Así como emergió como una de las luces más brillantes del cine latinoamericano, la actriz Pina Pellicer murió por su propia mano hace 60 años. Con sólo 30 años, en poco tiempo había coprotagonizado junto a Marlon Brando su único trabajo como director, el épico western “El tuerto”, y también apareció en una de las películas más importantes de la ilustre historia del cine mexicano: “Macario, ”basada en la historia clásica de B. Traven y honrada como la primera película mexicana nominada al Oscar de película internacional (entonces película en lengua extranjera).

El viaje del guión a la pantalla tomó varios años tortuosos para “Jacks”, cuya producción comenzó en Carmel en 1958 pero no se estrenó en cines hasta 1961. Mientras tanto, Pellicer asumió el papel protagónico de la esposa de Macario en la película de Roberto Gavaldón. , que compitió en Cannes por la Palma de Oro en 1960 contra obras maestras internacionales como “La Virgen Primavera” de Ingmar Bergman, “L’Avventura” de Michelangelo Antonioni y “La Dolce Vita” de Federico Fellini, obteniendo esta última el primer premio.

Las tribulaciones de la producción de “Jacks”, que incluyeron a Stanley Kubrick, el director original, despidiendo a Sam Peckinpah, el escritor original, y luego abandonando el proyecto sólo unas semanas antes de que comenzara la fotografía principal, colocaron al recién llegado Pellicer en una producción de estudio de Hollywood de increíblemente alto perfil. que estuvo recibiendo un escrutinio masivo y mala publicidad desde el principio. Y dirigido por un actor poderoso que era un director de cine completamente inexperto.

¿Un romance con Brando hirió a Pellicer? ¿Su extraño comportamiento en el set afectó su capacidad para desempeñar su papel? ¿Su comportamiento malhumorado, distraído e indeciso como director y sus posibles complicadas maquinaciones románticas fueron de alguna manera profundamente inquietantes para el joven actor?

Dejando a un lado los mitos y los chismes, lo que tenemos es la película, que muchos creen (incluido este escritor) es uno de los grandes westerns, y la impresionante actuación de Pellicer dentro de este vigorizante experimento de género.

El crítico de Variety en 1961 encontró a Pellicer «sensible… comprensivo» y Penélope Houston de Sight and Sound dijo que el papel de Pellicer fue «interpretado con espíritu».

Y los elogios por su trabajo en “Macario” fueron aún más fuertes: el New York Times en 1961 describió el papel de Pellicer en el cuento popular atemporal como “una combinación de conmoción y simpatías derretidas”.

«Lo notable de ‘One-Eyed Jacks’ es que no se parece a ningún otro western por la intensidad y el poder de los actores y la forma en que están dirigidos», dijo nada menos que un experto en cine como Martin Scorsese.

Pellicer fue uno de “los actores” de los que habla y aunque nunca sabremos qué más podría haber aportado esta joven artista emergente al cine mundial, sus papeles en estas dos películas únicas e inolvidables son un legado pequeño pero esencial para experimentar y apreciar.

«One-Eyed Jacks» está plagado de imágenes inolvidables. Filmada en locaciones de Monterey, California, hace un hermoso uso del paisaje marino de la ciudad. Incluso en el bloqueo de los actores, que se mueven con un naturalismo al estilo de Marlon Brando, hay una precisión increíble. Cuando el ex convicto Rio (Brando) observa una fiesta del pueblo desde un balcón, la cámara lo apunta mientras su bufanda ondea salvajemente con el viento, creando una distancia significativa entre él y su traidor viejo amigo Dad Longworth (Karl Malden).

La dirección de Brando en la película es sustancial, y encuentra poesía y tragedia en los confines de una historia de venganza. Su excentricidad como artista es directamente responsable de la singular belleza de la película, pero también fue responsable del hecho de que nadie lo volvería a contratar para dirigir.

Un actor como Brando, que en su mejor momento era comprometido e intenso, necesitaba espacio para actuar. Cosas peculiares como aparecer borracho en la filmación de una escena en la que su personaje estaba borracho podrían haber sido perdonables si todo lo que estaba haciendo fuera actuar. Pero cuando eso supuestamente sucedió en el set de «One-Eyed Jacks», según TCM, su embriaguez efectivamente destruyó la producción por un día. Y también le gustaba la improvisación, dejando que los actores encontraran a sus personajes en el transcurso de repetidas experimentaciones. En el proceso, la producción duró mucho más de lo esperado. La improvisación, tan gratificante como lo fue para actores como Slim Pickens y el coprotagonista de Brando en «On The Waterfront», Karl Malden, condujo a una película mucho más larga de lo esperado.

De hecho, el corte preferido de Brando de la película duró casi cinco horas, según TCM, y el presupuesto de la película de $1.8 millones aumentó a $6 millones.

La primera película de ficción con guión de la directora portuguesa Susana Nobre, “Cidade Rabat”, trata sobre una productora que creció en el barrio de Cidade Rabat en Lisboa, y que de repente tiene que aceptar la muerte de su madre.

El título está en parte inspirado en su propia vida, ya que creció en el distrito “Cidade Rabat” del Benfica en Lisboa. Gran parte de la acción tiene lugar en el barrio cercano de raza mixta, Reboleira. Nobre describe la película como una “comedia melancólica sobre una mujer que está a punto de cumplir 40 años, cuya vida entra en un período de caos cuando pierde a su madre y de repente vive una segunda adolescencia”.

Hay una sensación nostálgica en la película, de un distrito que una vez rebosaba de energía pero que ahora se está desmoronando. Esta nostalgia se mezcla con la esperanza de una nueva vida, encarnada por la hija de 12 años del personaje principal, Helena, para la que Nobre eligió a su propia hija.

Raquel Castro interpreta a Helena en su primer papel en la pantalla. Su actuación marca una fuerte conexión con el director. En un momento, vemos a Helena filmándose en un espejo, mirándose a sí misma y al público simultáneamente. Nobre eligió a varios amigos para papeles secundarios, reforzando la sensación íntima de la película. La película tiene una sensación híbrida de ficción/documental que ha sido un sello distintivo del trabajo reciente de Nobre.

Nobre asistió previamente a Berlín en 2021 para «Jack’s Ride», pero su última película es la primera vez que dirige una película con un guión completo, completado antes de la filmación.

El director es uno de los miembros fundadores de la renombrada productora portuguesa Terratreme, una de las principales fuentes de películas de Portugal en el circuito internacional de festivales, creada en 2008, con cinco directores principales y un productor. Terratreme es uno de los principales productores de películas de Portugal en el circuito de festivales internacionales.

Variedad habló con Nobre antes del estreno mundial de “Cidade Rabat” en la Berlinale in Forum.

¿Cuánto de la película se basa en su propia experiencia personal?

Hay una dimensión autobiográfica en la película, en la medida en que previamente he filmado en el barrio de Reboleira que se muestra en la película, y también crecí en el barrio de Cidade Rabat. Pero hay diferencias clave, incluido el hecho de que la representación ficticia de la muerte de la madre no es algo que yo haya experimentado. Cuando veo a Raquel haciendo el papel de Helena no me veo. La película cobró vida propia.

Raquel Castro aporta una intensidad especial a su papel debut.

Todavía no entiendo cómo se las arregló para darle tanta fuerza al papel. Fue un proceso muy dinámico. Ella nunca cristalizó el personaje. Aportó matices especiales que no había imaginado en el guión.

¿Por qué consideras que este es tu primer proyecto completo de ficción?

Porque fue mi primera película con un guión completo terminado antes de comenzar la producción. Con «Jack’s Drive», filmé gran parte del material sin un guión predefinido, lo que significó que ganó una segunda vida en la sala de edición. Esto fue muy estimulante, pero también un gran riesgo y, a veces, un poco traumático. Para este proyecto quería trabajar más intensamente en el propio guión. En varios momentos hice lecturas con un amigo mío que también es director, para retroalimentar.

¿Cómo evolucionó el proyecto durante el rodaje?

Raquel aportó muchos matices al personaje de Helena y vio muchas cosas que no me había dado cuenta que estaban implícitas en el guión y también aportó nuevos enfoques. Había escrito a Helena como más heroica, por ejemplo, desafiando a la policía cuando son racialmente abusivos. Raquel transformó el papel en alguien que se presenta como más vulnerable, más débil y más silenciosa. Al principio, parece más pasiva que activa. Quería mostrar que ella está luchando por el derecho a tener una vida contemplativa, y no solo ser un engranaje en la máquina de producción. En ese sentido creo que la película ofrece una visión feminista.

¿Podría explicar qué quiere decir con eso, una película que ofrece una visión feminista?

Eso obviamente está ligado a la cuestión de si tiene o no sentido hablar de un cine femenino. Me gusta mucho la perspectiva de Virginia Woolf cuando habla de mujeres escritoras. Creo que esto también se aplica al cine: la idea de que una mujer no debe borrar el lugar desde el que escribe, desde el que observa el mundo. Virginia Woolf nunca quiso borrar el lugar del salón, o de la cocina, donde estaba escribiendo. Me parece mucho más interesante para nosotras, como directoras, tratar de afinar ese sentido de descripción, de saber escribir sobre el mundo desde nuestro propio punto de vista, en lugar de usar personajes para crear un discurso ideológico, que defendemos ideológicamente. Eso haría que la obra perdiera su integridad. Coincido con Woolf en ese sentido, que como mujeres debemos hablar de lugares ocupados por mujeres que pueden ser lugares de mayor verdad si sabemos documentarlos.

El barrio de Reboleira que se muestra en la película es central….

Cuando escribí el guión, nunca pensé que la película tendría una dimensión racial, pero fui un poco ingenuo. Nunca pensé en el tema racial mientras lo escribía. Parte de la inspiración para la película provino de trabajar como productor en una película dirigida por el director suizo-portugués Basil da Cunha, ambientada en el barrio de Reboleira en Lisboa. Yo era el responsable de la contratación del equipo y con más trámites administrativos. No experimenté el barrio tan intensamente como Basil, pero quería explorar este universo en mi película. Es muy diferente al barrio de Cidade Rabat, la ubicación de la casa de la madre al comienzo de la película. Están bastante cerca geográficamente, pero socialmente muy separados. Cuando Helena va al barrio Reboleira a hacer servicio comunitario es como si ganara una nueva familia.

¿Estás trabajando en algún nuevo proyecto?

Todavía estoy en la etapa muy temprana. Me gustaría volver a trabajar con Raquel y será otra película con guión completo. Probablemente con una tripulación más pequeña. Veo “Cidade Rabat” como la primera parte de una trilogía, o incluso de una cuadrilogía. Mi próxima película será sobre una mujer después de una separación, que acepta el hecho de que su existencia planificada se ha derrumbado repentinamente y tiene que comenzar una nueva vida. Quiero explorar el papel activo que se puede asociar a este proceso. Termina luchando por su tiempo y una vez más por su derecho a la contemplación. También girará en torno a conversaciones, que en cierto modo comentan la situación a la que se enfrenta el personaje. Pero aún es demasiado pronto para decir mucho más sobre el proyecto.

En una entrevista con The Verge, Genndy Tartakovsky habló sobre el manejo del personaje de Aku sin su actor de voz:

«Fue difícil. Por un tiempo, pensé que deberíamos volver a imaginar a Aku con una voz diferente, tal vez incluso usar un personaje diferente. Pero luego me di cuenta de que amo demasiado a Aku, así que audicionamos a algunas personas, y Greg [Baldwin] realmente hizo el mejor trabajo. Honestamente, nadie puede reemplazar a Mako, fue así de especial, así de único, especialmente la actuación que hizo para Aku. Pero Greg lo hizo muy bien».

Tartakovsky terminó reformulando el papel, aunque se consideró reemplazar a Aku con otro antagonista por completo. Sin embargo, desechar el personaje de Aku cambiaría por completo la serie. «Samurai Jack» siempre tuvo a Aku en el centro de los problemas de Jack, y Jack derrotando a Aku cuando regresó al pasado fue el punto central del espectáculo. Deshacerse del personaje de Aku habría cambiado significativamente la trayectoria del programa y el personaje de Jack en comparación con donde estaban cuando terminó por primera vez. Afortunadamente, Tartakovsky encontró un buen equilibrio de respeto por Mako, quien inicialmente expresó a Aku, reformulando el papel con un actor que aportó una interpretación única que se remonta al trabajo original de Mako sobre el personaje.