branson? “Había algunas cosas que no amaba”, dijo Smith encogiéndose de hombros, “pero pensó que era justo”.

Haga clic en el video de arriba para ver la conversación.

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