El 30º Festival de Cine de Sarajevo rendirá homenaje al director palestino Elia Suleiman en reconocimiento a su “destacada contribución al arte del cine”. El cineasta recibirá el Premio Corazón de Honor de Sarajevo y será honrado con una retrospectiva de sus obras seleccionadas en el programa “Tributo a” del festival.

Suleiman fue invitado a Sarajevo en 2019, donde se proyectó su película “It Must Be Heaven” en el programa Open Air. La película recibió la mención especial del jurado en Cannes ese mismo año. También fue presidente del jurado en Sarajevo en 2016 y fue invitado al festival en 2013.

Jovan Marjanović, director del festival, dijo que «el lenguaje universal del cine de Suleiman habla de valores y emociones humanos fundamentales: miedo y esperanza, hogar y patria».

Añadió: “Con su ingenio, humor y profunda perspicacia característicos, navega por las complejidades de nuestra existencia, arrojando luz sobre los absurdos de la vida con una claridad y conmoción incomparables, retratando el espíritu y la identidad de Palestina con un estilo de autor único. Ahora, en los tiempos más oscuros en su tierra natal, su trabajo sirve como un faro de comprensión, recordándonos el poder de la narración para inspirar un diálogo significativo”.

Nacido en 1960 en Nazaret, Suleiman vivió en Nueva York de 1981 a 1993. Mientras estuvo en Estados Unidos, dirigió sus dos primeros cortometrajes, “Introducción al fin de un argumento” y “Homage by Assassination”, ganando numerosos premios.

En 1994 se instaló en Jerusalén, donde la Comisión Europea le había confiado la misión de crear un Departamento de Cine y Medios en la Universidad Birzeit.

Su primer largometraje, “Crónica de una desaparición”, ganó el premio a la mejor ópera prima en el Festival de Cine de Venecia de 1996. En 2002, “Divine Intervention” ganó el premio del jurado y el Premio Fipresci de la Crítica Internacional en Cannes, así como el premio a la mejor película extranjera en los Premios del Cine Europeo.

En 2007, fue elegido uno de los 35 directores de “Cada uno su propio cine”, una película colectiva con motivo del 60 aniversario de Cannes. Su largometraje “El tiempo que queda” estuvo en la competición oficial de Cannes en 2009.

En 2012, completó el cortometraje “Diario de un principiante”, parte de un largometraje colectivo titulado “7 días en La Habana”. La película estuvo en Un Cierta Mirada en Cannes. Su último largometraje, “It Must Be Heaven”, ganó la mención especial del jurado en Cannes en 2019 y el premio Fipresci.

Suleiman ha participado en numerosos festivales como miembro del jurado, incluidos Cannes y Venecia. Fue nombrado Officier de l’Ordre des Arts et des Lettres por el Ministerio de Cultura francés en 2020. Suleiman recibió el premio a los logros en el cine mundial de la Academia de Cine Europeo en 2022.

Suleiman se desempeña actualmente como asesor artístico del Doha Film Institute.

Justine Triet se convirtió en la segunda cineasta en los 49 años de historia del Premio César en ganar el trofeo a mejor directora por “Anatomía de una caída”, que también ganó mejor película, guión original, actriz para Sandra Huller, actor de reparto para Swann Arlaud y montaje. en la gran noche del cine francés. El drama sobrenatural de Thomas Cailley “The Animal Kingdom” también dominó la carrera, llevándose una gran cantidad de premios, incluyendo cinematografía, vestuario, efectos visuales y música. La ceremonia tuvo lugar el viernes por la tarde en el Teatro Olympia de París y se retransmitió en directo por Canal+.

La película de Triet, que compite por cinco premios Oscar, está protagonizada por Hüller como una novelista que es juzgada tras la misteriosa muerte de su marido en su remoto chalet. La película está producida por Marie-Ange Luciani en Les Films de Pierre y David Thion en Les Films Pelleas.

Triet dedicó su premio a la mejor película a todas las mujeres, “las que se sienten atrapadas en sus elecciones, en su soledad, las que existen demasiado y las que no existen lo suficiente, a las que fueron heridas y se liberan al hablar”. También rindió homenaje a las actrices que han brillado en todas sus películas, desde Lætitia Dosch hasta Adele Exarchopoulos, Virginie Efira y Sandra Hüller.

Hüller pronunció su discurso de aceptación en un francés fluido (que, según dijo, aprendió para “Anatomía de una caída”). «¡No es posible! ¡Soy una actriz alemana! Ella exclamo. Hüller dijo que “el lenguaje, el origen nunca fue un obstáculo en el set (de ‘Anatomía de una caída’) sino más bien una posibilidad”. Siempre debería ser así”, afirmó.

“The Animal Kingdom”, otra película que se estrenó mundialmente en Cannes, es una distopía llena de criaturas y un drama de padre e hijo, interpretados por Romain Duris y Paul Kircher, ambos nominados a los premios César. Producida por Pierre Guyard para Nord Ouest Films, “El reino animal” es una película ambiciosa que entrelaza algunas preocupaciones contemporáneas sobre el futuro de la humanidad.

Los primeros premios de la noche fueron para Adele Exarchopoulos (“El azul es el color más cálido”) por su papel en “All Your Faces”, mientras que Valérie Donzelli y Audrey Diwan ganaron el premio al mejor guión adaptado con “Just The Two Of Us”. Mientras tanto, “Junkyard Dog” ganó el premio a la mejor revelación masculina para Raphaël Quenard y primera película, superando a fuertes contendientes como “Bernadette”, protagonizada por Catherine Deneuve como la ex primera dama y esposa de Jacques Chirac.

Uno de los momentos más destacados de la velada fue el homenaje honorario al director de “Oppenheimer”, Christopher Nolan, quien fue presentado en el escenario por Marion Cotillard, quien protagonizó “Inception” y “Dark Knight Rises”. En su discurso de aceptación, Nolan rindió homenaje al amor de Francia por el cine y los autores. Dijo que cuando hizo su segunda película, “Memento”, “nadie en el mundo quería mostrarla, y luego Philippe Hellmann de UGC decidió mostrarla en el Teatro Grand Rex de París. Dijo que el éxito que tuvo la película allí “le cambió la vida”. Incluso desde entonces, Nolan dijo que siente “un gran aprecio por el público francés, los distribuidores franceses y este amor por el cine que siempre me ha afectado”. De hecho, Nolan ha celebrado los estrenos mundiales de muchas de sus películas en el Grand Rex Theatre, incluida “Oppenheimer”. Mientras estaba en el escenario, recordó su experiencia al mostrar “Interstellar” en el Grand Rex, donde se había instalado especialmente un proyector de 16 mm. “Cuando cuento esta historia en Hollywood (…), nadie me cree”, afirmó. Mientras que Nolan fue celebrado en los Premios César, “Oppenheimer” perdió ante “The Nature of Love” de Monia Chokri, que ganó el premio a la mejor película extranjera.

La otra homenajeada del César de la noche fue Agnes Jaoui, una querida actriz, guionista y cineasta francesa que formó dúo con el fallecido Jean-Pierre Bacri durante más de tres décadas. Sus películas más conocidas incluyen “El gusto de los otros”, que ganó dos premios César y fue nominada al Oscar a la mejor película extranjera en 2001, así como la película de la competencia de Cannes “Mírame” en 2004.

Los Premios César, que se convirtieron en el centro del escenario del movimiento #MeToo de Francia en 2020, después de que la actriz Adele Haenel abandonara la ceremonia al escuchar a Roman Polanski ganar el premio al mejor director, abrieron el escenario a Judith Godreche, quien recientemente acusó a Benoit Jacquot y Jacques Doillon de agresión sexual. Tanto Jacquot como Doillon han negado las acusaciones. Doillon también anunció a través de su abogado que iba a demandar a Godrèche por difamación.

Recibida en el escenario con una gran ovación, Godreche dijo que se sentía “como un renacido de Estados Unidos que llama a una puerta blindada”. El actor ha vivido en Estados Unidos durante muchos años y recientemente regresó con una miniserie semiautobiográfica “Icono del cine francés”, que se estrenó mundialmente en el Festival de Deauville.

“Desde un rato las voces se van liberando (…) el poder casi parece cambiar. ¿Podría ser posible para nosotros mirar la verdad desde el frente, asumir nuestras responsabilidades, ser actores y actrices de un mundo que se cuestiona a sí mismo?

“Desde hace un tiempo hablo y hablo, pero no te escucho. O simplemente. (…) Sé que da miedo perder subsidios, perder roles, perder empleos. Yo también tengo miedo”.

A continuación se muestra la lista de nominaciones y ganadores de los Premios César (en negrita):

La mejor película
«Anatomía de una caída», Justine Triet
“Perro de chatarrería”, Jean-Baptiste Durand
«Todas tus caras», Jeanne Herry
“El caso Goldman”, Cédric Kahn
“El reino animal”, Thomas Cailley

Mejor director
Justine Triet, “Anatomía de una caída”
Catherine Breillat, “El último verano”
Jeanne Herry, «Todas tus caras»
Cédric Kahn, “El caso Goldman”
Thomas Cailley, “El reino animal”

Mejor actriz
Marion Cotillard, “La niña azul”
Léa Drucker, “El último verano”
Virginie Efira, “Solo nosotros dos”
Hafsia Herzi, “El rapto”
Sandra Hüller, “Anatomía de una caída”

Mejor actor
Romain Duris, “El reino animal”
Benjamin Lavernhe, “L’Abbé Pierre – Un siglo de devoción”
Melvil Poupaud, “Solo nosotros dos”
Raphaël Quenard, “Yannik”
Arieh Worthalter, “El caso Goldman”

Mejor actor de reparto
Leila Bekhti, «Todas tus caras»
Galatea Bellugi, “Perro de chatarrería”
Élodie Bouchez, “Todas tus caras”
Adèle Exarchopoulos, “Todas tus caras”
Miou Miou, «Todas tus caras»

Mejor actor de reparto
Swann Arlaud, “Anatomía de una caída”
Anthony Bajon, perro del depósito de chatarra
Arthur Harari, “El caso Goldman”
Pío Marmaï, “Yannick”
Antoine Reinartz, “Anatomía de una caída”

Revelación femenina
Celeste Brunnquell, “Sin amor perdido”
Kim Higelin, “Consentimiento”
Suzanne Jouannet, “El camino real”
Rebecca Marder, “Grandes expectativas”
Ella Rumpf, “Teorema de Margarita”

Revelación masculina
Julien Frison, “Teorema de Margarita”
Paul Kircher, “El reino animal”
Samuel Kircher, “El verano pasado”
Milo Machado Graner, “Anatomía de una caída”
Raphaël Quenard, “El perro del depósito de chatarra”

Mejor guión original
Justine Triet, Arthur Harari, “Anatomía de una caída”
Jean-Baptiste Durand, “El perro del depósito de chatarra”
Jeanne Herry, «Todas tus caras»
Nathalie Hertzberg, Cédric Khan, “El caso Goldman”
Thomas Cailley, Pauline Munier, “El reino animal”

Mejor guión adaptado
Valérie Donzelli, Audrey Diwan, “Solo nosotros dos”
Vanessa Filho, “Consentimiento”
Catherine Breillat, “El último verano”

Mejor película animada
“No se permiten perros ni italianos”, Alain Unghetto
“¡Pollo para Linda!” Chiara Malta, Sébastien Laudenbach
“Marte Express”, Jérémie Périn

Mejor Documental
“Bar Atlántico”, Fanny Molins
“Cuatro hijas”, Kaouther Ben Hania
“Niña azul”, Mona Achache
“Nuestro cuerpo”, Claire Simon
“Sobre el inflexible”, Nicolas Philibert

Mejor ópera prima
“Bernadette”, Léa Domenach
“Perro de chatarrería”, Jean-Baptiste Durand
“El rapto”, Iris Kaltenbäck
“Alimañas”, Sébastien Vanicek
“Vincent debe morir”, Stéphan Castang

Mejor Película Extranjera
“Secuestrado”, Marco Bellocchio
“Hojas caídas”, Aki Kaurismäki
“Oppenheimer”, Christopher Nolan
“Días perfectos”, Wim Wenders
“La naturaleza del amor”, Monia Chokri

Mejor sonido
Julien Sicart, Fanny Martin, Jeanne Delplancq, Olivier Goinard, “Anatomía de una caída”
Rémi Daru, Guadalupe Cassius, Loïc Prian, Marc Doisne, “Todas tus caras”
Erwann Kerzanet, Sylvain Malbrant, Olivier Guillaume, “El caso Goldman”
Fabrice Osinski, Raphaël Sohier, Matthieu Fichet, Niels Barletta, “El reino animal”
David Rit, Gwennolé Le Borgne, Olivier Touche, Cyril Holtz, Niels Barletta, “Los tres mosqueteros (Partes 1 y 2)”

Cinematografía
Simon Beaufils, “Anatomía de una caída”
Jonathan Ricquebourg, “El sabor de las cosas”
Patrick Ghiringhelli, “El caso Goldman”
David Cailley, “El reino animal”
Nicolas Bolduc, “Los tres mosqueteros (Partes 1 y 2)”

Mejor edición
Laurent Sénéchal, Anatomía del otoño
Francis Vesin, toda tu cara
Valérie Loiseleux, Niña Azul
Yann Debet, El caso Goldman
Lilian Corbeille, El reino animal

Mejores disfraces
Jürgen Döring, Jeanne du Barry
Pascaline Chavanne, El crimen es mío
Tran Nu Yên Khé, El sabor de las cosas
Ariane Daurat, El reino animal
Thierry Delettre, Los tres mosqueteros (Partes 1 y 2)

Mejor diseño de producción
Emmanuelle Duplay, Anatomía de una caída
Angelo Zamparutti, Jeanne du Barry
Toma Baquéni, El sabor de las cosas
Julia Lemaire, El reino animal
Stéphane Taillasson, Los tres mosqueteros (Partes 1 y 2)

Mejores efectos visuales
Thomas Duval, Ácido
Lise Fischer, Cédric Fayolle, La montaña
Cyrille Bonjean, Bruno Sommier, Jean-Louis Autret, El reino animal
Oliver Cauwet, Los tres mosqueteros (Partes 1 y 2)
Léo Ewald, Alimañas

Martin Scorsese recibió el martes por la tarde el Oso de Oro honorífico del Festival de Cine de Berlín a su trayectoria, y su viejo amigo, el director alemán Wim Wenders, le rindió un cálido homenaje personal.

En su discurso de homenaje, Wenders describió a su viejo amigo como “el rey reinante del cine” y dijo que tras medio siglo de dirección, Scorsese se había convertido en una marca registrada, casi una marca.

“Podías ir tranquilamente a una sala de cine, sentarte y saber que con esta próxima película de Martin Scorsese, esa era tu fórmula de crédito, Marty, ibas a ver una película magistral que definiría marcadamente su época, ni más ni menos. » él dijo.

Recordó cómo él y Scorsese se conocieron por primera vez mientras asistían al Festival de Cine de Telluride en 1978.

Wenders rescató a Scorsese y a su entonces novia Isabella Rossellini después de que los encontró con una llanta pinchada mientras ambos viajaban de regreso a Los Ángeles a través de una ruta panorámica a través de Monument Valley, sugerida por el fallecido fundador de Telluride, Tom Luddy.

Wenders mostró una serie de fotografías en blanco y negro que capturaban la escena en la que Scorsese quitaba el neumático de su coche de alquiler, sólo para descubrir que no había repuesto.

Wenders terminó llevando a ambos grupos a Goulding’s Lodge, donde John Ford se quedaría mientras filmaba películas del oeste, donde Luddy se unió a ellos para pasar la noche.

Las lágrimas brotaron de los ojos de Scorsese cuando Wenders dijo: “Querido Marty, estoy asombrado de que ambos estemos aquí en esta sala ahora, 46 años después”.

“No sé qué puedo decir sobre 50, 60, ¿dijiste 70 años de cine?”, dijo Scorsese cuando subió al escenario. «¿Qué pasó?»

En cambio, el director se centró en el papel que habían desempeñado los festivales de cine a la hora de nutrir su carrera y brindarle una comunidad de cineastas.

Refiriéndose al lugar que ocupa la Berlinale en su trayectoria, recordó que Brian de Palma ganó el Oso de Plata por Saludos en 1969.

«Fue un punto de inflexión muy importante, para Brian, por supuesto, y por extensión para todos los que trabajábamos en películas independientes de bajo presupuesto en Estados Unidos en ese momento, y particularmente no en Hollywood», dijo.

“Ayudó a abrir el camino para cineastas como Jim McBride, Phil Kaufman y yo y ciertamente para Brian y otros. Nos dio estatura, en el sentido de que los estudios empezaron a tomarnos en serio”.

Scorsese enfatizó la importancia de la comunidad de cineastas de la que había formado parte a lo largo de su carrera, diciendo que la naturaleza obsesiva del cine significaba que podía ser una actividad solitaria.

“Tienes que estar solo, esa es la parte solitaria. Pero es muy importante recordar que, aunque sea solitario, eres parte de una comunidad, esa comunidad de personas impulsadas por un amor obsesivo por este arte llamado cine y el trabajo que hacemos individualmente es parte de un gran proceso continuo, en última instancia. conversación interminable. interminable, interminable y atemporal”.

Otros amigos y colaboradores en la ceremonia incluyeron a la editora Thelma Schoonmaker y Sharon Stone, nominada al Oscar por su actuación en la película del director de 1995. Casinojunto a Robert De Niro.

Scorsese también rindió homenaje a su fallecido director de fotografía alemán Michael Ballhaus, quien obtuvo créditos en una serie de sus películas, entre ellas Fuera de horas, La última tentación de Cristo, Buenos amigos (por la que fue nominado al Oscar, Bandas de Nueva York – describiéndolo como un querido colaborador y querido amigo al que extrañaba todos los días.

“Michael y yo nos conocimos a principios de los años 80, cuando yo estaba en un punto bajo a la hora de hacer fotografías, era casi imposible. Hicimos esta película Fuera de horas. Al parecer, finalmente se mostrará aquí como una restauración”, dijo.

«Trabajar con Michael en esa película me dio nuevas energías y me creó de nuevo como cineasta, porque todo era posible con él».

Scorsese ha sido un invitado habitual de la Berlinale a lo largo de su carrera, comenzando con la película ganadora del Oscar. Toro furiosoque jugó Fuera de Competición en 1981, seguido de El cabo del miedoque se proyectó en Competición en 1992; Bandas de Nueva Yorkque se presentó fuera de competición en 2003 y regresó para una proyección retrospectiva en 2010.

Su película del concierto de los Rolling Stones Brillar una luz inauguró la Berlinale en 2008 mientras Isla de persianajugado Fuera de Competición en 2010.

El productor Pierre-Olivier Bardet se ha convertido en un héroe para los cineastas que mueven el barco: revolucionarios del cine y el documental que trabajan de maneras que, según él, son “completamente únicas”, como él dice: Albert Serra, Frederick Wiseman, Wang Bing y Alexandr Sokurov.

Y es difícil imaginar a alguien más que hubiera aceptado producir una versión en inglés de “La flauta mágica” de Mozart, dirigida por Kenneth Branagh (después de que Francis Ford Coppola y varias luminarias rechazaran el proyecto), ambientada en la Primera Guerra Mundial.

Pero para Bardet, lo que lo motiva es la fascinación de trabajar con aquellos que rechazan las convenciones habituales del cine, lo cual es una razón clave por la que fue honrado en el Festival Internacional de Cine Documental de Ji.hlava de este año por su contribución al cine por parte de la asociación de productores checos. .

La nueva película de Bardet con Serra, centrada en los rituales del toreo en España, probablemente traspasará los límites aún más, afirma. “Hice dos películas con él, ‘Liberté’ y ‘Pacifiction’ y actualmente estamos trabajando en una tercera juntos, que sería su sexta película, que se llama ‘Tardes de Soledad’”.

“Es una especie de documental, al estilo Serra”, dice con una sonrisa irónica. “Está inventando una determinada manera de hacer cine. Para mí es una especie de excepción en el mundo del cine: su forma de trabajar es extremadamente interesante, nada que haya visto antes en mi carrera”.

Bardet quedó fascinado con las películas de Serra, especialmente «La muerte de Luis XIV», dice, y estaba ansioso por trabajar con él, pero no tenía idea del método único de Serra hasta que tuvo la oportunidad de observarlo de primera mano, dice. “El primer punto y el más importante es que no hay guión. No hay diálogo”.

Tampoco hay ensayos, dice Bardet; cada toma es diferente.

Sus películas son “exactamente lo contrario de lo que la gente suele hacer, que es trasladar un elemento escrito a una película, con un guión, donde el diálogo está escrito; sólo hay que rehacerlo, en cierto modo. Él no trabaja de esta manera en absoluto”.

Serra organiza “determinadas situaciones” y luego filma con tres cámaras, “lo que obviamente es un problema para los actores porque no saben cómo actuar con una cámara. Actúan juntos, como en una obra de teatro”.

El resultado es notable, afirma Bardet. “La cámara puede ver elementos que no puedes ver con tus propios ojos. Puedes capturar algo que descubrirás sólo después de que termine el rodaje, cuando vayas y te sumerjas entre los juncos”.

Normalmente, con 20 horas de rodaje diario y rodajes cortos e intensivos de aproximadamente 24 días, la montaña de material (fueron 550 horas de rodaje para “Pacifiction”) lleva a Serra a otra técnica distintiva: después de revisarlo todo, tomando notas (en este caso 240 páginas) distribuye las instrucciones a tres editores.

Dirige tres puestos de edición simultáneamente: uno para él, otro para su director de fotografía y otro para su editor, cada uno asignado a diferentes partes de la película, pero solo pueden usar las tomas que Serra anotó.

“Ha tomado muchas decisiones debido a la luz, el aspecto visual de la toma, el diálogo… es como alguien que busca oro. Y con estos elementos tendrán que reconstruir la película. Entonces el rodaje es corto; la edición es larga”.

La aceptación por parte de Serra de las posibilidades de la fotografía digital fascina a Bardet, afirma.

“Creo que es el único director que conozco que utiliza la filmación digital de una manera que no se puede hacer con la película analógica. Le hubiera sido imposible haber hecho estas películas antes de que existiera el rodaje digital”.

El proceso da como resultado descubrimientos que pocos harían, dice Bardet. “Lo que está buscando es algo… hay una palabra bonita para eso en español y en francés: fatal. Algo que no se esperaba y que no se puede reproducir: la nota azul, en cierto modo”.

Bardet sentía una fascinación similar por los documentales de observación de larga duración de Frederick Wiseman, dice, lo que lo llevó a colaborar en la “Galería Nacional” nominada al César en 2014.

Wiseman, que documenta intensamente organizaciones e instituciones, nunca sabe lo que va a obtener, por lo que normalmente envía sólo una propuesta de media página a las organizaciones financiadoras, dice Bardet. Esto nunca habría funcionado con los programas de desarrollo cinematográfico francés, dice, por lo que Bardet desarrolló la propuesta de “Galería Nacional” hasta que tuvo una cantidad adecuada de páginas para ofrecer, con éxito.

La comprensión de Bardet de los recursos europeos y su capacidad para conectar con ellos a cineastas únicos lo ha convertido en un defensor de muchos que siguen su propio camino y luchan por encontrar apoyo.

Otro cineasta por el que Bardet siente pasión, Sokurov, tiene un nuevo proyecto en desarrollo, dice, pero poco puede decir al respecto por ahora excepto que trata el tema de “Oriente y Occidente”. El inconformista director ruso, que vive en San Petersburgo, probablemente filmará en Riga, Letonia, dice Bardet.

Edgar Rice Burroughs Inc. se ha asociado con el Festival Internacional de Cine Tarzana de Los Ángeles (del 29 de septiembre al 1 de octubre) para honrar al autor más conocido por crear los personajes de Tarzán y John Carter Of Mars.

Los festejos de la noche inaugural incluirán la proyección del documental de 2017 Tarzán: el hombre detrás de la leyendaseguido de una sesión de preguntas y respuestas con el director y el elenco.

El festival, que se lleva a cabo en los Regal Cinemas en Sherman Oaks Galleria, otorgará el premio inaugural Edgar Rice Burroughs Legacy Award en la gala de clausura. El premio se entregará a un “escritor icónico de la industria conocido por su trabajo en los géneros de ciencia ficción, fantasía y aventuras”.

Este año, el evento también celebrará el centenario de Warner Bros con la proyección del largometraje de 2007. Los hermanos Warner dirigida por Cass Warner Sperling, nieta del antiguo director del estudio Jack Warner. El documental narra la creación y el ascenso del primer gran estudio de Hollywood.

En 1919, el prolífico autor Burroughs se mudó de Chicago a un rancho de 550 acres en el Valle de San Fernando para estar cerca de Hollywood tras el éxito de Tarzán de los simios protagonizada por Elmo Lincoln, la primera película de la historia en recaudar más de 1 millón de dólares en taquilla. El pueblo donde se instaló pasó a llamarse posteriormente Tarzana en honor a su personaje más querido.

Ha habido 53 películas de Tarzán y siete series de televisión, y Edgar Rice Burroughs Studios nos dice que está trabajando para llevar más personajes a la pantalla. Burroughs se constituyó hace 100 años.

Bob Bakish será honrado con el gong de Personalidad del Año en Mipcom Cannes de este año.

El CEO de Paramount Global dará un discurso de apertura el martes de la confabulación de Cannes de este año. Bakish supervisa las marcas lineales y de transmisión de Paramount y lo ha estado haciendo desde 2019. Antes de la fusión de Viacom-CBS, fue presidente y director ejecutivo de Viacom, habiendo ascendido en las filas de la compañía de medios.

La directora de Mipcom Cannes, Lucy Smith, dijo que él “personifica un liderazgo ejemplar durante estos tiempos de transformación”.

Agregó: “Quizás lo más ‘principal’ para todos los que asisten a Mipcom es la estrategia de crecimiento líder en el mercado de Bob que considera que la transmisión y las licencias internacionales de terceros no solo coexisten sino que florecen como modelos comerciales bajo una compañía de medios global. Está equipando a Paramount para su próxima era, y nuestro honor como Personalidad del año 2023 no podría ser más oportuno ni más relevante”.

Bakish dijo que está «profundamente honrado» de haber recibido el gong, que anteriormente se había entregado a personas como Shonda Rhimes, David Zaslav y Simon Cowell.

El Mipcom de este año tendrá lugar a mediados de octubre y llega después de un año complicado para la industria de la televisión estadounidense. Paramount y muchos otros estudios tradicionales han instituido despidos y el sector actualmente se ve afectado por dos huelgas.

Wes Anderson será homenajeado en el 80º Festival de Cine de Venecia, que se realizará del 30 de agosto al 1 de septiembre. 9. El director estadounidense recibirá el Cartier Glory to the Filmmaker Award, que se otorga a “una personalidad que haya hecho una contribución particularmente original a la industria cinematográfica contemporánea”.

La ceremonia de entrega de premios tendrá lugar el 1 de septiembre en el Palazzo del Cinema, antes de la proyección de su última película, “La maravillosa historia de Henry Sugar”, protagonizada por Ralph Fiennes, Benedict Cumberbatch, Dev Patel, Ben Kingsley y Richard Ayoade. La película de 40 minutos se estrena en la sección Fuera de Competición del festival.

En la película de Netflix, adaptada de la historia de Roald Dahl, un hombre rico se entera de un gurú que puede ver sin usar los ojos. Se propone dominar la habilidad para hacer trampa en el juego.

Las películas de Anderson incluyen «The Royal Tenenbaums», «Grand Budapest Hotel», «The French Dispatch» y «Asteroid City», así como «Rushmore», «The Life Aquatic With Steve Zissou», «The Darjeeling Limited», «Fantastic Mr. Fox”, “Moonrise Kingdom” e “Isle of Dogs”.

Alberto Barbera, director del Festival de Cine de Venecia, dijo: “Wes Anderson es uno de los pocos directores cuyo estilo único e inconfundible se puede reconocer con solo un cuadro. Su universo formal remite a una estética infantil y visionaria, dominada por los colores pastel y el cuidado obsesivo en la elaboración de secuencias estrictamente simétricas pobladas por soñadores inadaptados incurablemente románticos y alegres.”

Agregó: “Desde las memorables y conmovedoras bandas sonoras (a menudo inspiradas en la década de 1960) hasta los disfraces extravagantes que reflejan la psique de los personajes, cada detalle y la composición de cada toma se concibe minuciosamente y se lleva a cabo con maestría.

“Los mundos que crea el director son plausibles y, sin embargo, completamente imaginarios y ficticios, apuntalados por un humor surrealista y un desconcertante gusto por las vicisitudes de familias inadaptadas, padres ausentes y madres imperturbables. Cine excéntrico y muy idiomático que siempre es perfectamente entretenido y disfrutable”.

Cyrille Vigneron, presidente y director ejecutivo de Cartier International, dijo: “Wes Anderson ha creado un estilo único y reconocible. Ya sea que sus historias nos lleven a la India, Nueva Inglaterra, la Hungría imaginaria, París o cualquier otro lugar, nos lleva a su propio mundo imaginario, poético y verdaderamente humano. Todo es ficticio, bizarro, hilarante, pero sus personajes y héroes nos tocan el corazón. La escenografía, el vestuario y los escenarios tienen una precisión increíble en la que nos sumergimos total e incondicionalmente.

“La comunidad profesional de Wes Anderson incluye algunas de las actrices y actores más famosos y exitosos del mundo que se transforman en sus creaciones para convertirse en personajes, héroes y villanos increíbles. Sus películas son piezas de arte formal en su construcción. A través de esta creatividad sin fin, comparte continuamente con nosotros una visión verdaderamente humanista del mundo.

“Cuanto más el mundo se vuelve peligroso, loco, incierto, más su mundo parece un lugar seguro para estar y esperar. Estamos muy felices y honrados de celebrarlo con el Cartier Glory to the Filmmaker Award”.

“La maravillosa historia de Henry Sugar” es una producción de Indian Paintbrush Productions y American Empirical Pictures. Netflix posee los derechos de distribución internacional.

OTORGAR

Festival de Cine de Zúrich honrará al director ejecutivo de la compañía alemana de cine y televisión estudios leoninos, fred kogelcon su Game Changer Award, que se entrega a una personalidad destacada de la industria cinematográfica cuyos «esfuerzos extraordinarios sirven para hacer avanzar el sector».

Kogel fundó Leonine hace cuatro años y ha crecido rápidamente hasta convertirse en la principal productora de cine independiente de Alemania, así como en una importante productora de televisión. Sus éxitos como distribuidora de películas han incluido el lanzamiento de «The School of Magical Animals», «Knives Out» y la franquicia «John Wick». Este otoño, Leonine lanzará producciones propias como «Weekend Rebels» y «Girl You Know It’s True».

“Fred Kogel ha construido Leonine desde cero, una nueva compañía de entretenimiento para la era digital que reúne a los artistas más emocionantes y productores exitosos, permitiéndoles enfocarse en sus fortalezas centrales mientras el estudio se encarga de servicios como recursos humanos, marketing y ventas”, dijo el director artístico de Zurich, Christian Jungen. “Ha dado un nuevo impulso con este equipo profesional a la industria alemana del cine y la televisión, y coprodujo éxitos cinematográficos como ‘La escuela de animales mágicos’. Kogel es un emprendedor inspirador y visionario que se asegura de que las producciones alemanas obtengan el reconocimiento internacional que merecen”.

Kogel aceptará el premio durante la conferencia de la industria Zurich Summit el 1 de octubre.

TRANSMISIÓN

Anterior netflix ejecutivo erik barmack‘s Contenido de ovejas salvajes, Fotos de pasion y Registros de ejecución se han unido en cuatro partes primer vídeo serie documental “AP Dhillon: First of a Kind”. Con acceso exclusivo, la serie profundiza en la vida de Amritpal Singh Dhillon y cuenta la historia del popular músico conocido mundialmente como AP Dhillonrastreando su viaje desde Gurdaspur, en el Punjab, India, hasta las montañas de la Columbia Británica, Canadá.

Aparna Purohitjefe de originales de India, Prime Video, dijo: «‘AP Dhillon: First of a Kind’ es la primera serie documental que se sumerge en el mundo dinámico del hip-hop punjabi y explora los orígenes de una de las caras más prominentes de el espíritu musical que estamos presenciando actualmente”.

amy fomentarproductor ejecutivo de Passion Pictures, agregó que la serie «se sumerge en la creación de la música, el desafío de organizar una gira y el corazón del hombre mismo», mientras que Barmack dijo que la «historia y la trayectoria de AP Dhillon’s el éxito es poco menos que notable”.

La serie se transmite desde el 18 de agosto.

FUNDICIÓN

veterano indio mithún chakraborty interpretará el papel principal en la película en bengalí “Kabuliwala”, basada en un cuento de 1892 del ganador del premio Nobel de literatura Rabindranath Tagore que ha sido adaptado varias veces para la pantalla a lo largo de los años. El habitual festival de cine de Busan, Suman Ghosh («Aadhaar»), quien anteriormente dirigió a Chakraborty en «Nobel Thief».

“Kabuliwala” cuenta la historia de Rahmat, un vendedor de frutas de Kabul, Afganistán, que visita cada año Calcuta (actual Kolkata), India, para vender frutas secas. En la India, desarrolla un afecto paternal por una niña de cinco años, Mini, de una familia aristocrática de clase media, que le recuerda a su amada hija en Afganistán.

La película ambientada en 1965, de Mukesh Ambani Estudios Jio y Entretenimiento SVF, ahora se encuentra en la fotografía principal y es producido por Jyoti Deshpande, Shrikant Mohta y Mahendra Soni. Se lanzará durante la Navidad de 2023.