La agencia de ventas Utopia Docs ha compartido el tráiler internacional en exclusiva con Variedad por “Canuto’s Transformation”, ganadora del premio a la mejor película y contribución artística destacada en la sección Envision del Festival Internacional de Cine Documental de Ámsterdam.

Después del IDFA, la película fue seleccionada en el ​Festival de Documentales de Taiwán​, Cinelatino Toulouse, Festival de Cine Jean Rouch y Tempo Doc Fest. Descoloniza Filmes distribuirá la película en Brasil.

La película, dirigida por Ariel Kuaray Ortega y Ernesto de Carvalho, está basada en la extraña historia de Canuto, un hombre que misteriosamente se transformó en un jaguar y luego murió de forma trágica. Mezcla documental y una recreación de la historia de Canuto con todos los papeles interpretados por aldeanos de una comunidad Mbyá-Guaraní ubicada en la frontera entre Brasil y Argentina.

Esta película es la culminación de más de una década de colaboración entre Ortega y de Carvalho, que comenzó como una relación maestro-alumno, durante talleres de video en comunidades mbyá-guaraní del sur de Brasil, y se convirtió en una amistad y abarcó varios proyectos cinematográficos.

En un comunicado, los directores dijeron: “Al principio hicimos documentales, en un estilo de cine más directo, basado en la vida cotidiana, en la memoria, en el territorio, intentamos abrir un espacio a la polifonía del mundo guaraní, traducida al cine. La historia de Canuto nos ha seguido como algo que queríamos abordar desde las primeras etapas de nuestra asociación. Pero poco a poco, experimentando con la forma, encontramos nuestra propia manera de contar esta historia”.

Agregaron que elaboraron esta película con la intención de llevar al espectador a un viaje que cruce fronteras entre Brasil y Argentina, ficción y documental, humanos y animales, personas reales y personajes de ficción.

“Nuestro personaje principal, desde su infancia, mostró los signos de la temida enfermedad que es la transformación en jaguar, un animal peligroso. La historia trata sobre los riesgos de salir de la humanidad, de los lazos que unen a una comunidad y conectan a las personas.

“Encontramos, en el propio acto de hacer cine, elementos clave que nos ayudan a comprender lo que significa esa transformación. Y con eso nos acercamos al drama de contar esa historia, con la fuerte complicidad de toda la comunidad mbyá-guaraní que vivió los hechos narrados, hace décadas.

“En el camino encontramos cosas inesperadas: un niño actor que es la encarnación más cercana del personaje que podríamos esperar, una estructura de madera fantasmagórica en el centro de la comunidad que nos hace pensar en el mundo exterior y la historia colonial de violencia que atraviesa la comunidad y eventos que remodelan las vidas de todos los involucrados”.

“Much Ado About Dying”, el documental de Simon Chamber sobre el cuidado de personas mayores que ganó el premio a la mejor dirección en IDFA en 2022, ha sido adquirido por First Run Features para EE. UU. y Canadá.

La película, producida por Soilsiú Films y Tiffin Films, se estrenará en Estados Unidos en el Festival Internacional de Cine de Santa Bárbara antes de su estreno en cines nacional que se estrenará en el Film Forum de Nueva York el 15 de marzo.

El tercer largometraje documental de Chambers, “Much Ado About Dying”, trata el tema del cuidado de ancianos y parientes moribundos. Los productores describen la película como “conmovedora y conmovedora, pero también graciosamente divertida”, siguiendo a Chambers mientras se acerca mucho a su tío moribundo, un actor gay retirado que todavía quiere interpretar “El Rey Lear” antes de que sea demasiado tarde. Las películas anteriores del director, “Every Good Marriage Begins With Tears” y “Cowboys in India”, recorrieron extensamente el circuito de festivales antes de ser transmitidas en el Reino Unido por BBC Storyville y Channel 4, respectivamente.

«Estamos encantados de trabajar con Marc Mauceri y su equipo en First Run Features», dijo David Rane de Soilsiú Films, quien distribuyó el título anterior de Soilsiú, «Young Plato», dirigido por Neasa Ní Chianáin y Declan McGrath.

“Hoy en día es un desafío llevar un documental de autor a los cines estadounidenses, incluso uno tan encantador y divertido como ‘Much Ado About Dying’, y apreciamos la motivación y el compromiso de los equipos de First Run Features y Film Forum al estrenar la película de Simon. película bellamente dirigida. Esta película merece ser vista en la pantalla grande y no hay mejor equipo para llevarla allí”.

First Run, con sede en Nueva York y conocida por sus 45 años de historia en el mundo de la distribución independiente, ha lanzado anteriormente cuatro ediciones de la serie “Up” de Michael Apted (“28 Up”, “42 Up”, “49 Up” y “56 Up”), así como “Quiet Epidemic”, “Before Stonewall”, “Scrap” y “The Life and Times of Allen Ginsberg”.

“’Much Ado About Dying’ es un documental cinematográfico conmovedor y divertido sobre envejecer sin pedir disculpas y sobre los miembros de la familia, a menudo invisibles, que nos cuidan en nuestros años crepusculares”, dijo Mauceri de First Run. “Nos sentimos honrados de que el director Simon Chambers nos haya confiado la tarea de compartir la historia de su tío con el público aquí en Estados Unidos. Soilsiú Films se está volviendo más prolífico cada año en la producción de documentales para cine de talla mundial y estamos encantados de trabajar con ellos después del éxito que tuvieron en Estados Unidos con ‘El joven Platón’”.

Vea el avance de “Mucho ruido y pocas nueces sobre morir” a continuación.

El cineasta palestino Mohamed Jabaly abandona el Festival Internacional de Documentales de Ámsterdam con un premio importante: Mejor Director en Competición Internacional por su película La vida es bella. Pero no está claro adónde irá a continuación: no puede regresar a Gaza por el momento porque la frontera está cerrada mientras continúa la guerra entre Israel y Hamas.

En medio del prestigio y la emoción que supone el estreno de una película en el IDFA, el mayor festival de documentales del mundo, sus pensamientos, por razones obvias, han vuelto a su tierra natal.

“Por supuesto, no es fácil cuando la gente viene y te pregunta ¿cómo estás? ¿Y entonces qué deberías decir? le dice a Deadline. “Es realmente difícil incluso hablar, pero el silencio tampoco ayuda en esta etapa de la vida”.

“Hacer películas”, continúa, “o hablar de ello se volvió un poco pesado para nuestros hombros y luego llegó un momento en el que sentimos que nuestros cuerpos están paralizados. Pero luego insistimos en que debemos contar, debemos insistir en nuestra narración y esa es la única manera que veo de que podemos avanzar”.

En un sentido, La vida es bella es una película sobre una película. Gira en torno a la realización del documental anterior de Jabaly, Ambulanciaun análisis de cómo se unió al equipo de una ambulancia en 2014 durante otro estallido de guerra entre Israel y Hamás.

Dos meses después de que las hostilidades de 2014 disminuyeran con un alto el fuego, Jabaly viajó a Noruega en un programa de intercambio. Pero mientras estaba en el extranjero, las fronteras con Gaza se cerraron indefinidamente, dejándolo varado en el país escandinavo.

“Se suponía que sólo sería una visita corta, un mes, y luego regresar a Gaza y continuar con mi vida”, recuerda Jabaly. «Ese se convirtió en una especie de dilema, mi limbo de vida, no saber qué me va a pasar».

La vida es bella Vuelve a aquellos días de 2014 en los que Jabaly se convirtió en un exiliado involuntario, incapaz de regresar a casa. Intentó solicitar una visa para permanecer en Noruega, pero descubrió que la solicitud en línea no incluía a Palestina como país.

“Si escribes ‘Palestina’, aparece ‘apátrida’”, explica Jabaly. “Cuando quisiste escribirlo en [you couldn’t]. Fue un dolor extra soportarlo y también tratar de luchar por uno mismo como cineasta y luego por su identidad como palestino”.

Jabaly vivía con un anfitrión en la gélida ciudad norteña de Tromsø (VisitNorway.com describe con entusiasmo el lugar como “donde comienza tu aventura en el Ártico”).

“Tomé la decisión desde el principio de documentar todo lo que me estaba pasando”, afirma. “Me propuse este desafío de documentar básicamente mi diario y se convirtió en una especie de serie de momentos que se han ido desarrollando a lo largo de estos años. En algún momento dije que tal vez usaría estos materiales… Lo vi como una película”.

La vida es bella es lo que hizo con los materiales. La película ilustra el marcado contraste entre la vida de Jabaly en la nevada Tromsø y el mundo que había dejado atrás en Gaza, sobrecalentado en términos de temperatura y conflicto político.

En el nuevo documental, vemos a Jabaly trabajando en el anterior, Ambulancia. Mientras avanzaba en la edición de Ambulance en 2014 y 2015, intentó resolver su situación legal en Noruega. Algunos amigos le aconsejaron que buscara asilo, pero el director dice que rechazó esa idea porque significaría darle la espalda a Palestina.

“Para mí no era una opción”, dice Jabaly. “Entonces decidí solicitar una visa de artista”.

Las autoridades noruegas inicialmente rechazaron esa solicitud de visa porque, como cineasta autodidacta, Jabaly no tenía ningún título en cine. Pero después de una espera de ocho meses, finalmente obtuvo su visa. Mientras tanto, esperaba regresar a casa.

Los jurados del Concurso Internacional del IDFA, al nombrar a Jabaly como Mejor Director, llamaron La vida es bella “Una expresión cinematográfica oportuna de la necesidad universal de ser reconocidos en nuestra plena humanidad. Una acusación convincente contra las estructuras burocráticas y políticas que lo niegan. Un tono de dirección que, casi imposiblemente, logra encontrar esperanza y humor en medio de un dolor inimaginable. Un llamado urgente a la libertad, la libertad de movimiento, la libertad de oportunidades y la libertad de perseguir nuestros sueños”.

El carácter alegre y el encanto de Jabaly le ayudaron a formar fuertes vínculos en Noruega con su familia anfitriona y amistades con muchas otras personas que conoció allí. El título de la película, La vida es bellaPuede parecer irónico dadas las sombrías condiciones de vida de los habitantes de Gaza, pero para el director representa una perspectiva fundamental.

“’La vida es bella…’ Esto es lo que siempre quise; esto es lo que siempre digo. Quiero decir, lo digo donde quiera que vaya”, señala Jabaly. “Quería difundir esta esperanza, aunque a veces la esperanza es difícil, es difícil ver el momento que estamos viviendo ahora”.

Al director Ariel Kuaray Ortega le tomó casi dos décadas poder contar una historia que ha escuchado durante toda su vida: la extraña historia de Canuto, un hombre que misteriosamente se transformó en un jaguar y luego tuvo una muerte trágica. La película resultante, “Canuto’s Transformation”, tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine Documental de Ámsterdam, donde se llevó el premio a la mejor película en el concurso Envision y el premio a la contribución artística destacada.

La película, codirigida con el socio creativo de Ortega desde hace mucho tiempo, Ernesto de Carvalho, mezcla documental y una recreación de la historia de Canuto con todos los papeles interpretados por aldeanos de una comunidad Mbyá-Guaraní anidada en la frontera entre Brasil y Argentina.

Hablando exclusivamente con Variety antes del estreno mundial de la película en el festival, Ortega dijo: “Cuando le mencioné esta historia a Ernesto por primera vez en 2009, no sabía el formato que quería para esta película. Seguimos cambiándolo porque no estábamos seguros de cómo la gente local daría la bienvenida a los extraños al pueblo. Tampoco teníamos muchos recursos para recrear la historia con actores, así que tuvimos que trabajar con lo que teníamos”.

Carvalho no es ajeno a las complejidades de colaborar creativamente con tribus indígenas, ya que ha trabajado con Vídeo nas Aldeias (Video en las aldeas), una ONG cultural bien establecida que permite a los narradores indígenas a través de talleres de realización cinematográfica, desde 2007.

“No es educación per se, es una metodología”, afirmó el director de trabajo de la organización. “Estamos inmersos en estas comunidades durante largos períodos de tiempo y nunca exigimos a los participantes que abandonen sus aldeas para ir a la ciudad. Es un proceso cotidiano de mezclar el cine con la rutina local. Las películas que hicimos circularon en festivales, se proyectaron en televisión y actuaron como una ventana a la realidad indígena en Brasil”.

“Cuando empezamos a hacer este trabajo aún no estaba establecida la expresión Cine Indígena. Hoy no es sólo una cosa, sino una referencia y un ejemplo seguido por otros en América Latina y en todo el mundo”, añadió Carvalho sobre el trabajo de Vídeo nas Aldeias, mientras Ortega intervino para elogiar a la ONG y subrayar cómo la gente a menudo “romantiza Cine Indígena”.

“Somos muchas tribus y hacemos muchos tipos de cine. Sólo porque soy guaraní, la gente espera que haga películas sobre las bellezas de la tierra, nuestra música, los intrincados tocados… Hay una expectativa de que esquive los problemas muy reales que enfrentamos, incluidas las disputas territoriales. Mi cine siempre ha sido político, siempre ha sido sobre la realidad indígena”.

“Mi relación con Ernesto no es sólo la de estudiante-maestro”, agregó Ortega cuando se le preguntó sobre la importancia de las voces indígenas y cómo proyectos como Vídeo nas Aldeias permiten a las comunidades contar sus propias historias. “Desde el principio nos alineamos políticamente, compartimos valores. Siempre fue un encuentro creativo y Ernesto aprendió a respetar el tiempo de la comunidad. El tiempo se mueve de manera diferente en el pueblo, la gente va y viene, las conversaciones van y vienen, y esta noción debe entenderse cuando se intenta hacer películas sobre nuestra gente”.

Sobre el estreno de la película en el IDFA, Carvalho dijo: “Nuestro mayor deseo es que la película se vea. En Brasil existe algo relacionado con el cine que significa que las películas deben verse internacionalmente antes de tener la oportunidad de verse en casa. Así que nos sentimos honrados de estar aquí y poder conectar nuestra película con la escena documental internacional, pero es un viaje centrado en el regreso a casa”.

“Estar aquí significa también colocar la película en esta discusión en curso sobre el formato del cine actual”, añadió Carvalho. “Esta es una película hecha para el cine, un reflejo de nuestra inquietud por el cine y una película que no elude la pregunta de cómo podemos reinventarlo. Ha sido una gran curva de aprendizaje hacer la película bajo tales cuestionamientos”.

“Estoy encantado de que la película esté aquí y creo que servirá de inspiración para los jóvenes de mi país, como mi sobrina y mi sobrino, quienes están siguiendo mis pasos”, dijo Ortega. “Esta es una película hecha en un pueblo y vivido en este pueblo durante tanto tiempo. Es maravilloso verlo comenzar su viaje fuera de él”.

“1489” de Shoghakat Vardanyan, que sigue a la familia de la directora después de que su hermano desaparece mientras servía en el ejército armenio, ganó el jueves el premio a la mejor película del festival de documentales IDFA.

El jurado de la sección de Competencia Internacional dijo que se trata de una película que “actúa como una luz penetrante que hace visible el vasto paisaje interior oculto del dolor y crea una presencia tangible a partir de una ausencia insoportable”.

El jurado añadió que era “el cine como una herramienta de supervivencia, que nos permite a todos mirar las cosas que preferiríamos no ver y, en última instancia, un ejemplo inolvidable del cine como un acto de amor”.

El premio a la mejor dirección fue para Mohamed Jabaly por “La vida es bella”, en la que el cineasta palestino documenta su vida en 2014, cuando estaba de visita en Noruega y se le impidió regresar a Gaza porque la frontera estaba cerrada.

Los miembros del jurado dijeron que la película era “una expresión cinematográfica oportuna de la necesidad universal de ser reconocidos en nuestra plena humanidad”. Agregaron que era una «» acusación convincente de las estructuras burocráticas y políticas que lo niegan «. Elogiaron un “tono de dirección que, casi imposiblemente, logra encontrar esperanza y humor en medio de un dolor inimaginable”.

El premio de edición fue para Anand Patwardhan por “El mundo es familia” de la India. En la película, el director toma imágenes de antiguas películas caseras en las que aparecen sus padres, fallecidos diez años antes, para pintar un retrato de la historia de la India desde la independencia. El jurado dijo que la película era “una vívida evocación de 100 años de historia en menos de 100 minutos de cine”. Añadió que se trataba de un “acto íntimo de retrato familiar cuyos personajes enérgicos están pintados con amor, con humor y profunda humanidad”.

“Flickering Lights”, otra película india, ganó el premio de cinematografía, y Anirban Dutta y Anupama Srinivasan se llevaron el premio. La película se centra en una comunidad muy unida en un pueblo indio en la frontera con Myanmar mientras los lugareños esperan la llegada de la electricidad por primera vez. El jurado dijo que la película estableció “una hermosa relación entre una comunidad vibrante y el público, creada a través de la mirada curiosa y paciente de la cámara”.

Los miembros del jurado de la sección Competición Internacional fueron Emilie Bujès, Francesco Giai Via, Tabitha Jackson, Ada Solomon y Xiaoshuai Wang.

IDFA – LISTA COMPLETA DE GANADORES

Competicion internacional
Mejor Película: “1489”, dir. Shoghakat Vardanyan
Mejor dirección: “La vida es bella”, dir. Mohamed Jabali
Mejor montaje: “El mundo es familia”, editor Anand Patwardhan
Mejor fotografía: “Flickering Lights”, de los directores de fotografía Anirban Dutta y Anupama Srinivasan.

Visualizar la competencia
Mejor Película: “La transformación de Canuto”, dir. Ariel Kuaray Ortega y Ernesto de Carvalho
Mejor Dirección: “El silencio de la razón”, dir. Kumjana Novakova
Contribución Artística Destacada: “La transformación de Canuto”, dir. Ariel Kuaray Ortega y Ernesto de Carvalho

Mejor ópera prima: “Chasing the Dazzling Light”, dir. Yaser Kassab

Premio DocLab de no ficción inmersiva: “Turbulence: Jamais Vu”, dir. Ben Joseph Andrews y Emma Roberts
Premio especial del jurado a la tecnología creativa de no ficción inmersiva: “Natalie’s Trifecta”, dir. Natalie Paneng
Premio DocLab a la Narración Digital: “Anouschka”, dir. Tamara Shogaolu
Premio Especial del Jurado a la Tecnología Creativa para la Narración Digital: “Borderline Visible”, dir. hormiga hampton
Mención Especial – Premio DocLab de Narración Digital: “Despelote”, dir. Julián Cordero y Sebastián Valbuena

Mejor Cortometraje Documental: “En ese mismo momento”, dir. Rita Pauls y Federico Luis Tachella
Mención Especial – Cortometraje Documental: “Mi Padre”, dir. Pegah Ahangarani

Mejor documental juvenil (13+): “Sister of Mine”, dir. Mariusz Rusiński
Mejor documental juvenil (9-12): “Y un feliz año nuevo”, dir. Sebastián Mulder
Mención Especial – Competencia de Documentales Juveniles: “Boyz”, dir. Sylvain Cruziat

Mejor película holandesa: “Gerlach”, dir. Aliona van der Horst y Luuk Bouwman
Mención especial – Mejor película holandesa: “Mother Suriname”, dir. Tessa Leuwsha

Premio Beeld & Geluid IDFA ReFrame: “Vender una guerra colonial”, dir. Estaca In-Soo Radstake
Mención especial – Premio Beeld & Geluid IDFA ReFrame: “Milisuthando”, dir. Milisuthando Bongela
Premio FIPRESCI: “1489”, dir. Shoghakat Vardanyan

Premio IDFA Forum al mejor discurso: “Son of the Streets”, dir. Mohammed Almuhanni
Premio IDFA Forum al mejor montaje inicial: “¡Convivencia, mi culo!”, dir. Tarifas ámbar
Premio IDFA DocLab Forum: “Turbulencia”, dir. Ben Joseph Andrews y Emma Roberts

Cinco años después de inaugurar el Festival Internacional de Cine Documental de Ámsterdam con su ópera prima “Kabul, City in the Wind”, el cineasta Aboozar Amini, nacido en Afganistán y radicado en los Países Bajos, regresa al IDFA para presentar su último trabajo, “Kabul, Year Zero”, en el Sección de industria del festival, Foro.

La elección de regresar a IDFA fue obvia para Amini y su colaborador frecuente Jia Zhao de Silk Road Film Salon, quien coproduce “Kabul, Year Zero” junto a Julia Niethammer para Chromosome y Heejung Oh para Seesaw Pictures. Hablando exclusivamente con Variedad, dijo Zhao, “Fue una elección muy consciente regresar a IDFA porque el primer proyecto de Aboozar estaba aquí, y haber tenido una primera película vista por tanta gente, muchas de las cuales todavía tienen algunos recuerdos frescos de ella, fue especial. para nosotros. Por supuesto, IDFA todavía tuvo que elegirnos, pero el Foro siempre tuvo prioridad”.

«Para mí, ver las reacciones de la gente ante el proyecto es lo más importante», dijo Amini cuando se le preguntó sobre la presentación del proyecto en el mercado del festival. «Porque una vez que estás en el proceso de hacer la película, puede ser difícil entender cómo la perciben los demás y eso es esencial para mí en el proceso de realización de la película».

“Kabul, Año Cero” continúa siguiendo a los personajes de la película anterior de Amini, jóvenes zigzagueando por un mundo ensombrecido por atentados suicidas y conflictos violentos. Además de los chicos presentados en “Kabul, la ciudad en el viento”, el director también contará las historias de jóvenes de otros países devastados por la guerra, como Irak y Ucrania.

Trabajar en una continuación de su primer largometraje no siempre estuvo en las cartas del cineasta, quien dice que “Kabul, Año Cero” sucedió “por sí solo”. “No planeaba hacer otra película con el mismo protagonista, pero cuando el ejército estadounidense abandonó Afganistán desastrosamente, fue increíblemente difícil digerir el dolor y la pérdida. La película fue una forma creativa de calmarme”.

«Comencé a revisar materiales que no había usado en mi película anterior», continúa. “Ese fue un proceso meditativo para mí, simplemente poder expresar mis emociones por la pérdida de todas estas personas en Afganistán. En ese sentido, la película se desarrollaba por sí sola y yo simplemente seguía hacia donde me llevaba”.

Amini cree firmemente en la importancia de contar la historia central de su película y encontrar la humanidad que a menudo yace enterrada bajo los números impersonales compartidos en las noticias. “Los niños están muriendo a causa de la guerra y sólo escuchamos los números. Varios niños fueron asesinados en Palestina, más en Ucrania, Afganistán e Irak, y nos olvidamos de ellos. Nuestro objetivo es hacer que el público experimente la vida de estos niños y los vea tal como son”.

“Y también se trata de matar en un sentido mucho más amplio”, intervino Zhao. “Cuando ya no tienes madre, padre ni hogar, son otras formas de muerte. Es la ausencia de las partes más importantes de tu vida, que de repente te son arrebatadas. Eso puede ser incluso peor que morir”.

“Comenzamos la película antes de la guerra en Ucrania y ahora tenemos la guerra en Palestina”, dijo el director sobre trabajar en su película en este momento particular. “Esto nunca se detendrá. Es por eso que estamos mucho más decididos a continuar con lo que estamos haciendo, incluso si es sólo una pequeña contribución, incluso si es una pequeña historia sobre niños. Puede ser pequeño, pero es esencial”.

Los guardianes del documental están yendo muy a lo seguro últimamente, en opinión de Orwa Nyrabia, director artístico del Festival Internacional de Documentales de Ámsterdam, el festival de cine documental más grande del mundo.

En conversación con Deadline antes del inicio del 36^th En la edición del festival, Nyrabia evaluó el panorama del cine de no ficción y encontró que las plataformas de streaming y otros distribuidores eran excesivamente reacios al riesgo.

«Creo que, especialmente después de la pandemia, parece que todos en el espacio de distribución realmente se están esforzando por recuperar el dinero perdido», le dijo a Deadline. “Y esto se traduce en apostar únicamente a caballos claramente ganadores. Entonces, todo el mundo busca películas con propiedad intelectual preexistente. Quiero decir, no lo dicen. Pero cuando miro qué es lo que realmente funciona [for them], se trata de celebridades que tienen su audiencia predefinida y, cuando eso no es posible, dependen de formatos preestablecidos como asesinos en serie y crímenes. En cierto modo, se trata de confiar en las apuestas más seguras”.

Observó: “Para mí, esta es otra fase del populismo, incluso si estas películas estuvieran políticamente en contra del populismo, pero son películas populistas”.

Nyrabia dijo que su objetivo para el festival es presentar un cartel que sea “diferente en el sentido de que sea extremadamente fresco y no sea lo que el mercado dice que está buscando. Es lo que piensa el mercado. debería estar buscando”. [We spoke a few days before Wednesday night’s opening ceremony which was interrupted by pro-Palestinian demonstrators. You can read about the controversy that ensued here].

“Nuestro trabajo como festival, según tengo entendido, es intrigar y jugar este juego de intriga junto con el mercado, diciendo: ‘Tal vez te equivoques. Mira esta película, mírame a los ojos y dime que no es genial. ¿Y no deberías arriesgarte en esta película?’”, comentó. “En los últimos años, y creo que esto es una pandemia y una pospandemia, una enorme cantidad de cobardía puede afectar a mis queridos amigos de la distribución. Creo que esto es un error porque no todos pueden vivir de Taylor Swift y demás. Quiero decir, es necesario que haya algo de coraje”.

Esta mentalidad de “la seguridad es lo primero” no se limita a las plataformas y distribuidores estadounidenses, afirmó Nyrabia.

«Creo que el mercado americano tiene este problema, pero el mercado europeo no está mejor hoy», observó. “El mercado europeo solía ser más aventurero y ver un interés más localizado en películas y temas particulares, etc. Y eso se está volviendo cada vez menos notorio para mí después de la pandemia. Entonces, creo que todos en la pospandemia están tratando de ser lo más populistas posible”.

Añadió que esa estrategia “no va a funcionar. No sólo niega el espíritu real detrás de esta profesión, sino que además, pragmáticamente, no va a funcionar”.

El festival, que se extenderá hasta el 19 de noviembre, ofrece un escaparate para 250 películas que se originan prácticamente en todos los rincones del mundo.

«Es el más internacional hasta la fecha», declaró Nyrabia.

A modo de ejemplo, señaló 1489, una película que se estrena en Competencia Internacional del director Shoghakat Vardanyan, “un cineasta primerizo de Armenia que hizo esta brillante película. Es una película muy urgente y al mismo tiempo muy personal. Es la historia de cómo ella y su familia esperan noticias sobre su hermano, que se perdió en el frente en Nagorno-Karabaj”.

También está en competencia La clínica del director Midi Z, un nativo de Myanmar que ahora reside en Taiwán y que es mejor conocido por su obra narrativa, que incluye Veneno de hielo.

«Midi Z es un cineasta cuyos trabajos de ficción estuvieron a menudo en Cannes», dijo Nyrabia. «Y ahora hizo este brillante documental que es un poco… no es [quite] híbrido porque el elemento híbrido es que en realidad se está haciendo una película dentro de la película. Y al lado está el maestro indio Anand Patwardhan, que no es nuevo en esta escena. [his film playing in International Competition at IDFA is titled The World Is Family]. Entonces, para mí, esta es la aventura: tener una película de un cineasta novel. [Shoghakat Vardanyan] al lado de una película de un gran y famoso cineasta”.

IDFA inauguró el miércoles por la noche con el estreno mundial de Una imagen para recordar, una película ambientada en Ucrania dirigida por Olga Chernykh. Nyrabia calificó el documental como “muy valiente artísticamente, pero también como película que es, en un aspecto, una película personal sobre la cineasta y su familia. Es una película que te lleva allí, pero no es de ninguna manera una visión propagandista, no es una película que te cuenta las viejas opiniones. Te está llevando a la experiencia humana dentro de esta aplastante realidad. [of war].”

El cineasta palestino Mohamed Jabaly, afincado en Gaza, estrena su nueva película La vida es bella, que documenta su experiencia al intentar trabajar en un proyecto cinematográfico en Noruega en 2014. Mientras estaba en el extranjero, la frontera con Gaza se cerró indefinidamente, dejándolo varado en el país escandinavo. Pero, como señala el programa IDFA, “[T]El gobierno noruego no aceptó su pasaporte palestino, lo que significa que Jabaly ahora era apátrida”.

“Es una película brillante… No es una pieza de propaganda. Es una forma sincera de compartir experiencias con la audiencia y eso es muy valioso”, dijo Nyrabia. Señaló el contexto en el que Jabaly asistiría al IDFA, tras el devastador ataque de Hamás del 7 de octubre contra civiles israelíes y el bombardeo e invasión de Gaza en represalia por parte de Israel, que se ha cobrado miles de vidas. “Mi trabajo aquí es asegurarme de que esté a salvo”, dijo Nyrabia sobre Jabaly. «Asegúrate de que alguien en un momento tan difícil de su vida, con su familia bajo un bombardeo, venga a mostrar una película desde el corazón a un público que no conoce, con profesionales alrededor, compradores y exhibidores potenciales. Necesito asegúrese de que esté protegido y que aún pueda sentir que es un espacio seguro para él”.

Nyrabia describió la selección de una película ambientada en Gaza para el programa IDFA 2023 como “kismet, casualidad… como quieras llamarlo… Terminamos nuestro trabajo de programación mucho antes [the October 7 Hamas attack on Israel]. Así que no estamos en el negocio de la respuesta directa. No somos los primeros en responder”.

Sin embargo, existe una sensación de que los cineastas de no ficción, con sus agudas antenas, sirven casi como “pre-respondedores”, actuando sobre el terreno hoy en lugares que pueden explotar en el futuro. Por ejemplo, en 2017 IDFA programó el programa de Simon Lereng Wilmont. Los ladridos lejanos de los perros, una película que mostró el impacto del movimiento separatista respaldado por Rusia en el este de Ucrania años antes de la invasión a gran escala de Rusia. El año pasado, el festival proyectó la película de Guy Davidi Inocencia, una película que examina la militarización de la sociedad israelí. El documental dejó a los espectadores con pocos motivos para esperar la paz entre Israel y los territorios palestinos ocupados.

“Lo dije y lo sigo diciendo, si has estado viendo películas documentales, habrías sabido desde hace mucho tiempo que esto sucedería pronto porque muchos cineastas en sus películas de Palestina, de Israel y de otros lugares también Muchos cineastas nos dejaron muy claro a todos hace mucho tiempo que esto iba a suceder. que si esta es la realidad 1699895985, entonces esto es mañana. Si esto es hoy, entonces será mañana”, afirmó Nyrabia. «Y eso es. No escuchamos”.

Nyrabia indicó que su observación no debe interpretarse como política. Lo que quería decir es que los realizadores de documentales, sobre el terreno en todo el mundo, están observando atentamente la condición humana.

“Realmente estoy dando el espacio [at IDFA] a esta voz colectiva de los cineastas”, señaló. “Se preocupan por el mundo, por eso eligieron esta profesión”.

Nyrabia nació en Siria y estudió actuación en Damasco. En 2007 produjo su primer documental, Muñecas: una mujer de Damasco, dirigida por su esposa, Diana El Jeiroudi. Cuando estallaron las protestas contra el régimen de Assad en Siria en 2011, en los primeros días de la Primavera Árabe, Nyrabia estaba entre un distinguido grupo de profesionales del cine internacional que publicaron una carta exigiendo democracia en Siria. Un año después, el gobierno de Assad lo arrestó y encarceló.

El director artístico de IDFA parece pensar de manera similar al fallecido crítico Roger Ebert, quien describió el cine como una “máquina de empatía”, una forma de “ponerse en el lugar de otra persona o experimentar una perspectiva que el mundo real nunca podría permitir”, como dice el sitio web de Ebert. lo pone.

“Crecí en Siria, crecimos con Israel como enemigo absoluto. Donde crecí, Israel era [justified as] la razón por la que tenemos una dictadura: “Porque es una necesidad, estamos bajo amenaza, una amenaza de guerra continua”. Hasta que el contrabando de cintas VHS [into Syria] de brillantes películas israelíes nos hicieron ser mucho más abiertos y darnos cuenta de que no se trata de una especie de criatura enemiga homogénea a la que hay que odiar. Es mucho más rico que eso. Y hay gente brillante [in Israel] y hay personas críticas y hay muchos tipos diferentes de personas maravillosas con quienes ser amigos, y no sólo la ocupación. Está la ocupación, pero también está toda esta riqueza que es normal en cualquier sociedad humana”.

Y añadió: “Esto es lo que me hizo el cine. Me salvó del chauvinismo y del contrachovinismo”.

Debido a su estreno mundial en el programa de competencia internacional de IDFA el lunes, el documental danés “As the Tide Comes In” es un trabajo colaborativo entre el director vasco Juan Palacios (“Meseta”, “Pedaló”) y el equipo detrás del multi- Película premiada “The Lost Leonardo”: Sofie Husum Johannesen, que debuta aquí como codirectora, Andreas Dalsgaard, que actúa como productor ejecutivo e iniciador de ideas, el montador Nicolas Nørgaard Staffolani y el productor Kasper Lykke Schultz.

Con su perspectiva antropológica compartida, el equipo de realización ha capturado la extraordinaria vida de los 27 residentes de la pequeña isla danesa de Mandø, en el mar de Wadden, a la que sólo se puede llegar durante la marea baja. Los isleños –incluido Gregers, el único agricultor y el más joven de todos– luchan estoicamente contra las severas condiciones climáticas y el riesgo de inundaciones, como sobrevivientes de un refugio condenado al fracaso, esperando que ocurra la inevitable catástrofe. “Es una metáfora de dónde estamos como seres humanos y los desafíos que enfrentamos con el cambio climático”, dice Palacios sobre su foto de observación, llena de toques de humor, como en la escena introductoria del personaje principal, donde vemos él tratando de ingresar al reality show de TV2 Dinamarca «Farmer Wants a Wife».

La película fue producida por Elk Film, con el respaldo de New Danish Screen del Instituto Danés de Cine y TV2 Dinamarca. Las ventas mundiales se están negociando al cierre de esta edición.

Variedad tiene una exclusiva sobre el cartel de la película y se reunió con Palacios antes del estreno mundial de la película en IDFA, que se desarrollará del 8 al 19 de noviembre.

La película tiene un punto de partida inusual, ya que Andreas Dalsgaard, cofundador de Elk Film, se acercó a usted para que la dirigiera. ¿Cómo reaccionó ante esta oferta?
Me sentí honrado porque nadie me había pedido antes que dirigiera una película. Siempre había sido el iniciador de mis propios proyectos. Andreas había visto mi película anterior “Meseta” (“Inland”), que ganó un premio en CPH:DOX en 2019, y supongo que le gustó lo suficiente como para acercarse a mí. La idea era hacer una película en Mandø, donde utilizaría mi sensibilidad mostrada en mis trabajos anteriores.

¿Había oído hablar alguna vez de Mandø y qué le llamó la atención de este lugar en medio del Mar de Wadden, declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO?
No, nunca había oído hablar de él antes, aunque conocía el Mar de Wadden porque había vivido en Dinamarca durante 10 años. Luego, viniendo del País Vasco en España, estaba familiarizado con los efectos de las mareas en las zonas costeras. Dicho esto, Mandø seguía siendo un lugar increíblemente exótico para mí. Lo que me llamó la atención fue la llanura del paisaje, el agua y la tierra que se cruzan y crean un horizonte infinito parecido al del Sahara. Es surrealista. De hecho, junto a Mandø se encuentra el banco de arena de Korsesand, considerado un desierto.

Como se muestra en la película, muchos turistas visitan ese lugar en verano, atraídos por su belleza, su unicidad como paraíso de aves, su elemento “funky” como un lugar pequeño que alberga a sólo 27 personas. Al mismo tiempo, existe allí una esquiva sensación de peligro: el mar amenazador cambia con el viento y las mareas y siempre se avecinan tormentas. Esto crea una sensación de emoción para los visitantes.

¿Cómo fue tu colaboración con Sofie Husum Johannesen, acreditada como tu codirectora?
Hicimos la película juntas aunque ella no la dirigió como tal. Sofie es antropóloga visual, por lo que aportó su sensibilidad y comprensión del comportamiento humano y de cómo funcionan las sociedades. Al ser danesa, ella también tiene un bagaje cultural natural del que yo carezco. Investigó mucho y al principio pasó un par de semanas sola en la isla para conocer a los residentes. ¡Era un número manejable con 27 de ellos! Ella recopiló sus historias y luego discutimos cuáles eran las más adecuadas para capturar la esencia de Mandø. Sofie me ayudó totalmente a navegar la realidad de la isla y se ganó la confianza de la gente. Al ser de ese remoto rincón de Dinamarca, la mayoría de ellos sólo quería ser escuchados.

¿Por qué elegiste al granjero Gregers como personaje principal?
En primer lugar, es el más joven que aún vive en la isla, aunque tenga unos 40 años. En ese sentido, él es la última “esperanza” para un residente de Mandø de construir una familia y un futuro allí. En segundo lugar, hay en él un verdadero sentimiento de orgullo, de pertenencia. A diferencia de la mayoría de las personas de su edad que se fueron, él está decidido a quedarse y busca activamente una esposa que viva con él en Mandø. Ama la isla pero al mismo tiempo la resiente. Heredó la granja de sus padres, pero el legado familiar es un peso muy pesado que llevar.

Su película es una narración doble: una es el retrato de Gregers y los demás isleños, su vida cotidiana y sus conversaciones que nos informan sobre el pasado y el presente de Mandø. Luego está la isla misma, moldeada por las estaciones y amenazada por la naturaleza hostil. ¿Cuánto material reunió para llegar a este resultado final y cuáles fueron los mayores desafíos al crear esta estructura narrativa?
Bueno, mantener esta aparente simplicidad fue uno de los principales desafíos. No filmamos mucho, pero escribimos mucho. Debido a la realidad de Mandø, que es muy limitada, nada sucedió de manera espontánea, por lo que tuvimos que intervenir, por ejemplo crear un marco para las conversaciones y dejar que la gente hablara espontáneamente dentro de ese espacio. Esa planificación requería conocer bien a las personas para anticipar un poco cómo reaccionarían ante los encuentros y nuestro dispositivo cinematográfico.

¿Podrías ampliar tu estilo visual, lo difícil que fue encontrar las ubicaciones adecuadas y la luz perfecta?
Una vez más, hubo mucha escritura involucrada. Trabajé con el lugar como tema principal de alguna manera. Para mí, la dirección y la cinematografía son difíciles de separar, así que planeé mucho: dónde colocar la cámara, a qué hora del día. Cada vez que iba a la isla, 15 veces en tres años, conducía a lugares en un reconocimiento de ubicación para identificar los lugares y mapear el lugar en diferentes épocas del año. Visualmente, quería capturar el peligro que se avecinaba, utilizando el paisaje pero también la tecnología utilizada por los humanos para comprender las fuerzas de la naturaleza. Como un reloj que hace tictac. Luego, para resaltar el paisaje plano, filmamos con un alcance muy amplio.

¿Cómo fue para ti esta experiencia casi «fuera del tiempo y del espacio» en Mandø?
Fue como cuando ves un ave rara: la vislumbras y sientes como… ¡guau, es hermoso! Me siento privilegiado de haber tenido acceso a la isla, a las historias únicas de los residentes que son tan diferentes a mí, a la vida moderna. Me humilló.

¿Qué le gustaría que los espectadores se llevaran al ver la película?
Bueno, siempre es difícil para mí, ya que no hago películas para transmitir un mensaje. Sigo historias, procesos que me atraen, esperando que la gente vea lo que yo vi en ellos. Dicho esto, la película es una metáfora de dónde nos encontramos como seres humanos y los desafíos que enfrentamos con el cambio climático. Esta película es una invitación a reflexionar sobre este gran tema.

(La entrevista fue editada para fines de publicación).

EXCLUSIVO: La continuación del cineasta Simon Lereng Wilmont tras su nominación al Oscar Una casa hecha de astillas se estrenará mundialmente en el Festival Internacional de Documentales de Ámsterdam.

Su corto documental, Chica lejos de casa, codirigida con Alisa Kovalenko, cuenta la historia de Nastya, una niña ucraniana de 13 años, una talentosa gimnasta que forma un estrecho vínculo con sus jóvenes compañeros de equipo en Kiev. Pero pocas semanas después de que su equipo ganara el título nacional de gimnasia rítmica, la invasión rusa de Ucrania destroza su país y pone en riesgo la vida de su familia. Bajo los bombardeos, huye a Alemania con su abuela.

“Ahora Nastya tiene que crear una nueva vida sin sus padres y sin sus amigas de gimnasia”, señala la sinopsis de la película. “No tiene idea de cuándo podrá regresar a Kiev y volver a ver a sus padres y amigos. Y la espera en Alemania es difícil para Nastya. Pero cuando se une al equipo de gimnasia alemán, las cosas poco a poco empiezan a mejorar”.

Tenemos tu primer vistazo a Chica lejos de casa en el tráiler de arriba.

Los dos documentales anteriores de Wilmont: Los ladridos lejanos de los perros y Una casa hecha de astillas –fueron filmadas en Ucrania y se centraron en niños que enfrentan la realidad de una sociedad bajo la constante amenaza de la agresión rusa. La codirectora Alisa Kovalenko es una cineasta ucraniana oriunda de la región de Zaporizhzhia, que ha permanecido mayoritariamente bajo control ruso desde la invasión de febrero de 2022. Sus créditos incluyen Alisa en Warland (2015) y No nos desvaneceremosque se estrenó a principios de este año en la Berlinale.

Chica lejos de casa es parte del premiado Niños de la Ruta de la Seda Serie de no ficción producida por Toolbox Film, una productora danesa, y coproducida por ARTE.

“[The series] Fue originalmente una creación del director danés Jens Pedersen y Toolbox Film, que luego se convirtió en una serie larga”, explicó Wilmont en una entrevista incluida en las notas de prensa de la película. “Chica lejos de casa es parte de la tercera entrega de la serie. La idea detrás de la serie era tejer un tapiz de historias de niños que viven en países a lo largo de la antigua Ruta de la Seda. Cada película es un retrato sensible y cuidadosamente elaborado de un niño de entre 11 y 14 años que se enfrenta a los desafíos de la vida, grandes o pequeños, a medida que crece. Y aunque generalmente no se considera que Ucrania esté entre los países de la Ruta de la Seda, por supuesto, depende del período al que se refiere, ya que la red de rutas comerciales se dividió y se extendió ampliamente”.

Los realizadores filmaron en Alemania y Ucrania antes de la invasión, capturando a Nastya y sus compañeros de equipo mientras realizaban rigurosas sesiones de práctica y luego viajaban a la competencia nacional.

“Si pudiera, los tendría a todos como personajes principales de la película”, comentó Kovalenko. “Pero como el corto documental debía durar sólo 22 minutos, hubo que tomar una decisión. La entrenadora Natalia y yo tuvimos muchas conversaciones sobre las chicas, sus sueños, aspiraciones y sus habilidades, y una vez ella me dijo que amaba a Nastya. Había algo magnético en ella, esa luz en su interior, la fragilidad del corazón y la sensibilidad, que uno notaba inmediatamente cuando la conocía”.

Nastya cuenta su propia historia en la película. De sus compañeras de equipo dice: «Las chicas eran como mi familia extendida y sentía que podíamos superar cualquier cosa juntas». Después de que la invasión la obligara a abandonar Ucrania, Nastya dice: «Sentí que mi vida había dado un vuelco».

Wilmont señaló: “Las chicas entrenaban muchas horas y tenían muy poco tiempo libre, por lo que apenas estábamos comenzando el proceso de filmar las escenas en las que pudimos conocerlas en un contexto más personal cuando se desarrolló la guerra a gran escala. Y de repente no pudimos continuar con ese trabajo. Así que la decisión de utilizar la voz en off de Nastya también nació de alguna manera por necesidad porque, por ejemplo, sería casi imposible capturar una escena que explique lo que le pasó a ella, y a muchos jóvenes como ella, en los primeros días de la invasión a gran escala de Ucrania”.

Chica lejos de casa se estrena el lunes en IDFA, en competencia por el premio de Documental Juvenil del festival. Se llevarán a cabo cinco proyecciones adicionales entre el 14 y el 19 de noviembre.

Autolook se encarga de las ventas internacionales de la película. Mira el tráiler de arriba.

Seleccionado como Invitado de Honor de este año en el Festival Internacional de Cine Documental de Ámsterdam (IDFA), el director chino Wang Bing se sentó con el director artístico del festival, Orwa Nyrabia, para una charla en profundidad sobre su carrera el viernes en el imponente Teatro Tuschinski de Holanda. capital.

Bing comentó que no quería que sus películas fueran “políticas” mientras reflexionaba sobre la totalidad de su carrera, desde su debut de nueve horas de duración “West of the Tracks” hasta el reciente título de la competencia de Cannes “Youth (Spring)” – “I No estoy particularmente interesado en la política (…) No quiero que mis películas se conviertan en una herramienta política. Las películas que vi en mi infancia estaban llenas de política, ideología y una agenda. No quiero que la gente encuentre estos elementos en las películas que hago”.

Cuando Nyrabia le insistió sobre el tema, el director afirmó: “Vivo en una sociedad políticamente sensible. Todas las personas involucradas en mis películas viven en la misma sociedad, por lo que no podemos simplemente desengancharnos del contexto. Filmaré cosas que contengan temas políticos, pero nunca haré de mis películas una herramienta para la política”.

El director concluyó el tema diciendo: “Estas son las vidas auténticas de las personas. Así que no voy a eludir estos temas, pero según mi comprensión subjetiva del cine, nunca afiliaría políticamente mis películas. Son nuestros propios destinos, fortunas y desgracias en los que me gusta centrarme en mis películas. Y eso es en lo que espero que te concentres también en mis películas”.

El control de China sobre la producción artística del país se mencionó a lo largo de la conversación, y las estrictas políticas nacionales orientaron directamente los primeros pasos de Bing en el cine. “Desde que era estudiante en 1995, siempre me pregunté: si tuviera que hacer una película, ¿cómo sería esa película?” dijo el director sobre los inicios de su carrera. “Todo el mundo sabe que China tiene una administración bastante estricta sobre los largometrajes (en realidad, sobre todo tipo de películas), pero en 1999, los largometrajes eran el objetivo. En aquel entonces, los documentales eran más difíciles de ver para ellos, así que ese fue el momento y el espacio que tomé”.

Cuando Nyrabia le preguntó cómo intentó escapar tanto de las “limitaciones de la censura” como de las “reglas generales del mercado”, Bing dijo: “Al principio no era algo racional. Simplemente lo estaba tomando paso a paso. Tengo que ser honesto: no me gusta especialmente la gran maquinaria que funciona en China, el proceso de básicamente hacer que todo sea propaganda de alguna manera. Quería alejarme de eso”.

“Lo que noté en el año 2000 fue un período en China que era realmente esperanzador y traté de captar esa esperanza. Quería hacer un cambio o permitir el cambio haciendo mis películas. ‘West of the Track’ incluye todas mis intuiciones, observaciones y perspectivas sobre la sociedad de aquel entonces”.

Otro proyecto discutido en profundidad fue “Alone” de 2012, que sigue a tres hermanas que viven en la pobreza en la provincia china de Yunnan. Bing se mantuvo firme en negar haberse propuesto retratar la pobreza en sí misma, sino que reflexionó sobre cómo la situación de la película actúa como punto de partida para reflexionar sobre cuestiones sociales, como las políticas de control de la natalidad y la separación entre padres e hijos una vez que los proveedores necesitan. abandonar las zonas rurales para poner comida en la mesa.

«No era mi intención narrativa retratar la pobreza», dijo Bing. “La película trata sobre la conexión entre niños. Fueron las interacciones entre los niños lo que retraté: no pedía simpatía, sino enfatizaba el sentimiento de que los seres humanos crecen juntos”.

Hablando de su último trabajo, Bing dijo que “Youth (Spring)” nació de conocer a un grupo de adolescentes que querían trabajar en áreas más grandes de China en busca de mejores salarios y más oportunidades. El cineasta comenzó a seguir a los adolescentes, un viaje en expansión que resultará en una trilogía, cuyo director ya ha completado los capítulos uno y tres y espera terminar la segunda película en 2024.

Además de ser el Invitado de Honor de IDFA, Bing es objeto de una retrospectiva especial de seis películas y ha sido curador de la selección de las 10 mejores de este año en el festival. La selección, que puede verse íntegramente aquí, es un viaje a través del cine chino contemporáneo e incluye “Born in Beijing” de Li Ma, “Wheat Harvest” de Tong Xhu y “Old Men” de Lina Yang.

IDFA se realizará del 8 al 19 de noviembre.