Adam Driver, Mayim Bialik, Tom Waits, Charlotte Rampling, Indya Moore y Luka Sabbat se han unido al elenco de la próxima película anticipada de Jim Jarmusch, «Father Mother Sister Brother».

Se unen a Cate Blanchett y Vicky Krieps, de quienes anteriormente se rumoreaba que protagonizarían después de ser fotografiadas en el set. “Father Mother Sister Brother” terminó recientemente su producción en París luego de los rodajes en Dublín, Irlanda y en el noreste de Estados Unidos. La postproducción comenzó en Nueva York y se espera que la película esté terminada a finales de este año.

“Padre Madre Hermana Hermano” es un tríptico que sigue tres historias separadas ambientadas en diferentes países y que giran en torno a las relaciones entre hijos adultos, sus padres algo distantes y entre sí. La primera parte, “Padre”, está ambientada en la costa este del noreste de Estados Unidos, “Madre” en Dublín, Irlanda, y “Hermana Hermano” en París, Francia.

Posiblemente una de las películas más personales de Jarmusch, “Padre Madre Hermana Hermano” es una “comedia entretejida con hilos de melancolía” y “estudios de personajes, tranquilos, observadores y sin prejuicios”, decía la descripción de la película. Jarmusch sugirió anteriormente que “Father Mother Sister Brother” tendrá un fuerte componente musical.

La película vuelve a unir a Jarmusch con Adam Driver, a quien dirigió en “Paterson” y “The Dead Don’t Die”. Driver asistirá al Festival de Cine de Cannes para apoyar el título en competencia de Francis Ford Coppola, «Megalopolis», que él protagoniza.

Los productores son Charles Gillibert (“Annette”), Joshua Astrachan, Carter Logan y Attila Yücer. La película está producida y presentada por Saint Laurent Prods., dirigida por el director creativo de la casa de moda Anthony Vaccarello, MUBI y Apartment (una empresa de Fremantle) junto con Badjetlag de Jarmusch y CG Cinema de Gillibert. El irlandés Richard Bolger y Conor Barry de Hail Mary coprodujeron. La película también contó con el respaldo de Fís Éireann / Screen Ireland y recibió financiación de capital de Cinema Inutile.

Entre los distribuidores que han precomprado la película se encuentran Weltkino en Alemania y Les Films du Losanges en Francia. The Match Factory se encargará de las ventas internacionales y Gersh representará los derechos norteamericanos. Los prestamistas fueron Cofiloisirs y Three Point Capital.

El prestigioso equipo clave incluye a los directores de fotografía Frederick Elmes y Yorick Le Saux, los diseñadores de producción Mark Friedberg y Marco Bittner-Rosser, el editor Affonso Gonçalves, la diseñadora de vestuario Catherine George, el diseñador de sonido Robert Hein y la directora de casting Ellen Lewis.

Jim Jarmusch está representado por Bart Walker de la Agencia Gersh y Victoria Cook y Hayden Goldblatt en Frankfurt, Kurnit, Klein & Selz.

La compañía de producción, finanzas y ventas con sede en Londres y París, Film Constellation, está lanzando las ventas de «Return to Reason», la versión 4K recientemente restaurada de un conjunto de cuatro películas mudas clásicas de culto de Man Ray, junto con una banda sonora original de Jim Jarmusch y SQURL de Carter Logan.

La película, producida por Marieke Tricoire en Womanray y Julie Viez en Cinenovo, se estrenará en la Selección Oficial de Cannes como parte de la barra lateral de Cannes Classics.

Celebrando el centenario de la primera película de Man Ray en 1923, «Return to Reason» es la primera restauración en 4K de los cuatro cortometrajes surrealistas y oníricos de Man Ray, conocidos como las primeras películas surrealistas, ahora acompañados de una banda sonora exclusiva compuesta e interpretada por el cineasta. Jim Jarmusch y la banda SQÜRL del músico Carter Logan.

Con “Le retour à la raison” (Regreso a la razón) (1923), “Emak Bakia” (1926), “L’étoile de mer” (La estrella de mar) (1928) y “Les Mystères du château du Dé” ( The Mysteries of the Chateau of Dice) (1929), “Return to Reason” es una inmersión en el mundo surrealista y onírico de Man Ray.

El proceso de restauración estuvo a cargo de l’Immagine Ritrovata, que obtuvo copias originales de varias partes del mundo, en colaboración con la Cineteca di Bologna, la Cinémathèque française, el Centre Georges Pompidou, la Biblioteca del Congreso y el Centre National du Cinéma et de l ‘imagen animada.

Jarmusch dijo: “Nos sentimos muy orgullosos de ser la banda de respaldo de Man Ray. Creo que, en última instancia, lo que estamos tratando de hacer, y lo que hizo Man Ray, fue crear una especie de estado de éxtasis. Un lugar que existe en un pequeño espacio entre la conciencia y la inconsciencia, entre el sueño y la vigilia, y entre la realidad y el mundo surrealista”.

El dúo de rock de Jarmusch y Logan, SQÜRL, se formó en 2009 para crear la banda sonora de la película «The Limits of Control». En 2014, el grupo recibió el premio Cannes Soundtrack por su música para la película «Only Lovers Left Alive», una colaboración con el laudista holandés Jozef Van Wissem. En 2016, compusieron la música de “Paterson”. Su LP debut, «Silver Haze», salió el 5 de mayo a través de Sacred Bones Records.

Man Ray (1890 – 1976) fue un artista polimorfo francés nacionalizado estadounidense que pasó la mayor parte de su carrera en París contribuyendo a los movimientos dadaísta y surrealista. Es mejor conocido por su fotografía pionera y fue un renombrado fotógrafo de moda y retratos.

Nacido en 1890 en los EE. UU. de inmigrantes judíos de Rusia, Man Ray es considerado un pionero del movimiento surrealista, con su trabajo que abarca pintura, escultura, fotografía y cine. Desilusionados con los modos tradicionales de hacer arte y moldeados por el trauma de la Primera Guerra Mundial junto con el surgimiento de una cultura mediática moderna, Man Ray y otros artistas dadaístas recurrieron a la experimentación.

Man Ray es quizás más recordado por sus fotografías, en particular las imágenes sin cámara que llamó «rayografías», pero pocos están familiarizados con su trabajo con la cámara en el cine. En su cine mudo, extendió su experimentación con la fotografía a la imagen en movimiento, jugando con el azar y la luz.

Ha sido un buen mes para Darren Aronofsky. Apenas unos días antes de que “The Whale” ganara los Oscar para Brendan Fraser y su equipo de maquillaje y peluquería, la ópera prima de Aronofsky, “Pi”, recibió un relanzamiento en IMAX de A24. Aronofsky supervisó la restauración, que utilizó una técnica conocida como inversión de blanco y negro para transferir la película a 8K sin perder su granulosidad característica. Fue un momento de círculo completo para el director, y solo fue posible porque negoció una cláusula con los distribuidores originales de la película que le devolvía la película después de 25 años.

En una nueva entrevista con Uproxx, Aronofsky reflexionó sobre las negociaciones originales que lo llevaron a recuperar los derechos de su ópera prima. Le da crédito a otra leyenda del cine independiente, Jim Jarmusch, por ser pionero en el modelo de negocios que le permitió hacerlo.

“Sucedió porque era muy parecido a este pacto socialista entre los cineastas en el que yo, como director, tenía la misma cantidad de propiedad que cualquiera que haya trabajado en la película durante ese tiempo”, dijo Aronofsky. “Entonces, cuando fuimos a Sundance, estaba realmente impresionado con Jim Jarmusch, quien básicamente siempre recuperaba sus películas después de siete años. Los financiaba fuera de Japón en algunos lugares y luego los autorizaba por menos de una década. Entonces, cuando comenzamos a hacer el contrato, dije, no, tenemos que recuperarlo. Tenemos que recuperarlo. Y yo estaba tan molesto por eso. Eventualmente, el jefe del estudio dijo: ‘Bien, devuélvelo en 25 años’. Y por eso siempre estuvo en la parte de atrás de mi cabeza. Así que fue solo eso”.

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Mirando hacia atrás, Aronofsky puede ver lo absurdo de pedir un trato tan favorable a los cineastas en su primer largometraje. Pero ahora que han pasado 25 años y su plan salió a la perfección, parece contento de disfrutar de su buena suerte.

“No estaba en ninguna posición”, dijo. “Sin posición. Solo teníamos una empresa, Artisan estaba pujando por ella en ese momento. No había nadie más que estuviera pujando por él. Así que en realidad no teníamos ningún apalancamiento. Pero era solo un punto importante. Hubo algunos puntos importantes que queríamos asegurarnos de que sucedieran y nos mantuvimos firmes y tuvimos suerte de que decidieran honrarlos”.

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Una ex traductora para las tropas estadounidenses en Kabul, un papel que finalmente le permitió dejar su país de origen pero que la dejó con sentimientos de culpa y vergüenza sin resolver, Donya, de 20 y tantos años, ahora vive sola en un complejo de apartamentos de Fremont, California, lleno de otros inmigrantes afganos. . Cualquiera que sea el sentido de comunidad que Donya obtiene de las otras personas en el edificio no parece aliviar su tranquilo aislamiento, incluso si vecinos como Suleyman (Timur Nusratty) y Salim (Siddique Ahmed) están disponibles para una conversación melancólica a todas horas de la noche. .

Cuando sale el sol, Donya viaja diariamente a su trabajo en una fábrica de galletas de la fortuna de propiedad china, donde es responsable de imprimir los dichos crípticos que otras personas eventualmente traducirán por sí mismos. Eso podría ser una buena opción para una joven en un país extranjero que, a pesar de su fluidez en la lengua materna, siente que ya no está en conversación con el mundo que la rodea. Como dice la cookie: «Ahora es un buen momento para explorar».

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Un retrato en blanco y negro con vetas jarmuschianas de humor jocoso, pero también lo suficientemente lacónico como para hacer que la igualmente cotidiana «Paterson» se sienta como una película de James Cameron en comparación. «Fremont» de Babak Jalali es una comedia seca de Barstow que nunca se eleva. por encima del volumen o la intensidad de la canción de Vashti Bunyan que la compañera de trabajo de Donya, Joanna (Hilda Schmelling), le canta una noche. En cambio, la película se asienta en una especie de cara inexpresiva semi-encantada que aplana su mundo en un suave tono monótono, haciendo que su extrañeza se sienta ordinaria, y su ordinariez se sienta extraña… una sensación no muy diferente al vértigo de escapar al otro lado del planeta solo para encontrarse rodeado de gente de casa. Personas cuya lengua materna hace que Donya se pregunte si siquiera merece pensar en el amor mientras otros siguen muriendo en Kabul, y le niegan la libertad de alimentar cualquiera de los sueños de un lugar tan irremediablemente poco romántico (y para siempre despegado en el tiempo) como Fremont. podría inspirar.

Laura Valladao

“Sería muy extraño que la gente no se sintiera sola”, dice el jefe chino-estadounidense de Donya, un hombre amable que se comunica a través de perlas de sabiduría que son un poco demasiado pragmáticas para meterlas dentro de una galleta. Tiene razón, por supuesto, y prácticamente todos los personajes en el guión epigramático de Jalali y Carolina Cavalli reafirman ese hecho, la mayoría de ellos no comparten nada en común excepto su mutua desesperación por conocer a alguien que entienda lo que están tratando de decir (es decir, su terapeuta, interpretado por Gregg Turkington, quien solo parece dar sentido al mundo comparándolo con una historia de Jack London).

A pesar de esa riqueza de espíritus afines, Donya permanece atrapada entre un pasado que no puede dejar atrás y un futuro que no está lista para comenzar. Su purgatorio está definido por el árido tramo de California, el más liminal de los estados, al que ella espera llamar hogar, pero está sostenido por el rostro inexpresivo de Anaita Wali Zada ​​como la actriz primeriza y refugiada afgana de la vida real que encarna a Donya como una joven obstinada. mujer que está harta de enviar mensajes al universo sin recibir nada a cambio. Su fortuna solo mejora cuando incluye su número de teléfono con ellos.

A pesar de traficar con una amplia gama de tropos de Sundance, desde su cinematografía monocromática modesta pero etérea hasta la partitura de guitarra adyacente a Sqürl de Mahmood Schricker, «Fremont» siempre es más delicada que preciosa y, afortunadamente, nunca tan linda como suena. Las estudiadas excentricidades de la película resultan más encantadoras porque sus propios personajes son muy impredecibles. Cada uno de ellos tiene un pequeño y dulce secreto de algún tipo; cada uno de ellos está alimentando su propio sueño tácito. Un destacado no mencionado anteriormente: un anciano afgano que trabaja en el restaurante vacío donde Donya cena y amenaza con envenenar su comida si le cuenta a alguien sobre las telenovelas que ve durante su turno. «No puedo decir si esta serie es interesante», dice, «o si mi propia vida no es interesante». En lugar de una trama, «Fremont» provoca motas de tierna incertidumbre a partir de la fricción entre esas dos posibilidades.

Hacia el final, también se burla de las posibilidades de esas motas de tierna incertidumbre. Disculpas por enterrar el liderazgo, pero la estrella de «The Bear» Jeremy Allen White está en esta película, ya que el nuevo rompecorazones de Hulu aparece en los últimos 15 minutos como el mecánico dulce pero ardiente que Donya conoce durante una parada en boxes en el medio de la nada. Con el aspecto de un Jean Gabin joven y grasiento (su belleza acentuada le da un toque irónico al aislamiento aún más evidente del personaje), White se destaca en un cameo glorificado que galvaniza perfectamente el espíritu de la película de Jalali y lleva esta serpenteante historia de dislocación a un final que hace se siente más grande que la suma de sus partes. Estados Unidos está lleno de todo tipo de personas, le dice una de las amigas afganas de Donya: a veces solo se necesita una persona que hable su idioma para que un lugar extranjero se sienta como un nuevo tipo de hogar.

Grado B

“Fremont” se estrenó en el Festival de Cine de Sundance de 2023. Actualmente está buscando distribución en los Estados Unidos.

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