El segundo segmento de «Treehouse of Horror II» es una parodia del episodio de «Twilight Zone» «It’s a Good Life» (3 de noviembre de 1961) en el que un joven llamado Anthony (Bill Mumy) posee poderes divinos. Los adultos en su vida se han vuelto torturados y aterrorizados atendiendo todos sus caprichos, y tienen que mantener una actitud positiva ante la crueldad infantil de Anthony; Crea tuzas de tres cabezas y luego las mata cuando está aburrido. Si alguien se porta mal, Anthony lo desea «al campo de maíz», un reino invisible de terror y/o olvido. En la versión del cuento de «Los Simpson», es Bart quien posee poderes divinos.

Sin embargo, debido a que Bart es un bromista tan irascible, sus poderes le otorgan la capacidad de ser infinitamente descarado y sus bromas telefónicas a la Taberna de Moe se vuelven más elaboradas. En lugar de engañar a Moe para que grite nombres cómicos, lo obliga a gritar: «Soy un idiota estúpido con una cara fea y un trasero grande y mi trasero huele mal y… me gusta besarme el trasero».

Un diálogo tan animado, escribió Reiss, nadie lo toma como algo personal. En programas de acción en vivo como «The Joan Rivers Show» o «ALF» (dos de los conciertos anteriores de Reiss), una broma cruel puede parecer mezquina. Se necesita mucho más para ser malo en la animación. Él explicó:

«Es muy liberador escribir para personajes de dibujos animados porque no se toman los chistes como algo personal. La hermana de Marge puede decir: ‘¿Me equivoco o simplemente engordé aquí?’ Y los sentimientos de Dan Castellaneta no se sienten heridos. Las líneas crueles vuelan libremente en Los Simpson y nuestros actores nunca se lo toman en serio».

Hank Azaria, sin embargo, odiaba la frase «trasero».

En un artículo de historia oral para la película (a través de SyFy), Carpenter divulgó su reticencia a hacer la película, principalmente porque amaba mucho la película de 1951 (la película de 1951 incluso aparece en un televisor en «Halloween» de Carpenter).

«No era algo que quisiera hacer», dijo Carpenter. «Universal tenía [the rights to] ‘The Thing’ y querían rehacerla. La ‘Cosa’ original era una de mis películas favoritas. Realmente no quería acercarme a eso. Pero releí la novela y pensé: ‘Sabes, esta es una historia bastante buena’. Si tenemos al escritor adecuado, la situación adecuada, podríamos hacer algo'».

Sin embargo, Carpenter todavía no estaba completamente vendido. Universal intentó tres veces distintas hacer la película sin Carpenter y fracasó en todas ellas. Luego, el estudio volvió a recurrir a Carpenter, y nuevamente el cineasta pareció vacilar y dijo: «Ustedes han fracasado tres veces. ¿Por qué quiero firmar en un proyecto fallido?». Sin embargo, finalmente Carpenter finalmente se unió y desarrolló el proyecto hasta convertirlo en la película que conocemos hoy. Una vez más: «The Thing» no fue un éxito de taquilla y durante años fue vista como un fracaso. Sin embargo, el tiempo ha sido amable con la película y en estos días también es aclamada como una película clásica de Carpenter.

Ahora supongo que todo lo que queda por hacer es debatir el final de la película.

El arte de Frank Stella se clasifica como arte minimalista, pintura analítica y hard edge. A lo largo de su vida intentó ampliar las posibilidades de la pintura al espacio. Ahora ha muerto en Manhattan a la edad de 87 años.

Frank Stella atrajo la atención del público con su provocativa tematización de escenas nacionalsocialistas con títulos como “El trabajo te hace libre”, el lema de entrada al campo de concentración de Auschwitz, o “¡La bandera arriba!”, que lleva el nombre del primer verso de Horst. Canción de Wessel. Stella llamó a estas obras, creadas a finales de la década de 1950, “Pinturas Negras”.

A principios de los años 60, época en la que el galerista progresista Leo Castelli también tomó conciencia de él, Stella comenzó a experimentar con soportes de cuadros de formas arbitrarias sobre los que disponía líneas de color regulares, sólo interrumpidas por espacios en blanco. Vio las geometrías estrictas como un intento no sólo de tirar por la borda la tradición pictórica europea, sino al mismo tiempo de distanciarse del expresionismo abstracto.

Alejándose de la tradición europea

En una aclamada conversación con Bruce Glaser, periodista de arte y profesor universitario, y Donald Judd, confiesa alejarse de la tradición europea al rechazar fórmulas compositivas que logran un equilibrio de medios artísticos. En cambio, postula el uso auténtico de los medios para ver la idea de imagen sin confusión alguna -ni cargada ni connotada simbólicamente- y concluye su reflexión con el conocido dicho: «Ves lo que ves».

Stella vio su pintura como un “objeto específico”, un objeto libre de elementos narrativos. Con sus híbridos pictóricos logró una nueva fusión de pintura y escultura, que también lo convirtió en el fundador de una nueva concepción del arte.

Con la serie “Pueblos polacos” de 1971, Stella hizo un cambio de estilo y técnica. El ensamblaje pasó a primer plano con obras tridimensionales de gran formato, en su mayoría hechas de madera, metal y cartón y también dotadas de color, que no sólo recuerdan a modelos arquitectónicos y relieves, sino que también los presagian desde el principio.

Mientras que en sus primeros años Stella había reducido la pintura a las convenciones de su definición trabajando con patrones geométricos simples y minimalistas, en sus últimos años «maximalistas» formuló la pregunta al revés.

William Rubin, uno de los mejores expertos en la obra de Stella, escribió en el catálogo de 1991 de la exposición en la Galería Beyeler: “¿Cuánto podría pedir prestado a las bellas artes, la escultura y la arquitectura vecinas para poder seguir hablando de imágenes? ¿Y cuántas de las convenciones de la pintura que ya no son vinculantes, como el diseño, la estructura espacial y, en última instancia, el estilo narrativo, podrían reutilizarse en una forma de arte que siga siendo completamente abstracta?

Diseño de la Casa Axel Springer

Este nuevo comienzo no fue un cambio total de dirección y, sin embargo, el cambio fue radical. La técnica y el lenguaje pictórico cambiaron; las nuevas obras demuestran un alejamiento casi total del estilo geométrico anterior y un giro hacia una alegría nueva, improvisada y desenfrenada por las curvas. Inicialmente se trata de relieves metálicos sin pintar, luego los pintará y así expandirá la pintura a la sala, por lo que estas obras tienen no sólo una proximidad formal sino también motriz con las esculturas de John Chamberlain.

Durante los últimos veinte años, Stella ha participado en la implementación arquitectónica de sus obras. Su idea de diseñar una galería de arte en Dresde no se hizo realidad, pero en 1996 se realizó el vestíbulo de la Casa Axel Springer en Hamburgo. Los proyectos arquitectónicos recuerdan en sus gestos y colores las fantasías arquitectónicas de Hermann Finsterlin y, en ocasiones, también de Frank Gehry.

En 2005 expuso esculturas monumentales en el jardín de la azotea del Museo de Arte Moderno que rompieron claramente los formatos anteriores. En sus esculturas más recientes se ha alejado cada vez más de sus pinturas, collages y relieves; sus esculturas son voluminosas y muestran una tendencia al dinamismo: las afinidades con las obras de Anthony Caro o los constructivistas rusos Tatlin y Lissitzky son inconfundibles.

Los fanáticos de los cómics no eran los únicos que esperaban que Hugh Jackman mantuviera sus garras envainadas después de Logan, ya que resulta que el presidente de Marvel Studios, Kevin Feige, advirtió a la estrella de Wolverine que no regresara también.

El cerebro del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU) habló sobre el regreso del actor para Deadpool & Wolverine durante una entrevista con Imperio. Feige dice que se sintió tan conmovido como todos los demás cuando Logan entregó una conclusión adecuada para la versión de Jackman del héroe mutante en 2017.

“Le dije: ‘Déjame darte un consejo, Hugh. No vuelvas’”, añadió Feige. “’Tuviste el mejor final de la historia con Logan. Eso no es algo que debamos deshacer’”.

Muchos probablemente estarían de acuerdo con la orientación de Feige en ese momento. Jackman fue presentado por primera vez como una versión de Wolverine con traje de cuero para X-Men en 2000 y repitió su papel en una larga lista de secuelas y películas independientes durante años después. Logan buscó cerrar ese tiempo con una historia con clasificación R que se centrara en una versión anterior del personaje, y muchos estarían de acuerdo en que le dio a Jackman y sus fanáticos una despedida apropiada.

Jackman parece estar de acuerdo, pero cuando la oportunidad de protagonizar junto a Deadpool de Ryan Reynolds cayó ante sus pies, supo que el trabajo era demasiado bueno para dejarlo pasar.

“Llevaba aproximadamente una hora conduciendo”, recuerda. “Y me vino a la cabeza esa pregunta: ‘¿Qué quiero hacer?’ Y tan pronto como hice la pregunta, quise hacer Deadpool & Wolverine. Simplemente lo sabía. Conduje durante otra hora. No podía dejar de pensar en ello. Y salí del auto, llamé a Ryan y le dije: ‘Ryan, si me aceptas, me apunto’. «

Feige señala que Wolverine que conoceremos en la tercera película de Deadpool de Reynolds no es exactamente la misma persona que los fanáticos conocen de cualquiera de las películas anteriores de Jackman de 20th Century Fox X-Men. Con suerte, eso le dará al MCU el espacio suficiente para mantener el lugar de Logan como una despedida adecuada y, al mismo tiempo, brindarle al público un último viaje brutal con el mutante con garras favorito de todos.

Deadpool & Wolverine incorporará a sus personajes principales al MCU cuando llegue a los cines el 26 de julio de 2024. Para obtener más información, asegúrese de leer sobre por qué los espectadores no tendrás que hacer ninguna tarea adicional antes de ver la película este verano. También puedes ver por qué. El cocreador de Deadpool, Rob Liefeld, cree que la película presenta algunas de las mejores escenas de acción del MCU..

Michael Cripe es colaborador independiente de IGN. Comenzó a escribir en la industria en 2017 y es mejor conocido por su trabajo en medios como The Pitch, The Escapist, OnlySP y Gameranx.

Asegúrate de seguirlo en Twitter @MikeCripe.

Parece que el Galaxy S24 fue un gran éxito en el primer trimestre porque, según información nueva, Samsung superó su objetivo de producción en un impresionante 22% en el primer trimestre de 2024. La compañía fabricó un 22% más de dispositivos de lo que había previsto. al principio.

Samsung ha logrado desafiar sus propias expectativas ya que la compañía fabricó 65,4 millones de dispositivos en el primer trimestre de 2024.

The Elec informa que Samsung fabricó 65,4 millones de dispositivos en el primer trimestre de este año. La cifra puede ser pequeña, pero cuando se observa el hecho de que es un 22% más que el objetivo inicial de 53 millones, las cosas empiezan a tener más sentido. Tenga en cuenta que este número no incluye los dispositivos Galaxy fabricados por el contratista externo Wingtech. Esto significa que hubo una fuerte demanda a principios de año, con el Galaxy S24 produciendo resultados realmente estelares y los dispositivos más asequibles también obteniendo una parte justa del mercado.

Informes anteriores indicaron cómo Samsung había aumentado el objetivo de ventas del Galaxy S24 para el primer trimestre de este año, todo gracias a una fuerte demanda en los primeros meses. La firma surcoreana buscaba vender 12 millones de unidades de los nuevos teléfonos en los primeros tres meses de este año, pero elevó el objetivo a 13 millones de unidades. Por el momento, las ventas combinadas de las tres variantes del Galaxy S24 siguen siendo un 8% más altas que las ventas combinadas de todas las variantes del Galaxy S23.

Conocemos el plan de Samsung de vender 253 millones de teléfonos inteligentes Galaxy sólo este año. De este impresionante número, se dice que 51 millones de dispositivos son modelos emblemáticos, desde el Galaxy S24 hasta los próximos dispositivos Galaxy Z, que se lanzarán a finales de este año.

Es seguro decir que Samsung está disfrutando de su tiempo en el mercado y, si todo va tan bien como va, es posible que veamos algunos dispositivos y resultados realmente interesantes en el futuro próximo. El gigante tecnológico surcoreano finalmente está mostrando signos de recuperación de la recesión global que arrasó al mundo. Esta es otra victoria para Samsung porque recientemente informamos que la compañía logró arrebatarle el primer puesto a Apple una vez más.

Cameron cambió la opinión de Schwarzenegger asegurándole que, incluso como villano, al público le encantaría su personaje. «Cameron dijo que filmaría de tal manera que todas las cosas malvadas que hago serían totalmente excusadas por el público porque soy una máquina genial», explicó Schwarzenegger, «y tan genial que algunas personas aplaudirán». «.

La simpatía del T-800 aumentó aún más en la segunda película. Esta vez no solo jugó como un aliado, sino que también pasó más tiempo interactuando pacíficamente con los humanos. Hay mucha comedia que sacar de este robot que no comprende los muchos matices del comportamiento humano, especialmente cuando el comportamiento proviene de un niño pequeño como John Connor. Verlo aprender la jerga de los 90 es encantador, incluso si (o tal vez porque) no comprende qué hace que la jerga sea divertida en primer lugar. Sus interacciones con los humanos nos invitan a mirarnos a nosotros mismos desde una nueva perspectiva, apreciando todas las pequeñas peculiaridades del ser humano que normalmente damos por sentado.

Lo más notable es que a pesar de los constantes recordatorios de la película de que el T-800 no tiene emociones, eso no nos impide humanizarlo de todos modos. Incluso cuando nos dice directamente que mataría a John y Sarah sin dudarlo si su programación alguna vez se lo dijera, al final de «T2» no podemos evitar verlo como un amigo. Interpretar una máquina sin emociones puede parecer un papel ingrato, pero Schwarzenegger imbuyó al personaje con constantes indicios de que algo más profundo estaba sucediendo debajo de la superficie. De alguna manera le dio profundidad a una máquina sin vida y en el proceso nos brindó una de las mejores actuaciones de su carrera.

Desde el principio quedó claro que no habría Archie y Edith en «All in the Family» sin Carroll O’Connor y Jean Stapleton. Sin embargo, los papeles de Gloria, la hija de los Bunkers, y su esposo Mike, fueron reestructurados para los dos pilotos que Lear filmó para ABC. Después de que CBS comprara los derechos del programa, se produjo un tercer piloto, momento en el que Reiner finalmente fue elegido como Meathead para Gloria de Sally Struthers. Así es como Reiner relató el proceso:

«Ese episodio [of ‘Headmaster’ I starred in] fue una de las razones por las que obtuve ‘Todo en la familia’ […] creo que tuve [originally] Hizo una audición cuando era piloto en ABC. ‘All in the Family’ había hecho dos pilotos en ABC y luego, cuando finalmente salió al aire, pasó a la CBS. Y Sally Struthers y yo éramos el tercer grupo de Mike y Gloria. Y recuerdo que hice una audición para una versión anterior y dijeron que no la entendí. Pero creo que Norman Lear vio mi trabajo en [‘Headmaster’] y volví a hacer la audición. Creo que sintió que había madurado como actor y me dio el papel en la CBS. [version of ‘All in the Family’]».

Reiner, como admitió en la misma entrevista, siempre estuvo más interesado en escribir y dirigir que en actuar, por lo que no es de extrañar que Mike terminara convirtiéndose en el papel definitivo de su carrera en pantalla. Por otro lado, la actuación de Reiner en «Todo en familia» fue una encarnación bastante perfecta de las fortalezas y debilidades de los hombres hippies cishet blancos de su generación, hasta el punto de que es difícil imaginar que alguna vez lo supere. ¿En cuanto a qué pasó con tipos como Mike cuando eran mayores? Bueno, tal vez sea revelador que Reiner más tarde interpretó al padre de Jordan Belfort en «El lobo de Wall Street».

Mitchell ganó el Premio Pulitzer de Ficción por escribir la novela «Lo que el viento se llevó», que se convirtió en un éxito de ventas. La eventual adaptación cinematográfica fue protagonizada por Vivien Leigh, Clark Gable, Hattie McDaniel y Olivia de Havilland (que vivió hasta los 104 años). La película fue nominada a 13 premios de la Academia y ganó ocho, incluida la de Mejor Película (también ganó un Oscar honorífico por su uso del color). A través de una serie de relanzamientos, finalmente se convirtió en el monstruo de taquilla más grande del mundo; Ajustada a la inflación, sigue siendo la película más taquillera de la historia. En una época en la que el monocultivo prevalecía más que ahora, «Lo que el viento se llevó» fue una sensación en toda regla.

Incluso teniendo en cuenta algunos de los temas cuestionables o francamente ofensivos de la película (aspectos que ahora se abordan en una introducción de video previa a la película en el servicio de transmisión Max), es difícil argumentar que Selznick no tomó la decisión correcta al cambiar de opinión y adquiriendo los derechos de la película cuando lo hizo, ya que la película básicamente definió su ya estelar carrera y se convirtió en uno de los clásicos más duraderos que la pantalla grande haya conocido.

«Lo que el viento se llevó» ocupó el puesto número tres en nuestra lista de las mejores películas de Clark Gable; Echa un vistazo al resto si estás interesado en una exploración más profunda de la carrera del actor. (Me gusta especialmente «Manhattan Melodrama», que también fue producida por Selznick).

Es posible que Nimona, nominada al Oscar y una de las mejores películas animadas de Netflix, haya conquistado YouTube después de un lanzamiento gratuito limitado sorpresa en el sitio, pero la película casi fue descartada por completo en 2021.

La película, nominada a Mejor Película Animada en los Premios de la Academia de este año, se lanzó en YouTube para verla de forma gratuita el 19 de febrero durante un período limitado de una semana. En ese tiempo, acumuló 3 millones de visitas, según un Tweet del codirector Troy Quane.