Disnosc, especialista francés en animación 2D, llevará a Miles Davis, Chet Baker y Fats Waller a unos auriculares cerca de usted.

Una empresa familiar fundada por Fabrice y Nathan Otaño, un dúo de padre e hijo con experiencia respectiva en análisis corporativo y animación de alto nivel, con créditos en películas como “La cumbre de los dioses” y “Ernest & Celestine: A Trip to Gibberitia”. – el estudio con sede en Biarritz se lanzó en 2020 para llevar su proyecto favorito “Blue Figures” a la pantalla chica.

Codirigida por David Calvert y desarrollada internamente, la serie de antología dibujada a mano sigue una tienda de discos parisina, atendida por aficionados al jazz, que abre una ventana más amplia al mundo. Los episodios se centrarán en personas como Davis, Baker y Waller, así como en la pianista Mary Lou Williams y el autor y escenógrafo francés Boris Vian.

“El jazz no se trata sólo de música”, dice el productor Fabrice Otaño, evocando el infame asalto policial de Miles Davis en las afueras del Birdland de Nueva York. “Se trata también de lucha política y social. A través de conversaciones en la tienda, podemos explorar cuestiones sobre el racismo, la adicción y el avance femenino, evocando a los grandes del jazz que lidiaron con preocupaciones similares en sus vidas y en su arte. Tomaremos los temas sociales que informaron esta música y los aplicaremos a la vida contemporánea”.

El productor siempre había imaginado el proyecto como una propiedad transmedia, desarrollando la serie junto con un podcast vinculado en asociación con la estación de radio pública francesa FIP y una adaptación de novela gráfica digital que finalmente se transformó en una serie de realidad virtual después de que los jefes de Disnosc comenzaran a experimentar. con el software de animación Quill.

Para ello, Otaño padre e hijo llevó el proyecto a la incubadora Atelier Grand Nord XR de Quebec, donde consiguieron un coproductor canadiense y un distribuidor en Hubblo, especialista en inmersión con sede en Montreal. Con apoyo adicional proveniente de fondos regionales, municipales y nacionales franceses, el proyecto se presentó recientemente en el XR Development Market del NewImages Festival, con el objetivo de entregarse en 2025.

Al desarrollar un título XR en un mercado donde la distribución sigue siendo una preocupación abierta, indeterminada y eterna, los productores creen que su propiedad particular podría abrirse paso en festivales de música y otros circuitos basados ​​en ubicaciones que dan la bienvenida a una base de fans voraz.

Mientras se ocupa de proyectos internos, Disnosc también ha creado una marca de servicios de producción, asociándose recientemente con Skydance Media de David Ellison en una serie de tareas de desarrollo visual y guiones gráficos.

La primera impresión es a través del sentido del olfato. Cualquiera que abra la puerta de la Heinrichstrasse 69, en el distrito 5 de Zúrich, se sentirá inmediatamente recibido por el frescor terroso de la madera de abeto. De este material se fabrican no sólo las baldosas de parquet, sino también las tiras verticales del revestimiento.

Los muebles de madera sirven para garantizar la transparencia acústica de esta luminosa y acogedora habitación, así como su altura: del techo de cinco metros de altura cuelgan esbeltas lámparas. Debajo hay dos docenas de atriles alineados. En un rincón, un piano de cola Steinway espera las actividades musicales, frente a una batería y un amplificador de bajo entre ambos. En el futuro se realizarán aquí los ensayos de la Orquesta de Jazz de Zúrich (ZJO). La ZJO ha encontrado por primera vez su propio hogar en la nueva “Jazzhaus” del distrito 5 de Zúrich, que ya está lista para ser habitada.

Se puede alquilar todo

La gran sala de ensayo, que también puede servir como estudio de grabación, es el corazón de la casa de jazz. Una entrada independiente conduce a la planta superior, donde, además de una sala de oficina, hay otras dos salas de ensayo más pequeñas, cada una equipada con un piano.

Todas las instalaciones también deberían alquilarse a trabajadores culturales externos, explica Bettina Uhlmann, directora general y directora de la Zurich Big Band. Un coro y un teatro ya han manifestado su interés. Dado que la ZJO tiene que pagar en gran medida el alquiler de la nueva casa de jazz, se alegran cuando los ingresos de los conciertos y el dinero de los mecenas y patrocinadores se complementan con ingresos adicionales.

Sobre todo porque la renovación de la Jazzhaus no fue gratuita: los costes ascienden a 1,6 millones de francos. La ZJO adquirió una gran parte de esta cantidad: 500.000 francos proceden de fundaciones benéficas y de particulares, 380.000 francos del Fondo Cultural del Cantón de Zúrich y 125.000 francos de la ciudad de Zúrich. «Dr. Contribuyó la Fundación Stephan à Porta, propietaria de la casa.

La ZJO existe desde 1995. Lo que comenzó como una asociación informal de unos pocos entusiastas de las big band se ha convertido con los años en un conjunto profesional que goza de una buena reputación internacional. Esto también se ve respaldado por el hecho de que ZJO siempre está dirigido por excelentes líderes de banda. Personalidades como el alemán Steffen Schorn o, como es el caso actualmente, el estadounidense Ed Partyka, han creado una formación de músicos de jazz de Zurich que, por un lado, domina el repertorio clásico de las big band, pero, por otro, está constantemente creando un nombre propio con proyectos originales y ambiciosos.

Se escucha todo muy claro

La ZJO tiene para la reputación del jazz de Zurich la misma importancia que la Orquesta de Cámara de Zurich (ZKO) para la escena de la música clásica, en cuyas instalaciones en Tiefenbrunnen la formación de jazz ya ha ensayado si es necesario. De hecho, en los últimos años se ha vuelto cada vez más difícil garantizar el funcionamiento profesional de la ambiciosa big band de Zurich. Bettina Uhlmann puede contarnos un par de cosas sobre cómo el grupo se desplazaba entre el Toni-Areal, el club de jazz Moods, el edificio de la escuela Chancellery o la casa ZKO para los ensayos; y siempre había que transportar partituras y sistemas de amplificación.

En tiempos de necesidad, Uhlmann empezó a buscar su propio edificio hace años. Así encontró la antigua tienda de artesanía en el distrito 5, muy cerca del teatro Stimme. Con el “Dr. Pronto se negoció un contrato con la Fundación Stephan à Porta. Sin embargo, el proyecto se retrasó porque el inquilino anterior tardó más en utilizar la casa.

Están muy contentos de que la renovación se haya realizado casi sin problemas. La big band ya ha inaugurado la sala de ensayo diseñada por el conocido especialista en acústica Martin Lachmann. Los músicos están muy satisfechos, pero también entusiasmados: «Se escucha todo muy claramente, incluso los errores», dice entre risas Bettina Uhlmann.

¡Estamos en el punto de los Encores! carrera armamentista donde es impresionante cuán elaborada es la producción que pueden lograr sus creadores durante un período de ensayo de diez días. Los números del grifo en el renacimiento de City Center El último atasco de Jelly, hazañas de sincronización y síncopa, coreografiadas por Dormeshia, que te transportan directamente a las calles de la Nueva Orleans de principios del siglo XX, o al éxtasis rítmico de un local de música de Chicago, son auténticas maravillas. A menudo, en los musicales comerciales de Broadway, se ve tap interpretado con algunos guiños de ironía (por parte de mormones reprimidos o incluso de Calamardo), mientras que aquí el movimiento es una causa en sí misma, fresca y viva.

Eso es apropiado para un espectáculo sobre la invención del jazz, o al menos sobre un hombre que reclamado él era el responsable de ello. El último atasco de Jelly (originalmente en Broadway en 1992) toma a Jelly Roll Morton, el prodigio que se mitifica a sí mismo y que al menos popularizó la forma y escribió algunas de sus primeras músicas publicadas, y lo ubica en un club nocturno del purgatorio del más allá apodado Jungle Inn. El verdadero Morton nació en una familia criolla en Nueva Orleans en 1890 y encontró el blues y otras formas tempranas de jazz en su adolescencia a través de viajes al barrio rojo de la ciudad antes de viajar al norte y reconceptualizarse como una estrella en Chicago. Según el relato de George C. Wolfe, quien concibió el musical y dirigió su primera ejecución, Morton se distanció de los músicos de piel más oscura y negó su propia negritud. La exactitud de esa caracterización es discutible, pero como material temático sobre el cual colgar un gran concepto musical, es una idea excelente. Estamos aquí para revisar la historia de su vida y juzgar sus pecados, lo que a su vez se convierte en una forma de pensar sobre el odio a sí mismo y la apropiación dentro de la historia de esta música. “Sí, el que bebe de la vid de la síncopa”, anuncia el narrador del espectáculo, el “Chimney Man” (Billy Porter, en su forma más elegante y siniestra), “pero niega la tierra negra de la que nació este ritmo”.

La configuración hace El último atasco de Jelly ¡Perfecto para un Encores! Producción: es enormemente ambiciosa temáticamente, tiene fallas en todo tipo de formas intrigantes y rara vez se presenta, probablemente debido a todo eso, y como beneficio adicional, todo puede tener lugar en un solo set. El director Robert O’Hara y el diseñador escénico Clint Ramos han conjurado aquí una siniestra versión en negro y oro del Jungle Inn en el escenario del City Center, brindando el aire de un club de mala muerte donde alguien podría tener una hora oscura del alma varias veces. horas después de la medianoche. El programa depende de tener un Morton que pueda ser encantador ya que tiene forma de serpiente y, afortunadamente, el papel encaja con Nicholas Christopher como uno de los 27 trajes a medida de su personaje. Christopher, que hace apenas unas semanas defendía el papel de Sweeney Todd entre Josh Groban y Aaron Tveit, es fantástico: bastante temprano en el programa, empiezas a preguntarte qué no puede hacer: bailar, escupir letras a una velocidad alarmante, cantar. , seducir al público con una sonrisa irónica o lograr una crisis persuasiva. También es muy ganador cuando comparte escenario, ya sea frente a su entusiasta yo más joven (Alaman Diadhiou), ascendiendo en el mundo con el compañero de piel más oscura con el que finalmente se vuelve contra (John Clay III), o mientras intenta seducir. la única mujer que Morton parecía no poder superar (la reciente ganadora del Tony, Joaquina Kalukango, también chisporroteando). Te alejas con la esperanza de poder ver a Christopher en otro papel protagónico, y pronto.

La partitura se basa en la propia música de Jelly Roll Morton, con letra de Susan Birkenhead y algo de música adicional de Luther Henderson, y sirve como escaparate del genio de Morton, así como del talento del elenco estrella de esta producción. Jason Michael Webb, el director musical invitado, llena el teatro con sonido y energía, haciendo que el primer acto parezca una serie de crescendos dramáticos, cada uno superando al anterior. Hay solos perfectos para las muchas figuras de la vida de Morton, cada uno de ellos interpretado por una estrella de teatro negra. En apariciones más breves, Leslie Uggams gira el cuchillo como la decepcionada abuela criolla de Morton, y Tiffany Mann interpreta a la cantante de blues Miss Mamie con la ayuda del cornetista de Okieriete Onaodowan, Buddy Bolden. Sin embargo, las presencias escénicas más efectivas pueden ser el trío de esbeltos Hunnies (Mamie Duncan-Gibbs, Stephanie Pope Lofgren y Allison M. Williams) que acechan el escenario como interpretaciones de las Destinos de la Era del Jazz. Son a la vez sensuales y etéreamente inhumanos, y no sólo porque puedan deslizar las piernas sobre sus cabezas con facilidad.

El último atasco de JellyEl primer acto se convierte en una secuencia combustible e inquietante en la que Morton, actuando por celos contra Jack el Oso, intenta obligarlo a usar un abrigo de portero y luego baila frente a un conjunto que usa esos abrigos mientras imita la estética de juglaría. Es un signo de puntuación emocionante e inquietante en el drama: retroceda un poco más y piense en cuánto depende la forma musical estadounidense del sonido del jazz, y luego en cómo El último atasco de Jelly actúa como una precuela artística del trabajo de Wolfe en Arrastrar. Pero el segundo acto del programa no puede seguir todas las ideas arrojadas en el primero. Ahora (y aparentemente entonces, según el periódico New York Veces revisar), El último atasco de Jelly regresa de ese explosivo comienzo a intermedio, y la mitad posterior se siente como una coda corta. Morton se dirige a Nueva York, donde no puede avanzar en Harlem ni con los empresarios blancos depredadores del centro (como vemos a los únicos miembros blancos del elenco del programa), y luego, cada vez más disoluto, termina en Los Ángeles, camino de su muerte. . El contrapunto entre Morton y el Hombre de la Chimenea pierde fuerza, mientras el propio Wolfe lucha por llegar a un juicio y el guión se llena de declaraciones grandilocuentes y vacías. O’Hara y su producción logran bien la grandeza de una secuencia fúnebre final, pero todo sigue siendo abrupto e incompleto. Sin embargo, eso no disminuye la sensación eléctrica de todo lo que vino antes. En cambio, te sientes agradecido de que el programa ya haya trabajado tanto para luchar con Morton, con el jazz y con el musical en sí.

El último atasco de Jelly Está en el centro de la ciudad de Nueva York hasta el 3 de marzo..

Para Cord Jefferson, el jazz siempre se ha sentido como “el sonido del hogar”. Entonces, cuando piensa en la música de su primer largometraje, Ficción americanadonde la familia estaba en primer plano, sentía que no podía haber un género musical más apropiado al que recurrir.

“Crecí en una casa donde se tocaba jazz todo el tiempo”, explica Jefferson. “A mi papá le encanta avergonzarme con la historia de que solía poner a Miles Davis Tipo de azul en el tocadiscos, y luego tomaba unos auriculares y se los ponía en el vientre de mi madre cuando estaba embarazada de mí, así que yo estaba en el útero, escuchando Tipo de azul ya.»

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Aún así, si el sentido intuitivo de Jefferson de una dirección general para la música de Ficción americana Llegó rápidamente, “no tenía idea” de cómo empezar a ejecutar una partitura de jazz. “Poníamos algún tipo de música de jazz temporal que era realmente buena, pero dejaba de funcionar después de unos 10 segundos porque, de repente, alguien contaba un chiste o sucedía algo trágico y no funcionaba. ya no”, recuerda el cineasta. “Así que sabía que enhebrar esa aguja iba a ser un desafío”.

Una adaptación de la novela. Borradura por Percival Everett, Ficción americana es la historia de Monk (Jeffrey Wright), un novelista frustrado que está harto de que el establishment se beneficie del entretenimiento «negro» que se basa en tropos cansados ​​y ofensivos. Para demostrar su punto, Monk utiliza un seudónimo para escribir su propio y extravagante libro “negro”, un libro que lo impulsa al corazón de la hipocresía y la locura que dice desdeñar.

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Jefferson reclutó a Laura Karpman para escribir la partitura, una graduada de Juilliard ganadora de cinco premios Emmy que, al regresar al género del jazz con la película, sintió como si estuviera regresando a su “verdadero yo”. Karpman, una artista que había incursionado en el jazz desde los inicios de su formación profesional, está de acuerdo con la noción de Jefferson de que componer la película fue un desafío, al tiempo que sugiere que la gente usa con demasiada frecuencia la idea de desafío como «un peyorativo», en lugar de ¿Qué tiene de “cool” la vida de un artista?

“El desafío es la razón por la que quieres trabajar en un proyecto como este…”, dice en conversación con el cineasta en el episodio de hoy de The Process. «No es una orquesta enorme, ni un presupuesto enorme, ni todo, pero lo que tiene es que realmente te permite desarrollar tus habilidades como compositor de cine y, para mí, también como músico de jazz». Algunas de las preguntas desde el principio, para el compositor, fueron: “¿Dónde estamos haciendo jazz directo? ¿Hacia dónde nos adentramos más en el mundo de la música cinematográfica? ¿Cómo se cruzan y se mezclan ese tipo de líneas?… Tienes que ser capaz de mezclar, mover y sostener la película donde necesita apoyo, para usar la música como esta increíble herramienta que es”.

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En términos de metodología, Karpman se dio cuenta bastante temprano en el proceso. Ficción americana que ella no simplemente “pondría a la gente en una habitación” y les haría improvisar una imagen. Para asegurarse de que su música funcionara dentro del contexto de una película que tenía muchos diálogos, Karpman decidió grabarla «de manera muy extraña», es decir, un instrumento a la vez, de modo que todos los elementos sonoros pudieran aislarse y manipularse según fuera necesario. .

Aparte de descubrir la mejor manera de hacer que el jazz funcione con la imagen, el otro desafío musical principal fue descubrir cómo lidiar con el tono, dada la tendencia de la historia a cambiar los estados de ánimo en un abrir y cerrar de ojos. “Hace poco vi una cita de Truffaut que decía: ‘Si puedes conseguir comedia y melancolía en la misma escena, entonces eso es bueno y exitoso’”, reflexiona Jefferson. «Pero si puedes conseguir comedia y melancolía al mismo tiempo, eso es realmente algo maravilloso», y creo que es algo que la película intenta hacer».

Cuando Karpman consiguió su primera nominación al Oscar el mes pasado por su trabajo en Ficción americana, Jefferson consiguió un par en las categorías de Mejor Película y Guión Adaptado. Para obtener más información sobre la conversación del dúo sobre el título de Orion Pictures, haga clic arriba.

Les McCann, aclamado pianista y vocalista de jazz cuyo mayor éxito comercial llegó con la canción de 1969 “Compared to What”, de su álbum movimiento suizo, que criticaba la guerra de Vietnam, ha muerto. Su antiguo manager, Alan Abrahams, confirmó a varios medios de comunicación que McCann murió el viernes en un hospital de Los Ángeles donde había sido ingresado con neumonía. Tenía 88 años.

Nacido en Lexington, Kentucky, McCann creció en una familia musical de cuatro miembros. McCann, que fue en gran medida autodidacta como pianista, ganó un concurso de canto durante su servicio en la Marina de los EE. UU., lo que le llevó a aparecer en El show de Ed Sullivan. Tras mudarse a California con su propio trío, rechazó una oferta para unirse a la banda de Cannonball Adderley para poder dedicarse a su propia música.

La carrera de McCann comenzó a despegar cuando grabó como pianista con su trío para Pacific Jazz Records. su album Movimiento suizo Grabado con el saxofonista Eddie Harris y el trompetista Benny Bailey, contenía el sencillo «Compared to What», crítico con la guerra de Vietnam, así como el sencillo «Cold Duck Time». McCann lanzó el álbum en el Festival de Jazz de Montreaux de 1969. Tanto el álbum como el sencillo «Compared to What» alcanzaron las listas de éxitos de Billboard. Compuesta por Eugene McDaniels, McCann lanzó la canción como balada en su álbum. Les McCann toca los éxitos. Roberta Flack también hizo una versión de la canción, que fue la pista de apertura de su álbum debut. Primer toma en 1969.

McCann se convirtió más tarde en uno de los innovadores del soul jazz, que fusionó el jazz con el funk, el soul y los ritmos mundiales. También fue uno de los primeros músicos de jazz en incluir piano eléctrico, clavinet y sintetizador en su música.

McCann estuvo con Atlantic Records hasta 1976, tiempo durante el cual grabó 1973. Invitación a la apertura y 1974 Capas. Más tarde grabó álbumes exitosos para ABC Impulse y A&M, incluido el de 1978. El hombre, y luego grabado en indies, según su biografía.

Sufrió un derrame cerebral en 1995 que lo dejó parcialmente paralizado pero comenzó a grabar nuevamente, con Bombéalo en 2002 y Un tiempo de Navidad en 2018. En 2023, Resonance Records lanzó el archivo multidisco ¡Nunca un momento aburrido! En vivo de costa a costa 1966-1967, según su biografía.

En 1975, McCann se convirtió en el primer artista residente en el programa Learning From Performers de la Universidad de Harvard. También artista y prolífico fotógrafo de la cultura negra, su trabajo fue recogido en el libro de 2015. Invitación a la apertura: la fotografía de jazz y soul de Les McCann 1960-1980.

En una entrevista para el prefacio del libro, se le preguntó a McCann cómo había logrado intimidad con sus sujetos fotográficos. «Confío en mi intuición, ¿sabes?», dijo, y añadió: «Estoy mejor cuando hago lo que hago en el piano: tocar».

Nacido en Fort-de-France (Martinica) el 4 de septiembre de 1935, Michel Sardaby falleció el 6 de diciembre de 2023 en París. Sigue siendo una de las piezas centrales de la formidable escuela de pianistas antillanos que supieron dar un color especial a su idioma, el jazz: citemos a Marius Cultier, Paulo Rosine, Nicol Bernard y, por supuesto, al inmenso Alain Jean-Marie, Mario Canonge, Chico Jehelmann, Ronald Tulle, hasta Grégory Privat o Maher Beauroy, todos ellos procedentes de familias tan modestas como muy musicales.

En este conjunto, Michel Sardaby ocupa un lugar tan notable como discreto. Iniciado en el piano por su padre, Bernard Sardaby, alrededor de los 4 años, llegó a París en 1954 para estudiar en la Escuela Boulle (artes aplicadas y arquitectura de interiores), al tiempo que seguía una carrera como músico. Ya había dirigido una orquesta de diez músicos en las Indias Occidentales.

Aquí está en los clubes con Robert Mavounzy y Al Lirvat (los antillanos de París); los excepcionales saxofonistas, Benny Waters en 1957, Don Byas, Dexter Gordon, Hal Singer; pero también JJ Johnson (trombón), Kenny Clarke (baterista histórico afincado en la región de París, una escuela por derecho propio). Tal es el privilegio de los pianistas, “ siempre que hagan el trabajo ». Lo cual se sabe sin demora. Historia de los músicos. Sardaby cuenta con el apoyo del productor Henri Debs.

Grabaciones en Nueva York

Michel Sardaby “acompaña” también músicos de blues. Un ejercicio que creemos sencillo, más que delicado: Sonny Boy Williamson II (en 1963) o T-Bone Walker. En marzo de 1967, fue uno de los pianistas, junto con Raph Schecroun (también conocido como Errol Parker), Claude Bolling, otros y Joe «Stride» Turner, para una larga grabación, Cinta para Billydedicado a Billy Strayhorn, el director musical de Duke Ellington, que agoniza en un hospital de Nueva York.

Decirles, sólo para situar la época, que todas las noches podíamos escuchar en La Calavados, un bar de los Campos Elíseos, a Joe “Stride” Turner (a quien el Duque o el Conde Basie nunca dejaban de venir a saludar, cuando estaban en la ciudad para un concierto en Pleyel), su interminable Cadillac violeta entroniza frente al club, un regalo de un cliente particularmente entusiasmado con la forma de tocar del pianista. Podemos entender.

Primer álbum de Michel Sardaby en 1964, seguido de grabaciones en Nueva York con Percy Heath (bajo) y Connie Kay (batería), sesiones con Ray Barretto (percusión), Billy Cobham (batería), Richard Davis y Ron Carter (bajo). en definitiva, el gratinado.

En los clubes, en París, lo escuchamos con Guy Lafitte, Michel de Villers y Chet Baker. su album gail (Disques Debs) recibe el premio Boris Vian. Nuevo álbum muy celebrado en 1989, Yendo a lugares (en Mantra, con Rufus Reid y Martin Smith), luego, en quinteto, para Directo (Registros de Sound Hills, 1993). Celebración de la Universidad de Pittsburgh, premio Grammy a la enseñanza y más

Es muy cierto que Michel Sardaby fue un valioso conducto, un maestro muy solicitado, “ofrecer a la juventud martiniquesa una espléndida educación y formación”, dijo esta tarde del 6 de diciembre de 2023, Annyck Alexis-Alexandre, su sobrina. Michel Sardaby, siempre rodeado, en sus propios combos, de los mejores bajistas y bateristas: más que una señal, una prueba.

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Nunca un poco de alarde, todo rigor alado, un toque tan fino, armonías alegres. Estar a su lado, en Marciac (1992), durante un concierto de Hank Jones (distinguido pianista), fuera de la gran carpa, delante de una pantalla con un sonido perfecto, escuchando sus comentarios susurrados en voz baja, seguirá siendo un concierto. dentro de un concierto que es más que conmovedor.

Michel Sardaby en algunas fechas

4 de septiembre de 1935 Nacimiento en Fort-de-France

1954 Se muda a París

1964 Primer álbum

6 de diciembre de 2023 Muerte en París

Francisco Marmande

Le dispararon al pianista es un documental sobre el artista de jazz brasileño Francisco Tenório Júnior, desaparecido en 1976. Alerta de spoiler, la película descubre por qué Tenório Júnior ya no está aquí. Los directores Fernando Trueba y Javier Mariscal se unieron a Contenders Film: Documentary de Deadline para discutir cómo usaron la animación para articular momentos históricos para los cuales no tenían material de archivo.

“Mi primer compromiso fue ser justo con Tenório Júnior”, dijo Trueba. “Creo que debes hacer algo por él, no sólo por nosotros. Para él y también para que el público lo descubriera, pero yo quería que el público lo conociera, lo conociera y escuchara su música”.

Algunas partes animadas muestran a Tenório creando música, para la cual los realizadores tenían grabaciones de audio. Mariscal dijo que la música guió las imágenes.

“Gracias a la animación podemos volver a darle vida a Tenório grabando y recreando este momento”, dijo Mariscal. “Los colores y este espacio es como un sueño, como un recuerdo”.

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Mariscal dijo que usó colores brillantes para mostrar “lo felices, lo agradables y lo complejos” que se sentían los músicos mientras tocaban. Mariscal dijo que el guión de Trueba era claro y estaba acompañado de mucho material de investigación. Donde había mucho material, Mariscal animó con precisión. Cuando eran más recuerdos de primera mano, se tomó más licencias artísticas.

Mariscal sabía cómo eran Nueva York y Buenos Ares, por lo que recreó las locaciones. Cuando la gente comparte sus recuerdos, Mariscal animaba al estilo de su historia, a veces “como noir o muy oscuro” o representando escenas de amor como “más caricatura”.

Jeff Goldblum narra la película. Trueba había dirigido a Goldblum en la película de 1989. Obsesión retorcida y siguieron siendo amigos. Trueba dijo que Goldblum esencialmente lo interpretó mirando a Tenório Júnior, pero con acento estadounidense.

«Es una especie de alter ego», dijo Trueba. “Él está haciendo lo que yo hice y conociendo a la gente que conocí. Pero siempre pensé ¿qué carajos hace ahí un director español? Estados Unidos y América Latina no estuvieron conectados por la mejor razón en ese período histórico. Pensé que era más interesante y más veraz que la historia fuera estadounidense, pero yo soy español”.

Trueba dijo que las autoridades de Buenos Aires en realidad arrestaron a Tenório por error durante uno de los muchos golpes de estado de la región. “Lo torturaron durante nueve días antes de matarlo”, dijo Trueba. «En este período de tiempo, el golpe de Estado tuvo lugar en medio de los últimos nueve días de su vida».

Los realizadores no pueden arreglar el pasado, pero esperan que THola, le disparó al pianista. puede ser un testimonio vivo del artista. “Tenório está muerto pero no está muerto”, dijo Mariscal. «Podemos escuchar y ver cómo tocaba el piano».

Vuelva a consultar el martes para ver el video del panel.

La actualización de Remix Rumble ya está disponible para Tácticas de lucha en equipo (TFT) ¡y trae un meta con temas musicales completamente nuevo para jugar! En esta guía, cubriremos la mejor competición de equipos de Miss Fortune en TFT.

Mejor composición del equipo de Miss Fortune Jazz para TFT Set 10 – Remix Rumble

Si logras ponerte en contacto con Miss Fortune como cabeza de cartel u otra cabeza de cartel basada en Jazz, puedes crear esta composición súper poderosa a su alrededor. Aprovecha una combinación de los rasgos salvajes de Jazz y aprovecha al máximo algunas unidades más baratas en Miss Fortune y Neeko para crear algunas unidades sólidas de 3 estrellas. Esta es una competición de juego lento, lo que significa que tu objetivo principal es alcanzar una pila de 50 de oro en el banco para obtener la mayor cantidad de ingresos posible. Luego puedes gastar y bajar hasta 50 en cada turno (no menos) para mantener el impulso.

Mejor competición TFT del juego inicial del equipo Miss Fortune Jazz

Estás jugando a largo plazo con esta composición de equipo, por lo que debes evitar gastar oro tanto como sea posible. No hagas ninguna tirada y, en su lugar, busca las siguientes unidades comunes para formar un escuadrón inicial:

• Corki – Esquina trasera izquierda
• Bard – Esquina trasera izquierda junto a Corki
• K’Sante – Primera fila central
• Lillia – Primera fila en el medio junto a K’Sante

Estas unidades son fáciles de conseguir desde el principio y, de hecho, funcionan muy bien desde el principio. Puedes usar Corki para guardar cualquier elemento de DPS que puedas construir cuando encuentres a Miss Fortune. Él hará un buen uso de ellos hasta que puedas hacer el cambio. Lo único en lo que querrás gastar oro además de estas unidades cuando aparezcan es en una actualización rápida al Nivel 4 en la Etapa 2-1. Esto te mantendrá competitivo desde el principio.

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Mejor equipo TFT de mitad de juego de Miss Fortune Jazz Team

A mitad del juego es donde las cosas empiezan a empeorar. En este punto, ya tienes algo de oro acumulado y deberías poder haber encontrado Miss Fortune u otro gran Jazz Headliner para usar. También aparecerán mejores personajes con más frecuencia ahora, por lo que deberías buscar hacer la transición a una nueva composición. Reemplace el equipo inicial del juego con la siguiente composición:

• Neeko: colócala al frente y al centro e intenta construirle un Warmogs si puedes.
• Kennen – Colócalo detrás de Neeko.
• Lillia – Colócala al lado de Kennen.
• Kai’Sa: colócala en la esquina trasera izquierda.
• Bardo: colócalo junto a Kai’Sa.
• Miss Fortune: colócala en el extremo derecho y trabaja en la construcción de Guinsoo’s Rageblade, Last Whisper y Deathblade.

Este equipo será un gran aumento de poder para ti una vez que lo tengas en su lugar. Estarás en una buena situación ahora y probablemente iniciarás una racha ganadora para acumular oro extra. Asegúrate de gastar algo de oro para alcanzar el nivel 6, idealmente alrededor de la marca de la etapa 3-2.

Mejor competición TFT del juego tardío del equipo de Jazz de Miss Fortune

Cerca del final del juego es donde realmente despega la formación de este equipo. Dirígete al nivel 8 para comenzar a obtener acceso a los campeones de primer nivel y luego crea la siguiente composición y elementos finales del equipo:

• Neeko: al frente y al centro con la armadura de Warmog, la garra del dragón y un chaleco de zarzas.
• Lillia – Colócala detrás de Neeko.
• Kennen – Coloca Kennen al lado de Neeko
• Bardo: coloca a Bardo en la esquina trasera izquierda.
• Kai’Sa – Colócala junto a Bard.
• Lucian: colócalo en el medio de la última fila y apunta a construirle un Infinity Edge.
• Miss Fortune: colócala en la esquina trasera derecha con los mismos elementos que antes.

Con esta composición final de equipo, tendrás una formación piramidal que hará que sea muy difícil lidiar con los equipos enemigos. Enviarás daño desde todas las direcciones y no te acumularás para evitar que los ataques AOE sean igual de efectivos. Las sinergias finales que tendrás con esta composición son Jazz de nivel 4, K/DA de nivel 3, Guardián de nivel 2, Centinela de nivel 2, Daño verdadero de nivel 2 y Big Shot de nivel 2. Estas sinergias te brindarán una buena cantidad de daño, salud, poder de habilidad, armadura y resistencia aumentados.

La música tiene un origen. La música tiene futuro. Esto puede parecer banal. Pero quien asistiera el miércoles por la noche a las actuaciones del saxofonista estadounidense Joshua Redman y del baterista de Zurich Jojo Mayer en el festival Jazznojazz de Zurich se encontraría con esta polaridad como un emocionante programa de contraste artístico.

Jojo Mayer se ha hecho famoso en todo el mundo como un futurista fáustico que, literalmente, pone de los nervios al tiempo para encontrar caminos hacia el futuro abierto. Joshua Redman, por su parte, ha sido considerado un guardián de la tradición desde que renovó el jazz en los años 1990 para hacerlo accesible a un público más amplio.

El saxofonista fue promocionado como un “Joven León” por la promoción en ese momento. A sus 54 años ya no es joven. Pero todavía rebosa alegría de vivir y vitalidad, que puede recordar a un majestuoso gato montés. Esto es significativo porque el carismático hombre calvo deja que su presencia física fluya en su forma de tocar el saxofón e inspira a toda la banda.

Geografía e historia musical.

Llegó a Zúrich con un nuevo quinteto en el que lo acompañan piano, bajo y batería y se inspira en la cantante Gabrielle Cavassa, de 29 años. Acaba de salir el disco “Where Are We”, que ya ha determinado el repertorio del concierto. Cada pieza está dedicada a una ciudad de Estados Unidos.

Pero lo que parece geografía resulta ser historia. Se interpretarán canciones sobre Chicago o Nueva Orleans que ya han sido interpretadas por ídolos del jazz como Louis Armstrong o Count Basie; Luego también éxitos del country y del rock como “Streets Of Philadelphia” de Bruce Springsteen.

Joshua Redman nunca se basa en el purismo estilístico. Más bien, traduce las composiciones al nuevo jazz arreglado con amapola. A pesar de toda su sofisticación, su música sigue siendo comprensible y agradable. Sin embargo, los furiosos solos de los músicos de primer nivel provocan alienación y tensión. Redman y Cavassa suelen ser el centro de atención. El saxofonista a veces toca la voz con volutas de fuego. Por otra parte, ambas voces están tan íntimamente unidas que los motivos parecen gotear como cera de una sola llama.

Gabrielle Cavassa se distingue por ser una cantante fascinante que al principio entona versos individuales de forma directa y pop. En algún momento deja atrás las palabras para que las sílabas puedan fusionarse completamente en timbres y tonos. Cuando el poder de la respiración disminuye, la mente se calla y el canto se forma por vibraciones de sufrimiento y el aliento de esperanza. Donde otros se quedan en silencio o tienen que recuperar el aliento, Cavassa logra balancearse y deleitarse aún más. Como si tuviera, si no una segunda alma, al menos un tercer pulmón en el pecho.

La sala estaba llena, el público aplaudía frenéticamente. Casi una hora más tarde se volvió a llenar para la actuación en solitario de Jojo Mayer. Aunque fue sólo parcialmente un esfuerzo en solitario. Mayer llama a su último proyecto “Me/Machine”, por lo que su forma de tocar la batería puede entenderse como un diálogo con la máquina o con el ordenador. En el concierto, Mayer reacciona a ritmos tecnoides preproducidos, pero que él puede controlar y modificar en vivo.

La mecánica se vuelve mágica.

Mientras los ritmos humanos y la IA musical funcionaran en paralelo, la actuación parecía una instalación de prueba mecánica. Uno se preguntaba si el destacado baterista algún día sería capaz de domar los ritmos despiadadamente cuantificados de la fuerza industrial a través de su sensible arte. Por otra parte, el concierto tuvo el carácter de una presentación tecnológica, algo especialmente interesante para los amantes de la batería. La magia sólo ocurrió cuando las dos fuerzas rítmicas aparentemente se convirtieron en una, formando un sonido de increíble intensidad.

Es importante que personas como Jojo Mayer abran nuevos horizontes a través de sus experimentos artísticos y técnicos, eso es lo que se decía recientemente. Esto abre un espacio para la imaginación y nuevas perspectivas artísticas. Pero no querrás sacrificar la tradición de mente abierta de Joshua Redman por este concepto. No sólo se encuentra en él nostalgia y familiaridad, sino que no sólo sirve para la seguridad cultural en uno mismo, sino que, sobre todo, ofrece disfrute.