Ha habido muchas películas sobre Frida Kahlo a lo largo de los años, incluida la bien considerada película de Julie Taymor de 2002 protagonizada por Salma Hayek, y el docudrama ingeniosamente fragmentado de 1983 del director mexicano Paul Leduc. Frida, naturaleza muerta – pero ninguno nos ha dado tal sensación del artista como una persona real que vive y respira como el nuevo e innovador documental de Carla Gutiérrez, Frida. (La película ahora está disponible en Prime Video después de su estreno en el Festival de Cine de Sundance). Gutiérrez, un editor galardonado, ha construido la película completamente a partir de material de archivo, utilizando las propias palabras e imágenes de Kahlo para presentar su vida vista a través de ella. propios ojos. Este enfoque puede tener sus limitaciones: a veces, la película parece presentada con demasiado cuidado, demasiado orientada al público. En este caso, sin embargo, gran parte del material ha sido extraído de los diarios visuales del artista mexicano. En todo caso, Gutiérrez peca del lado de la intimidad desnuda.

Así, escuchamos las dolorosamente confesionales palabras de Frida (dichas por Fernanda Echevarría del Rivero) mientras narra su infancia, creciendo con una madre profundamente religiosa y un padre ateo; sus vivaces años de adolescencia como joven estudiante de medicina, adorada por muchos; su largo y turbulento matrimonio con el lascivo y revolucionario muralista Diego Rivera, quien la eclipsó en su época; así como sus propias aventuras apasionadas tanto con hombres como con mujeres. Cuando termina la película, sentimos, quizás por primera vez, que hemos llegado a conocer esta figura legendaria, casi mítica. A pesar del tumulto de su vida y su singularidad como persona y artista, esta Frida parece francamente familiar.

Gutiérrez también ha hecho algo que algunos podrían considerar un sacrilegio. Ha tomado los dibujos y pinturas de Kahlo, incluidos algunos de los más inmortales, y los ha animado de modo que las imágenes ahora cambian ante nuestros ojos para reflejar sus transformaciones emocionales, con imágenes a menudo mutando unas en otras. De modo que, mientras escuchamos a Frida lamentarse de un aborto, vemos el cuadro Yo y mi muñeca que presenta a la artista sentada distraídamente junto a una muñeca, se transforma en la calavera y las tibias cruzadas en el centro de su frente en Pensando en la muerte. La imagen de Diego Rivera (completa con un tercer ojo) que aparece en el rostro de Frida en diego y yo se convierte en una lágrima que corre por su mejilla y se convierte en el corazón palpitante, expuesto y sangrante de Las Dos Fridas. Las flechas perforando el cuerpo de El ciervo herido lentamente emerge y desaparece para evocar la curación espiritual.

Es un camino inspirado hacia el trabajo de una artista que a menudo pintaba su propio rostro con arreglos visualmente impactantes. Los puristas pueden objetar, pero la película no intenta ser pura; es tratar de encarnar el arte en el complicado proceso de llegar a ser, tal como la persona que lo hizo. También intenta encarnar el arte que evoluciona más allá del marco. Gutiérrez ve claramente la vida de Frida en la obra y no al revés. Cuando sus pinturas son descubiertas por el poeta surrealista André Breton y presentadas en París, Frida señala que no sólo no sabe ni le importa qué es el surrealismo, sino que rechaza la forma en que se presenta su obra. Para ella, las pinturas no son simbólicas ni extrañas; son, como ella dice, «la expresión honesta de mí misma».

El simbolismo sugiere metáfora, análisis y evasión ingeniosa. Pero las pinturas de Frida son casi demasiado crudas, demasiado expuestas. Sufrió una extraordinaria agonía física durante toda su vida, debido a un ataque de polio en su niñez y, como es sabido, a un horrible accidente de autobús a la edad de 18 años que la llevó a docenas de cirugías. Imágenes de roturas, pinchazos y cortes recorren su obra. La columna de mármol colapsada que reemplaza su columna vertebral en La columna rota es una expresión directa de dolor; no provoca un asentimiento de complicidad, sino una mueca de malestar. Gutiérrez abraza esta verdad subyacente detrás del trabajo de Kahlo y la presenta cinematográficamente. Como resultado, un artista que murió hace 70 años obtiene un retrato cinematográfico de una inmediatez deslumbrante. Gutiérrez nos ofrece una Frida en la que podemos creer.

TÍTULO: Frida
Sección: Competencia de documentales estadounidenses
Director: Carla Gutiérrez
Línea de registro: Un viaje íntimamente crudo y mágico a través de la vida, la mente y el corazón de la icónica artista Frida Kahlo. Contada a través de sus propias palabras por primera vez, extraídas de su diario, cartas reveladoras, ensayos y entrevistas impresas, y cobrando vida vívidamente mediante una animación lírica inspirada en su inolvidable obra de arte.
Distribuidor: Estudios Amazon MGM
Miembro del jurado: Carla Gutiérrez (directora)
Primera proyección: Jueves 18 de enero
Cita clave: “Ella es la figura más icónica que puedas imaginar… Realmente queríamos llegar a ser lo más íntimo posible. [as possible] y resaltar su personalidad. Entonces, la película usa sus propias palabras para contar su propia historia.

“Su arte ha podido conectar con la gente porque realmente liberó sus emociones más íntimas de una manera increíblemente honesta. Y creo que todos buscamos poder hacerlo”. – Directora Carla Gutiérrez

El Deadline Studio en Sundance se llevará a cabo del 19 al 22 de enero en 608 Main Street, cuando el elenco y los creativos detrás de los mejores y más populares títulos de la programación de este año se sientan con el equipo del festival de Deadline para hablar sobre sus películas y los caminos que tomaron para llegar a Park City. .

Gracias a nuestros patrocinadores McGee & Co., Final Draft, Portrait Creative Network y Courser.

La artista francesa Apolonia Sokol, protagonista del documental nominado al Oscar Apolonia, Apolonia – ha sido comparada con la gran pintora mexicana Frida Kahlo. Ella admite que puede haber algunos paralelos, empezando por un parecido físico.

“Estaba bromeando un poco sobre eso: el hecho de que tenemos uniceja y bigote”, se ríe Sokol. «Tal vez estas sean similitudes».

En un nivel más sustancial, ambos artistas se describen a sí mismos como casi poseídos por el impulso creativo. “Pinto porque lo necesito”, dijo una vez Kahlo. En el documental dirigido por Lea Glob, Sokol comenta: “No puedo distinguir entre mi identidad y mi trabajo. Pero realmente no hay diferencia”.

Hay otro paralelo entre ellos. “Lo interesante de Frida Kahlo es que fue una de las primeras artistas en crear su propia mitología, su mitología personal, para sus pinturas. ‘Mitología personal’ es un término que usamos todo el tiempo ahora, pero antes, esta palabra no existía”, le dice Sokol a Deadline. “Ella está construyendo un personaje con todas las pinturas. Y tal vez lo que está pasando conmigo y la película es que Lea hizo eso por mí. Ella creó mi mitología”.

Parte de la mística de Apolonia –su mitología– es la forma sencilla en que mantiene la atención del espectador a lo largo de la película. El documental comienza con las primeras imágenes que Glob filmó con ella hace más de 15 años, mostrando a la joven artista en su elemento nativo, es decir, rodeada de un elenco giratorio de personajes bohemios. Sokol vivía en una antigua lavar (una especie de lavandería) en París que sus padres no tradicionales habían convertido en un espacio de actuación.

Glob se sintió atraída por la atracción gravitacional de la personalidad de Apolonia, un campo de fuerza de carisma que atraía a muchos a su órbita. «No sé si capturé a Apollonia con mi cámara, o si ella me atrapó en su teatro o algo así», dice Glob. «Todavía no lo sé.»

El cineasta danés, reservado por naturaleza, se convirtió en una especie de sombra para Apolonia, tal como lo era Apolonia para ella; alter egos cuyos destinos de alguna manera se entrelazaron. Hay una dualidad en la historia, que pone en primer plano el viaje de Sokol a través de un mundo artístico y cultural patriarcal, al tiempo que documenta sutilmente la propia evolución de Glob. Sus caminos se cruzarían, divergirían y volverían a cruzarse a lo largo de los 13 años que Glob hizo la película. Pero algunas versiones anteriores de la película no presentaban la presencia de Glob más que por implicación, como la persona que presumiblemente sostenía la cámara.

«Vi muchas versiones», le dice Sokol a Deadline. “Quería que ella estuviera en la película… Realmente la presioné para que lo hiciera… Le dije a Lea: ‘Pero escucha, hablamos todo el tiempo. Esto es lo que hacemos. Llevamos 13 años hablando. Tenemos una relación. Y eres un artista, eres un artista increíble, has estado haciendo una obra de arte durante tantos años y trabajando muy duro en ella. ¿Cómo no puedes ser parte de esto?’”.

Después de la escuela de cine, la carrera cinematográfica de Glob comenzó a desarrollarse y dirigió (con Petra Costa) el documental premiado. Olmo y la Gaviota. Pero el cineasta y Sokol mantuvieron un contacto frecuente, como cuando el artista enfrentó momentos de crisis –reales o ficticias– como la constante amenaza de desalojo de la lavar/espacio de teatro, que era codiciado por los promotores inmobiliarios.

“En algún momento también supo que era genial tener una cámara a tu alrededor, que tiene este poder”, explica Glob. “Y a veces ella también me llamaba y decía: ‘Lea, nos están echando’. Tienes que venir.’ ‘Ah, okey.’ Estaba sentado en otro lugar; estábamos editando Olmo y la Gaviota De hecho, pensé: ‘Ah, tengo que irme’. Tengo que filmar esto.’ Y luego llego y ella está horneando albóndigas y cocinando espaguetis con un nuevo amante. Y simplemente están sentados, muy enamorados. Y yo pensé: ‘Está bien, ¿se está produciendo este gran movimiento? ‘Sí, ya sabes, nunca lo sabemos’”.

La incipiente carrera artística de Apolonia la llevó a Nueva York y luego a Los Ángeles. Fue en Los Ángeles donde estuvo a punto de caer en las garras de Stefan Simchowitz, un coleccionista de arte y “asesor de arte” (para clientes adinerados), que ha sido descrito por el New York Times como “el Satán patrón del mundo del arte”. » En escenas llenas de suspenso, “Simcho” busca colonizar a este joven talento para su propio beneficio pecuniario.

«Hay un momento en el que realmente estoy tratando de venderme», admite Sokol, «tratando de lograrlo, crear un nombre».

Las cosas llegaron a un punto crítico en 2016 durante una feria de arte en Paramount Ranch, un lugar en las afueras de Los Ángeles donde (como W. escribió la revista) se podía observar un sitio inusual: “El plug anal inflable de Paul McCarthy ubicado en las mejillas de las montañas de Santa Mónica”.

En un intento espontáneo de autoliberación, Sokol, que sintió que Simcho y personas como él asfixiaban su fuerza vital, se desnudó y asumió una pose arqueada y gimnástica junto al gigante tapón anal verde. Glob capturó el momento que precipitó la ruptura de Apolonia con Simcho y el regreso a su entorno natal en París.

«Cuando estás completamente desesperado, lo único que te queda es tu propio cuerpo», dice Sokol. “Y eso fue muy eficiente porque una semana después recibí esta llamada telefónica que [Simcho] ya no quería trabajar conmigo. Y eso fue algo bueno porque no es una persona a la que puedas decirle que no”.

El acto de desafío de Apolonia y el uso de su cuerpo como declaración fue inspirado por su colega artista y activista Oksana Shachko, cofundadora del movimiento feminista radical Femen que tuvo que huir de su Ucrania natal hace más de una década bajo el acoso de grupos pro- Agentes rusos. Shachko y Sokol se volvieron extremadamente cercanos y compartieron espacio en el lavarcompatriotas unidos por un tremendo vínculo de amor y afecto, y un intenso y mutuo deseo de enfrentar al patriarcado.

Pero Shachko, que vivía con las constantes incertidumbres del exilio, parecía condenado. Ella, Sokol y Glob constituyen los pilares de la película.

“Lo que no entendí es que por [Oksana], lo más importante no era el arte. Fue el activismo. Fue la pelea”, observa Sokol. “A ella no le importaba ser capaz de crear algo nuevo. Quería ser útil y no podía serlo porque no podía haberlo hecho. [immigration] papeles y no podía luchar dentro de su propio movimiento”.

A medida que avanza la película, Apolonia comienza a alcanzar cierto grado de renombre en el mundo del arte, y algunos observadores la llaman la próxima Frida Kahlo. Ella y Oksana claramente no planeaban tener hijos, pero Glob eligió el camino de la maternidad. Sin embargo, su embarazo tuvo graves complicaciones y casi pierde la vida. Glob expresó a sus médicos su preocupación por los síntomas preocupantes, pero esas preocupaciones fueron descartadas: otra manifestación más de la forma en que los testimonios y experiencias de las mujeres a menudo son ignorados en una cultura regida por la perspectiva y las prerrogativas masculinas.

“Porque están estos tres personajes [in the documentary]»Y no solo a mí, esta película le habla a muchas mujeres y a tantas personas marginadas en nuestra sociedad», dice Sokol. «No se trata sólo de un pintor».

Apolonia, Apolonia Ganó el primer premio de documental en el Festival Internacional de Documentales de Ámsterdam (IDFA) 2022, así como otros premios en festivales de todo el mundo. Llegó a la lista de finalistas del Oscar a pesar de no haber obtenido distribución en Estados Unidos hasta esta semana; fue adquirida hace sólo unos días por Grasshopper Film y Documentary+. Comenzó a proyectarse el viernes en el Firehouse Cinema de DCTV en Nueva York.

Para Sokol, la película representa una validación, no para ella misma, sino para Glob, quien trabajó en la película, elaborando su narrativa y perfeccionando su esencia durante más de una década. Sokol recuerda aquellos días en los que pasaron tiempo juntos por primera vez, en el ambiente artísticamente embriagador. lavar rebosante de personalidad y energía.

«En este teatro había, por supuesto, muchos actores y todos estos diferentes artistas que ocupaban mucho espacio, y había que hacer mucho ruido para llamar la atención», recuerda Sokol. “Sólo puedes imaginarte en París: bohemio, pretencioso. [people], también. Y Lea era muy humilde y muy callada, pero muy decidida… Era la más callada”.

Apolonia añade: “Pero 13 años después, resulta que ella era la más talentosa. Quizás no ocupó tanto espacio, pero hizo una obra maestra”.

Es difícil para los entusiastas de NFT: el mercado se ha desacelerado significativamente, las ventas han se desplomó desde los picos, y las personas involucradas en el espacio están buscando formas de llamar la atención sobre sus proyectos.

Para el criptoempresario Martin Mobarak, la mejor manera que sabía hacer era destruir el arte de Frida Kahlo, valorado en 10 millones de dólares. En julio, en una fiesta del proyecto Frida.NFT de Mobarak, el coleccionista de arte quemó un dibujo de Kahlo ante una multitud que vitoreaba, de acuerdo con la El Nuevo Herald, prometiendo usar las ganancias de las ventas de NFT para obras de caridad.

“Me enorgullece decir que este evento resolverá algunos de los mayores problemas del mundo en honor a Frida Kahlo”, se lee en la diapositiva del título de un video producido por la empresa NFT.

Pero de acuerdo a Los New York Times, Hasta ahora, el proyecto solo vendió cuatro de los 10,000 NFT que creó, un retorno de aproximadamente $ 11,000 en un truco de $ 10 millones. Además de eso, la controvertida táctica de promoción puede haber infringido la ley mexicana.

Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura de México considera Los monumentos nacionales de la obra de Kahlo, y destruirlos es un crimen. En septiembre, el instituto anunció que estaba investigando si el dibujo de Mobarak era una pieza original de Kahlo. No está claro si las autoridades han compartido sus hallazgos sobre la autenticidad de la pieza.

El sitio web del proyecto lo describe como un esfuerzo por reunir a coleccionistas, creadores y amantes del arte e introducir el trabajo de Kahlo en el metaverso. En OpenSea, el proyecto NFT se describe como “el único vínculo que queda con la pintura del diario de Frida Kahlo, Fantasmones Siniestros, en existencia.» Casi sin interés en los NFT y el dibujo original (tal vez) en cenizas, la conexión del mundo con Fantasmones Siniestros parece más tenue que nunca.