Es posible que Tom Cruise haya encontrado su próximo proyecto y parece una película sin título de Alejandro G. Iñárritu, informa Deadline. El proyecto marcaría la primera película en inglés de Iñarritu desde The Revenant, ganadora del Oscar, que ganó el premio al Mejor Director (el segundo consecutivo de Iñarritu) y el premio al Mejor Actor de Leonardo DiCaprio.

La película será producida y dirigida por Iñárritu además de coescribir el guión con Sabina Berman, además de reunirse con los colaboradores de Birdman, Alexander Dinelaris y Nicolas Giacobone. El proyecto también es el primero de muchos con Warner Bros. después de que se anunciara que se había unido al estudio en una «asociación estratégica» el mes pasado.

La idea detrás de la colaboración entre Cruise y el equipo de estudio de Warner Bros. es ayudar a desarrollar películas nuevas y originales y llevar esas producciones a los cines, no hechas para transmisión. También rompería la carrera de Cruise como parte de franquicias populares.

Solo en los últimos diez años, ha hecho tres películas de Misión: Imposible, un inicio de franquicia fallido con The Mummy de 2017, una secuela de Reacher y Top Gun Maverick. La única anomalía en ese lapso es el American Made. Incluso Edge of Tomorrow, el favorito de los fanáticos, está basado en un manga.

No hay detalles de la trama disponibles aparte de que es una nueva historia original escrita por Iñárritu. La fecha límite continúa con cómo Cruise «tenía hambre de encontrar el próximo proyecto» y actuó rápidamente para reunirse con el director.

EXCLUSIVO: En lo que marcaría la primera película en inglés de Alejandro Iñárritu desde su gran éxito El Renacido, Las fuentes le dicen a Deadline que Warner Bros. y Legendary Entertainment están en negociaciones para una película sin título de Alejandro G. Iñárritu protagonizada por Tom Cruise.

La película está producida y dirigida por Iñárritu con un nuevo guión que coescribió en 2023 con Sabina Berman además de Alexander Dinelaris y Nicolas Giacobone, sus coguionistas en hombre pájaro, reuniéndose una década después. Esta también marca la primera película de Cruise (quien también producirá) luego del anuncio de su asociación estratégica con Warner Bros el mes pasado. Se espera que Legendary también produzca.

Este proyecto está siendo tratado como alto secreto, sin detalles de la trama disponibles en este momento aparte de que es una nueva historia original escrita por Iñárritu. Lo que sí se sabe es que en las últimas semanas el director ganador del Oscar ha estado manteniendo reuniones con unos pocos actores selectos, siendo Cruise uno de los primeros. La estrella de cine de primer nivel estaba hambrienta de encontrar ese próximo proyecto y se apresuró a reunirse con Iñárritu una vez que se enteró de que el director estaba avanzando con su próxima gran película de estudio. Tan pronto como terminó la reunión, Cruise subió a bordo.

El proyecto encaja con lo que Cruise, el director ejecutivo de Warner Bros. Discovery, David Zaslav, y los jefes de estudio de WB, Michael DeLuca y Pam Abdy, tenían en mente cuando la estrella de cine firmó su asociación estratégica el mes pasado con WB como algo original y destinado a ser visto. en las pantallas más grandes del mundo.

La película marcaría la primera película de estudio importante de Iñárritu desde que la dirigió. El Renacido, el gran éxito que no sólo recaudó más de 500 millones de dólares en la taquilla mundial, sino que también llevó al segundo Oscar consecutivo de Iñárritu, así como al primer triunfo de Leonardo DiCaprio en actuación. Iñárritu se tomó un descanso tras un tramo exhaustivo que también incluyó la dirección de su ganadora a mejor película hombre pájaro y había estado jugando con algunas ideas en 2019, pero finalmente centró su atención en su proyecto apasionante. Bardo en Netflix y presentó su próxima gran película de estudio hasta ahora.

En cuanto a Cruise, si bien había pasado la última década haciendo grandes éxitos de taquilla como su Misión imposible películas y Top Gun: Maverick, nunca ha rehuido desafiarse a sí mismo con directores de primer nivel en el pasado como Stanley Kubrick y Paul Thomas Anderson. Si bien nunca ha ganado, ha obtenido cuatro nominaciones al Oscar, tres de las cuales provienen de la actuación, y dado el historial de Iñárritu de entregar nominaciones al Oscar a actores que han protagonizado sus películas en el pasado, los votantes seguramente se darán cuenta una vez que esta película llega a los cines.

Cruise e Iñárritu están representados por CAA.

El productor de cine independiente y artístico Jon Kilik, a diferencia de muchos, mantiene la esperanza en esta película personal de presupuesto medio para adultos. “Esas son las películas que a los directores les encanta hacer y que el público todavía ama”, dice Kilik, homenajeado esta semana en el festival cinematográfico Camerimage de Polonia por trabajos de especial sensibilidad visual.

Habiendo llegado en avión desde un rodaje en Roma, Kilik confiesa que todavía le encanta estar en el set después de una carrera que abarca cuatro décadas, incluido el trabajo con Spike Lee, Julian Schnabel, Alejandro González Iñárritu, Jim Jarmusch y Oliver Stone.

Su último proyecto filmado en Europa, “In the Hand of Dante”, protagonizado por Gal Gadot y Oscar Isaac en un viaje metafórico a través del infierno hasta el paraíso, es característico de la pasión de toda la vida de Kilik por llevar a la pantalla obras desafiantes de literatura y arte.

Y ha demostrado una y otra vez que este tipo de películas tienen audiencia y son económicamente viables, señala, si se manejan correctamente, incluso si pocos en Hollywood estaban convencidos de eso inicialmente en muchos de los proyectos que ha producido.

Su trabajo con el pintor convertido en cineasta Schnabel (“La escafandra y la mariposa”, “A las puertas de la eternidad” y “Basquiat”) ha sido un buen ejemplo, dice Kilik, señalando que “todos fueron financiados fuera del sistema de Hollywood. «

«La escafandra», en particular, con su historia basada en las memorias de Jean-Dominique Bauby sobre cómo superar un derrame cerebral masivo aprendiendo a comunicarse sólo parpadeando con el ojo izquierdo, fue bastante difícil de vender incluso antes de que Johnny Depp se retirara del proyecto, lo que provocó que Universal para hacer lo mismo.

Después de estos acontecimientos, Kilik consiguió el apoyo francés y el reparto para la película, llevándola a Cannes, donde causó sensación y le valió a Schnabel el premio al mejor director.

Pero Kilik, que también produjo “Los juegos del hambre”, dice que incluso las películas que realiza y que están financiadas dentro del sistema están “realizadas de manera que creen libertad para la expresión artística”.

Su trayectoria parece confirmar esa premisa: “Babel” (2006) de Innaritu, producida por Kilik, fue nominada al Oscar a la mejor película y al BAFTA, al igual que “Diving Bell” (2007) y “Biutiful” (2010). Kilik también fue nominado tres veces para los honores del Producers Guild of America por “Babel”, “Diving Bell” y “Foxcatcher” (2014).

Kilik recibió conjuntamente el premio de distinción especial en los Independent Spirit Awards por producir “Foxcatcher”, la historia real de la obsesión fatal del multimillonario John Du Pont por patrocinar al luchador ganador de oro olímpico Mark Schultz, protagonizada por Steve Carell y Channing Tatum.

Y si bien busca imágenes artísticas únicas en cada proyecto que emprende, dice Kilik, su objetivo como productor no es proteger a un cineasta de preocupaciones comerciales “sino crear un sistema donde puedan hacer lo que mejor saben hacer. Hay público para estas películas”.

Los gigantes del streaming también quieren películas artísticas, señala Kilik, y cineastas como Spike Lee han demostrado ser expertos en seguir su propio camino y realizar el trabajo a tiempo y dentro del presupuesto. “Da Five Bloods” de Lee, un thriller ambientado en una antigua compañía de soldados de Vietnam exclusivamente negros y filmado por Newton Thomas Sigel, se proyectó en Camerimage en 2020 antes de encontrar un éxito comercial y de crítica.

Kilik también interpretó “Chi-Raq”, “25th Hour” y “Summer of Sam” de Lee, y ambas obtuvieron elogios de la crítica y el público.

Kilik también ha estado dispuesto a destacar entre la multitud por su fe en el futuro de los cines tradicionales y el valor de la experiencia genuina en pantalla.

Mientras estás en Europa, señala, a menudo ves carteles de películas de franquicias de superhéroes junto con los de películas artísticas realizadas localmente cuando vas al multicine. «Esperemos que sea lo mismo en Estados Unidos», dice. Y si bien el cine puede estar dominado por tiendas de campaña, todavía hay espacio para visiones más personales. «Se trata de que las películas puedan llegar al público en cualquier forma que puedan».

La próxima película de Kilik que se estrenará en Estados Unidos, “Ezra”, es la historia de Max Bernal (Bobby Cannavale), quien abandona su exitosa carrera para emprender una mucho más difícil como comediante. Es un proyecto que presenta muchas de las cualidades características de Kilik y que llegará a las pantallas el próximo año.

En una entrevista reciente, el director de Birdman, Alejandro González Iñárritu, se refirió a los comentarios que hizo sobre él el actor de Iron Man, Robert Downey Jr.

En declaraciones al medio británico The Independent, sobre su película más reciente Bardo, a Iñárritu también se le preguntó cómo se siente actualmente sobre los comentarios hechos por Downey Jr. en 2015 diciendo que Iñárritu era «brillante» para el vocabulario del director considerando que su idioma nativo no es el inglés. Cuando The Independent le preguntó si Iñárritu esperaba una disculpa en este momento, dijo «Por supuesto que no. Por supuesto que no. No espero eso».

«Honestamente, no podría importarme en absoluto. Estoy completamente en contra de lo que dijo, pero defenderé su derecho a decir lo que quiera. Todo lo que quiera decir está bien, pero para mí se lee completamente mal».

Los comentarios de Downey Jr. se produjeron después de que Iñárritu dijera que las películas de superhéroes eran un «genocidio cultural», en una entrevista con Deadline en 2014. En 2015, mientras Downey Jr. promocionaba Avengers: Age of Ultron, el actor respondió a una pregunta de The Guardian sobre los comentarios de Iñárritu, diciendo: «Mira, lo respeto muchísimo [and] que un hombre cuya lengua materna es el español pueda armar una frase como ‘genocidio cultural’ simplemente habla de lo brillante que es».

Iñárritu también compartió algunos pensamientos más sobre la industria cinematográfica tal como es actualmente, diciendo: «Todo se está volviendo similar. Hay más seguridad en las IP, los remakes, las cosas que ya tienen valor en la cultura popular. El material original es cada vez más sospechoso: no importa cuántos premios tengas».

Con la votación de los Oscar ahora en plena vigencia, podría ser apropiado compartir mi conversación con un hombre que ya ha ganado cinco de ellos y una vez más está a la caza de su primera película en siete años, Bardo, que ha sido preseleccionado como Mejor Largometraje Internacional. Alejandro G. Iñárritu se une a mí para la edición de esta semana de mi serie de videos Deadline, Detrás de la lente.

REALIZADO: Alfonso Cuarón, Guillermo Del Toro & Alejandro G. Iñárritu, Los “Tres Amigos”, Nos Llevan En Una Odisea A Través De Su Historia Y El Futuro Del Cine: The Deadline Q&A

Iñárritu se convirtió en el primer director en ganar premios Oscar consecutivos en la categoría, con hombre pájaro (2014) y el renacido (2015) — ya que Joseph L. Mankiewicz lo hizo con Una carta a tres esposas y Todo sobre Eve en 1949-50. Además de eso, también ganó Mejor Película y compartió Mejor Guión Original por hombre pájaro, además de llevarse un Oscar al Logro Especial por su notable cortometraje de Realidad Virtual de 2017 carne y arenaque se estrenó en Cannes.

amores perros (2000) marcó su primera nominación al Oscar, y muchas desde entonces, incluyendo 21 gramos, Babel, y Biutiful también ha sido reconocido con varias nominaciones importantes de la Academia. Pero su último título completo: Bardo: Falsa crónica de un puñado de verdades — es la más personal hasta el momento, una película sobre un cineasta que tiene muchas preguntas sobre la vida, pero no tantas respuestas. Es una exploración de numerosos temas cercanos a su creador, y hablamos de él, y también de la mayoría de las películas mencionadas anteriormente. Para ver nuestra conversación simplemente haga clic en el enlace de arriba.

Alejandro González Iñárritu analiza el estado del cine en la era del streaming.

El director de “Bardo” criticó las críticas de que las películas se diluyen en función de las plataformas de visualización y agregó que películas de la talla de Jean-Luc Godard o Federico Fellini todavía tienen éxito en la pantalla chica.

“Lo que me preocupa no es tanto la tecnología y las formas en que la gente ve el cine, sino que hay una dictadura de ideas detrás de eso. Se trata de las películas que se están haciendo para complacer a esos medios”, dijo Iñárritu a Deadline mientras conversaba con sus compañeros directores Guillermo del Toro y Alfonso Cuarón. “Si ves una película de Fellini o Godard en tu computadora, sigue siendo una gran película. No cambia el poder de la idea. Pero creo que las ideas se están reduciendo al tamaño de una computadora en términos de ideología, y creo que todos están participando en eso. La reducción de la idea es lo que debemos discutir, no las posibilidades del medio.”

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Iñárritu continuó: “Antes solo se escuchaba música en las salas de conciertos, y luego llegaron los discos, y luego la radio. Si escuchas Beethoven o Mozart en tus auriculares, ¿deja de ser buena música? Obviamente, es mejor ir a la sala de conciertos y escuchar a 120 músicos tocarlo en vivo, pero no importa cómo lo escuches, no disminuye la idea detrás de la música”.

“Bardo”, “Pinocchio” de Del Toro y “Roma” de Cuarón debutaron en la plataforma de transmisión Netflix, que hace que las películas estén disponibles para ver en computadoras portátiles e incluso en dispositivos móviles, así como funciones teatrales seleccionadas.

Del Toro estuvo de acuerdo con Iñárritu y dijo: “Creo que el tamaño de la idea es más importante que el tamaño de la pantalla, definitivamente. El cine, el lado financiero y de marketing, siempre ha tratado de estar limitado por reglas. En este momento, por ejemplo, escuchas algo como: «El algoritmo dice que la gente debe engancharse en los primeros cinco minutos de la película», pero eso era cierto en los años 70 y 80. Eso siempre ha sido cierto. Necesitas tener una secuencia de apertura fuerte”.

Del Toro agregó: “Creo que el cine que estamos viendo ahora es un cine posterior a Covid, posterior a Trump, posterior a la verdad, y es muy apocalíptico en cierto modo. Están ocurriendo grandes movimientos que son muy interesantes. Y no podremos verlos completamente hasta dentro de 10 años, pero eso no significa que no debamos discutirlos. Es un momento muy interesante en el cine. Gran parte se siente como el cine del final de los días, ya que la gente no lo discute en ese contexto. Creo que la belleza es que las nuevas voces se levantarán contra esta tontería de la misma manera que nos levantamos contra la tontería en nuestro propio tiempo”.

Cuarón luego concluyó: “Toda esta conversación sobre la muerte del cine, sí, probablemente sea la muerte del cine en la forma en que lo conoces, pero está surgiendo un nuevo cine, ¿y por qué estaría muriendo ahora? ¿Cuál sería la razón? Argumentan que, ‘Oh, menos gente va al cine’, pero no sé: más gente está enganchada a sus computadoras. Solo debemos reconocer que la nueva generación se relaciona con el cine de manera diferente. Por supuesto, me encanta la experiencia de ir al cine, y voy a ver películas en el teatro tan a menudo como puedo. Pero de ninguna manera voy a decir que es la única forma de experimentar una película. Hay mucho cine que estoy feliz de ver en una plataforma. Las plataformas están obteniendo el mayor éxito en todo esto porque no comparten sus números, sin abrir la conversación sobre qué tipo de apoyo teatral están recibiendo ciertos tipos de cine”.

Comparó el auge del streaming con la transición del cine mudo al sonoro: “A finales de la década de 1920 también hubo esta conversación sobre la muerte del cine, porque estaba entrando el sonido. Decían que no sobreviviría y que la gente dejaría de hacerlo. ir al cine”, dijo Cuarón. “Quiero aclarar, porque en esta conversación cuando hablamos de cómo se castiga el cine, y se castiga la ambición, eso no viene de las plataformas, porque la prueba está aquí… Creo que debemos recordar eso y sé más humilde sabiendo que vendrán nuevas generaciones y saca lo mejor de esas herramientas para crear un medio de expresión increíble. Entonces, creo que el cine prevalecerá”.

Los “Tres Amigos” también hablaron recientemente en un panel de la Academia en Los Ángeles la semana pasada. Lea el resumen de IndieWire aquí.

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Alejandro González Iñárritu tenía esperanzas de “Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia)” volando a través de un largo plano continuo. Sin embargo, el famoso director Mike Nichols disuadió a Iñárritu de volar demasiado alto con sus elevadas ambiciones.

Antes de la filmación de la comedia oscura de 2014, que ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión Original y Mejor Fotografía, el escritor y director Iñárritu buscó el consejo del director de «The Graduate» Nichols. La película sigue a un actor envejecido (Michael Keaton) que busca renovar su carrera en Broadway. Emma Stone, Naomi Watts y Edward Norton también protagonizan.

“Dos semanas antes de que empecemos a rodar, quiero tener el consejo de Mike Nichols, rey de la comedia”, dijo Iñárritu a The Hollywood Reporter. “Fue mi primera comedia. Fui a almorzar con Mike Nichols entre ensayos. Empiezo a decir, ‘Mike, estoy haciendo esta película en una sola toma con estos actores, en el teatro’. Cuando terminé me dijo: ‘Alejandro, deberías parar ahora. Estás corriendo hacia el desastre’”.

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El director de “Revenant” continuó: “Me temblaban las piernas. ‘¿Qué quieres decir?’ Empieza diciendo: ‘Una comedia se hace cortando. Cortas de un lugar a otro. Estos actores no son actores de comedia. No saben nada de teatro. Empieza a darme todos los puntos de un género que conoce muy bien. Y tenía toda la razón”.

Iñárritu admitió: “Estaba aterrorizado. Nos damos un abrazo, le dije, ‘Muchas gracias por tu consejo’. Llegué al ensayo y Edward Norton, estaba tan emocionado, ‘¿Cómo te fue con Mike Nichols?’ ‘Fue grandioso.’ Aprecié lo que dijo porque me puso en alerta roja. Necesitaba esforzarme mucho más. Aprecio que haya sido tan honesto conmigo y fue genial, pero fue aterrador”.

Nichols murió en noviembre de 2014, casi un mes exactamente después del lanzamiento de «Birdman».

El invitado de la mesa redonda de THR, el escritor y director de “TÁR”, Todd Field, señaló que incluso escuchó que Nichols advirtió a Iñárritu.

«Leí en alguna parte que cuando estabas haciendo Birdman, te reuniste con Mike Nichols y él dijo: ‘No hagas un oner [a long, continuous shot]’”, intervino Field.

Resulta que la toma más larga de «Birdman» es de aproximadamente 15 minutos, mientras que la mayoría de las secuencias duran alrededor de 10 minutos. Sin embargo, la película todavía tiene el efecto de ser una toma continua y llena de tensión mientras el personaje de Keaton desciende a la locura. Iñárritu colaboró ​​con el director de fotografía Emmanuel “Chivo” Lubezki para reflejar la sensación de una sola toma, y ​​Lubezki le dijo previamente a THR que los actores incluso ensayaron con transiciones de movimiento de cámara en mente.

“Tuvimos que cronometrar todos los cambios de iluminación, asegurándonos de que no se vieran sombras”, dijo Lubezki. “Éramos luces en movimiento; estábamos moviendo las difusiones. Había empuñaduras moviéndose conmigo. Cada vez que ves un tiro, había ocho personas moviéndose conmigo. Era como un ballet, eso es lo que lo hizo realmente emocionante”.

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“Bardo” de Alejandro González Iñárritu es la película más personal del director hasta la fecha, y posiblemente la más ambiciosa, lo que realmente dice algo cuando se habla del cineasta detrás de “Birdman” y “The Revenant”. Si bien esas películas tuvieron sus desafíos logísticos y físicos, “Bardo” puso a prueba a Iñárritu en un sentido más intelectual y emocional. “El tejido de esta película es diferente de cualquier otra película que haya hecho”, dijo al podcast Filmmaker Toolkit de IndieWire. “No hay historia, no hay estructura, no hay trama. Solo un paisaje mental de un personaje que viene de los últimos momentos de su vida y toda esta percepción onírica. Transmitir eso y materializar esas imágenes o sentimientos y recuerdos fue muy difícil de conseguir. ¿Cuál es la emoción que estamos tratando de transmitir y cuáles son los requisitos técnicos y físicos para que eso suceda? Era una ecuación a la que nunca antes me había enfrentado”.

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Para encontrar modelos para su narrativa inusual, Iñárritu buscó una fuente de inspiración poco probable. “En los años 70, me encantaban estos álbumes que eran álbumes conceptuales”, dijo. “No había solteros, no había división. Los álbumes de Pink Floyd, o Yes, o Genesis’ ‘The Lamb Lies Down on Broadway’. Álbumes como ese o el de David Bowie contaban una historia y las canciones se mezclaban y era solo una atmósfera, un estado de sueño y la historia es algo subjetiva. Entonces, la idea siempre fue esa: no necesariamente tener el acto uno, el acto dos, el acto tres; no construir o edificar algo, sino liberar y borrar los límites y fronteras entre géneros y compartimentaciones de las cosas. Esta película requería mucho más que otras porque estaba tratando de expresar cosas que no he resuelto, cosas que tengo que superar, vivencias, sueños. Recuerdos que no tenían sentido, que me decían algo que no entendía… que eran absolutamente misteriosos, pero que aparecían y me afectaban”.

Puede escuchar la discusión completa arriba o suscribirse al podcast de Filmmaker Toolkit a continuación.

El podcast de Filmmaker Toolkit está disponible en Apple Podcasts, Spotify, Overcast y Stitcher. La música utilizada en este podcast es de la partitura de «Marina Abramovic: The Artist Is Present», cortesía del compositor Nathan Halpern.

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“Creo que el cine es un medio muy generoso”, dijo Iñárritu. “Yo siempre digo que eso es agua, el cine es agua. Puede expresarse en una nube o en una taza de té o como lluvia o como un estanque, como un río, como un océano. El agua se puede expresar en tantas cosas que por eso hay tantos géneros, hay tantos tipos de películas, expresiones, posibilidades, es increíble, generosa y maleable. Pero personalmente, ahora estoy interesado en una forma de usar, digamos, el agua de manera que fluya hacia adentro”.

Continuó diciendo que, para lograr ese efecto, los cineastas deben deconstruir el cine como una forma de arte y hacer películas que rompan con las estructuras establecidas en la búsqueda de comunicar una verdad más profunda.

“No es solo una experiencia técnica objetiva con un lenguaje muy convencional de primer plano, primer plano, dos planos, por encima del hombro, plano general, maestro, siguiente, primer plano, primer plano, cambio. Este es el medio de contar historias”, dijo. “La narración al cine, nació, se adjuntó más tarde, pero la posibilidad de que la yuxtaposición de tiempo y espacio, imágenes y luz pueda usarse para llevarnos una experiencia y desencadenar quizás algunas posibilidades subconscientes sin la racionalidad de acto uno, acto dos, acto tres, trama, narración, chico conoce a chica, bla, bla, bla. De repente me encontré ansioso por explorar esa posibilidad porque esas son mis películas favoritas. Películas que no entiendo cómo se han hecho sin historia y de repente hay algo que me hace crecer como alma”.

“Bardo” se transmite en Netflix el 16 de diciembre.