Desde ruinas colectivas hasta luchas familiares de inmigrantes, comunidades marginadas y crisis climáticas, el 27º Festival Internacional de Cine Documental de Ji.hlava concluyó el sábado con honores por el trabajo desde diversas perspectivas sobre una infinidad de temas apremiantes.

El premio principal del Opus Bonum fue para el documental croata «Ship» de Elvis Lenic, una exploración de un monumento involuntario a los colectivos de trabajadores socialistas en la forma del astillero Uljanik, que alguna vez fue el más grande del país. Ahora un cementerio industrial, la vasta instalación portuaria está cerrando después de 160 años, un momento que Lenic filmó con imágenes poderosas en una historia que recuerda a los espectadores el destino de quienes construyeron los ahora fantasmales buques de carga y sus muelles.

El premio del público Ji.hlava fue para el documental checo “¿Hay algún lugar para mí, por favor?” El poderoso retrato de Jarmila Stukova de una mujer que sobrevivió a un ataque con ácido por parte de un exnovio, que conectó con los espectadores de una manera que la distinguió de las más de 350 otras películas en el festival de este año.

Entre otras figuras importantes del cine que visitaron Ji.hlava este año, el ícono del cine artístico húngaro Bela Tarr fue honrado por su contribución al cine mundial.

El premio documental de la sección de Europa Central y del Este fue para la película polaca “Distancias”, de Matej Bobrik, un retrato íntimo de una familia inmigrante nepalí que ha descubierto que la vida en Europa no es garantía de seguridad y éxito. La obra eslovaca “El tercer extremo del palo”, de Jaro Vojtek, también explora con imágenes crudas una comunidad que enfrenta dificultades económicas y una forma de doble aislamiento social: los romaníes homosexuales, que ganó el premio de la región de Visegrado.

El tributo checo-eslovaco al notable artista Jan Mancuska, “Nunca lo verás todo”, de Stepan Pech, ganó el premio al mejor debut por su representación del artista sensacional e innovador que murió a los 39 años en 2011.

El documental argentino “East Wind” de Maia Gattas Vargas ganó honores por su enfoque original con sus imágenes líricas y otra forma de memorial en la búsqueda de una mujer en Cisjordania en busca de comprensión sobre su padre desaparecido hace mucho tiempo.

Otro documental checo visualmente expresivo, “La Reine” de Nikola Klinger, ganó el premio del jurado estudiantil Opus Bonum con su crónica de un inconformista de 73 años que ahora enfrenta su destino con su habitual enfoque poco convencional.

En la sección Czech Joy del festival, la coproducción eslovaco-checa-ucraniana “Photophobia”, de Ivan Ostrochovsky y Pavol Pekarcik, impulsó a los jurados a otorgar el máximo premio por su exploración de los estudiantes obligados por la guerra de Rusia contra Ucrania a asistir a escuelas en estaciones de metro subterráneas. en Járkov.

Mención especial fue para el documental checo “My Paradise Is Darker Than Your Hell”, un relato del día a día de las personas cercanas a un artista que acabó con su vida, de Katerina Dudova, mientras que los premios de edición y diseño de sonido fueron para “Satan Among Us”. ”, una metapelícula de Martin Jezek que deconstruye la película biográfica checa “Arved”.

El premio de cinematografía Czech Joy fue para “Bedwetter”, una exploración de una “crisis de masculinidad”, filmada por Patrik Balonek con imágenes fluidas y frescas y dirigida por Jan Husek.

El ensayo filosófico de ciencia ficción «Notas del Eremoceno», un documental checo-eslovaco de Viera Cakanyova ganó honores por su enfoque original, mientras que el jurado estudiantil Czech Joy premió «El mundo según mi papá», un retrato afectuoso de un científico escrito por su hija, Marta Kovarova, mientras intenta en vano interesar a los líderes en un plan para combatir los gases de efecto invernadero globales.

La sección Ji.hlava Testimonies, centrada en películas que exploran crisis y problemas globales, fue ganada por el documental franco-griego “Mighty Afrin: In the Time of Floods” de Angelos Rallis, un relato excepcionalmente exuberante y poético de la búsqueda de una joven mientras enfrenta mareas crecientes mortales en el río Brahmaputra.

La sección de cine experimental Fascinations premió al documental japonés “Silhouette”, una película adaptada de escaneos por computadora LIDAR de Yoshiki Nishimura, mientras que el premio Exprmntl.cz fue para “The Commodity Catalogue”, un ensayo sobre la valoración de las imágenes de Zbynek Baladran.

Ganadores del 17º Festival Internacional de Cine Documental de Ji.hlava

Opus Bonum
Barco
Croacia
Director: Elvis Lenic

Documental de Europa Central y del Este
Distancias
Polonia
Director: Matej Bobrik

Película de la región de Visegrad
El tercer extremo del palo
Eslovaquia
Director: Jaro Vojtek

Debut
Nunca lo verás todo
República Checa/Eslovaquia
Director: Stepán Pech

Enfoque original
Viento del este
Argentina
Directora: Maia Gattas Vargas

jurado de estudiantes
La Reina
República Checa
Director: Nikola Klinger

alegría checa
Fotofobia
Eslovaquia/República Checa/Ucrania
Directores: Ivan Ostrochovsky, Pavol Pekarcik

Mención especial
Mi paraíso es más oscuro que tu infierno
República Checa
Directora: Katerina Dudova

Edición
Satanás entre nosotros
República Checa
Director: Martín Jezek

Diseño de sonido
Satanás entre nosotros

Cinematografía
mojar la cama
República Checa
Director: Jan Husek
Director de fotografía: Patrik Balonek

Enfoque original
Notas del Eremoceno
Eslovaquia/República Checa
Viera Cakanyova

Premio del jurado estudiantil
El mundo según mi papá
República Checa/Eslovaquia
Marta Kovarova

Premio del Público
¿Hay algún lugar para mí, por favor?
República Checa
Directora: Jarmila Stukova

Contribución al cine mundial
Bella Tarr

Testimonios
PODEROSA AFRIN: En tiempos de inundaciones
Francia/Grecia
Director: Angelos Rallis

Menciones especiales
Una de las mil colinas
Bélgica
Director: Bernard Bellefroid

No ese tipo de chico
Noruega
Director: Signe Rosenlund-Hauglid

Fascinaciones
Silueta
Japón
Director: Yoshiki Nishimura

Menciones especiales
AZUL
Cuba/Bélgica
Directora: Violena Ampudia

Dinosauria, Nosotros
Canadá
Director: Maxime-Claude L’Ecuyer

Exprmntl.cz
El catálogo de productos básicos
República Checa
Director: Zbynek Baladran

Menciones especiales

Pero no para siempre
República Checa/Portugal/Santo Tomé y Príncipe
Directores: Anezka Horova, Klara Trskova

Un sol en la vida de la curiosidad
República Checa
Director: Vit Ružická

El productor Pierre-Olivier Bardet se ha convertido en un héroe para los cineastas que mueven el barco: revolucionarios del cine y el documental que trabajan de maneras que, según él, son “completamente únicas”, como él dice: Albert Serra, Frederick Wiseman, Wang Bing y Alexandr Sokurov.

Y es difícil imaginar a alguien más que hubiera aceptado producir una versión en inglés de “La flauta mágica” de Mozart, dirigida por Kenneth Branagh (después de que Francis Ford Coppola y varias luminarias rechazaran el proyecto), ambientada en la Primera Guerra Mundial.

Pero para Bardet, lo que lo motiva es la fascinación de trabajar con aquellos que rechazan las convenciones habituales del cine, lo cual es una razón clave por la que fue honrado en el Festival Internacional de Cine Documental de Ji.hlava de este año por su contribución al cine por parte de la asociación de productores checos. .

La nueva película de Bardet con Serra, centrada en los rituales del toreo en España, probablemente traspasará los límites aún más, afirma. “Hice dos películas con él, ‘Liberté’ y ‘Pacifiction’ y actualmente estamos trabajando en una tercera juntos, que sería su sexta película, que se llama ‘Tardes de Soledad’”.

“Es una especie de documental, al estilo Serra”, dice con una sonrisa irónica. “Está inventando una determinada manera de hacer cine. Para mí es una especie de excepción en el mundo del cine: su forma de trabajar es extremadamente interesante, nada que haya visto antes en mi carrera”.

Bardet quedó fascinado con las películas de Serra, especialmente «La muerte de Luis XIV», dice, y estaba ansioso por trabajar con él, pero no tenía idea del método único de Serra hasta que tuvo la oportunidad de observarlo de primera mano, dice. “El primer punto y el más importante es que no hay guión. No hay diálogo”.

Tampoco hay ensayos, dice Bardet; cada toma es diferente.

Sus películas son “exactamente lo contrario de lo que la gente suele hacer, que es trasladar un elemento escrito a una película, con un guión, donde el diálogo está escrito; sólo hay que rehacerlo, en cierto modo. Él no trabaja de esta manera en absoluto”.

Serra organiza “determinadas situaciones” y luego filma con tres cámaras, “lo que obviamente es un problema para los actores porque no saben cómo actuar con una cámara. Actúan juntos, como en una obra de teatro”.

El resultado es notable, afirma Bardet. “La cámara puede ver elementos que no puedes ver con tus propios ojos. Puedes capturar algo que descubrirás sólo después de que termine el rodaje, cuando vayas y te sumerjas entre los juncos”.

Normalmente, con 20 horas de rodaje diario y rodajes cortos e intensivos de aproximadamente 24 días, la montaña de material (fueron 550 horas de rodaje para “Pacifiction”) lleva a Serra a otra técnica distintiva: después de revisarlo todo, tomando notas (en este caso 240 páginas) distribuye las instrucciones a tres editores.

Dirige tres puestos de edición simultáneamente: uno para él, otro para su director de fotografía y otro para su editor, cada uno asignado a diferentes partes de la película, pero solo pueden usar las tomas que Serra anotó.

“Ha tomado muchas decisiones debido a la luz, el aspecto visual de la toma, el diálogo… es como alguien que busca oro. Y con estos elementos tendrán que reconstruir la película. Entonces el rodaje es corto; la edición es larga”.

La aceptación por parte de Serra de las posibilidades de la fotografía digital fascina a Bardet, afirma.

“Creo que es el único director que conozco que utiliza la filmación digital de una manera que no se puede hacer con la película analógica. Le hubiera sido imposible haber hecho estas películas antes de que existiera el rodaje digital”.

El proceso da como resultado descubrimientos que pocos harían, dice Bardet. “Lo que está buscando es algo… hay una palabra bonita para eso en español y en francés: fatal. Algo que no se esperaba y que no se puede reproducir: la nota azul, en cierto modo”.

Bardet sentía una fascinación similar por los documentales de observación de larga duración de Frederick Wiseman, dice, lo que lo llevó a colaborar en la “Galería Nacional” nominada al César en 2014.

Wiseman, que documenta intensamente organizaciones e instituciones, nunca sabe lo que va a obtener, por lo que normalmente envía sólo una propuesta de media página a las organizaciones financiadoras, dice Bardet. Esto nunca habría funcionado con los programas de desarrollo cinematográfico francés, dice, por lo que Bardet desarrolló la propuesta de “Galería Nacional” hasta que tuvo una cantidad adecuada de páginas para ofrecer, con éxito.

La comprensión de Bardet de los recursos europeos y su capacidad para conectar con ellos a cineastas únicos lo ha convertido en un defensor de muchos que siguen su propio camino y luchan por encontrar apoyo.

Otro cineasta por el que Bardet siente pasión, Sokurov, tiene un nuevo proyecto en desarrollo, dice, pero poco puede decir al respecto por ahora excepto que trata el tema de “Oriente y Occidente”. El inconformista director ruso, que vive en San Petersburgo, probablemente filmará en Riga, Letonia, dice Bardet.

“Si las palomas se convirtieran en oro”, de Pepa Lubojacki, fue nombrado el proyecto europeo más prometedor en el Festival de Cine Documental de Ji.hlava.

La coproducción checo-eslovaca sigue a cuatro miembros de la familia, incluidos el propio hermano y los primos de Lubojacki, que se han quedado sin hogar durante más de una década y luchan contra la adicción.

“No uso la palabra ‘personas sin hogar’ porque tiene connotaciones realmente negativas. Cuando dices ‘residente sin vivienda’, implica que todavía son parte de esta sociedad”, dice el director.

“A veces me sentía culpable porque estaba mejor que mi hermano. Quería arrancarme una parte de mí y dársela. Pero no es otra historia deprimente, porque estoy harta de ellos. Siempre hubo amor en esta película”.

Con servicios de postproducción valorados en 15.000 y 5.000 euros (cortesía de UPP y Soundsquare), el ganador del premio Ji.hlava New Visions está producido por Wanda Kaprálová y Klára Mamojková de Claw. Matej Sotník coproduce para Guča Films.

Lubojacki también aparecerá en la película.

“No quería estar delante de la cámara en absoluto. Pero nos dimos cuenta de que había que mirar a estas personas a través de mis ojos”, explica Lubojacki.

“Hablo de lo que significa ser hijo de un adicto, un hermano. Lo que le hace a una familia. Siempre quise ser como mi hermano. Solía ​​ser ese hermoso chico patinador. Luego la adicción se hizo cargo y creo firmemente que se debe al trauma transgeneracional y a los patrones repetitivos”.

Ver la propia frustración de Lubojacki en la película fue “una de las peores experiencias”, dice Lubojacki.

“Me odiaba por comportarme así con él. Después de 10 años de lidiar con esto, te enojas y puedes ser malo con las personas que amas, sólo porque estás cansado. Intentas ayudarlos y siguen pasando desapercibidos y recayendo”.

“Aprendí que hay que aceptar a las personas tal como son y cómo viven, aunque eso también signifique la forma en que morirán. O puedes cortarlos y lamentar haberte perdido estos últimos momentos porque querías que cambiaran y no pudieron”, añade Lubojacki.

“Cometí este error con mi difunto padre. Puedes amar a las personas también como adictos”.

En el documento, Lubojacki también habla sobre sus propias luchas.

“La película me muestra en una institución de salud mental. Nadie lo sabía antes. Me sentí muy avergonzado”, admite Lubojacki.

“Rodamos escenas de terapia, pero no sé si las usaremos. Quiero asegurarme de que esta película no lastime a nadie. Ni yo, ni mis personajes. Me resulta problemático si filmas a alguien que realmente no puede dar su consentimiento porque está demasiado borracho o drogado. Verán la película primero y no se incluirá nada con lo que se sientan incómodos”.

“Si las palomas se convirtieran en oro” estará contada en “estilo ensayístico”, aseguran, con algunas de las escenas más importantes rodadas con un iPhone.

“No sé cuáles son ‘las reglas’, pero el estilo de observación no es para mí. Me interesa seguir las emociones, por lo que no será del todo lineal”.

También será esperanzador.

“Esta película está llena de esperanza porque amo mucho a mi hermano. Amo a mis primos. Nuestra relación nunca ha sido mejor. Ahora nos llamamos y nos decimos ‘te amo’. Antes, intentar hablar de este trauma oculto era como chocar contra una pared”.

“Existe una forma tradicional de abordar la adicción. «Dales amor duro, déjales tocar fondo». Pero mucha gente no toca fondo. Ellos simplemente… mueren”.

“Las personas adictas y sin hogar ya están heridas. No necesitan «amor duro». Necesitan escuchar algo edificante. Recuerdo cómo me trataban cuando estaba con mis familiares en la calle. Si los miráramos con compasión, haríamos una enorme diferencia”.

“Vemos esta película como muy poderosa y universal. La adicción es una consecuencia muy común de la cultura estresante y acelerada en la que vivimos”, dice la productora Wanda Kaprálová, y Klára Mamojková añade: “Revela momentos familiares muy íntimos y frágiles, y consideramos muy valiente la determinación de Pepa de compartir su historia. .”

“Como coproductora eslovaca, estamos convencidos de que este debut forma parte de una fuerte generación emergente de talentos documentales femeninos de Europa Central y del Este”, señala Matej Sotník.

Puede encontrar la lista completa de los ganadores de Ji.hlava New Visions aquí.

La veterana editora francesa Dominique Auvray dice que hay un elemento intuitivo esencial en su trabajo. La mujer que creó el sonido de “Paris, Texas” y montó películas como “No Fear, No Die”, “L’Amour Fou” y “Hu-Man” dice que su carrera se ha construido en torno a una habilidad clave: la afinación. en tus ojos y oídos.

Hablando en el Festival Internacional de Cine Documental de Ji.hlava esta semana, el colaborador de larga data de la influyente directora y autora francesa Marguerite Duras dijo: “Creo que lo primero que debes hacer cuando eres editor es mirar y escuchar. Y escuchar al mismo tiempo tu corazón y tu cabeza. Y escuchar al director. Y escuchar lo que dicen las imágenes, ya sabes”.

Auvray dice que abordó su trabajo en las películas definitivas de Duras “Le Camion”, “Woman of the Ganges” y “Le Navire Night” de esta manera, y todavía está escuchando el ritmo estos días como lo hizo cuando trabajaba con el director Wang Bing en su nueva película “Youth”, que se proyecta en Ji.hlava este año.

“Sólo tienes que esperar y esperar hasta que te llegue la música del montaje”, dice Auvray. «Y si eres un buen editor, alguien que puede mirar y escuchar la música de las imágenes y el sonido, encuentras la película».

Pasó largos días trabajando estrechamente con Duras, dice Auvray, pero un factor adicional fue el afecto del director por el vino rosado: sentía que «un trago» encajaba muy bien en el proceso de edición, pero Auvray tuvo que insistir en limitarlo a un solo vaso.

La 27ª edición del festival Ji.hlava, que se extenderá hasta el domingo, proyecta una retrospectiva de 15 películas de Duras que abarcan los años 1965-81, incluidas varias presentadas por Auvray, que también forma parte del jurado de la sección principal de la competición, Opus Bonum. .

Auvray reconoce que hoy en día muchos editores se enfrentan a la presión de cortar escenas y planos a un ritmo más estricto que el que utilizaba el cine tradicional de años pasados. Pero eso sólo significa que más de ellos deberían oponerse, dice.

«Sabes, si la gente no es capaz de luchar contra la duración cada vez más corta, entonces esta gente no está haciendo películas».

Afortunadamente, muchos cineastas contemporáneos están volviendo a un ritmo más exuberante en su narración, afirma, pero este enfoque también puede ir demasiado lejos.

“En este momento estoy trabajando con Wang Bing y él estaría muy feliz de tener una toma de 15 minutos”, dice Auvray, quien, además de “Youth”, editó su estudio de 2017 sobre las relaciones familiares y la demencia, “Mrs. Colmillo.»

“En ‘Sra. Fang’ dije, está bien, después de tres minutos corté. No digo nada, sólo corto. Y él dice que está bien”.

Auvray, quien asumió el papel de directora en 2014 creando un cariñoso homenaje a su colaborador, “El cine de Duras”, presentó la película en Ji.hlava, parte de una colección de 15 películas en el tributo a Duras del festival. La sección también incluye “Quiero hablar de Duras” de Claire Simon.

Duras, que murió en 1996, fue autor de libros como “The Lover” y escribió el guión de “Hiroshima, Mon Amour”, la clásica película francesa de la Nueva Ola de 1959 dirigida por Alain Resnais. Fue una figura literaria destacada de la Francia de la posguerra, que dirigió 19 películas y escribió más de 70 novelas, obras de teatro, guiones y adaptaciones.

La película de Auvray sobre Duras profundiza en su método, filosofía, inspiraciones y controversias, al tiempo que infunde a los espectadores la sensación de asombro que Duras sentía por el trabajo de autores desde John Ford hasta Jacques Tati y Charlie Chaplin. Duras sentía una fascinación especial por el clásico cine negro “La noche del cazador”, con sus escenarios casi surrealistas de MGM, principalmente construidos e iluminados en escenarios sonoros con una calidad de pesadilla intensificada.

Auvray sostiene que la profesión de montaje cinematográfico también es inspiradora e instintiva.

«Los buenos editores lo saben», dice. «Y los malos editores no lo saben».

Como ella dice: “No soy pretenciosa – o tal vez sí lo soy. No me importa. De todos modos, creo que lo sabes o no lo sabes. Sabes, Marguerite, dijo: «Sé cuando hay un libro y sé cuando no hay ningún libro». Y sé cuándo hay película y cuándo no. Eso es todo. Entonces, cuando editas, sabes cuándo estás en lo cierto y cuándo estás equivocado o va por el camino equivocado.

Y cuando un buen editor colabora con el director adecuado, dice, puede surgir un nuevo concepto de la película del proceso de montaje, pero depende de la confianza y la conexión.

«Tenemos que estar juntos», dice. “Y tal vez encontremos una nueva película cuando la editemos, pero está bien. Siempre y cuando ambos estemos de acuerdo”.

Como atestiguan los enormes estadios multimillonarios de todo el mundo en el documental de investigación de Haruna Honcoop “Olympic Halftime”, los mejores juegos mundiales también se han ganado una reputación de despilfarro y engaño masivos.

“Siempre es la misma historia”, dice la directora sobre su tema, visto esta semana en su estreno mundial en el Aeropuerto Internacional de Ji.hlava. Festival de cine documental: a las posibles ciudades anfitrionas de los Juegos Olímpicos se les presenta un espectáculo glorioso que de alguna manera también será ecológico y traerá nueva vitalidad económica a los distritos en dificultades.

“Pero desde los Juegos Olímpicos de Montreal de 1976”, dice Honcoop, “la ciudad anfitriona siempre tiene deudas y las paga durante 20 o 30 años en promedio. Y no ha habido Juegos Olímpicos desde que terminaron en números negros”.

Para dejar claro su punto, Honcoop viajó por el mundo durante seis años, infiltrándose en estadios en desuso y cerrados con candados e instalaciones deportivas gigantescas que alguna vez desempeñaron papeles protagónicos en los Juegos Olímpicos de Beijing, Tokio y Atenas. También visita los futuros sitios de los juegos de París 2024, donde los lugareños ya están denunciando la pérdida de parques y paz debido a los proyectos de los desarrolladores para los próximos eventos.

«Ha habido esfuerzos para reformar los Juegos Olímpicos, pero siempre fracasan y siempre vemos el mismo tipo de historia», dice Honcoop. «Y el Comité Olímpico Internacional es una ONG, básicamente, y es la ONG más rica del mundo, tiene todas las ganancias de las ventas de derechos de televisión, todos los ingresos de los comerciales e incluso construyeron una nueva sede en Lausana».

La escala de los excesos presupuestarios también es asombrosa, como lo documenta Honcoop en su documental independiente que recorre el mundo, gran parte del cual filmado en secreto con equipos portátiles. Los informes de los medios estiman que Grecia gastó alrededor de 11 mil millones de dólares en los Juegos Olímpicos de Atenas 2004, aproximadamente el doble de los costos estimados. Pero eso pronto fue eclipsado por Tokio, que invirtió casi 13 mil millones de dólares en los juegos de 2020, que se jugaron en estadios vacíos, gracias a las restricciones de COVID.

Honcoop asumió un gran riesgo personal para documentar los restos de los Juegos Olímpicos de Beijing 2022, que costaron más de 38 mil millones de dólares, y al mismo tiempo desplazó barrios y pueblos enteros, estos últimos para dar paso a pistas de esquí cubiertas de nieve artificial que consumieron miles de millones. de galones de agua.

“Olympic Halftime” también sigue al ex atleta Jules Boykoff, un académico que ha publicado libros muy críticos sobre la industria de los Juegos Olímpicos y lidera los esfuerzos contra los juegos.

Honcoop dice que su investigación fue instructiva: “Cuando hablé con él en Japón – y también en Francia cuando vino a apoyar al grupo antiolímpico francés – dijo que no creía que los Juegos Olímpicos pudieran reformarse. Tampoco yo.»

Una figura central en el creciente charlatanismo mundial, dice Honcoop, el Comité Olímpico Internacional, guardó silencio cuando pidió su opinión. «Intentamos acercarnos al COI para obtener una declaración oficial, pero nunca respondieron; lo intentamos durante uno o dos años».

Para solucionar este problema, Honcoop logró acreditarse como periodista para poder asistir a las ruedas de prensa del COI en Japón. También filmó eventos promocionales de los Juegos Olímpicos franceses hasta que le dijeron que dejara la cámara.

Honcoop comenzó su viaje y su vasta investigación sin respaldo, impulsada principalmente por una corazonada. «Estaba yo sola en China, filmando en secreto», dice. Luego, cuando finalmente encontró un productor, en la forma del veterano documental checo Vit Janacek, logró conseguir un operador de cámara, aunque a menudo contrataba a un fotógrafo local con un equipo mínimo. «Realmente teníamos que permanecer un poco encubiertos».

Mientras disparaba sin autorización, Honcoop fue atrapada “varias veces” por las autoridades chinas, dice, pero afortunadamente sólo le advirtieron, no la arrestaron. De hecho, se encontró con una seguridad mucho más estricta en Japón, recuerda.

“Me inspiré en estos lugares abandonados. Hay algunos exploradores ‘urbex’ que documentan estos lugares”.

Un colaborador clave que documenta Honcoop es un explorador urbano particularmente intrépido, Jiang, con quien se asoció en Beijing para irrumpir en estadios olímpicos suspendidos. “Nos levantamos como a las 5 de la mañana para entrar en secreto, muy temprano en la mañana para poder evitar a los guardias”.

Escalar vallas al amanecer para tomar sus fotos resultó en una sensación palpable de suspenso y en imágenes muy notables de espacios deportivos vastos y vacíos con una sensación claramente post-apocalíptica.

Conoció a su invaluable guía de ruinas en la proyección en China de la película de Honcoop de 2017, “Built to Last – Relics of Communities-era Architecture”, un viaje a través de los mayores éxitos de los proyectos concretos del bloque del Este que ilustra su fascinación por lo épico y, a menudo, tristemente temporal – Hulks.

Al igual que las megaestructuras de los Juegos Olímpicos, muchas de la era comunista continúan acechando a las ciudades hasta el día de hoy, aunque sólo sea porque derribarlas costaría más que dejarlas oxidarse y desmoronarse.

Pero esos lugares claramente tienen una cualidad embrujada que también perdura, como lo captura nuevamente Honcoop en “El entretiempo olímpico”. Como dice uno de sus sujetos: «Creo que las ruinas están vivas y en ellas el presente, el pasado y el futuro existen simultáneamente».

Honcoop, que es japonesa y checa, es estudiante de doctorado en la escuela de cine FAMU de Praga, donde investiga el cine documental independiente chino. Se centró en las relaciones checo-chinas en su película estudiantil premiada en 2016, “True or False”.

El trabajo de la cineasta azerí Hilal Baydarov ha llamado la atención por sus impresionantes imágenes, encuadres confiados y ritmo lírico, convirtiendo paisajes en retratos hipnóticos de mundos extraños pero familiares.

Su clase magistral en el Festival Internacional de Cine Documental de Ji.hlava, la primera en su vida y de la que tuvo que hablar a fondo, dice, ofreció información poco común sobre sus enfoques y métodos, construidos en torno a la proyección de su nueva película «Sermon to the Fish». .”

Originalmente titulada “Balıqlara xütbə”, la película Azerbaiyán-México-Suiza-Turquía comienza con una mujer joven en un paisaje salvaje cuya cabeza está completamente envuelta, casi como para un entierro, en un pañuelo floral rojo. A medida que la baja lentamente, comienza a desarrollarse su historia de un pueblo fantasma en el que todos se han podrido.

Su hermano regresa de una guerra diciendo «Ganamos la guerra», pero pronto se muestra a sí mismo también atormentado por la pérdida en un relato que se detiene en largas tomas de relieves pedregosos, árboles retorcidos y vastos campos petrolíferos contaminados.

Habiendo sido etiquetado como un maestro del cine lento, Baydarov originalmente estudió tecnología de la información, luego se obsesionó con el cine, dice, vio cientos de películas de arte y aprendió a dirigir con Béla Tarr en Sarajevo. “Aprendí que había otro mundo”, dice sobre la época, una idea que pronto lo llevó a hacer cuatro películas de ficción y cinco documentales, con “Cumpleaños” y “Un día en Selimpasha” proyectadas en Ji.hlava en 2018.

Sus películas están llenas de lo que se ha llamado «imágenes indistintas» que se mezclan con un «elenco enigmático y un poco triste» y un crítico calificó su último trabajo como «una película muy atmosférica compuesta de escenas sombrías y lentas complementadas con escenas ambientales e inquietantes». la música en su intento de responder a la pregunta de si sobrevivir es lo mismo que vivir”.

Aunque su trabajo ha ganado elogios y honores durante años, con el drama de 2020 «In Between Dying» nominado para un León de Oro en el festival de cine de Venecia, Baydarov dice «Ni siquiera sabía que estaba haciendo una película» cuando comenzó a filmar su película original. guiones.

Al escribir, filmar, dirigir y editar él mismo, Baydarov dice que cualquier guión con el que comienza generalmente se olvida una vez que comienza a filmar, prefiriendo seguir la luz y las formas que descubre en el lugar y animando a sus actores a explorar e improvisar.

“Estamos aquí por la belleza”, dice sobre sus días de filmación, sin permitir teléfonos ni redes sociales en el set. “Estamos buscando la belleza”.

“Descubro mis películas mediante la edición”, dice Baydarov, y agrega que el rico paisaje sonoro de pájaros, viento, insectos y extraños tonos no identificados es algo que él crea en la posproducción. Para «Sermon to the Fish», por lo general, repasó cientos de sonidos de pájaros antes de elegir los que le parecían correctos, dice.

A menudo cita una lección de su mentor, el gran surrealista húngaro Tarr: “Film like a dream, film like a music”.
Pero Baydarov también cree que el cine se encuentra en sus inicios como arte y los cineastas recién ahora están aprendiendo qué formas pueden tomar las historias y las imágenes, y en particular cómo trabajar con el tiempo. Si la unidad base de la música es la nota y el bloque de construcción de la literatura es la palabra, entonces en el cine es el tiempo, dice.

Esta realización impulsa gran parte del trabajo de Baydarov, dice, más que cualquier interés en encontrar o contar una historia lógica. Lo que permanecerá con los espectadores mucho más tiempo que las líneas escritas o una historia entretenida, dice, es algo más profundo: «Sentir».

El regreso del joven a la aldea abandonada en «Sermon to the Fish» y la victoria hueca y sin sentido de la guerra encajan con el estado de ánimo y el entorno en el que Baydarov se siente más cómodo, explorando paisajes azeríes transformados en oscuros mundos maravillosos, a menudo acentuados por el música del colega compositor Kanan Rustamli y, en este caso, del diseñador de sonido Christian Giraud.

“No me gusta ver mis películas”, confiesa Baydarov, y ciertamente se siente incómodo hablando de ellas. Una vez admitió inventar historias sobre sus personajes cuando los periodistas le preguntaron sobre ellos. En realidad, dice, no sabe nada de ellos.

En cambio, dice, se trata de la búsqueda del momento deslumbrante, y siempre un descubrimiento sorpresa. “Una buena película te lleva a un lugar en el que nunca has estado, pero en un momento sientes que es tuyo”.

“Nunca puedes imaginar lo que una sola imagen hará por ti”, agrega.

Un policía checo experimentado demostró ser el hombre adecuado para el trabajo cuando los funcionarios judiciales europeos comenzaron a investigar los crímenes de guerra que surgieron de la desintegración de Yugoslavia a principios de los 90.

Pero la película de Viktor Portel “The Investigator”, proyectada en la competencia principal en el Ji.hlava Intl. Festival de Cine Documental, revela a Vladimír Dzuro como mucho más que un tenaz detective.

Ciertamente, reúne pruebas metódicamente y no duda en entrar en las zonas calientes de la guerra para recopilar testimonios o incluso exhumar cuerpos, como hizo su equipo cerca de la ciudad fronteriza croata de Vukovar en 1996.

Pero durante 14 días de filmación en los sitios exactos donde se llevaron a cabo los asesinatos en masa, Dzuro demostró ser invaluable no solo como narrador en pantalla, sino como un profesional con perspectivas que aún son relevantes hoy en día, dice Portel.

Regresar a la escena de los crímenes fue “una especie de gran trauma” para sus sujetos, dice Portel, “pero por otro lado sienten que tienen que hablar de eso. Les dijimos que no queríamos hablar con ellos solo sobre el trauma, sino que también nos interesaba su situación actual, sus sentimientos sobre el tribunal de La Haya, etc.

El libro de Dzuro sobre sus experiencias rastreando a los responsables de las atrocidades, «El investigador: demonios de la guerra de los Balcanes», inspiró a Portel a comenzar a armar «El investigador» hace cuatro años, dice.

El cineasta e investigador checo trabajaba en la televisión pública checa en programas históricos cuando se encontró por primera vez con la historia de Dzuro, recuerda.

En 1992, Dzuro trabajaba para la oficina de Interpol en Praga cuando se enteró de que UNPROFOR, la fuerza de mantenimiento de la paz de las Naciones Unidas en la guerra de Yugoslavia, estaba reclutando civiles en Croacia, Bosnia y Herzegovina. “Me di cuenta de que tenía una obligación como investigador criminal”, dice Dzuro en la película, después de ver a francotiradores cazando mujeres y niños.

Quería ser parte del nuevo mecanismo para la justicia internacional, trabajando para ayudar a construir casos legales sólidos para enjuiciar a los responsables en la entonces recién formada Corte Penal Internacional en La Haya. Dzuro y muchos otros, dice Portel, creían que arrojar luz sobre las atrocidades ayudaría a cambiar las cosas y haría que esas tragedias fueran cosa del pasado.

La realidad de los casos largos y prolongados en los que los principales sospechosos a veces morían antes de que pudieran ser juzgados y sentenciados por completo fue un resultado bastante diferente, dice el director. “Muchas personas estaban realmente tristes y enojadas por la corte, y no solo en Serbia”, como dice Portel.

No fue necesario un gran esfuerzo para convencer a Dzuro de que apareciera en una versión cinematográfica de su libro, dice Portel. La causa de sacar a la luz la verdad es una a la que Dzuro sigue dedicado hoy, donde se encuentra actualmente, en Nueva York como funcionario de alto rango de las Naciones Unidas.

Pero es probable que el sujeto de Portel no comprendiera del todo el alcance de las recreaciones de crímenes de guerra que el director estaba planeando o la tensión emocional de volver a visitar los lugares del crimen después de tanto tiempo y, a veces, rastrear a testigos presenciales de los que nadie ha tenido noticias durante décadas.

Una figura crucial en el documento es el exdirector del hospital de Vukovar, donde 350 personas, incluidas decenas de heridos, mujeres y niños, se refugiaban en el sótano cuando el edificio fue alcanzado por un bombardeo aéreo. Pidió ayuda a la Cruz Roja durante meses, y finalmente le prometieron un salvoconducto para salir de la ciudad fronteriza croata-serbia.

Pero los soldados bajo el mando de Slavko Dokmanović impidieron que la Cruz Roja pasara, como relata el documento de Portel, y en su lugar, llegaron al hospital autobuses sin distintivos para llevar a los pacientes y al personal a un lugar que no revelarían.

Pronto resultó ser un campo de exterminio no muy lejos de la ciudad, donde al menos 40 niños fueron masacrados.

“The Investigator” lleva a los espectadores en oscuros viajes sobre estos eventos y también cubre los crímenes y la captura del organizador de asesinatos en masa Željko Arkan, en los que Dzuro desempeñó un papel clave.

Aunque el documental tenía un micropresupuesto, dice Portel, las ricas imágenes cinematográficas filmadas por el director de fotografía Šimon Dvořáček agregan poder y profundidad a la historia, especialmente cuando se intercalan con imágenes de archivo de noticias de los mismos lugares.

“Sabía que el marco básico sería gente real que regresaría a los lugares reales relacionados con los casos”, dice Portel. “También sabía que quería tener tiempo allí para hacer que la película pareciera cinematográfica. Y Dvořáček lo hizo en un tiempo increíblemente pequeño”.

Las sombras de los acontecimientos de esa época, expuestas con detalles forenses en el documento checo-croata, el primer largometraje de no ficción de Portel, son realmente largas.

Pero, dice el director, volver a los campos de exterminio décadas más tarde ha ofrecido a todos una mejor perspectiva de los acontecimientos. Una idea fue el gran alcance de la violencia y los asesinatos, dice. Los casos de “The Investigator”, por horribles que fueran, “son solo una pequeña gota en este mar de terror”.

El poder del sonido y los impactos de la guerra dominaron el 26° Aeropuerto Internacional de Ji.hlava. Premios del Festival de Cine Documental, con el documental francés “07:15 – Blackbird” llevándose a casa tanto el premio principal como el de cinematografía.

La historia de la búsqueda de una joven para identificar el canto de un pájaro misterioso, dirigida por Judith Auffray y filmada por Mario Valero, el poético cuento de hadas del doctor de 30 minutos, que equilibra la maravilla natural y la tecnología, se ganó al jurado de Opus Bonum. El jurado dijo que la película “nos lleva de regreso a los misterios de nuestra existencia”.

La gala de clausura, luego del enfoque del festival en películas de guerra y una fuerte presencia de cineastas ucranianos y su trabajo, hizo una pausa para honrar a los caídos en Ucrania cuando un coro subió al escenario para cantar un himno tradicional, «El patito nada».

El documental croata «Deserters», un estudio de cartas de jóvenes resistentes a la guerra de los Balcanes de Damir Markovina, ganó el premio de Europa Central y del Este junto con honores de diseño de sonido, mientras que «Over Our Hills», una mirada irónica a los reclutas militares suizos de Mateo Ybarra, ganó el premio de edición Opus Bonum con sus hábiles montajes de material de archivo.

La mirada de Fanie Pelletier a las adolescentes de Quebec que luchan con las crisis de identidad y las redes sociales, «Bloom», ganó el premio de debut en el documental, mientras que el documental en español «Greater Gospel» de Javier Codesal ganó los honores por enfoque original con su crónica de un hogar de ancianos para residentes LGTBIQ+.

El premio Czech Joy, que encabeza la competencia nacional, fue para la ópera documental “Kapr Code” de Lucie Králová por su enfoque poco convencional para honrar la obra de toda la vida del compositor Jan Kapr.

La robusta sección checa de la competencia también otorgó una mención especial a «Los visitantes», el documento de Veronika Lišková sobre los esfuerzos de una antropóloga social para estudiar una comunidad que enfrenta crisis climáticas en un archipiélago noruego, mientras que el premio de edición checo fue para la mirada de Jan Bušta al Jim de 1978. Suicidio masivo del culto a Jones en Guyana, “aBCDeFGHi-JONESTOWN”.

La intrincada reconstrucción de la tragedia de la película, basada en grabaciones de sonido y editada por Šimon Špidla, impresionó al jurado con su enfoque de la tragedia, en el que cientos de seguidores de Jones fueron obligados a beber veneno.

El premio de cinematografía checa fue para el homenaje de Petr Michal a la traductora literaria checa Anna Karenina, “Encontrado por el que busca”, filmado por Jakub Vrbík.

El seminal creador de documentos eslovaco Dušan Hanák también fue elogiado por sus décadas de trabajo luminoso, que los funcionarios del festival dijeron que «vinculó la civilidad con los experimentos».

La ceremonia de entrega de premios, en el centro cultural DKO de la ciudad central de la República Checa, coronó una semana de charlas y debates centrados en todo, desde la ética cinematográfica hasta la distribución independiente, los programas de tutoría de documentos y los homenajes a los creadores de documentos inspiradores de Filipinas, Azerbaiyán y más allá.

PREMIOS DEL 26° FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DOCUMENTAL JI.HLAVA

Gran premio Opus Bonum
07:15 – Mirlo
Judith Auffray
Francia

Mejor película de Europa Central y del Este
desertores
damir markovina
Croacia

Mejor edición
sobre nuestras colinas
mateo ybarra
Suiza

mejor cinematografía
07:15 – Mirlo
mario valero

Mejor debut documental
Florecer
Fanie Pelletier
Canadá

Mejor enfoque original
evangelio mayor
Javier Codesal
España

Mejor diseño de sonido
desertores
Miroslav Piškulic

premio del jurado estudiantil
sobre nuestras colinas

ALEGRÍA CHECA
Código Kapr
Lucie Králová
Eslovaquia/República Checa

Mención especial
Los visitantes
Veronika Lišková
Eslovaquia, Noruega, República Checa

Mejor edición
aBCDeFGHi-JONESTOWN
Jan Busta/Šimon Špidla
República Checa

mejor cinematografía
Encontrado por el que ella busca
Petr Michal/Jakub Vrbík
República Checa

premio del jurado estudiantil
Feliz para siempre
Jana Počtová
República Checa

TESTIMONIOS
Entre las malas hierbas: Dewayne «Lee» Johnson vs Monsanto Company
jennifer baichwal
Canadá

menciones especiales
Rojek
Zaynê Akyol
Canadá

Atlántico Ragagar
gilles aubry
Suiza

FASCINACIONES
El sonido del tiempo
Jeissy Trompiz
Venezuela, Brasil, Italia

menciones especiales
Restauración de espectro
Felipe Mejillón
Brasil

La geometría del cazador
Su Boram
Corea del Sur

EXPRMNTL.CZ
Cristalería
Zdenek Picpauer, Zdenek Picpauer
República Checa

menciones especiales
Kambium 1492
Denis Kozerawski, Peter Kašpar
Eslovaquia

El paisaje de las cenizas
Eliška Plechatová
República Checa

PREMIO DEL PÚBLICO
Feliz para siempre
Jana Počtová
República Checa

CONTRIBUCIÓN AL CINE MUNDIAL
Dušan Hanák

OJO DE PLATA
El amor no es una naranja
Otilia Babará
Rumania

Mención especial
Plai. Un camino de montaña
Eva Dzhyshyashvili
Ucrania

“Forest”, de Lidia Duda, actualmente en desarrollo, salió victoriosa en el Festival de Cine de Ji.hlava, recogiendo su primer Premio New Visions al proyecto europeo más prometedor.

El trofeo cuenta con servicios de postproducción valorados en 15.000€ y 5.000€, cortesía de UPP y Soundsquare, respectivamente.

El documental polaco, que se estrenará en 2024, también ganó el premio de capacitación #Docs Connect Taskovski, y «Recording Mary» de Mike Crane se destacó entre los proyectos estadounidenses de este año.

El jefe de la Berlinale, Carlo Chatrian, el productor del jurado Michael Rogosin y la directora artística de New Horizons, Ewa Szabłowska, elogiaron su capacidad para abordar una de las contradicciones del mundo contemporáneo, “donde las aspiraciones de un cielo en la Tierra se enfrentan a la dura realidad de Europa en la actualidad. ”

Marca otro éxito más para Duda, un cineasta establecido cuya bien recibida «Fledglings» sobre niños con discapacidad visual se estrenó en Locarno a principios de este año, obteniendo el Premio Marco Zucchi.

Ahora, se centrará en una familia polaca que escapó de los trabajos corporativos y las grandes ciudades y decidió establecerse rodeada de naturaleza. Pero mientras sus hijos crecen felices, el idilio llega a su fin. El bosque justo al lado de su casa esconde oscuros secretos y refugiados que hacen todo lo posible por sobrevivir.

“No esperamos ningún apoyo financiero. Simplemente nos subimos a nuestro auto y fuimos allí”, dice Duda. Variedad después de su victoria, elogió a la directora de fotografía de la película, Zuzanna Zachara-Hassairi, quien a menudo se “ahogaba en lodo” durante el desafiante rodaje.

“Forest” está producida por Adrianna Rędzia, Michał Ostatkiewicz y Aleksandra Ostatkiewicz de la Fundación Lumisenta, así como por Anna Bławut-Mazurkiewicz de Aura Films. Krzysztof Ridan se encargó del sonido.

En su película, el cuento de hadas se encuentra con la pesadilla, dice Duda.

“La pareja que mostramos quería escapar de los males del mundo. Querían crear un asilo, un mini paraíso para sus hijos. De repente, su vida ha cambiado: la política invadió su espacio. Pero tomaron una decisión. Decidieron ayudar”.

Si bien la familia no podía permanecer indiferente, el dolor que presenciaron comenzó a agobiarlos. Pero todas estas dificultades los acercaron, argumenta el timonel.

“Rescataron a una familia con cinco hijos, pero una mujer abortó y luego murió. Vieron cosas terribles y después, nuestra protagonista todavía tuvo que ir a casa y acostar a sus hijos, cantándoles canciones de cuna”.

“Ahora, se acerca el invierno y tendrán que regresar. Tendrán que absorber todo este mal de nuevo. El rodaje terminará en la primavera, cuando sus heridas comenzarán a sanar nuevamente”.

Según la productora Adrianna Rędzia, “Forest” se trata de fuerza.

“No solo la fuerza del carácter de alguien, sino la fuerza de esta familia”, agrega, subrayando su mensaje positivo.

Durante la guerra en curso de Rusia contra Ucrania, algunos refugiados son más «buscados» por el gobierno polaco que otros, afirman. Pero sus protagonistas no se diferencian ni lo harán, rehuyendo declaraciones políticas por un enfoque más universal.

“No mostramos ninguna actividad humanitaria ni voluntarios. Solo retratos de personas. Estos cinco niños que miran a la cámara son solo eso: son niños. No debería importarte de dónde vienen. Estamos borrando las líneas aquí”, dice Duda.

Ansiosa por capturar la colisión entre el mundo perfecto de sus protagonistas y “la naturaleza salvaje que mata”, tiene la intención de entregar un documental “artístico”, prestando especial atención al sonido.

“Una vez que ingresas a este bosque, la oscuridad es todo lo que puedes ver. Escuchas los sonidos de los animales, los escuchas respirar, de repente algo pasa corriendo a tu lado. Empiezas a experimentar este miedo primitivo”.

Duda quiere que sus futuros espectadores experimenten lo que los refugiados están experimentando allí, encarcelados en el bosque. Pero también encontró esperanza en esta historia, señala.

“Lo encontré en esta familia, aunque tuvo un precio. No creo que el mundo cambie de repente, que ya no seamos tan crueles, que no haya guerras. Pero podemos cambiar las cosas en nuestros pequeños mundos, una familia a la vez. Después de todo, si no reaccionamos, ¿quién lo hará? ¡¿Nuestros políticos?!”

“Estos son tiempos inestables: de repente, podrías ser tú quien toque a la puerta de alguien”, agrega Rędzia.

“Quiero creer que cuando lo haga, habrá alguien del otro lado que realmente quiera ayudar”.

Puede encontrar la lista completa de premios de la industria de Jihlava aquí.

Audiencias en silencio fueron testigos de imágenes de los primeros proyectiles rusos que golpeaban ciudades en Ucrania en la noche de inauguración del Ji.hlava Intl. Festival de Cine Documental el martes como primera línea de cine fue honrado.

El “Octavo día de la guerra” de Oksana Moiseniuk se proyectó en el venerable salón cultural DKO de la ciudad checa después de que el público escuchara al director ucraniano a través de un enlace de video desde Kiev, que sigue bajo bombardeos en el octavo mes de la guerra. La inmediatez de la película, similar a un diario, captura el estallido de los ataques rusos a través de los ojos de los ucranianos en la República Checa mientras intentan continuar con una apariencia de normalidad, mientras sus mentes están consumidas por los eventos que tienen lugar en casa y tratan de ayudar en todo lo que puedan.

En medio de mesas con poca luz en el edificio del teatro de décadas de antigüedad, la productora rumana Ada Solomon, una figura cinematográfica clave en el cine de arte regional detrás de «Bad Luck Banging or Loony Porn», recibió el premio a la excelencia mundial de la Asociación Checa de Productores Audiovisuales.

Solomon, recordando la larga historia de coproducciones internacionales en la región, elogió a la República Checa como uno de los socios más activos que hacen posible este tipo de películas y dijo que ese trabajo en equipo “habla de lo que significa una Europa unida”.

El premio APA reconoce anualmente una contribución destacada a la producción cinematográfica, yendo este año al productor de más de 60 títulos, incluido «I Do Not Care If We Go Down in History As Barbarians» de Radu Jude, ganador del Globo de Cristal del Festival de Karlovy Vary. en 2018, ganador del Oso de Plata de Berlín 2015 “Aferim!” y ganador del Oso de Oro 2013 “Child’s Pose” de Calin Netzer.

Ha trabajado con célebres cineastas rumanos como Cristian Nemescu, Ivana Mladenovic, Alexandru Solomon y Răzvan Rădulescu, y fue productora ejecutiva de «Toni Erdmann» de Maren Ade, entre otros créditos.

El premio del público Ji.hlava fest al mejor cortometraje en la sección Short Joy, elegido por los espectadores en línea en la plataforma DAFilms.com, honró a “Blue Bed”, una visión íntima de la relación de una pareja amorosa, de la directora belga Lize Cuveele .

El festival Ji.hlava, el evento más grande de su tipo en Europa Central y del Este, se extiende hasta el 30 de octubre, con cerca de 400 títulos proyectados y unos 97 estrenos mundiales.