Según el sitio web ShotOnWhat?, «Oppenheimer» se filmó con cámaras réflex IMAX MKIII, cámaras réflex IMAX MKIV, cámaras IMAX MSM 9802 y cámaras Panavision System 65. Utilizó películas Kodak y Eastman. Este tipo de cámaras son tan raras que, si una se estropea, no se puede reemplazar fácilmente. Un operador de cámara inteligente simplemente tendrá que abrir la máquina y repararla in situ. Esto es lo que pasó durante la escena de amor entre Pugh y Murphy.

Como ocurre con muchas escenas de amor, era un set cerrado, pero cuando la cámara se rompió, hubo que traer a un técnico anónimo para que hiciera las reparaciones necesarias. Pugh, para reducir la incomodidad, se dirigió al nuevo técnico. Ella dijo:

«En medio de nuestra escena de sexo, la cámara se rompió. Nadie lo sabe, pero así fue. […] Nuestra cámara se rompió cuando ambos estábamos desnudos y no era el momento ideal. […] Cillian y yo estamos juntos en esta habitación. Es un set cerrado, así que ambos sostenemos nuestros cuerpos así. [hugging herself]. […] Pienso, bueno, este es mi momento de aprender. ‘Entonces dime, ¿qué le pasa a esta cámara?’ Simplemente crea tus momentos. Yo estaba como, ‘¿Qué está pasando con la contraventana aquí, amigo?'»

Pugh no reveló lo que aprendió sobre el funcionamiento de la cámara en ese momento, pero sin duda, el técnico le dio toda la información que necesitaba. Más que nada, Pugh quedó impresionado con lo profesionales e ingeniosos que eran todos los realizadores:

«Fue una locura que todas las personas en este set tuvieran tanto conocimiento y estuvieran tan listas para hacer este tipo de película que no hubiera ningún momento aburrido. Todo fue increíble. Nos sentimos como si tuviéramos suerte de estar ahí cada segundo de la película». día.»

En Diarios de caja negra, la directora Shiori Ito se enfrenta a abusos pero también a un sistema legal profundamente defectuoso. Su búsqueda de justicia comienza en la primavera de 2015. En aquel entonces, una joven pasante en Thomson Reuters, Ito se encontró en una situación de pesadilla con Noriyuki Yamaguchi, una destacada figura de los medios con conexiones políticas en Japón. En ese momento, trabajaba en Tokyo Broadcasting System Television y era el biógrafo personal de Shinzo Abe, ex primer ministro de Japón.

Ella denunció el incidente y se enfrentó a desafíos formidables mientras navegaba por un sistema legal plagado de leyes obsoletas que imponían la carga de la prueba a las víctimas. La lucha de Ito no fue sólo contra su agresor sino también contra un marco social que silencia a los sobrevivientes. Al enfrentarse a la calumnia pública, el difamación y la abrumadora realidad de enfrentarse a un Yamaguchi, no tenía idea de que actuar como periodista de investigación para su propia historia impulsaría al país a su propia ola de protesta #metoo. La resiliencia de Ito llevó a una conversación más amplia sobre la violencia sexual en Japón, desafiando las normas y provocando un movimiento hacia el cambio legal y cultural.

Con acceso inquebrantable, seguimos a Ito mientras graba conversaciones de forma encubierta, persiguiendo pistas desesperadamente antes de que la verdad pueda ser enterrada para siempre. Cuando incluso el único investigador comprensivo es retirado de su caso, probablemente por las conexiones de Yamaguchi, se confirma una conspiración a nivel nacional para encubrir agresiones respaldadas por poderosos. Sin embargo, Ito no responde con resignación, sino ampliando sus aliados, aprendiendo por sí misma los procedimientos legales y apoyándose en reforzar a los amigos, modelando la estructura de apoyo que los individuos necesitan cuando corroboran el abuso sistémico.

Ito permite que la cámara capture íntimamente sus luchas en busca de justicia. Somos testigos del inmenso trauma psicológico que obliga a Ito a depender de pastillas para dormir sólo para descansar, la paranoia de la vigilancia constante fuera y posiblemente dentro de su casa, y el aislamiento de ser tildado públicamente de mentiroso. Observamos sus expresiones mientras procesa información traumática sobre su propio ataque y vemos el flujo y reflujo cuando se da cuenta de que no puede separarse del trabajo realizado en su propia historia. La realización cinematográfica precisa nos sitúa en su mentalidad a través de esta agotadora investigación, capturando la tristeza, la alegría y la determinación que la empujan hacia adelante a pesar de todo el impulso en su contra. La policía a menudo le dice a Ito que su historia existe sin ser vista en una “caja negra” burocrática; Ito construye un perfil de resiliencia dentro de un sistema alineado contra las sobrevivientes de agresión sexual.

Más que una crónica personal, Diarios de caja negra denuncia sistemas que permiten a los influyentes actuar con impunidad. Cuando las instituciones destinadas a proteger ignoran el abuso, la investigación DIY de Ito sirve como manual para eludir a los guardianes de la verdad. Su historia une lo personal y lo político, demostrando que la única opción cuando se lucha es seguir adelante, a través de cámaras ocultas si es necesario.

Para Ito, el cierre lo supera todo, lo que la película presenta como la mentalidad necesaria al investigar el propio abuso. Un llamado a la rendición de cuentas más allá de las fronteras, sugiere que a veces los periodistas son los más valientes entre nosotros, superando lo que derrota a otros en pos de lo que más importa.

Como dijo Ulf Andersson, 10 Chambers está “de nuevo en esa mierda de atraco”. Su último proyecto, Den of Wolves, fue anunciado durante The Game Awards luego de la despedida de GTFO y su último parche de contenido importante, Rundown 8.0 Duality. A pesar de una diferencia de cien años entre los infames atracos de Payday y Den of Wolves, todavía hay una base común que 10 Chambers busca recrear con su último shooter cooperativo.

Den of Wolves comienza presentándose como un título que no se acerca a ser tan específico como GTFO. Simon Viklund (con quien hablamos en una sesión de preguntas y respuestas aparte) habló sobre los dos proyectos en los que 10 Chambers ha estado trabajando desde su fundación como los juegos «que tenemos que hacer». De manera similar, 10 Chambers no fue un estudio fundado solo para crear GTFO y títulos incondicionales similares que solo atraigan a un público específico. En cambio, Simon y su equipo querían producir algo más parecido a Payday 2 y ser más accesible para los jugadores. Independientemente de la dificultad y la accesibilidad, Simon enfatizó la necesidad de “pasionarnos por lo que queramos hacer y disfrutar del viaje, no perderlo de vista”.

Los pasillos oscuros que componían las diversas expediciones y recorridos de GTFO se han cambiado por un escenario donde los jugadores pueden ver el sol de vez en cuando. Esta era la oportunidad que buscaba 10 Chambers para crear algo más ambicioso. Para ayudar con esa oportunidad, Tencent intervino y ayudó a realizar una importante inversión en 2020, lo que permitió a 10 Chambers crecer como estudio de 10 a un número actual de 107, que pronto se convertirá en una plantilla de 125.

Para crear el ambiente, Simon y su equipo presentaron un breve video para discutir la estética que pretenden lograr en Den of Wolves, completo con música compuesta por el propio Simon y narración profesional. El mundo que han creado se inclina hacia el hipercapitalismo que ha podido extenderse sin control a través de redes neuronales e inteligencia artificial de aprendizaje profundo ya a mediados del siglo XXI. A medida que las economías y los mercados de valores colapsaron, las corporaciones cambiaron su enfoque hacia la tecnología neuronal y fundaron una isla central que alberga Midway City, el centro centralizado para el comercio global y el escenario de Den of Wolves que se puede encontrar en el Océano Pacífico Norte.

No sería un ambiente ciberpunk apropiado inspirado en Gibson sin las corporaciones que financian a trabajadores independientes y corredores para que se encarguen de los trabajos sucios fuera de los libros. Una herramienta en ascenso para los biohackers conocida como Dive era crucial para penetrar los sistemas neuronales, pero requería una presencia física para lograrlo. Las inspiraciones para Den of Wolves son numerosas y, a menudo, provienen de lugares inverosímiles. Simon Viklund habló con nostalgia sobre Strange Days de Kathryn Bigelow, un thriller de 1995 donde la única pieza de tecnología (SQUID) que es futurista es la que sirve como impulso narrativo.

Para 10 Chambers, el objetivo de Den of Wolves era crear una propiedad intelectual original donde el foco principal fuera la ciencia ficción con un propósito. Si hay un concepto interesante que desean explorar, entonces deberían trabajar desde adentro hacia afuera y primero idear esas mecánicas interesantes y luego explicar por qué es parte del mundo. Los enemigos, los dispositivos, las armas y las mecánicas de juego se mencionaron como cosas que 10 Chambers primero quiere hacer «divertidas» y luego justificar en el escenario de Den of Wolves.

Simon admitió que originalmente se habían quedado sin ideas para Payday 2, pero esos años sin realizar atracos ayudaron a rejuvenecer la inspiración de los equipos para regresar al género. Como es el estándar del género, los atracos se centran en la cooperación de cuatro jugadores (apoyando a menos jugadores si es necesario, pero no había garantía de que la experiencia fuera la misma. Sigue siendo un enigma que 10 Chambers pretende resolver, ya sea que El objetivo es incluir bots o ajustes dinámicos de dificultad para adaptarse al número reducido de jugadores.

Den of Wolves contará con esas características que hacen que no sólo el atraco en sí sea memorable sino también las fases de preparación y planificación. 10 Chambers está presionando para que la experiencia sin cita previa con aleatorios sea positiva en lugar de la posibilidad de un duelo constante como el que muchos streamers habían influenciado con GTFO. Para facilitar la fase de planificación, el equipo tomó la decisión de diseño consciente de que los jugadores formularan un plan incluso antes de comenzar el mapa. Los jugadores elegirán un punto de entrada y de extracción antes de comenzar el atraco, mientras un navegador dinámico guía las comunicaciones del juego para ayudar a ejecutar el plan acordado. Demasiadas rondas de Payday se han vuelto ruidosas demasiado pronto, donde los planes cambian repentinamente a interpretar a Heat en lugar de un B&E rápido y tranquilo. Den of Wolves se centrará en que los jugadores puedan recuperar el control y calmar una situación, haciendo que cada atraco parezca menos predecible y otorgando a los jugadores más agencia en cómo abordan cada misión.

Al igual que GTFO, 10 Chambers planea lanzarse en Steam Early Access, pero también un lanzamiento de consola una vez que lleguen a 1.0. Sintieron que GTFO se compartió demasiado pronto antes de que estuvieran listos, lo que obligó a retrasos innecesarios y eso es algo de lo que Simon quería adelantarse primero. No se han establecido planes más allá de un posible año de lanzamiento y esos detalles llegarán en el futuro. Simon terminó comentando que tienen la intención de apoyar a Den of Wolves con microtransacciones, pero pusieron un fuerte énfasis en mantenerse alejados de esos escenarios de juego o pago para ganar en los que tienden a caer las cajas de botín. Como lo expresa su equipo, Den of Wolves no incluirá ninguna “maldita matemática”. Por supuesto, los planes para microtransacciones y DLC aún están en el aire, pero si 10 Chambers y Tencent los integran en su último título, Simon Viklund promete que serán únicamente cosméticos.

Beyoncé sabe por lo que han pasado sus fans para llegar a su Renaissance World Tour.

Como ella dice en Renacimiento: una película de Beyoncéella misma ha cambiado al ver a sus ídolos actuar en vivo.

Por eso puso toda su energía en la dirección creativa de su programa. Esos esfuerzos se muestran plenamente en la película del concierto, que es tanto un documental detrás de escena y una rara entrevista con Beyoncé como un regalo para el mejor asiento de la casa para la actuación de casi tres horas.

De hecho, la película comienza con un homenaje a Beyhive, mientras se preparan para entrar al estadio para el espectáculo. Mientras bailan afuera y corren hacia sus asientos, Beyoncé está detrás del escenario preparándose para acercarse al micrófono. Cuando lo hace, canta maravillosamente “Dangerfully in Love” para abrir el espectáculo.

Ver a Beyoncé actuar en vivo puede ser similar a una experiencia religiosa. ¿Necesita pruebas? Basta con mirar las reacciones de los fans de todo el mundo, que están al frente y al centro de esta película, mientras disfrutan de su presencia en el escenario durante todo el espectáculo.

Las imágenes y la iluminación son impresionantes en la pantalla e incluso más inmersivas de lo que parecen en el lugar durante el show en vivo, ya que la cámara a menudo parece estar engullida por la monstruosa pantalla en la parte trasera del escenario. En lugar de engañar al público haciéndoles creer que esta película se rodó en el transcurso de una o dos noches, Beyoncé elige resaltar numerosas paradas en su gira de Las Vegas a Barcelona, ​​principalmente a través de su vestimenta, que a menudo cambiaba a mitad de la canción en la pantalla.

Pero por más impresionantes que sean cada faceta de la actuación, los elementos más fascinantes de la película son aquellos que los fanáticos nunca pudieron ver desde sus asientos.

Beyoncé, quien también dirigió la película, lleva a los espectadores detrás de escena de la creación del Renaissance World Tour, desde el principio. Fueron necesarios cuatro años e innumerables iteraciones de su enorme y alucinante etapa para decidirse por el producto final. No sólo celebra sus propios logros, sino también los de su equipo, muchos de los cuales son mujeres, como señala con orgullo.

Renacimiento: una película de Beyoncé no sólo celebra lo bueno, sino que también da una idea de las dificultades técnicas durante varios espectáculos, así como de los momentos difíciles de la propia cantante, que se sometió a una cirugía de rodilla apenas un mes antes de que comenzaran los ensayos de la gira.

Además de Beyoncé, la intérprete y directora creativa, el público también podrá ver muchas imágenes conmovedoras de Beyoncé como madre. Blue Ivy, su hija mayor, subió al escenario con ella casi todas las noches de la gira, una decisión que Beyoncé explica que no tomó a la ligera.

Los hermanos menores Rumi y Sir también estuvieron presentes en muchas de las paradas de la gira. Mientras deja el escenario y el aplauso de 70.000 fans detrás cada noche, Beyoncé se pone en modo mamá, asegurándose de que sus bebés sean cuidados, y las cámaras la siguen.

Teniendo en cuenta que Beyoncé generalmente permanece fuera del ojo público, la visión íntima de su vida en esta etapa de su carrera es un placer especial. Habla sobre las pruebas que ha enfrentado en sus 27 años de carrera y cómo ha navegado su vida como madre, empresaria y artista discográfica. A veces, uno podría anhelar una vulnerabilidad aún mayor a medida que el metraje pasa a otra actuación del Renaissance Tour.

Con tantas imágenes detrás de escena, no debería sorprender que no cada La canción de su concierto en vivo está incluida en la película. Pero los fanáticos disfrutarán de muchos de los aspectos más destacados, incluida la mayoría de los Renacimiento álbum. El público también puede esperar algunos de sus grandes éxitos, como “Drunk in Love”, “Partition” y “Formation”.

También se incluyen actuaciones invitadas especiales de Megan Thee Stallion en Houston y Kendrick Lamar en Los Ángeles (una redención para Lamar, ya que problemas de audio impidieron que el público escuchara la mayor parte de esa actuación en vivo). Y, por supuesto, no podían olvidar presentar a Diana Ross subiendo al escenario para cantarle “Feliz cumpleaños” a Beyoncé durante su parada de la gira de Los Ángeles el 4 de septiembre.

Sin embargo, lo que falte no dejará al público carente. La película captura todo el espectáculo y la energía que hacen que la gira mundial Renaissance de Beyoncé parezca legendaria.

Renacimiento significa renacer. A través de su programa, Beyoncé dice que espera que los fanáticos se sientan renovados y liberados. Es probable que así también los espectadores abandonen la película.

Título: Renacimiento: una película de Beyoncé
Distribuidor: Teatros AMC
Fecha de lanzamiento: 1 de diciembre de 2023
Director: Beyoncé
Elenco: Taylor Swift
Clasificación: No clasificado
Tiempo de ejecución: 2 horas 48 minutos

Al principio de su viaje por el desierto, Ciri ve lo que parece ser un oasis resplandeciente. Ella se acerca, desesperada por adentrarse en las aguas cristalinas, pero Little Horse, su guía unicornio que parecía salir del cielo azul claro, le advierte que no lo haga. Ese manantial del desierto es en realidad una trampa tendida por un enorme monstruo dentudo que se esconde justo debajo de la arena. No es el oasis la salvación de Ciri; es Caballito.

En un artículo de TUDUM, Allan recordó sus experiencias trabajando con Little Horse. «En realidad era un caballo de circo», reveló. Allan ha mostrado una extraordinaria gama de capacidades frente a la cámara en «The Witcher», desde el trabajo de acento y conlang hasta la interpretación de acrobacias. Tiene sentido que la emparejen con un caballo que ha pasado su vida trotando, galopando y saltando cuando se le ordena. El asistente de dirección Harry Boyd los entrenó a los dos a través de sus escenas juntos, pero Allan sintió que su principal prioridad era forjar una conexión más profunda con el caballo.

Cuando Little Horse es gravemente herido por un monstruo insecto, Ciri tiene que tomar una decisión profunda: ¿debería usar la peligrosa magia de fuego para curar a este gentil consejero o dejarlo desperdiciado en el calor? Allan recordó el momento conmovedor que compartieron en la pantalla: «Me acosté en el desierto con él y literalmente le di una cuchara al maldito caballo». […] Fue increíble y fue hermoso».

Finalmente, Ciri cura al caballo y encuentra el camino de regreso a tierras familiares, pero el uso de la magia del fuego siempre tiene sus consecuencias. Al menos parece que, en la temporada 4 de «The Witcher», Ciri tendrá mucho tiempo frente a la pantalla para explorarlos.

El video comienza con Karen Gillan dando un paseo hasta su tráiler, que parece un apartamento pequeño, completo con una cocina. Se pone ropa que puede estropearse con las salpicaduras azules y se dirige a la silla de maquillaje, donde permanecerá sentada durante varias horas. Luego, un cliente ayuda a Gillan a ponerse su elaborado disfraz de superhéroe. Curiosamente, Gillan tiene algunos problemas para recordar en cuál de las películas de MCU ha aparecido Nebula.

Sabiendo que está filmando un diario en video, Gillan hace una pausa mientras se maquilla para responder algunas preguntas de los fanáticos y señala que, en el transcurso de cuatro largometrajes, ha pasado por el proceso de maquillaje de Nebula más de 170 veces. A los ocho minutos del video de 25 minutos, finalmente es de día. Parece que Gillan tiene un día de trabajo muy, muy, muy largo. El rodaje de «Vol. 3», menciona, tomó alrededor de 60 días.

El video continúa mostrando a Gillan en su tienda Nebula, donde se relaja mientras el equipo de filmación de «Guardianes» prepara el set. Es esta parte del metraje la que será un regalo especial para los fanáticos: vemos a Gillan actuando en el set en una supuesta nave espacial, rodeada por una pantalla verde con solo el piso y los marcos de las ventanas en la habitación con ella. Su escena es frente a Rocket Raccoon, y entregará sus líneas a un modelo a escala del personaje.

Al final de la filmación llega el arduo proceso de Gillan de quitarse el maquillaje y el vestuario. Al día siguiente, tiene que hacerlo de nuevo, mientras también hace publicidad para otra película.

Agotador, eso sí. Pero encantador

Spoilers a continuación para cualquiera que aún no haya visto al menos los dos primeros episodios de Peacock’s bukis¡así que ten cuidado!

Para cualquiera que haya esperado de pete davidson bukissu primer post-SNL Serie de televisión para mostrar al popular comediante bajo una luz muy respetable, la primera abierta en frío para bukis diezmó esas expectativas en poco tiempo. (O no tan rápido, si todos los convos sobre el BDE de Davidson están en el punto.) La comedia original más reciente de Peacock prácticamente hizo lo mismo con cualquier suposición de que no presentaría un primer plano de un pene, ya sea real o protésico. Es una serie que no tiene miedo de ir a ninguna parte por el bien de la comedia y la autenticidad, y cumplir con ese enfoque dual fue parte de lo que guió el proceso creativo del showrunner Judah Miller.

Parte de lo que hace que «Barry» sea tan apasionante es la sensación de inmediatez y espontaneidad que posee el programa, un rasgo que se encuentra en los momentos más tiernos y en los casos espontáneos de violencia que aparentemente surgen de la nada. Así es como se siente la vida real a veces, ya seas un actor en apuros o un señor del crimen. Para que esos momentos tengan un impacto aún mayor, Hader entiende que lo que está planeado el día en que entras al set no siempre es la mejor idea. Cambiar la posición de la cámara y usar una toma Steadicam compleja ya hizo que la escena entre Hank y Cristóbal se sintiera más íntima, pero también hubo algunos cambios en el guión de Taofik Kolade que Hader y Corrigan hicieron para que la muerte de Cristóbal golpeara aún más.

Hader habló sobre contarle a Carrigan sobre la escena por primera vez y cómo eso influyó en su actuación cuando llegó el momento de filmar, diciéndole a The Wrap:

«Inicialmente, la forma en que estaba escrito la primera vez, te quedaste con Cristóbal y él se subió al auto y luego le dispararon. Cuando le dije a Anthony por primera vez lo que iba a pasar, él dijo: ‘Santo cielo’. y luego dice: ‘Creo que Hank está sintiendo emociones, pero está tratando de enterrarlas, simplemente no quiere sentirlas’, y luego, en el momento en que dijo eso, dije: ‘Oh, eso es lo que deberías estar viendo’, así que Empecé a reescribir la escena en el teléfono con Anthony».

La muerte de Cristóbal habría sido una sorpresa sin importar qué, pero estos pequeños cambios técnicos y de rendimiento son excelentes ejemplos de cómo mejorar una escena.