Siguen spoilers de En una naturaleza violentaen los cines ahora.

Una gran escena de asesinato en una película de terror inspira más que conmoción, terror o disgusto. Te eleva por completo audacia de la violencia. Los jadeos se convierten en muecas de dolor. Las muecas de dolor estallan en carcajadas. Los aplausos saludan la corriente eléctrica de atónita incredulidad que atraviesa al público. Ya sea contemplando las matanzas casi cómicas de Jason Voorhees o los alborotos orgullosamente obscenos de Art the Clown, lo que los cinéfilos de medianoche aplauden es la voluntad del cineasta de ve allí – para superar los límites del buen gusto y el humor negro, y arrastrarnos con ellos hasta la cima.

Hay una presa de ese calibre acechando cerca de la mitad del camino. En una naturaleza violenta, una nueva incorporación artística y poco convencional al canon de los thrillers sobre maníacos enmascarados que caminan penosamente por el bosque en busca de estudiantes núbiles a quienes desmembrar. La escena en cuestión ya es notoria, su reputación precede NaturalezaEstreno en cines esta semana. en un reciente proyección del festival nocturno en Chicago, la gente reaccionó como los visitantes de un parque temático en una montaña rusa. Es posible que incluso alguien haya vomitado, aunque eso también podría ser apócrifo; Yo estaba allí y no escuché ninguna arcada entre todos los gemidos empáticos y los vítores enfáticos.

La escena llega después de unos 40 minutos de deambular casi meditativo por el bosque, interrumpido por estallidos ocasionales de matanza, aunque la película ha guardado su caos más inventivo y anatómicamente extremo para la pieza central que está por venir. (Tanto los aprensivos como los fóbicos a los spoilers deberían tomar esto como una advertencia para hacer clic ahora). Después de haber despachado a un veraneante nadando, una muerte que presenciamos desde una gran distancia, libre de toda excitación, el asesino silencioso y corpulento de la película se topa con su amante rubio ( Charlotte Creaghan) haciendo yoga en un claro. Acorralada, la joven grita y retrocede, pero se encuentra frente a un acantilado empinado. Teniendo en cuenta lo que sucede a continuación, habría sido mejor arriesgarse con un largo recorrido por el terraplén.

Un puñetazo rápido e inhumano envía la mano del asesino (y el gancho encadenado que blande) directamente a través del torso de la mujer. En un estado de trance y shock, lentamente se gira para enfrentar a su asesino enmascarado, quien luego retira el gancho y rápidamente lo hunde en la parte superior de su cabeza. ¿Ha terminado este depravado espectáculo? No, continúa sin cesar, mientras el asesino luego gira a su víctima para que mire hacia el agua nuevamente y tira de la cadena que aún cuelga en su abdomen, una grotesca indignidad que horriblemente le rompe el cuello y tira de su cabeza hacia abajo y hacia adelante y luego (indica bolsas de vómito). ) a través del mismo agujero sangriento y enorme donde debería estar su estómago. Él efectivamente ha pervertido su rutina de ejercicios, estirándola hasta adoptar una pose de yoga de pesadilla y muerte.

En lo que respecta a las muertes de slasher, es algo sin precedentes. ¿Fue la película una entrada oficial en el Viernes 13 serie, en lugar de un curioso y metódico homenaje a la misma, este asesinato innovadoramente desagradable aterrizaría instantáneamente cerca de la cima de una clasificación de poder de conteo de muertes de Voorhees, desafiando la posición de la cita de Kevin Bacon con una flecha o esa vez Jason Mojó la cabeza de alguien en nitrógeno líquido. Esto es el momento que los fanáticos del terror probablemente pasarán el año recordando con entusiasmo y la única escena en la que depende la reputación de la película como una visita obligada para los sabuesos (aunque hay una secuencia posterior que involucra parálisis y una máquina para cortar leña que posiblemente sea aún más retorcida).

Pero la escena también confirma el tipo de película. En una naturaleza violenta realmente es. Hasta que el chico grande se vuelve endiabladamente creativo con su armamento improvisado, es posible preguntarse si el director Chris Nash está utilizando las convenciones básicas de su premisa de género prestada para ir a algún lugar nuevo. El truco de la película es que se desarrolla principalmente desde la perspectiva del asesino: una extensión completa de la forma en que Viernes 13 y Víspera de Todos los Santos Las películas a veces adoptan brevemente el punto de vista en primera persona de Jason y Michael Myers. Aquí, la proporción de identificación se ha invertido, de modo que principalmente seguimos al monstruo y solo brevemente nos ponemos en el lugar de su presa. Este cambio de perspectiva altera el lenguaje de la típica película de terror: porque el asesino es esencialmente un animal mudo (a diferencia del trastornado protagonista de la sucia película de terror de los 80). Maníaco y su remake), permanecer cerca de él da como resultado largas escenas de caminatas sin palabras y sin trama. El resultado se acerca más en estilo y ritmo a los cantos fúnebres de cine lento de Gus Van Sant, como Elefante o Gerry.

Pero no hay nada tan filosófico en esta película. Esa espeluznante escena del acosador parecido a Jason retorciendo a alguien dentro de sí misma como un tallo de cereza atado en un nudo delata el juego. Deja caer la pretensión de violencia abstracta (como una escena anterior que se corta justo antes de que el bruto se ensangre los guantes) y ofrece productos sangrientos. En el corazón, En una naturaleza violenta no es una película de arte que juega con tropos de terror, sino algo así como lo contrario: un slasher despiadado de la vieja escuela que simplemente toma un camino indirecto y bastante pintoresco hacia las emociones sórdidas habituales. Nash subvierte la forma de la película slasher pero no el contenido. Desde el punto de vista argumental, no hay grandes giros.

Los estiramientos ambientales, las siguientes tomas que retienen y retienen al asesino mientras deambula por la naturaleza en busca de su próxima muerte: estas jugadas excéntricas en duración son como una máscara de hockey colocada sobre el espíritu de «puedes superar este espíritu». Cine slasher de los 80. En su mayoría, retrasan el familiar golpe de dopamina de la acción de cortar extremidades. En la medida en que Nash ha deconstruido el slasher, es para descubrir qué se puede eliminar de su fórmula sin dejar de ser fiel a su, bueno, naturaleza violenta. ¿Son necesarios personajes reales? ¿Diálogo? ¿Una historia? ¿Cuánta tranquilidad soportará el público si sigues proporcionando la razón de ser, el asesinato y la mutilación?

Aún así, a pesar de todo lo que Nash se lleva, agrega mucho en el departamento de artesanía. En una naturaleza violenta es una prueba de que incluso jugar con las convenciones puede tener resultados interesantes. Al menos, el cine slasher se beneficiaría de la atención al encuadre y el ritmo que el director aplica a su vanidad desnuda; no real Viernes 13 Nunca una película ha estado tan bien filmada o tan atenta al estado de ánimo. Inspirándose en la casa de arte, Nash refina o al menos diferencia excéntricamente su material de grind-house.

Y eso también se aplica a su ya histórico asesinato con vista en Grand Guignol. Otro, ejem, gancho Lo mejor del bárbaro encuentro es cuán deliberadamente se desarrolla ante nosotros: cómo Nash se detiene en los detalles, como la astilla de la columna cervical, o el impresionante plano amplio que despliega para enfatizar la altitud que condena al yogui, la larga caída que es su única alternativa. a una evisceración brutal. Más que el absurdo extremo del asesinato, es la elegante secuencia de las imágenes de Nash y su compromiso de prolongar el estado de limbo psíquico de la violencia lo que empuja esta cita con la muerte al panteón del slasher. Un poco de paciencia puede marcar una gran diferencia, incluso en la actual carrera armamentista de escenas de asesinatos elaboradamente espantosas.

El chivo expiatorio es una carta de amor a la comunidad de especialistas, una oportunidad para disfrutar de los altísimos niveles de encanto de Ryan Gosling y, posiblemente, en la forma de uno de sus villanos, un artículo ciego sobre un actor narcisista de Hollywood.

Tom Ryder, una estrella de acción interpretada por el rumoreado nuevo actor de Bond, Aaron Taylor-Johnson, es la estrella de El chivo expiatorioLa película dentro de la película, la epopeya de ciencia ficción. Tormenta de metal. También es un imbécil presumido y fanfarrón que miente acerca de hacer todas sus propias acrobacias; mata a su nuevo doble, Henry (Justin Eaton, el verdadero doble de Taylor-Johnson en la película), con una patada fuera de lugar; e intenta incriminar a su antiguo doble, Colt Seavers de Gosling, por el crimen. Taylor-Johnson y Gosling se divierten mucho con la fanfarronería de Tom y las respuestas inexpresivas de Colt cuando el actor estrella y su doble finalmente se enfrentan. Tom está todo hinchado, pomposo y un poquito sexual cuando, sin camisa, revela que saboteó un truco que Colt hizo para él en una película anterior, lo que llevó a Colt a romperse la espalda; Colt llama a Tom un «villano idiota de Bond» y dice que se están «enredando en la exposición» mientras Tom explica demasiado su malvado plan.

El chivo expiatorio Destaca que para las personas en la industria del cine, las películas son, literal y figuradamente, toda su vida, la forma en que comprenden sus sentimientos y su realidad. Es por eso que Colt y su jefe y amigo Dan (Winston Duke) se animan para una escena de pelea citando El último de los mohicanosy por qué Colt, al declarar su amor por la directora Jody (Emily Blunt), se pregunta si su gran admisión de adoración es “de una película, ¿o simplemente la inventé?” Los límites entre ficción y realidad son bastante fluidos en esta película, lo que lleva a la pregunta: ¿Es El chivo expiatorio ¿Sombreando a alguien específico con su representación de Tom Ryder?

El director David Leitch, el escritor Drew Pearce y Gosling desarrollaron juntos la historia de la película y, dado el enfoque práctico de Leitch, es tentador pensar que sus experiencias trabajando con estrellas de cine podrían haber ayudado a dar forma a estos personajes. Así que consideremos la evidencia, a partir de la película, la carrera de Leitch y el campo general de los principales actores de acción en estos días. (Todo con el espíritu de diversión chismosa, no nos demande).

Ryan Reynolds, Chris Pratt, Brad Pitt, Jason Statham
Comencemos con cuatro estrellas de acción que han trabajado con Leitch: en Deadpool 2, mundo Jurasico (para el cual Leitch trabajó en la segunda unidad), Tren bala y club de luchay Hobbs y Shaw, respectivamente, y que encajan en el molde general de “tipo blanco omnipresente en todas las franquicias de género”. En la vida real, todos ellos elogian abiertamente las acrobacias o sus dobles; Recuerde que Leitch fue el doble de acción de Pitt en club de lucha. Hace más de una década, Statham apoyó la campaña de la comunidad de especialistas para que los Oscar añadieran una categoría específica que reconociera su trabajo: “Es una injusticia total. Son ellos los que están ocupados. Luego tienes a un tipo parado frente a una puta pantalla verde arrugándose la cara fingiendo que está haciendo el truco. Para mí es como una farsa”. Dado que una escena casi exactamente como ésta se desarrolla en El chivo expiatorio A expensas de Tom, creo que es seguro asumir que Statham (y todos estos tipos) están libres de burlas debido a su apoyo vocal a la industria en el pasado. Ahora, pitt hizo hacer una serie de anuncios para Chanel N°5 y Tom hace tener una campaña de belleza en El chivo expiatorio ante lo que Colt pone los ojos en blanco. Pero creo que ese detalle se alinea más con otro actor de esta lista.

Tom Crucero
Debemos considerar a Tom Cruise porque podría decirse que es la estrella de acción más grande del mundo, y aquel cuya insistencia en hacer sus propias acrobacias genera la mayor cantidad de titulares (¡y gana los premios Vulture Stunt Awards!). También está el hecho de que Tom Ryder se llama, bueno, Tom. Pero El chivo expiatorio solo elogia a Cruise, como cuando Colt bromea acerca de querer que la tecnología deepfake de Metalstorm lo convierta en el Misión imposible estrella. ¿Es posible que el personaje de Hannah Waddingham, Gail Meyer, productora de Tom desde hace mucho tiempo, siga el modelo de la ex publicista de Cruise, su hermana, Lee Anne DeVette? Eh, probablemente no. Lo único que tienen en común es que son mujeres; Gail parece más bien una versión actualizada de El Padrino productor Robert Evans que nadie (tenga en cuenta sus gafas igualmente de gran tamaño). Creo que no se puede hacer una película de acción sobre películas de acción sin reconocer la existencia y el impacto de Cruise, pero ese es el alcance de la conexión entre Tom y Tom.

Keanu Reeves
¿Existe alguna realidad posible en la que Tom Ryder sea un subtweet del señor John Wick, reconocido simpático hombre? No puede haberlo, ¿verdad? ¿No cuando la gran oportunidad de Leitch fue codirigir esa película protagonizada por Keanu? Es cierto que el trabajo de Leitch no quedó acreditado debido a algunas reglas del Directors Guild of America, y Chad Stahelski siguió dirigiendo la película. John mecha películas en solitario (Leitch conserva un crédito en el EP). Pero muy pocos actores están aquí defendiendo a la comunidad de especialistas como nuestro querido Neo. Keanu inocente, probablemente.

Matthew McConaughey
Hay que reconocer que Tom es, por alguna razón, estadounidense, y Taylor-Johnson (que es inglesa) está haciendo un Aturdido y confuso-Acento de la época de Matthew McConaughey. Este hombre puede hacer una voz americana perfectamente útil y perfectamente plana (la escuchamos en Godzilla, Salvajesy el Patear el culo películas), por lo que el acento texano fingido es definitivamente una opción. ¿Pero es McConaughey una estrella de acción? No; Incluso en películas como La torre oscura y los caballerosMcConaughey no está haciendo mucho trabajo físico, ni pretende hacerlo. Así que simplemente dejemos el acento como «ATJ probando algunas cosas» en lugar del matiz de McConaughey.

Johnny Depp
Aquí es donde las cosas se ponen interesantes. ¿Recuerda la campaña publicitaria que mencioné antes, las que se encuentran en todo el aeropuerto de Los Ángeles cuando Colt vuela a Australia y en todas las paradas de autobús en el centro de Sydney? Se parecen mucho a los anuncios de Dior Sauvage de Depp, en el sentido de que colocan a Tom en un paisaje desértico y polvoriento frente a montañas y un hermoso cielo de acuarela, y lo hacen parecer un antihéroe misterioso y melancólico mientras golpea rocas con un mazo para demostrar su masculinidad. o lo que sea. Y luego, más adelante en la película, cuando Gail entra al trailer de Jody y ve que está desordenado, como si dos personas hubieran peleado, porque así lo hicieron, sin que Gail lo supiera, dice que parece que «Johnny y Amber» estaban allí, una broma. Eso ha tenido mala prensa, pero al menos se contextualiza en la película como otra indicación de lo mala que es Gail como persona. Esos dos momentos juntos se sienten puntuales; tal vez no exactamente como un insulto hacia Depp, pero un recordatorio de la cantidad de poder e influencia cultural que alguna vez tuvo y cómo esa imagen fue, como la de Tom, fabricada y manipulada. ¡Algo sobre lo que pensar!

Dwayne Johnson
Una estrella de acción que (supuestamente) desaparece del set, llega tarde, tiene un séquito cuyos miembros hacen lo que quiere y que está demasiado preocupado por su imagen pública hasta el punto de que comienza a afectar su actuación real. Todo el comportamiento de Tom en El chivo expiatorio aparentemente se alinea con el (supuesto) mal comportamiento de Johnson en la próxima película uno rojo, como se documenta en este artículo en Wrap. Y recuerde que Johnson y Leitch trabajaron juntos en Hobbs y Shaw. ¡Algo en qué pensar, segunda parte! (También vale la pena considerar que tal vez Tom podría contener elementos de Vin Diesel, quien también ha sido acusado de comportamiento de diva en el set y de quien se rumoreaba que estaba peleando con Johnson en El destino de los furiosos. Pero Diesel ha hablado antes sobre cómo la muerte de Harry O’Connor, su doble en el xXx set, lo afectó y le enfatizó la importancia de las acrobacias seguras, por lo que parece poco probable que haya inspirado a un personaje que es tan alegre con respecto a la seguridad de las acrobacias).

Jason Momoa (¡no!)
La única persona que podemos asumir es Tom Ryder. no es Se supone que se está burlando de Momoa, quien termina apareciendo en la película como él mismo, reemplazando a Tom después de que la estrella de acción explota en un accidente pirotécnico que causó al usar su teléfono celular donde no debía. Es divertido ver a Duncan Idaho aparecer y patear traseros, ya que gran parte de Tormenta de metal es Duna-codificado (ambientado en el espacio en un planeta arenoso, con una partitura similar a la de Hans Zimmer y Teresa Palmer que parece llevar un disfraz de Lady Jessica de Halloween). Además, ¿muchos de nosotros no nos hemos preguntado en algún momento “¿es Momoa o Mamoa”? ¡La nota Post-It que Tom tiene en su loft con esa pregunta podría ser su cualidad más identificable!

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Omar Sy más transparente que nunca. El actor se dedica a escribir un cuento «Vamos, hablemos» coescrito con el periodista de Nuevas observaciones, Elsa Vigorosa. Publicado por ediciones Albin Michel, estará disponible el 24 de abril. Omar Sy se abre en un diálogo, repasando sus inicios, la historia de su carrera y su vida.

“Durante casi tres años, (Omar Sy, nota del editor) aceptó vivir la experiencia de un libro” con Elsa Vigoureux, se lee en la sinopsis de‘Amazonas, donde el libro está disponible para pedidos anticipados. el actor deintocables anunció su nuevo proyecto a través de una publicación en Instagram, con un extracto de su libro en la descripción: “¿Cuál es entonces tu ambición? Divertirte, ser feliz mientras hago mi trabajo como actor (…). que a priori no era para mí al principio, finalmente me resulta familiar. Me devuelve a mis raíces, a mi cultura, a mi educación, donde las historias, la narrativa, son centrales.

Una carrera imponente

Su carrera comenzó en los años 90 con Fred Testot y su dúo Omar y Fred en “Servicio postventa”. Apareció en algunas películas, sin creer realmente en una carrera cinematográfica. En 2011 todo cambió, interpretó el papel de Driss en intocables de Eric Tolédano y Olivier Nakache. La película, inspirada en hechos reales, ha recaudado cerca de 20 millones de espectadores en Francia y recaudado cerca de 416 millones de dólares. Su éxito fue tal que unos años más tarde se lanzó una versión americana.

Esta no fue la primera colaboración de Omar Sy con el dúo de directores ya que en 2006 asumió el papel de Joseph en nuestros dias felices que luego se convertiría en culto. Después intocablesestá en Samba que veremos al actor dando la respuesta a Charlotte Gainsbourg. En una entrevista concedida a Primero en 2021, dijo: «Eric y Olivier fueron los primeros directores que no conocía que vinieron a buscarme. Les había advertido que no era actor y me dieron esta brillante respuesta: «No te preocupes, nosotros ¡Tampoco somos directores!» Desde entonces, el actor se ha consolidado en la escena internacional con papeles en éxitos de taquilla estadounidenses como X Men O mundo Jurasico ¿En qué otro lugar de la serie de Netflix? Lupinodonde desempeña el papel principal.

Principales spoilers a continuación del último episodio de escindir The Walking Dead: Los que vivenasí que tenga cuidado si aún no lo ha visto en AMC o con un Suscripción AMC+.

Después de un estreno que sorprendió a los espectadores con cómo le fue a Rick Grimes de Andrew Lincoln en los años transcurridos desde su salida emocional de Los muertos vivientes, el último spin-off de la franquicia cambió su enfoque a Michonne de Danai Gurira. Su viaje mortal acabó con los amistosos Aiden y Bailey, quienes aparecieron por primera vez en La final de Michonne TWD episodio, así como el recién presentado Nat. de Matthew August Jeffers. Tales pérdidas hicieron que su gran reencuentro con Rick fuera aún más merecido y conmovedor, pero luego la escena final trajo de vuelta a otro personaje desaparecido hace mucho tiempo, y eso es todo de lo que quiero hablar ahora.

Jadis de Pollyanna McIntosh está de vuelta en modo rudo

Nadie sugiere que Microsoft deba dejar de fabricar hardware para videojuegos. Lo que hemos estado considerando, aquí en los oscuros y retorcidos canales de Engadget Slack, es si Microsoft debería seguir fabricando consolas generacionalmente distintas en el ciclo de hardware tradicional. Básicamente, ¿Xbox necesita una caja? Microsoft ha estado ocupada construyendo las bases de un futuro independiente de la plataforma y basado en la nube para los videojuegos, y constantemente se queda atrás tanto de Sony como de Nintendo en la carrera de consolas. Entonces, ¿por qué los ejecutivos intentan entusiasmarnos con una Xbox de décima generación con superpoderes?

Tal vez Microsoft dude en revelar un cambio drástico en el ecosistema después del caos en torno a Xbox One y sus funciones DRM siempre activas en 2013. Después de una avalancha de comentarios negativos ante la idea de una consola persistentemente en línea, Xbox tuvo que revertir rápidamente sus planes de lanzamiento. , mientras que Sony llevó la PlayStation 4 a una temprana vuelta de victoria. Este error preparó el escenario para la próxima década de ventas de consolas, y es una lección que se quedaría con cualquier estudio, especialmente uno que está tratando de hacer que el streaming y los juegos en la nube sean la norma.

Eso es comprensible, pero no cambia el hecho de que el hardware accesible, asequible (y probablemente portátil) tiene mucho sentido para la visión y las inversiones actuales de Microsoft. Más que una consola cara, al menos.

Las historias de esta semana

Un delicioso Anillo Elden entrada

Anillo EldenLa expansión Shadow of the Erdtree llegará a PlayStation, Xbox y PC el 21 de junio. Esta ha tardado mucho en llegar: FromSoftware anunció el DLC en febrero de 2023, lo que dejó mucho tiempo para que los jugadores se entusiasmaran con más masoquismo. Un nuevo tráiler de tres minutos de Shadow of the Erdtree muestra ubicaciones extensas y jefes épicos inspirados en combinaciones caóticas de animales, insectos y elementos. La expansión cuesta $40 y los pedidos anticipados ya están disponibles.

Tierras fronterizas de Cate Blanchett

Voy a salir y decirlo: creo que Cate Blanchett es una gran Lilith. El primer tráiler de la película de este verano. película tierras fronterizas está fuera y parece Mad Max Satisface Guardianes de la Galaxia – que es Borderlands en pocas palabras de todos modos. La película está protagonizada por Blanchett, Jamie Lee Curtis, Kevin Hart, Jack Black y Ariana Greenblatt, está dirigida por Eli Roth y llegará a los cines el 9 de agosto.

Xbox debería salir del negocio de las consolas

El jueves pasado, los ejecutivos de Xbox dejaron en claro que no estaban dispuestos a abandonar el mercado de hardware tradicional y adelantaron una consola de próxima generación que representará «el mayor salto técnico que jamás hayas visto». Eso es genial, pero considerando la posición de Microsoft en la industria, no parece que Xbox necesite seguir fabricando consolas.

Después de adquirir la mitad de la industria, Microsoft es ahora un megaeditor de juegos, con más de 30 estudios internos. Muchos de estos equipos de desarrollo son mundialmente reconocidos y cuentan con un rico historial multiplataforma. También es el operador de uno de los servicios de suscripción de juegos más grandes del mundo, Game Pass.

Game Pass creció enormemente durante la pandemia, pero las suscripciones se estancaron. En documentos judiciales de abril de 2022, Microsoft reveló que tenía 21,9 millones de suscriptores de Game Pass y 11,7 millones de miembros de Xbox Live Gold en todas sus consolas, para una base total de usuarios de 33,6 millones. La semana pasada, Microsoft reveló que Game Pass tiene 34 millones de suscriptores, lo que incluye PC Game Pass y Game Pass Core, el nuevo nombre de Xbox Live Gold. Incluso suponiendo que PC Game Pass no tuviera suscriptores en 2022, esto significa que las suscripciones a Game Pass crecieron solo un 1 por ciento en los últimos 22 meses. El escenario más probable es que el número total de suscripciones en realidad se haya reducido durante este período, aunque al menos es posible que más personas estén pagando por el servicio de precio completo que antes.

El plan de Microsoft para esta generación de consolas estaba claro para que todos lo vieran: vender hardware y aumentar las ventas de un servicio de suscripción con sus propios juegos. Resulta que es difícil vender Game Pass a alguien que no tiene una Xbox y no hay suficientes personas comprando Xbox. Microsoft dejó de informar cifras de hardware durante la era Xbox One, pero los analistas cifran las ventas combinadas de las consolas de la serie Xbox en alrededor de 25 millones. Mientras tanto, Sony ha vendido más de 50 millones de PS5 y Nintendo ha vendido alrededor de 140 millones de Switch. Esta brecha parece crecer cada día y es mucho más pronunciada en Japón y Europa que en Estados Unidos. Si Microsoft quiere hacer crecer Game Pass, parece que tendrá que estar en plataformas fuera de Xbox.

Esta semana, Xbox confirmó sus planes de llevar cuatro juegos anteriormente exclusivos a las consolas PlayStation y Nintendo, y durante años los ejecutivos han estado promocionando un ecosistema en el que Xbox (y Game Pass) se puedan reproducir en cualquier dispositivo que tenga una pantalla. Microsoft tiene una poderosa red en la nube que incluso Sony usa para la transmisión de juegos, además posee más de 30 estudios. A largo plazo, Microsoft está posicionando a Xbox para que sea una potencia de publicación de software independiente de la plataforma con la red de transmisión más estable de la industria a sus espaldas.

En este panorama, es sorprendente escuchar a Xbox hablar sobre la construcción de una consola hiperpotente para la próxima generación. No estoy abogando por que Microsoft abandone el mercado de hardware; tiene sentido que la empresa se centre en dispositivos portátiles y cajas de transmisión asequibles que admitan Game Pass y juegos en la nube. Xbox está trabajando hacia un futuro en el que sus juegos y Game Pass estén disponibles en todas partes, lo que plantea una pregunta clara sobre sus planes actuales: ¿por qué llevar una costosa consola de próxima generación a una guerra que en realidad se trata de software, suscripciones y streaming?

Contenido extra

• El presidente de Sony, Hiroki Totoki, dijo a los inversores la semana pasada que la compañía sería más agresiva a la hora de llevar sus títulos de PlayStation a PC.

• Xbox ha confirmado cuáles de sus juegos llegarán a otras consolas: Conectado a tierra y Pentimiento llegará a PlayStation y Switch, mientras que mar de ladrones y Fiebre de alta fidelidad solo llegará a PS5. Ambos mar de ladrones y Conectado a tierra admitirá el juego cruzado en todas las plataformas.

• Ahora, un puerto totalmente diferente: The Pokémon Company ha programado una transmisión de aniversario para el próximo martes a las 9 a.m. ET. Puede que sea un poco pronto para una revelación de generación 10, pero una nueva versión de Switch de Blanco negro Parece una apuesta segura.

Jugando ahora

Si eres un jugador de Switch o PlayStation y tienes curiosidad por saber todos estos juegos de Xbox que llegarán a tus consolas, tengo una recomendación fácil y clara: juega. Pentimiento. El juego narrativo y con apariencia de tapiz de Obsidian es una sorpresa y un deleite, y recientemente me he divertido mucho jugando en Game Pass. Ya está disponible en PS4, PS5 y Switch, y estoy seguro de que es igual de bueno en esas plataformas.

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Una vez que Danvers se enfrenta a Hank después de dispararle a Heiss, Peter entra en escena, desconcertado y conmocionado por la verdad. Los cimientos de la confianza ya se habían tambaleado cuando Peter se enteró antes de que su padre era responsable de exponer la verdad sobre el caso de William Wheeler, que metió en problemas a Danvers y Navarro. Sin embargo, la inquebrantable voluntad de Hank de dispararle a Danvers para evitar que resuelva el caso de Annie K. resulta insoportable para Peter: en un reflejo de una fracción de segundo, le dispara a la cabeza a Hank. Aunque es una decisión instintiva, las ramificaciones son nefastas, ya que ahora no sólo tiene que enterrar dos cuerpos, sino que también debe cargar con la culpa de cometer un acto tan irreversible.

Decir que Hank se lo merecía es quedarse corto, pero es innegablemente trágico que Peter tuviera que apretar el gatillo, donde tuvo que elegir entre la racionalidad y sus impulsos más emocionales. Fue la elección racional dispararle a alguien que ayudó a una multinacional corrupta a cubrir sus huellas asesinas y estaba a punto de matar a otro oficial desarmado, pero la relación de Peter con Hank, por complicada que sea, está llena de emociones intensas. Obligado a elegir entre dos figuras paternas, Peter se pone del lado de la fría y dura verdad y decide enterrar este capítulo en lo más profundo del hielo para siempre. Como afirma Rose Angineau (Fiona Shaw), necesita cerrar la puerta para terminar lo que empezó, no sea que el pasado vuelva a perseguirlo.

Aunque Peter Prior sigue siendo uno de los pocos policías honrados y de buen corazón en Ennis, sus manos ahora están manchadas por algo que nunca podrá lavarse, incluso si logra hacer las paces con ello. Pedro está condenado a pagar por los pecados de su padre, junto con los suyos propios. ¿Podrá alguna vez romperse esta espiral cíclica de trauma?

ALANA: Sí, hay demasiadas similitudes entre muchos de los diseños como para descartarlo como mera inspiración. Dinossom tiene exactamente la misma cara, combinación de colores y tipo de cuerpo que Meganium, por ejemplo. Hay otro amigo que tiene una boca y ojos casi idénticos a los de Galarian Meowth. Cobalion y Lucario también tienen parecidos muy similares. Mucha gente defiende muchos de estos diseños basándose en fragmentos o inspiración similar: Lucario está parcialmente inspirado en el dios egipcio Anubis, y el amigo llamado Anubis se parece bastante al Pokémon de tipo lucha. Así que puede ser turbio, pero es un poco extraño cuando puedes señalar a casi todos los amigos y señalarlos y decir: «¡Oh, oye, ese es Eevee!». o similar. Otros juegos inspirados en Pokémon como Coromon, Cassette Beasts, etc., han repetido la fórmula de Pokémon sin ser tan derivados en los diseños de sus criaturas.

JIM: Creo que ya casi hemos superado el punto de llamarlo «inspiración». También he visto comparaciones con Digimon u otros cazadores de criaturas en los últimos días, pero hay videos de modelos que, según se informa (y lo enfatizaré, según se informa (ninguno de nosotros es experto) muestran una proporción cercana a 1:1 entre Pokémon y Pal. Claro, no puede haber tantos diseños para el ‘lindo ratón’, pero cuando las proporciones y características son este cerca, algo se siente mal.

GAVIN: Creo que uno de los efectos secundarios de todo este episodio será una apreciación renovada del talento que tienen los artistas de Game Freak cuando se trata de nuevos diseños de criaturas.

JIM: No olvidemos que los desarrolladores de Palworld, Pocketpair, tampoco han estado a la vanguardia de diseños «nuevos» en el pasado. Estaba Craftopia, que parecía estar a un Sheikah Slate de ser un clon de Breath of the Wild y luego un Among Us llamado IA: Impostor del arte. Sí, es posible que Palworld no lo sea bastante Tan Pokémon como pensábamos antes de su lanzamiento, pero el estudio tiene una historia con este tipo de cosas.

GAVIN: Vi un tweet del antiguo productor de videos de la Liga Nacional y encantador tipo Jon Cartwright, que también mostró el próximo juego del estudio. «Inspirado» es definitivamente una palabra, aunque quizás no sea la apropiada.

OLLIE: Esta es la cuestión, Pocketpair tiene un historial de «copiar» otros juegos conocidos, y Palworld no es diferente. Ni siquiera se trata solo de los diseños de las criaturas. Es todo. No hay un solo aspecto o característica del juego que no se haya desarrollado ya en otros lugares. Es por eso que ha demostrado ser tan popular, porque hay muy poco margen de error cuando todo lo que haces es reutilizar mecánicas exitosas del pasado. Para muchos, eso no parece ser un problema; si es divertido jugarlo, aparentemente es suficiente.

GAVIN: ¿Pero es divertido jugar? No lo parece.

No hay un solo aspecto o característica del juego que no se haya desarrollado ya en otros lugares. Es por eso que ha demostrado ser tan popular…

ALANA: Es… extremadamente adictivo. El ciclo de marcar casillas, crear, atrapar, coleccionar, etc. es un ciclo de juego probado que la gente se comerá. Y, como dice Ollie, se hace utilizando un montón de mecánicas gastadas, todas mezcladas. Los niños en las escuelas lo juegan; He visto a gente hablar de que sus compañeros «no jugadores» lo aprenden y lo juegan porque es divertido. Y creo que mecánicamente, sí, todo funciona.

OLLIE: Para empezar, no soy un gran fanático de los juegos que ponen mucho énfasis en la supervivencia y la creación, así que sentarme aquí y decir: «No, no es divertido», parece algo redundante. Lo que diré es que las acciones básicas como el combate y el recorrido ciertamente se sienten «funcionales», pero no necesariamente «divertidas». Me imagino que mucha gente probablemente esté disfrutando de aspectos como construir bases, subir de nivel, explorar nuevos territorios y cosas así.

¿’Pokémon para adultos’? ¿Qué es eso?

GAVIN: Bien, pasando al último tema que he visto en discusión: ‘Pokémon, pero para adultos’. Por lo que has dicho, esto parece carecer de la profundidad o la ambición para explorar adecuadamente lo que podría ser un juego de Pokémon «para adultos», y el otro día exploramos elementos notables que podrían entusiasmar a los fanáticos hastiados de Pokémon en una tribuna. ¿Hay algo aquí que pensemos que podría ser interesante si lo examinara un desarrollador con mayor ambición, tal vez?

OLLIE: Por lo poco que he jugado, diría que probablemente no. Creo que Palworld es un gran caso de estudio sobre cómo tomar mecánicas de juego exitosas y combinarlas para convertirlas en algo relativamente satisfactorio y adictivo. Pero para mí eso es realmente todo. No creo que Nintendo o The Pokémon Company vayan a tropezar para ver por qué Palworld ha demostrado tener tanto éxito.

JIM: Creo que la idea de que Pokémon sea «para niños» está muy equivocada en primer lugar. Claro, apuesto a que todavía tiene una gran audiencia más joven, pero no pretendamos que la escena competitiva sea menos que masivo en este punto. Si por ‘Pokémon para adultos’ queremos decir ‘tiene armas’, entonces eso trae suficientes problemas propios…

GAVIN: Para mí, la idea de un juego de Pokémon ‘para adultos’ (o una versión para adultos de cualquier serie para niños) parece un desaire contra los jugadores jóvenes. Como si lo creado para niños estuviera hecho para idiotas que no pueden seguir una historia adecuada, apreciar la mecánica profunda o abordar temas importantes. Nintendo está en la cima del árbol con esa capacidad al estilo Pixar de atraer a todos con un tema/mecánica central que resuena con un atractivo intergeneracional masivo. Game Freak tiene problemas mecánicos y está ligado a una fórmula muy específica, pero no estoy muy seguro de qué querría la gente de un Pokémon «adulto». No quiero descartar las opiniones de los jugadores que, evidentemente, disfrutan mucho de Palworld, pero me pregunto si los fanáticos frustrados de Pokémon con un hacha para moler son un factor en algunos de los rumores y la respuesta «apasionada» a esto.

Si por ‘Pokémon para adultos’ queremos decir ‘tiene armas’, entonces eso trae suficientes problemas propios…

ALANA: Así me siento yo también. Soy alguien que está un poco harto de Pokémon, y a Palworld, por muy adictivo que sea, le falta algo. Se siente sin alma. El arte es muy parecido a un videojuego, la jugabilidad es derivada y realmente no tiene nada significativo que decir. Y es que ‘Pokémon para adultos’ no en realidad vender: Shin Megami Tensei era un juego de captura de demonios antes de Pokémon, y no es muy popular. Y ha habido otros estudios independientes que han intentado una versión más «madura» de Pokémon como Monster Crown y que toman el núcleo equivocado de ese concepto. Palworld ni siquiera parece un Pokémon para adultos; como dices Gavin, eso descarta a todos los niños que juegan. Si Palworld es un derivado de Fortnite y Ark – dos juegos enormemente popular entre niños y adolescentes, ¿qué estamos diciendo entonces? «Para adultos» es un término tonto y confuso.

GAVIN: Es divertido recordar la ironía de cómo Fortnite se convirtió en el éxito monstruoso que es al incorporar elementos de tendencia de otro juego, y ahora se ha convertido en una plantilla. También destaca cómo, aunque Fortnite obviamente tiene una enorme deuda de gratitud con PUBG, Epic aportó muchísimas ideas y talento propios. Incluso algo como Genshin, que atrajo bastantes críticas al principio, parece que tenía una ambición más allá de lo que siento en Palworld después de esta conversación.

Pensamientos finales

GAVIN: Bien, concluyendo, ¿alguna idea final?

OLLIE: Una cosa que quiero mencionar, y sé que ya hemos hablado bastante sobre esto con respecto a Scarlet y Violet, es el desempeño. Palworld, a pesar de todas sus limitaciones y problemas, funciona bien y es algo que hay muchos, muchos la gente ha mencionado al defender el juego en línea. The Pokémon Company está avanzando bastante bien gracias a la gran popularidad de la IP, pero si algo como Palworld puede lanzarse y ejecutarse tan bien como lo hace, entonces ya no hay excusa.

JIM: He visto llamadas muy similares sobre el hecho de que Palworld es un juego completo. Pagas por adelantado (o lo obtienes a través de Game Pass) y luego no hay compras de DLC, cajas de botín u otras bonificaciones que se han vuelto comunes en tantos juegos de lanzamiento anual. Mire, diciendo: «¡Funciona bien!» y «¡No necesitas pagar más para jugar!». No debería haber grandes aspectos positivos, pero supongo que ese es el panorama de los juegos en el que nos encontramos.

OLLIE: Yo también he visto eso, pero apostaría mi Switch a que a medida que Palworld pase del acceso temprano al lanzamiento completo, comenzaremos a ver algunas prácticas comerciales cuestionables filtrándose.

JIM: Sólo avísame cuando pueda ver a Amigos con Thanos…

GAVIN: En el interruptor. Bien, gracias por su tiempo a todos.

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¿Has jugado a Palworld? ¿Es algo que le gustaría probar en Switch si Pocketpair lo portara? Háganos saber su opinión sobre esto a continuación y tenga en cuenta nuestras Reglas de la comunidad.

Siguen spoilers del Fargo episodio final de la quinta temporada, «Bisquik».

en una temporada de Fargo Basado en preocupaciones reconociblemente cotidianas (deuda financiera, maridos de mierda, división política y religiosa), el inmortal asesino a sueldo Ole Munch no encajaba, y eso era algo bueno. Como en temporadas anteriores de la serie de antología FX, el showrunner Noah Hawley hizo varios guiños a las creaciones y convenciones de los hermanos Coen en esta quinta entrega inspirada en su película de 1996, y Munch inicialmente se sintió como un giro del villano de Javier Bardem de No es país para viejos, una figura que existe fuera del tiempo y de las reglas de la sociedad. Munch es una colección de contrastes: la violencia encarnada en su atuendo de dama de iglesia de suéter tipo cárdigan y falda midi de lana; un pilar de honor incluso cuando mata a los secuaces del sheriff Roy Tillman y luego ciega a su hijo, Gator; un hombre que se alimenta tanto de panqueques como de páginas arrancadas de la Biblia. Frecuenta el Medio Oeste Superior como Anton Chigurh lo hizo con el Suroeste, soltando filosofías siniestras como “Las cosas que suceden, suceden: quién vive, quién muere. No le gritas a la roca porque es una roca”, y la postura rígida y la voz ronca de Sam Spruell amplifican la completa alteridad del personaje. Aquí tenemos a alguien que ha vivido cientos de años de trauma y sabe que la humanidad realmente no vale una mierda… y Fargo le quita los colmillos con un bocado de galleta.

En el episodio final «Bisquik», después de mirar ojo por ojo a Gator, liberar a Dot del pozo donde estaba a punto de ser asesinada y esencialmente terminar su negocio con los Tillman, Munch desaparece entre el humo y la niebla que se cierne sobre él. el recinto de los separatistas. «Bisquik» luego avanza un año cuando Dot y Scotty regresan a casa y encuentran a Wayne entreteniendo a un «muchacho que acaba de llamar a la puerta». Munch es alguien que opera a través de transacciones y no puede seguir adelante, lo implica su afecto ligeramente ansioso, hasta que se completen, razón por la cual llama a Dot nuevamente. “Un hombre libera a un tigre para que pueda terminar su pelea. Esto no significa que el hombre haya terminado con ella”, le dice Munch a Dot en su típico estilo en tercera persona, pero sólo ellos dos entienden realmente los términos de vida o muerte de su discusión.

Wayne y Scotty no tienen ni idea; no saben que Roy contrató a Munch para secuestrar a Dot, que ella lo engañó durante su enfrentamiento en la gasolinera o que Munch mató a hombres para que Dot pudiera vivir. Cuando Dot y Munch tienen su propio tête-à-tête sobre las deudas, lo que se debe y lo que se debe pagar, en realidad están hablando al público: Dot contrarresta agradable pero firmemente las grandes entonaciones de Munch sobre cómo “se tomó la carne de un hombre; ahora se pide una libra a cambio” con el argumento de que “lo mejor, lo más humano” es que se condone la deuda. Sus posturas en la escena subrayan la contundencia de la voluntad de Dot. Ella está sentada en un sofá rodeada por la familia a la que ha protegido ingeniosamente una y otra vez, inclinándose hacia adelante para expresar con calma su rechazo a la solicitud de Ole Munch de reiniciar su duelo, mientras Munch está solo en un sillón enfrente, su cuerpo ligeramente inclinado lejos de ella. su expresión facial se congeló en una especie de mirada de reojo incrédula. No puede creer que ella lo esté alejando de su misión original y llevándolo a una posición de perdón y purgación, y tampoco puede creer que esté funcionando.

Ole Munch de Spruell ya se distingue por su vestuario: esa chaqueta roja forrada de piel que le quita a Irma (Clare Coulter), la mujer a la que medio obliga, medio persuade a tratarlo como a un hijo; ese “corte de pelo como el de los Tres Chiflados”, como dice Roy, pero hay una intensidad en él que sugiere que toda esta estética es una ocurrencia tardía. Aquí, enredado en tanta tranquilidad e intimidad familiar, Spruell trae incomodidad e incomodidad a Munch, y la escena extrae humor de la desconexión entre quién es él habitualmente y en quién lo están convirtiendo los Lyon. Parece sorprendido de que su propia mano acepte la cerveza ofrecida por el buen corazón de Wayne, luego se irrita con la ayuda de Scotty una vez que Dot lo recluta para mezclar masa de galletas; Nada de esto va como lo planeó.

Fargo utiliza el escepticismo de Munch sobre toda esta amabilidad poco irónica de Minnesota para promover uno de los argumentos finales de la temporada sobre el poder transformador de la bondad. En los últimos episodios de esta temporada, los personajes que parecen estancados en sus caminos cambian inesperadamente cuando otros les ofrecen un poco de generosidad, un poco de gracia y un pequeño empujón. Lorraine se ablanda con Dot cuando el ayudante Olmstead la desafía a ver a su nuera como alguien que ha soportado algo terrible y ha salido fortalecida. Dot deja de lado su animosidad hacia la primera esposa de Roy, Linda, después de una secuencia de fantasía en la que Linda, con la ayuda de algunos títeres, ayuda a Dot a procesar lo que vivió bajo el techo de Tillman. Gator abandona su lealtad a Roy cuando Dot promete visitarlo en prisión y se ofrece a llevarle un lote de galletas de avena y pasas, recordando que son sus favoritas. Excluyendo el calendario de esta temporada de 2019, esos giros son simplemente un crecimiento humanista; Sin embargo, dentro de ese contexto, estas interacciones adquieren un tono más moralista. En comparación con los elementos codificados por Trump de esta temporada, ¿qué está haciendo el separatista Roy, a quien vemos con simpatía observando al 45º presidente en la televisión, durante su enfrentamiento con el FBI, si no librando su propio mini 6 de enero? – esos momentos parecen Fargo diciéndonos que aprovechemos otra oportunidad con personas que pueden parecer demasiado perdidas. Y si bien eso es sentimentalismo bien intencionado, constituye un final torpe para Munch, quien representó mucho más en esta historia que la política personal.

Munch es una versión mejorada de todo lo que los demás personajes de la temporada creen que son. Su consumo de las deudas espirituales de los ricos lo coloca junto a la nobleza como Lorraine cree que es; sus cientos de años en la Tierra lo acercan en experiencia a cualquier dios que pueda existir de lo que Roy jamás estará. Mientras le cuenta a Scotty mientras come tazones de chile, ha soportado la guerra, el hambre, la soledad y el miedo; es un superviviente, como Dot, y un guerrero, a diferencia de Gator. Su misma existencia es sensacional y Fargo lo trata a ambos como una aberración (señales musicales inquietantes de el resplandor jugando mientras descansa en una habitación bañada por una intensa iluminación roja; su invasión ritual a la casa de Roy mientras estaba manchado de sangre y barro) y como alguien con un código tan puro que es casi sagrado (castigar a Gator por matar a Irma y huir de la escena; defender a Dot contra un número injusto de atacantes). No hay una zona gris para Munch: una persona que lo ayuda es un aliado, una persona que se cruza con él es un enemigo y todos los demás son solo carne.

Todo eso es tan sorprendentemente desviado que hace que Munch parezca casi extraño: alguien con un sentido tan inquebrantable de justicia moral y tal compromiso con la defensa de esa ideología que es discordante verlo caminando entre esta gente normal con sus vidas normales, crédito- deuda de tarjetas, y Kias. La temporada recurre a él más de una vez para impartir justicia kármica e insinuar misterios metafísicos que Lorraine, Roy y Dot, tan seguros de sus roles en su pequeño rincón del mundo, nunca comprenderán. Quizás se concibió a Munch como un tipo de Chigurh, pero la escritura del personaje y la actuación de Spruell lo convierten en más que un análogo. Munch se convierte en el nexo para el tema de la deuda de la temporada, la encarnación de cómo estar sujeto a obligaciones transmitidas por otros genera una carga espantosa de la que uno simplemente no puede salir. Para Fargo Pasar su acto final reduciendo a este personaje fascinantemente espectral a otra lección de «ser amable» se siente vacío, como si la serie regresara a un retrato inofensivo de hogareño y comodidad en el último momento.

Piensa en cómo Ole Munch se dedica a vengarse cuando Gator mata a Irma y la abandona. Padrino estilo, con naranjas rodando desde su bolsa de la compra y a través de la sangre que mana de su cabeza, y cómo Wayne neutraliza la crueldad de Munch entregándole una botella de refresco de naranja mientras están sentados en la sala de estar de los Lyon: esa efervescencia y esa efervescencia que burbujea lejos del hombre que conocíamos. En ese cuadro, la caja de Bisquick como arma de Chéjov es demasiado linda, la expresión de Munch cuando muerde la galleta que Dot dice que lo “curará” con su “amor y alegría” demasiado extasiada. La sugerencia de que ésta será la última vez que mostrará los dientes no es la recompensa espiritual. Fargo lo hace parecer.

Rose dice que está cansada de esperar, y creo que está cansada de esperar a que los adultos ineficaces la rescaten cuando hasta ahora no han logrado ningún progreso. En cambio, Rose se aleja de la tecnología digital fallida y se acerca a la naturaleza. Toma su bicicleta (mecánica) y se dirige hacia el ciervo. Mientras los adultos no pueden encontrarla, y mientras a su hermano se le caen los dientes (posiblemente por la enfermedad de Lyme, causada por la picadura de la garrapata, posiblemente por algún tipo de radiación sónica), Rose ha encontrado la casa con el búnker que preparó el fin del mundo. Danny (Kevin Bacon), ha sugerido que intenten encontrarlo.

Cuando Rose llega allí, come un montón de bocadillos, mira la increíble variedad de medios físicos y luego pone el DVD del último episodio de Amigosque ella ha estado anhelando.

Vale la pena señalar que en el libro Rose obtiene un montón de suministros de la casa y los lleva de regreso a la casa de George. Sin embargo, en la película tenemos la fuerte sensación de que Rose no tiene ningún deseo de volver con los demás a toda prisa.

¿Qué pasa después?

No está claro, pero es probable que los demás encuentren el búnker y se instalen allí, ya que está mucho mejor equipado y abastecido que la casa de George. Las escenas finales son una carta de amor absoluta a los medios físicos: la alegría de poseer y exhibir cosas, libros, revistas, DVD y juegos de mesa. La escena en la que Rose pasa el cursor sobre el botón de Netflix en el control remoto y luego presiona reproducir en el DVD fue una comedia deliberada en Netflix (según Sam Esmail en el podcast Script Apart). Es una película de Netflix que esencialmente dice que cuando la mierda baje, la transmisión no valdrá la pena.

Pero al final no pasa nada, ¡me esperaba el apocalipsis!

Anecdóticamente, parece que algunas personas están decepcionadas por un final que consideran anticlimático. No vemos explosiones masivas, el mundo no se acaba y nada específico le sucede a ninguno de los personajes principales (con la excepción de Archie y sus pobres dientes, pero eso aún podría haber sido solo un tic).

Decepcionante o no, hay una lógica interna. No sabemos si han caído ciudades enteras, o incluso países. No lo sabemos, porque ahora dependemos tanto de los medios digitales para obtener información que, una vez que la tecnología falla, quedamos completamente a oscuras. Nosotros, el público, no lo sabemos, porque las dos familias en cuestión no lo saben. Es una mirada aterradora pero discreta a cómo podría ser realmente y una advertencia sobre cómo volvernos tan dependientes de la tecnología que somos absolutamente inútiles sin ella.

Advertencia: Siguen spoilers de Quemadura de sal.

El tortuoso primer año de Barry Keoghan, con nombre dickensiano, vence a casi todos en Emerald Fennell. quemadura salada. Keoghan interpreta al estudiante de la Universidad de Oxford, Oliver Quick, como un escorpión luchador nacido de los suburbios, un tipo de Tom Ripley con una brújula moral más tambaleante, tácticas de seducción más extrañas y un mayor recuento de muertes. Se congracia con la aristocrática familia Catton, primero trabando amistad con su muy guapo y muy alto compañero de clase Felix (Jacob Elordi) y luego acercándose sigilosamente a la solitaria hermana de Felix, Venetia (Alison Oliver), su crítica madre Elsbeth (Rosamund Pike) y su dandy. padre Sir James (Richard E. Grant). Incluso el primo de Felix, Farleigh (Archie Madekwe), que mira con desprecio al becado Oliver, baja la guardia al acostarse con el chico. Oliver sabe cómo encantar a la clase alta, y lo hace con una mezcla de adulación y gratitud. ¿Pero gente de su mismo nivel social? No se dejan convencer tan fácilmente y quemadura saladaEl personaje más fascinante y menos utilizado es Duncan, el mayordomo que puede sentir el error de Oliver desde el principio.

El sirviente dedicado a los de adentro y desconfiado de los de afuera es una parte central del género de misterio, asesinato y mansión que ayuda a informar. quemadura salada, y Duncan de Paul Rhys es, desde su primer momento en pantalla, un representante escéptico de las tradiciones de la clase alta. Cuando Oliver llega a la finca de la familia Catton, es Duncan, poco impresionado, quien lo recibe en las puertas palaciegas y lo regaña por llegar temprano sin avisar al personal. Felix le dice a Oliver que ignore la rigidez del labio superior de Duncan, pero eso es difícil de hacer cuando Duncan mira de reojo a Oliver cada vez que están en la misma habitación: cuando Oliver ordena incorrectamente huevos en el desayuno y prepara un poco de una escena; cuando Oliver entra en la biblioteca de la casa y pasa demasiado tiempo mirando una recreación en miniatura del laberinto de setos de Saltburn, con tanta atención que no se da cuenta de que Duncan se materializa detrás de él. «Mucha gente se pierde en Saltburn», le dice Duncan a Oliver entonces, una línea que parece una advertencia, no para proteger a Oliver del egoísmo y la frivolidad de los Catton, sino para evitar que se sienta demasiado cómodo en este lugar que está muy por encima. su estación.

Por supuesto, extremadamente Cómodo en Saltburn es exactamente en lo que se convierte Oliver una vez que la película termina cuando él acaba con todos los Catton, comenzando con Felix en ese laberinto, y luego heredando la propiedad de Elsbeth más de 15 años después de su primera visita. Su último baile desnudo por la casa al ritmo de “Murder on the Dancefloor” de Sophie Ellis-Bextor está destinado a ser un momento de triunfo; Oliver nunca está más contento que cuando está de moda y dando vueltas por los antiguos pasillos de Saltburn. (Es cierto que él sorbiendo el agua del baño llena de semen de Félix está en segundo lugar). Pero también hay un vacío en el momento; Durante todo este tiempo, Fennell ha estado preparando consecuencias para Oliver a través de Duncan, solo para desaparecer abruptamente al mayordomo del acto final de la película.

Antes de eso, Duncan aparentemente ha estado tomando notas mentales fastidiosas sobre todos los errores de Oliver y sus límites cruzados, quizás acumulándolas como evidencia de su falta de idoneidad. Fennell se asegura de mostrar a Duncan acechando en los rincones a lo largo de la película, hasta el funeral de Felix, cuando sostiene un paraguas de gran tamaño para los afligidos familiares de Felix. El personaje está filmado de manera tan inquietante que, años más tarde, una vez que Oliver se ha apoderado de Saltburn, uno casi espera que el mayordomo interrumpa la escena de baile del joven con un acto de violencia defensiva en nombre de la propiedad a la que ha servido durante toda su vida adulta. – dos miembros de la clase baja peleando por quién será uno de los elegidos. O tal vez, durante el baile de Oliver, hubiéramos visto una breve toma de Duncan siendo obligado a servir al joven del que una vez se burló tan abiertamente. ¡Eso sería algo divertido de lucha de clases! Pero borrar por completo a Duncan del tablero es una oportunidad perdida para que Fennell explore más a fondo la enemistad que puede generarse y florecer entre los que tienen y los que no tienen. Que Duncan, de mirada dura y maravillosamente amenazante, se pierda (en sentido figurado) en Saltburn no es una circularidad temática; es Fennell sacrificando la última oportunidad de la película para generar un conflicto en aras de una escena final que es tan superficial como el agua de un baño.

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